Guía Educativa - Nevada...

Guía EducativaVoces Latinas:Trabajos sobre papel desde 1921 hasta la actualidad

Escrito porKelly Bridegum, Rachel Hartsough, Colin Robertson, Miriam Stanton y Ann M. Wolfe

Creado para acompañar el Programa Itinerante de Exhibiciones del Nevada TouringInitiative, un programa del Consejo de las Artes de Nevada. Esta exhibición cuenta con elauspicio de Obras maestras del arte estadounidense: Tres siglos de genio artístico, unainiciativa del Fondo Nacional para las Artes (NEA).

Introducción . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .1Los temas de la exhibición . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .2

Familia y religiónDiego Rivera, Fruits of Labor [Los Frutos del Trabajo], 1932 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .3José Clemente Orozco, Mujer Mexicana, 1929 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4José Chávez Morado, Duermevela, 1974 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5José Chávez Morado, Mujeres con Cántaros, 1985 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

La influencia del ModernismoSergio Gonzalez-Tornero, L’Appareil Celeste [El Aparato Celeste], 1963 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6Rufino Tamayo, Femme au Collant Noir [Mujer con Medias Negras], 1969 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7Gustavo Ramos Rivera, Untitled (29) [Sin título (29)], sin fecha . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .8

Activismo políticoFrank Romero, History of the Chicano Movement [Historia del Movimiento Chicano], 2002 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9Gronk, War of the Worlds [Guerra de los Mundos], 1993 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10Enrique Chagoya, The Big Little Book Series [La Serie del Gran Pequeño Libro], 1996 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11

En el reino de lo imaginarioLuis Jiménez, Jr., Chula, 1987 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12Luis Jiménez, Jr., Ball Rattlesnake [Serpiente de cascabel enrollada], 1987 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12Carmen Lomas Garza, Sandía, 1997 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .13Patssi Valdez, Mom’s Living Room [La Sala de Estar de Mamá], 2003 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .14Elizabeth Gómez, Moth Prayer [Plegaria de la Polilla], 2001 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .15Tino Rodríguez, Unravel [Develado], 2003 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .16Camille Rose Garcia, Who’s Afraid of the Peppermint Man [Quién le Teme al Hombre de Menta], 2002 . . . . . . . . . . .17

Biografía del personal del Nevada Museum of Art . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .18Recursos en la red (en idioma inglés) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .19

C O N T E N I D O

Escrito por Kelly Bridegum, Rachel Hartsough,

Colin Robertson, Miriam Stanton y Ann M. Wolfe

Voces Latinas:Trabajos sobre papel desde 1921 hasta la actualidad

Voces Latinas presenta obras de arte de diecisiete artistas que representan el variado rango de voces creativas queexisten dentro de la comunidad de origen latinoamericano. Proveniente sobre todo de la colección permanentedel Museo de Arte de Nevada, esta muestra presenta trabajos sobre papel que abarcan desde los primeros años delsiglo XX hasta la actualidad, y aborda temas y cuestiones complejas que continúan inspirando diálogos y debatesdentro (y también fuera) de la comunidad de origen latinoamericano.

Aunque resulta imposible plasmar íntegramente la historia del arte de origen latinoamericano en una únicaexhibición, los artistas presentes en Voces Latinas exploran un conjunto de temas que desde hace tiempo han sidode importancia para la cultura llamada «latina». La exhibición permite echar un vistazo a grabados tempranos deDiego Rivera y José Clemente Orozco que subrayan la importancia tradicional de la religión y la familia. Seincluyen también comentarios sobre el movimiento chicano de la década de 1960 por parte de artistas como FrankRomero, y trabajos de artistas contemporáneos que se nutren de las ricas tradiciones del Modernismo, elSimbolismo y el Realismo Mágico. La exhibición es una celebración del variado mosaico de voces individuales quese alza dentro de una comunidad que se redefine en forma continua.

En un esfuerzo por cumplir plenamente su misión de brindar un foro para la presentación de ideas creativas y deservir como un recurso cultural para todos los miembros de nuestra comunidad, el Museo de Arte de Nevadacontinúa desarrollando y expandiendo su colección permanente mediante la adquisición de nuevas obras de artis-tas de origen latinoamericano. Voces Latinas incluye trabajos de Enrique Chagoya, Camille Rose Garcia, CarmenLomas Garza, Elizabeth Gómez, Sergio Gonzalez-Tornero, Gronk, Luis Jiménez, Jr., José Chávez Morado, JoséClemente Orozco, Diego Rivera, Gustavo Ramos Rivera, Tino Rodríguez, Frank Romero, Rufino Tamayo y PatssiValdez.

Voces Latinas: Trabajos sobre papel desde 1921 hasta la actualidad tiene al Museo de Arte de Nevada como curador de lamuestra y se presenta como parte de Nevada Touring Initiative, un programa del Consejo de las Artes de Nevada,que ha sido hecho posible por Obras maestras del arte estadounidense: Tres siglos de genio artístico, una iniciativadel Fondo Nacional para las Artes (NEA).

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Familia y religiónLas tradiciones familiares y religiosas son de importancia central paramuchas culturas latinoamericanas. Muchos de los grabados tempranosque componen esta exhibición se presentan en el estilo llano del realis-mo e incluyen mujeres como figuras centrales, reflejando la organi-zación social matriarcal tan habitual en muchas culturas latinoameri-canas. Por ejemplo, las mujeres retratadas en los grabados de DiegoRivera y José Chávez Morado parecen estar encarando diferentes tipos detrabajos, mientras que la mujer del grabado de Morado lleva la cabezacubierta en la forma tradicional, lo que indica que podría haber estadopreparándose para participar de un servicio religioso.

La influencia del ModernismoExisten registros que prueban que a comienzos del siglo XX se produjouna mutua fertilización artística entre los artistas que trabajaban enLatinoamérica y los artistas modernos que trabajaban en Europa yAmérica del Norte. Por eso no resulta sorprendente ver que tantos artis-tas de origen latinoamericano hayan recibido la influencia de las tenden-cias modernistas que se irradiaban desde los países europeos. Por ejemp-lo, los grabados de Rufino Tamayo muestran la influencia de pintorescubistas europeos como Pablo Picasso y Georges Braque, mientras queSergio Gonzalez-Tornero realizó estudios en forma directa con el artistamoderno abstracto Stanley Hayter en su estudio Atelier 17 de París,Francia. Más recientemente, las coloridas telas abstractas del pintor mexi-cano-americano Gustavo Ramos Rivera se han comparado con las obrasde Paul Klee y Cy Twombly, pese a que este artista emplea un modo deabstracción que es único y original.

Activismo políticoA menudo los artistas utilizan el arte para plantear importantes cues-tiones políticas o para despertar la conciencia sobre hechos actuales queimpactan a sus comunidades en forma directa. Por ejemplo, el paisajepanorámico de Frank Romero titulado The History of the Chicano Movement(La historia del movimiento chicano) presenta en clave simbólica imá-genes, acontecimientos y desarrollos del movimiento chicano en generaly de la historia de los chicanos de Los Ángeles en particular. Para elartista mexicano-americano Enrique Chagoya el arte es un modo dedesafiar a los espectadores a que piensen en las complejas historias políti-cas y sociales que han moldeado el modo en que los demás ven almundo a su alrededor. Por ejemplo, explica que “Un tema actual dentrode mi trabajo son las cuestiones relativas a la inmigración, y estoy jugan-do con las ideas de invisibilidad y fronteras (culturales, étnicas y geográfi-cas) y los choques culturales que crean esas fronteras”.

En el reino de lo imaginarioMuchos de los artistas presentes en esta exhibición se inspiraron en histo-rias imaginarias y relatos míticos que están profundamente enraizados ensus respectivas culturas o historias familiares personales. La intrincadaobra Moth Prayer de Elizabeth Gómez se nutre de fuentes fantásticas simi-lares a las empleadas por algunos artistas surrealistas mexicanos comoFrida Kahlo y Leonora Carrington, mientras que Tino Rodríguez con-templa una amplia variedad de tradiciones que incluyen la antiguamitología, el arte clásico y las religiones del mundo. Patssi Valdez reflex-iona sobre su pasado personal para pintar salas de estar coloridas y deatmósfera onírica en las que se arremolinan los colores más vivos, querecuerdan a las casas tradicionales mexicanas pintadas en tonos vibrantesy decoradas con recuerdos familiares. Camille Rose Garcia explora elpoder de los sueños y del subconsciente humano para procesar los hor-rores de nuestras vidas diarias. En conjunto, los artistas de esta seccióninvitan a los espectadores a desprenderse de las ataduras de sus vidasdiarias e ingresar en el reino de lo imaginario.

diegoRIVERA (1886 – 1957)

V O C E S L A T I N A S

Las obras de Diego Rivera, que incluyen no solamente losfamosos murales por los que es reconocido sino tambiénsus menos difundidas litografías —como por ejemplo Fruitsof Labor—, combinan las prácticas del arte europeo moder-no con los valores e ideales del México del siglo XX y laimaginería de la cultura precolombina mexicana. Despuésde sus extensas visitas a Europa, donde estudió con PabloPicasso y Paul Cézanne, Rivera regresó a México en 1921,donde comenzó a explorar ideas sobre el pueblo y la histo-ria de México en su arte. Rivera formó una coalición consus contemporáneos, que incluyó a David Alfaro Siqueiros yJosé Clemente Orozco y que se conoció luego como Los TresGrandes, para promover sus ideas revolucionarias de que elarte debía servir a las clases trabajadoras mexicanas. Comoha escrito William H. Robinson, Rivera “no aspiraba mera-mente a crear un arte público, sino un arte verdaderamentepopulista que poseyera el poder visual y retórico necesariopara cambiar el mundo”.

En Fruits of Labor, la figura central femenina le entregamanzanas (símbolos tradicionales del conocimiento) a var-ios niños sentados, mientras que una figura masculinasostiene un libro abierto en lo que parece ser una leccióneducativa que transcurre en el campo donde se encuentrantrabajando o en un sitio cercano. La figura femenina tam-bién personifica el botín del trabajo mexicano, su frutometafórico. Por lo tanto, se hace aparente el juego de pal-abras que propone el título: las manzanas se recogen con

trabajo humano, y los “frutos” del trabajo son también lacontribución que realizan las clases trabajadoras a la salud yestabilidad de la economía.

Fruits of Labor pertenece a una serie pequeña de litografíascreada por Rivera para facilitar una amplia difusión de suarte entre el pueblo. En sus esfuerzos por difundir amplia-mente su trabajo entre las diferentes clases socialespodemos ver que sus propósitos coinciden con los que pusoen práctica en su otro trabajo de importancia, los grandesmurales públicos de México, con los que intentaba brindaruna expresión artística que unificara a las poblaciones deMéxico, diferentes desde lo étnico y lo cultural. La figurafemenina que aparece en Fruits of Labor se conecta en formaclara con la preocupación dominante en el arte de Rivera:Que la salud económica y el crecimiento cultural de unanación residen en sus clases trabajadoras, no en sus éliteseconómicas, culturales o políticas.

DECLARACIÓN DEL ARTISTAPor sobre todas las cosas, un artista es un ser humano, pro-fundamente humano hasta la médula. Si el artista no puedesentir todo lo que siente la humanidad, si el artista no escapaz de amar hasta olvidarse de sí mismo y sacrificarse si esnecesario, si no es capaz de dejar su pincel mágico yencabezar la lucha contra el opresor, entonces no es ungran artista.

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Observa, imagina y descubre

>> ¿Por qué crees que la obra de Diego Rivera,incluida Fruits of Labor, presenta acampesinos y trabajadores rurales?

>> ¿Qué sentido de identidad comunal o valorescomunales puedes descubrir al observar unaimagen como Fruits of Labor?

>> ¿En qué sentido los niños que aparecen enesta imagen son como los “frutos” de Fruitsof Labor?

Fruits of Labor [Los Frutos del Trabajo], 1932Litografía, 17 1/2 x 12 1/2 pulgadasColección del Nevada Museum of ArtLegado de Charles F. Cutts

joséCLEMENTE OROZCO (1883 – 1949)


José Clemente Orozco, uno de los principales represen-tantes del muralismo mexicano, pintó con gran convicciónmoral, desafiando a la conciencia social colectiva al combi-nar realismo y simbolismo para retratar con pasión lacondición humana. Poseía una comprensión única de losindividuos, y las personas que aparecen en sus muralesfueron retratadas desde esta delicada perspectiva. En elretrato Mujer Mexicana, los detalles plasmados son mínimospero deliberados. La cabeza de la mujer que aparece en laimagen está cubierta tanto por cabellos como por unpañuelo, quizás en referencia al papel ocupado por lareligión y a la tradición existente en el catolicismo mexi-cano de que las mujeres debían cubrirse la cabeza al entrar auna iglesia. Esta imagen también muestra el perfil de unamujer, y aunque su identidad permanece anónima, da unapauta del importante papel que tiene la mujer en la culturamexicana.

Orozco nació en Jalisco, México, el 23 de Noviembre de1883. En la década de 1890 su familia se mudó a Ciudad deMéxico donde Orozco comenzó sus estudios con el artistapolítico y satírico José Posada. Como resultado de la influ-encia de Posada, Orozco sintió que su vocación era estudiarbellas artes y trabajar en este campo, y se inscribió en laAcademia de San Carlos en la Ciudad de México, la mismaacademia en la que recibió capacitación Diego Rivera.Después de trabajar como caricaturista político Orozco seinvolucró fuertemente con la pintura mural, mostrandoescenas de luchas y revoluciones. Entre fines de 1920 ycomienzos de 1930 Orozco residió en Nueva York, donde susmurales se centraron aún más marcadamente en la temáti-ca de la condición humana en la vida urbana y laRevolución Mexicana. Orozco, que trabajó en el mismosentido durante toda su carrera artística, finalmente triunfóy se convirtió en un pintor de influencia conocido por elcomentario simbólico y el comentario social directo queplanteaba su obra.

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>> El retrato de Orozco muestra el perfil de unamujer. ¿Qué papel juegan en este retrato loselementos de postura, entorno y tema?

>> ¿Qué ideas nos brindan los retratos sobre lasidentidades personales, culturales o sociales?

>> Compara Mujer Mexicana con las obras Fruitsof Labor de Diego Rivera o Duermevela yMujeres con Cántaros de José Chávez Morado.¿En qué se parecen o se diferencian estasobras? ¿Sientes que estos dos trabajos teafectan en forma similar o diferente?

Mujer Mexicana, 1929Litografía, 9 7/8 x 13 7/8 pulgadasColección del Nevada Museum of ArtDonación de Martha Lauritzen en memoria de Frederick L. Lauritzen

joséCHÁVEZ MORADO (1909 – 2002)


Haciéndose eco del estilo de Diego Rivera—su predecesor yfuente de inspiración—José Chávez Morado adoptó latradición de utilizar en su arte una imaginería esencial yuniversalizada. Caracterizadas por líneas dramáticas y muymarcadas y escenas mexicanas clásicas, las obras de Moradointentan rejuvenecer las raíces de la cultura mexicana através de una lente de modernidad. En Mujeres con Cántaros,mujeres pertenecientes a distintas generaciones trabajanunas junto a otras, unidas por su labor. Como llevan vesti-dos y capas estilizados y tradicionales, los grupos de mujeresno pueden ubicarse en una época en particular en base a suatuendo. Las mujeres de Morado, activas e involucradas consu ambiente, dominan tanto el primer plano como el fondode la composición, además de moverse a través de la escenaen ambas direcciones. Aunque en el caso de Duermevela lasfiguras se encuentran en situación de descanso, todo da aentender que también los hombres acaban de concluir unlargo día de trabajo. Morado utiliza una línea tajante quepasa a través de los cuerpos durmientes de los hombres paraindicar la transición de la tarde a la noche, de la luz a lassombras. Mientras los hombres pasan del trabajo al descan-so la luz del día acompaña su devenir.

Morado trabajó como recolector de frutos en Californiaantes de dedicarse a su capacitación artística. Tras graduarseen la escuela secundaria en su pueblo natal de Guanajuato,México, viajó a los Estados Unidos en busca de trabajo.Después de unos pocos trabajos menores, Morado se diocuenta de que su lugar estaba en la escuela de bellas artes yse inscribió en la Chouinard School of Art de Los Ángeles(actualmente el Instituto de las Artes de California) en 1925.Poco tiempo después el artista regresó a Ciudad de México,donde estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Apenasun año más tarde, en 1933, Morado fue nombrado Jefe delDepartamento de Artes Gráficas del Ministerio deEducación. Dedicado al activismo social, se unió a la Liga deEscritores y Artistas Revolucionarios (L.E.A.R.), un grupodedicado a la fusión de artes y política. Manteniendo latradición de sus mentores muralistas, Morado fue sobre todoconocido por sus murales, que continúan exhibiéndose encentros públicos en distintos puntos de Ciudad de México.Hoy en día muchos de sus trabajos menores, además de suextensa colección de artefactos prehispánicos, puede apre-ciarse en su casa en Guanajuato, que su esposa convirtió enmuseo tras su muerte en 2002.

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>> Si no supieses nada sobre los grabados de Morado, ¿Cuándo creerías que fueron hechos? ¿Se ven como obras de arteactuales?

>> ¿Crees que es significativo que Morado haya decidido retratar sólo mujeres en Mujeres con Cántaros y sólo hombres enDuermevela? ¿Por qué? ¿Atribuyes esta separación a una realidad histórica (que hombres y mujeres trabajan separados) o el artista podría haber tenido otros motivos para separarlos en el papel?

>> En Duermevela Morado usa elementos formales de gran dramatismo como la luz, las sombras y las formas para realzar el efecto de esta imagen. Conversa sobre cómo el uso específico que hace el artista de cada uno de estos elementos ejerce su influencia sobre la composición en su conjunto.

Mujeres con Cántaros, 1985Litografía, 20 1/4 x 25 5/8 pulgadasColección del Nevada Museum of ArtDonación de Eliza y Art Anderson, Arteliza Galleries

Duermevela, 1974Litografía, 19 3/4 x 25 5/8 pulgadasColección del Nevada Museum of ArtDonación de Eliza y Art Anderson, Arteliza Galleries

sergioGONZALEZ-TORNERO (nacido en 1927)


El grabado de Gonzalez-Tornero que se incluye en estaexhibición es a la vez abstracto y representativo, además deser extrañamente estrafalario . Aunque no es de ningúnmodo “realista”, la obra remite a una imaginería reconoci-ble: tal vez, una peculiar dupla de caballo y jinete, o unjuguete mecánico o una máquina. El jinete, casi esqueléticoen sus formas, aparece al estilo de un caballero medievalsobre la grupa de un enorme caballo mecánico. La“máquina-animal” parece estar emitiendo sustanciasextrañas de apariencia polvorienta que salen de los cascos ylas articulaciones, alimentada por algún tipo de energíadesconocida que brota o se ubica en algo con apariencia detolva ubicado sobre el lomo de la criatura. El título enfrancés, L’Appareil Celeste, que puede traducirse como “elaparato celeste”, se suma al aire misterioso que circunda laobra.

Sergio Gonzalez-Tornero nació en Santiago, Chile, en1927 y estudió con el famoso grabador Stanley WilliamHayter en París, Francia, en el ahora reconocido estudio degrabados Atelier 17. En la actualidad se considera aGonzalez-Tornero como uno de los más importantesgrabadores provenientes de Sudamérica. Ha trabajado comograbador por casi cincuenta años, primero en Chile, su paísnatal, y más tarde en Brasil, Inglaterra y Francia.Actualmente vive en Nueva York. A lo largo de casi cin-cuenta años de trabajo, los aguafuertes y aguatintas deGonzalez-Tornero han aparecido en más de cuarentaexhibiciones individuales en distintos países de Europa y elcontinente americano. Ha recibido más de veinte presti-giosos galardones, incluido el Premio Unesco en la BienalInternacional de 1966, y el Primer Premio en la DécimaBienal de Grabados de América Latina y el Caribe en 1993.

Este particular ejemplo del arte en el grabado deGonzalez-Tornero proviene de una serie de grabados querealizó una década después de sus estudios en Atelier 17 conHayter, quien más tarde aseguró que Gonzalez-Tornerohabía sido el creador del estilo crudo y rústico de agua-fuerte que ejemplifica este grabado.

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>> ¿Qué ves en esta imagen?

>> ¿Qué tipos de ideas históricas pueden trans-mitir el caballo y el jinete?

>> ¿Qué crees que puede haber querido decir elartista al referirse a lo “celestial” en el título?

>> ¿Puedes imaginarte una historia que puedaestar representada en este grabado? ¿Quéocurre en la historia?

L’Appareil Celeste (El Aparato Celeste), 1963Aguatinta y aguafuerte, 16 x 20 pulgadasColección del Nevada Museum of ArtDonación de Marcia y Charles Growdon

rufinoTAMAYO (1899 – 1991)


Antiguas y futuristas a la vez, las imágenes de RufinoTamayo (o “personajes”, como él las llama) se encuentransuspendidas en una espacio sin tiempo de matices térreos ylíneas angulosas. El artista decía que quería que sus obras dearte defendieran “la tradición mexicana”, que él remontabahasta los artefactos prehispánicos y las artes folklóricas. Sinembargo, aunque su arte celebraba la rica historia mexi-cana, Tamayo se oponía activamente a usar el arte comomoneda política, una práctica habitual en el caso de losmurales de carga ideológica de sus contemporáneos, Los TresGrandes (Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y JoséClemente Orozco). Tamayo se concentraba sobre todo en lacalidad estética y pictórica de sus composiciones, que enalgunos casos daba lugar a obras de arte completamenteabstractas. En lo formal había recibido importantes influen-cias de los pintores cubistas europeos como Pablo Picasso yGeorges Braque.

En Femme au Collant Noir, la figura y su fondo sonextremadamente geométricos y se descomponen en planosy líneas abruptas. Tal énfasis en los elementos formales uni-versaliza el objeto del grabado: la mujer es reducida a suspartes básicas y por lo tanto elevada a su esencia humana.Pero inclusive en medio de esta universalización de las imá-genes, las figuras de Tamayo casi siempre han sido plas-madas en soledad. Tamayo creía que la soledad era funda-mental para la paz de espíritu y por lo tanto se encontrabaen la base del bienestar comunitario y cultural.

Desde el comienzo de su vida Tamayo se encontró rodea-do de una sólida herencia cultural. El artista nació en 1899en Oaxaca, México (en una región conocida por sus arte-sanías coloridas y muy elaboradas) de padres indígenaszapotecas. Mostró condiciones artísticas desde la infancia y ala edad de dieciocho años desafió a su familia para estudiararte en la Academia de San Carlos. Inmediatamentedespués de graduarse fue nombrado Jefe de DibujoEtnográfico en el Museo Nacional de Arqueología deCiudad de México. Se desempeñó como docente en laEscuela Nacional de Bellas Artes de Ciudad de México,donde declara haber adquirido un sentido de apreciación delas composiciones elementales, “primitivas” de sus alum-nos. Desde muy temprana edad Tamayo fue reconocido anivel internacional, realizando exhibiciones en distintospuntos de los Estados Unidos y Europa y obteniendo presti-giosos galardones. Vivió durante largos períodos en laCiudad de Nueva York, donde recibió invitaciones paramontar numerosas exhibiciones individuales. Su trabajo seconsidera seminal para la herencia artística mexicana.

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>> ¿Puedes asociar la figura en el grabado deTamayo con alguna cultura o período de tiem-po específico? Si no puedes hacerlo, ¿por quéocurre esto?

>> A menudo Tamayo usaba colores que asociabaen forma directa con la tierra. ¿Cómo creesque afectan a este grabado sus colores?Imagina cómo se vería si los tonos fuesenmucho más brillantes.

>> ¿Piensas que es posible mostrar una figura ensoledad y sin embargo aludir a aspectos uni-versales de la humanidad? ¿Cómo crees queTamayo intentó lograr este objetivo?

Femme au Collant Noir [Mujer con medias negras], 1969Litografía, 28 1/2 x 21 3/4 pulgadasColección del Nevada Museum of ArtDonación de Martha Lauritzen en memoria de Frederick L. Lauritzen

gustavoRAMOS RIVERA (nacido en 1940)


Las pinturas y grabados abstractos de Gustavo RamosRivera han infundido la escena artística del Área de la Bahíade San Francisco con colores vívidos y formas atrevidasdurante más de veinticinco años. Sus obras son amplia-mente reconocidas por el impacto visual y emocional queprovocan, y han sido comparadas con los trabajos de PaulKlee, Joan Miró y Cy Twombly. Sin embargo, a diferenciadel arte realista social de artistas como Diego Rivera, DavidAlfaro Siqueiros y José Clemente Orozco (vea algunos tra-bajos de esos artistas en esta exhibición), que retrataron alas personas y escenarios de la clase trabajadora mexicana,las obras de colores brillantes de Rivera son abstractas, muypersonales y visualmente intensas.Explora la vida emocional interior de un modo introspecti-vo y expresivo, sin embargo su trabajo es casi analíticodebido a las cualidades formales de su abstracción. Loscuadros y grabados de Rivera, incluida la pieza que formaparte de esta exhibición, combinan elementos imaginativosdel collage y del diseño con brillantes estallidos de color.Los colores hacen referencia a las tradiciones de su pasadomexicano, aunque formalmente también representan lacontinuidad del estilo de la primera oleada de artistasexpresionistas abstractos del Área de la Bahía, como FrankLobdell y Richard Diebenkorn.

En sus monoimpresiones como Untitled (29), Rivera creacapas múltiples y traslúcidas de color que brindan unacualidad atmosférica a la imagen, y que crean elementososcuros y lineales que parecen sugerir una perspectiva aéreade terrenos. La imagen es también profundamente person-al, y las marcas en el papel sugieren un tipo de lenguajepersonal hieroglífico.

Nacido en Ciudad Acuña, Coahuila, México, en 1940,Rivera emigró al Área de la Bahía en San Francisco en 1969.Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en Europa,México y los Estados Unidos, y varios importantes proyec-tos de arte público se exhiben en toda el Área de la Bahía,entre ellos obras en el Aeropuerto Internacional de SanFrancisco y en el Centro de Convenciones Moscone. En2005 se organizó una retrospectiva de las pinturas y trabajossobre papel de Ramos Rivera en el Ex-Convento del Carmen enGuadalajara, México. Su sitial en la historia del arte chicanoes único debido a su dedicación a la abstracción.

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>> ¿Qué cualidades emocionales invoca estegrabado?

>> ¿De qué manera los colores de este grabadoayudan a dar forma a sus pensamientos o sen-timientos con respecto al trabajo de RamosRivera?

>> Aunque esta imagen es una abstracción, ¿teparece que sugiere también algún elementodel mundo “real”?

Untitled (29) [Sin título (29)], sin fechaMonoimpresión, 34 1/2 x 23 1/4 pulgadasPréstamo cortesía de Trillium Press

frankROMERO (nacido en 1941)


Desde comienzos de la década de 1970 Frank Romerocomenzó a pintar murales y llevar el arte chicano a LosÁngeles. Junto con otros tres artistas (Gilberto Luján,Roberto de la Rocha y Carlos Almaraz, vea el trabajo deeste último en esta exhibición), fundó Los Four, un grupo dearte colectivo chicano que resultó instrumental para dirigirla atención pública hacia el arte callejero chicano en LosÁngeles.

Inspirado por el movimiento para los derechos civiles, elmovimiento sindical de origen chicano y el arte y filosofíade Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José ClementeOrozco (Los Tres Grandes), Romero y Los Four continuaron latradición de arte público que hicieran famosa los grandesmuralistas mexicanos. Cuando la Universidad de Californiaen Irvine, y luego el Museo de Arte del Condado de LosÁngeles exhibieron el trabajo de Los Four en 1974, el mundoartístico en general prestó atención al arte chicano porprimera vez, y esto resultó de ayuda para que el movimien-to adquiriera su estatus oficial como tal dentro del marcode la comunidad artística.

History of the Chicano Movement presenta en colores atrevi-dos, pinceladas expresivas e imaginería simbólica acontec-imientos y desarrollos del movimiento chicano en general y

de la historia de los chicanos de Los Ángeles en particular.Al incorporar hechos históricos y contemporáneos quehacen a las experiencias de los chicanos (desde la condenade los hogares que ocupaban el sitio en que fue construidoel Dodger Stadium en Los Ángeles, pasando por la impor-tancia del automóvil y las innumerables autovías quecruzan el sur de California, hasta la importancia delmovimiento sindical chicano y el Sindicato de CampesinosUnidos en la cultura chicana) Romero define una especiede memoria colectiva de los chicanos. También promueveuna nueva interpretación de la noción cultural chicana deLa Raza, cuyo significado es “pueblo”, pero que denota a laspersonas de origen latinoamericano que comparten lasherencias culturales y políticas del colonialismo hispánico,incluyendo el idioma español y la religión católica romana.

DECLARACIÓN DEL ARTISTAPinto con mucha seriedad sobre el dolor y el sufrimiento,pero mis pinturas están hechas con una sensibilidad latina,una cultura en la que nos reímos de la muerte.

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History of the Chicano Movement[Historia del movimiento chicano], 2002Impresión digital pigmentada, 16 x 50 3/8 pulgadasPréstamo cortesía de Patricia Correia Gallery


>> ¿Qué elementos visuales contenidos en estaimagen sugieren la historia del pueblo chi-cano en este país? ¿Qué elementos visualessugieren la realidad de la vida contem-poránea?

>> ¿Qué sugiere este grabado respecto de laimportancia de la conciencia social en lavida contemporánea? ¿Y en el arte?

>> ¿Qué crees que está diciendo este grabadocon respecto a la historia del movimientochicano en este país?

GRONK (nacido en 1954)


Legendario muralista, grabador, artista escénico y pintor,Gronk comenzó a construirse un nicho en el circuito cul-tural alternativo del Este de Los Ángeles en la década de1970. Como miembro fundador del grupo de arte colectivode vanguardia llamado Asco (un sinónimo de “náusea”),Gronk ayudo a comunicar el mensaje político y el espírituactivista del movimiento chicano al público en general. Enla superficie, las pinturas de Gronk combinan el crudo estilográfico de los graffiti callejeros con la pasión del expresionis-mo abstracto. Estas características, combinadas con el com-plejo vocabulario de símbolos e imágenes que utiliza Gronk,revelan su compromiso con un arte que es a la vez osado einconfundiblemente personal. Inspirado en su fascinacióninfantil por los programas televisivos que presentabanvisiones futuristas del planeta y de la humanidad, War of theWorlds es una obra pletórica de tal lenguaje simbólico, y ricaen imágenes y colores netamente definidos que parecendespegarse de la superficie del grabado.

Gronk nació bajo el nombre de Glugio Bronk Nicandroen el Este de Los Ángeles en 1954 y creció en la pobreza conuna madre soltera que le había dado el sobrenombre Gronk,que significa “volar” en un idioma indígena de Brasil. Gronkasistió a la Garfield High School del Este de Los Ángeles afines de la década de 1960, que en ese tiempo era un semi-llero de activismo político y social. A los dieciséis años aban-donó la escuela y con algunos de sus ex-compañeros (PatssiValdez, Harry Gamboa Jr. y Willie Herrón) fundó Asco.

Juntos organizaron exhibiciones de arte, realizaron presenta-ciones callejeras, crearon vídeos y representaron obrasteatrales en vivo, todo en respuesta al tumulto de la vidaurbana de Los Ángeles. Asco también realizó una serie deobjetos murales en colaboración que se referían a la violen-cia en las calles del Este de Los Ángeles. Creados a menudoen forma casi instantánea y en espacios públicos muy con-curridos, los murales tuvieron una gran exposición ante lacomunidad. Aunque su trabajo se inspiró en el espíritu delos renombrados muralistas mexicanos Diego Rivera, DavidAlfaro Siqueiros y José Clemente Orozco (Los Tres Grandes),también incorporó influencias contemporáneas como lacultura pop, el graffiti y el surrealismo.

DECLARACIÓN DEL ARTISTADibujar era para mí una vía de escape de la pobreza y delambiente en que vivía. Era una manera de crear nuevosmundos sólo para mí. Me gusta crear mundos en los quepuedan entran otras personas... lugares en los que puedanencontrar su propia imaginación. Nunca asistí a museos ogalerías de arte. No formaron parte de mi infancia. Sinembargo, todo lo que necesitaba hacer para verme rodeadode imágenes visuales era atravesar la puerta de mi casa.Había graffiti por todas partes y me ayudaron a desarrollaruna idea acabada de lo que quería lograr.

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>> Gronk incorporó a su trabajo muchas imá-genes y símbolos. ¿Qué símbolos puedes verrepresentados en War of the Worlds, y quésignificado crees que el artista intentó dar-les?

>> ¿Cómo crees que cuadra esta imagen en elconjunto completo de las obras de Gronkcomo artista que refleja cuestiones ligadas ala cultura y tradiciones chicanas?

>> ¿Qué artistas, estilos artísticos e influenciasculturales diferentes puedes ver represen-tadas en War of the Worlds?

War of the Worlds [Guerra de los Mundos], 1993Litografía, 26 1/8 x 22 1/2 pulgadasPréstamo cortesía de Hamilton Press

enriqueCHAGOYA (nacido en 1953)


En sus pinturas, dibujos y grabados, Enrique Chagoya com-bina imágenes tomadas de la cultura popular y los mediosde comunicación, el arte folklórico mexicano, la historiaoccidental y las tradiciones religiosas para crear comentar-ios sociales de impactante factura visual. A menudo su tra-bajo es satírico, y desafía a los observadores a considerar porqué y cómo la historia tradicionalmente ha sido escrita porlos ganadores de las guerras y por los colonizadores denuevas tierras, dejando por lo tanto al margen las historiasque serían contadas por los colonizados y los perdedores enlas guerras.

Este grabado proviene de la obra de 1996 de Chagoya lla-mada The Big Little Book Series, cuyo título fue tomado de unlibro de historietas de pequeño formato de la década de 1930que protagonizaba un agente de la patrulla de frontera pla-gado de estereotipos sobre los indígenas y los mexicanos. Eneste grabado la figura central permanece de pie, con piernasy brazos extendidos, frente a la forma de una construcciónque se asemeja a la Pirámide del Sol cercana a Teotihuacánen México. La figura parece encontrarse marcada por dosinfluencias y tal vez indecisa entre ambas: la tradición cul-tural indígena (en la forma de marcas que semejan un toca-do de plumas) y la religión occidental, que puede verse enla forma de crucifijo que atraviesa la cabeza de la figura.

Chagoya nació en México, pero emigró a los EstadosUnidos en 1977. Se graduó en Economía en la UniversidadNacional Autónoma de México en 1975, luego obtuvo su licen-ciatura (BFA) en el Instituto de Artes de San Francisco en1984, y sendos títulos de maestría MA y MFA de laUniversidad de California, Berkeley a fines de la década de1980. Chagoya actualmente dicta clases en el Departamentode Arte de la Universidad de Stanford.

DECLARACIÓN DEL ARTISTAMis trabajos son una fusión conceptual de las realidadesculturales opuestas que he experimentado en mi vida.Integro diferentes elementos provenientes de la mitologíaprecolombina, la iconografía religiosa occidental y la cul-tura popular norteamericana. El arte se convierte en el pro-ducto de choques entre visiones históricas antiguas y mod-ernas, y paradigmas marginales y dominantes: una tesis yantítesis que en la mente del observador desemboca en unasíntesis. A menudo el resultado es una narrativa no linealcon muchas interpretaciones posibles.

Un tema actual dentro de mi trabajo son las cuestionesrelativas a la inmigración, y estoy jugando con las ideas deinvisibilidad y fronteras (culturales, étnicas y geográficas) ylos choques culturales que crean esas fronteras. Pero losconflictos culturales también producen cambios benefi-ciosos, y en muchos lugares están surgiendo híbridos enmedio de esos conflictos... La figura que presento en The BigLittle Book Series es la de un chamán, como opuesta a la de un“salvaje”, y estoy intentando alejarme de los estereotiposque tildaban a las antiguas culturas mexicanas de “salvajes”y “sedientas de sangre”.

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>> ¿Te recuerda algo la figura que aparece eneste grabado?

>> ¿Qué historias de personas que habitan eneste país, o en otros, no se han contadodebido a que han sido víctimas de coloniza-ciones, guerras o pérdidas?

>> ¿Te parece que hay sentido del humor en estaimagen? ¿Por qué?

>> ¿Cómo afecta esta imagen tus pensamientoso percepciones respecto de las antiguas cul-turas mexicanas?

The Big Little Book Series[La Serie del Gran Pequeño Libro], 1996Monoimpresión, 25 3/4 x 19 1/2 pulgadasColección del Nevada Museum of Art

luisJIMÉNEZ JR. (1940-2006)


Luis Jiménez, Jr. considera que su audiencia primaria es laclase trabajadora chicana, e intencionalmente evoca losestereotipos y las imágenes populares de su cultura para ele-var a las personas y hechos cotidianos a proporciones hero-icas. Jiménez comenzó a producir obras de arte a fines de ladécada de 1960, en el momento en que el movimiento chi-cano para los derechos civiles comenzaba a ganar vuelo.Combinó las influencias de las tradiciones mexicanas y mexi-cano-americanas, los íconos culturales chicanos y la culturapopular de occidente, en un estilo personal que expresa laestética chicana y refleja las raíces sudoccidentales de Jiménez.

Chula y Ball Rattlesnake, dos de sus litografías creadas afinales de la década de 1980, fueron concebidas con estemismo espíritu. Chula, que significa bonita o graciosa (y es elnombre del pájaro mascota de Jiménez), crea una paradojavisual. El nombre de la imagen no prepara al espectadorpara la aparición de la criatura de apariencia amenazante:un cuervo, un pájaro común en México y América del Sur.Ball Rattlesnake representa la relación de Jiménez con la fron-tera que se encuentra entre los Estados Unidos y México, yalude a sus raíces e influencias interculturales. Una carac-terística sutil pero típica del trabajo de Jiménez es que cadagrabado ha sido espolvoreado con una fina capa de purpuri-na, demostrando las influencias culturales populares delartista, que incita al observador a considerar estos trabajostanto desde una perspectiva histórica como humorística.

Jiménez nació en El Paso, Texas, de padre inmigrantemexicano y madre chicana nacida en Texas, y avanzó en sucarrera a partir de este legado ínter fronterizo. Estudió arteen la Universidad de Texas donde se graduó en 1964, antesde dirigirse hacia el sur donde pasó algún tiempo en Ciudadde México estudiando la prolífica tradición de los muralistasmexicanos. Su trabajo demuestra la tremenda influenciaque tuvo esta experiencia en su desarrollo, tanto desde unpunto de vista técnico como social. En 1966 Jiménez semudó a Nueva York y más tarde realizó su primera muestraindividual en la Galería de Arte Graham. Como pensaba

que el sistema de galerías de los Estados Unidos solamentealcanzaba a una audiencia limitada, Jiménez volvió a diri-girse hacia el sudoeste en 1972 para hacer realidad su sueñode realizar arte público. Sus esculturas y dibujos encarnanuna conciencia social, y se dirigen a audiencias que no siem-pre se sienten a gusto en los museos o galerías de arte.Jimenez murió en forma trágica mientras trabajaba en unaescultura pública en 2006.

DECLARACIÓN DEL ARTISTALos animales que viven en su ambiente natural nos revelanverdades sobre nosotros mismos. Nos recuerdan una parte denosotros mismos que a menudo tratamos de ocultar o hemosolvidado. Debemos crear nuestros propios héroes que noshagan sentir bien respecto de nosotros mismos. Los artistaspueden brindar esas imágenes. Mi principal preocupación esla de crear un arte Americano que use símbolos e íconos.Estoy haciendo arte mayor pero con materiales artísticos debaja categoría. Pienso que soy un artista tradicional que traba-ja con imágenes y materiales propios de su tiempo.

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>> ¿Qué impacto crees que tiene la diamantina (purpurina)en estos grabados? ¿En qué cambia nuestra percepción delas obras, y en qué crees que serían diferentes sin ella?

>> ¿Por qué crees que Jiménez eligió representar estas doscriaturas contra un fondo sólido blanco?

>> ¿Qué otros animales se podrían usar para crear obras de arte de características similares? ¿Qué significarían para ti? ¿Crees que podrían tener otros significados en diferentes culturas?

Chula, 1987Litografía, 20 1/4 x 30 pulgadasPréstamo cortesía de Segura Publishing

Ball Rattlesnake [Serpiente de Cascabel enrollada], 1987Litografía, 25 x 34 1/4 pulgadasPréstamo cortesía de Segura Publishing

carmenLOMAS GARZA (nacida en 1948)


Mientras crecía en la zona rural de Texas de raigambremexicana americana, Carmen Lomas Garza experimentóun grado elevado de discriminación racial. Sin embargo, suarte intenta subvertir (y lo que es más importante, revertir)estos sentimientos a través de afirmaciones positivas respec-to de su cultura. Mientras que la imaginería de Garza puedeinterpretarse como recuerdos nostálgicos de su herenciamexicana-americana, también celebra valores familiares ycomunales que son habitualmente compartidos pormuchas culturas. En muchos aspectos, la escena que seretrata en Sandía es una escena “norteamericana” clásica: elbéisbol, el perro de la familia, la sandía en una noche cálidade verano, son los elementos de una reunión familiar ideal-izada. De hecho, esta obra conmemora un recuerdo especí-fico de Garza de una noche en que su familia se reunió enel porche a comer sandía cuando ella era una niña.

Garza aprendió a dibujar en forma autodidacta a muytemprana edad como un modo de procesar y registrar susexperiencias. En primer lugar recibió su título deLicenciatura (BS) de la Universidad de Artes e Industria deTexas y luego una Maestría en Educación de la Juarez-Lincoln/Antioch Graduate School en 1973. Ocho añosdespués recibió entrenamiento formal en arte y realizó unaMaestría en Bellas Artes (MFA) en la San Francisco StateUniversity. Desde entonces ha sido una exitosa artista acti-va, y ha realizado exhibiciones en instituciones como elHirshhorn Museum and Sculpture Garden y en el Whitney

Museum of American Art. Mientras continúa produciendoarte, Garza se esfuerza por mantener su herencia cultural eidentidad personal mientras trata de llegar a todas las cul-turas y razas al mismo tiempo.

DECLARACIÓN DE LA ARTISTAEl movimiento chicano de fines de la década de 1960 meinspiró para dedicar mi creatividad a retratar los hechosespeciales y cotidianos que ocurren en las vidas de los mexi-canos americanos en base a mis memorias y experienciasvividas en South Texas. Sentí la necesidad de crear imágenesque despertaran el reconocimiento y aprecio entre los mex-icanos americanos, tanto adultos como niños, y que almismo tiempo sirvieran como fuente de educación paraotras personas no familiarizadas con nuestra cultura. Desde1969 he tenido como objetivo crear cuadros, grabados,instalaciones de Días de Muertos y recortables de papel ymetal que despertaran el orgullo por nuestra historia y cul-tura en la sociedad americana.

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>> Muchos artistas que tratan temas racialestienden a concentrarse en las diferencias conel fin de echar luz sobre las inequidades queexisten. Sin embargo, Garza se concentraprincipalmente en las similitudes, con el finde brindar un respaldo al rol natural que ocu-pan los mexicoamericanos en la estructuracultural de los Estados Unidos. ¿Crees que sumétodo de activismo artístico es efectivo?

>> Esta imagen, ¿te hace recordar escenas simi-lares de tu propia vida? ¿Te identificas conesta familia?

Sandía, 1997Litografía, 22 1/8 x 31 pulgadasPréstamo cortesía de la artista

patssiVALDEZ (nacida en 1953)


Compuestos por enérgicos remolinos de colores, los espa-cios interiores que presenta Patssi Valdez parecen ligera-mente desordenados y discordantes, aunque son irresistible-mente dinámicos y llenos de encanto. El título de su exhibi-ción retrospectiva de 1999, A Precarious Comfort, es una acerta-da descripción de esta equilibrada intensidad. La artistadescribe sus cuadros como un modo de procesar su historiapersonal, de expresar su pasado y su esperanza para elfuturo. Aunque Valdez comenzó su carrera como fotógrafade retratos, actualmente compone escenas que se caracteri-zan por carecer de figuras humanas. Por ejemplo, en Mom’sLiving Room la audiencia no ve a una madre o a sus hijos, sinembargo tomamos conciencia de los lazos personales quetiene la artista con este espacio. Valdez describe su vidacomo una mezcla ambivalente de pruebas y triunfos queasocia con luchas de identidad racial y de género. Muchasde las habitaciones que presenta recuerdan a los hogarestradicionales mexicanos, pintados con colores estridentes ydecorados con recuerdos familiares. Sin embargo, los espa-cios no son enteramente representativos, ya que tienden aser simbólicos. Para Valdez, los objetos de sus pinturas amenudo sirven como metáforas: la sandía puede denotarun corazón, un paraguas puede representar a la personaque lo usa. La habitación se convierte en una manifestaciónde la identidad y auto expresión de Valdez.

Como joven chicana nacida y criada en el Este de LosÁngeles, Valdez estuvo expuesta a un amplio rango de artesocial y político. Cuando todavía cursaba la escuela secun-daria se unió a Harry Gamboa, Willie Herrón y Gronk parafundar Asco (palabra sinónimo de “náusea”), un grupo dearte experimental que desafió los límites del arte chicano yayudó a redefinirlo. Valdez realizó luego una Licenciaturaen Bellas Artes (BFA) en la Otis/Parsons School of Art and

Design de Los Ángeles y continuo estudiando en la ParsonsSchool of Design de la Ciudad de Nueva York. Desdeentonces ha realizado exitosas exhibiciones en todo el país yha recibido una beca como Artista Residente del FondoNacional de las Artes para trabajar en Oaxaca, México.

DECLARACIÓN DE LA ARTISTAMi primera intención era tratar de pintar mis emociones, yla mejor forma de hacerlo era con colores. Me propuse pin-tar las cosas como se sienten y no como se ven. Como en elcaso de esta habitación que es blanca. Pero si la siento cálida,la pinto de color anaranjado… Trabajo mucho con lo cáli-do y lo frío. Es como yo veo las cosas. Y me gusta ponerunos colores junto a otros… como complementos paraque puedan vibrar.

Comencé a pintar mi propia niñez. Recuerdos de… lacocina, mi casa, las cosas que ocurrían en esas habitaciones.Los sentimientos que albergaban esas habitaciones. Por esosillas y... las personas no están y solamente está la energía,lo energético... el sentimiento de la persona que dejó suenergía sobre esta silla. Y los recuerdos. Mom’s Living Roomestá inspirado en la casa donde viví en mi juventud, en mibarrio del Este de Los Ángeles. La sala de estar de mi mamásiempre me pareció cálida y acogedora y siempre me pare-ció parecida a mamá, así que busqué inspiración para tratarde captar la esencia y belleza de esa habitación en uncuadro.

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>> ¿Cómo usa el color Valdez para retratar yacentuar el carácter de esta obra?

>> Para Valdez las habitaciones representan asus habitantes humanos. ¿Crees que la salade estar de Mom’s Living Room se ve vacía?¿O puedes imaginarte a la madre del artista ya sus invitados entre esas paredes?

>> Valdez a menudo utiliza objetos de uso cotid-iano para simbolizar sus recuerdos o ideaspersonales. ¿Puedes imaginarte algunosobjetos que puedas usar como metáforasvisuales de distintas partes de su vida?

Mom’s Living Room [La Sala de Estar de Mamá], 2003Impresión digital pigmentada, 22 1/4 x 30 1/4 pulgadasPréstamo cortesía de Patricia Correia Gallery

elizabethGÓMEZ


Fantásticas aunque familiares, las imágenes de colores vívi-dos y patrones intrincados de Elizabeth Gómez se centranen mujeres que interactúan con sus ambientes. Esta interac-ción entre humanos y naturaleza se enraíza en un procesode transformación y crecimiento. A Gómez le fascina elconcepto de orden jerárquico y los desarrollos y derrotasque crean los órdenes jerárquicos: las niñas se convierten enmujeres, las personas ejercen su poder sobre los animales, ya su turno, los animales cautivan a sus contraparteshumanas. Gómez escribe que “las mujeres que se incluyenen estas pinturas se identifican con los animales y viceversa.Unos y otros se utilizan como mutuas metáforas”. En MothPrayer la mujer y la polilla llegan a un cierto entendimientoo a un diálogo que involucra a ambas. La artista usa colorescontrastantes que realzan el efecto vibrante de la escena. Elamor de Gómez por las miniaturas indias y persas se ponede manifiesto en el detallado patrón floral y en el cielo deli-cadamente estrellado.

Los mundos mágicos y decorados siempre han tenidouna importancia central en la vida de Gómez: de niña pasa-ba horas leyendo las obras de autores del realismo mágicocomo Gabriel García Márquez y visitando la casa azul deFrida Kahlo en Ciudad de México. Gómez realizó diversosestudios en todo el mundo. Recibió su primer grado delicenciatura de la Trent University de Ontario, Canadá,completó un año de estudios en la Escuela Nacional deArtes Plásticas de Ciudad de México y luego regresó a losEstados Unidos para recibir su Licenciatura en Bellas Artes(BFA) del San Francisco Art Institute y una Maestría enBellas Artes (MFA) de la San Jose State University.

DECLARACIÓN DE LA ARTISTAA través de mi arte trato de negociar la compleja combi-nación de lo personal, lo tradicional y lo contemporáneo

que me hace ser quien soy. Todas mis obras presentanmujeres que interactúan con animales, en una relación quepone de manifiesto mis sentimientos hacia la naturaleza y lacultura. En el mundo natural el más fuerte caza al másdébil que a su debido tiempo caza a uno más débil aún queél, en una estricta relación de jerarquía entre depredador ypresa. Se trata de un mundo cruel pero que respalda unequilibrio en constante evolución. Las jovencitas que apare-cen en mi trabajo son retratadas en el momento de pérdidade la inocencia en el que comprenden que en este mundoalgo o alguien debe morir para dar lugar a otra vida. Se rec-oncilian con su ser natural.

Mi trabajo recibe la influencia de los artistas delmovimiento realista mágico latinoamericano, quienesexploran la realidad a través de transformaciones fantásti-cas, y del arte popular mexicano, que es una combinaciónde tradiciones, mitos y humor de raíces barrocas, colonialesy católicas. Me esfuerzo en forma constante para lograr tra-bajos que tengan la honestidad de las artesanías hechas amano. Mis mujeres están retratadas en una posición frontalicónica similar a la de los retablos (pequeñas pinturas sobrelatón para la devoción de los fieles) tan populares en elcatolicismo mexicano. Las artes populares de todo elmundo comparten características como el exceso de orna-mento, el uso de patrones que aplanan el espacio o el sermuy detallistas. Estas características también están pre-sentes en las artesanías que tradicionalmente elaboran lasmujeres y en mi trabajo. Con mi arte deseo lograr unconocimiento más profundo y un control de mi propio seren el medio ambiente. Estoy en una búsqueda constante demi propio ser ecológico.

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>> Gómez revela un mundo en el que la fantasíapuede actuar como si fuera realidad. Es evi-dente que la escena de Moth Prayer no es real,sin embargo se sitúa dentro de los márgenes delo posible de un modo muy atractivo. ¿Te agra-da ver arte o películas fantásticas o leer nove-las fantásticas porque te permiten escapar delmundo real? ¿Por qué sí o por qué no?

>> ¿Cuál es la influencia de los patrones y losornamentos en Moth Prayer? ¿Qué provocanen la superficie de la imagen?

>> ¿Qué conexión crees que hay entre la mujer yla polilla? ¿De qué forma tú, como obser-vador, te sientes atraído hacia esta relación?

Moth Prayer [Plegaria de la Polilla], 200130 x 22 pulgadas, Técnica mixta sobre papelPréstamo cortesía de la artista

tinoRODRÍGUEZ


Tino Rodríguez entreteje realidad y fantasía en un tapizfecundo y misterioso. Su trabajo desafía una categorizaciónsencilla, y apela a las profundidades de la psiquis humanajunto con la atracción caprichosa y provocativa de la natu-raleza. Con referencias a la mitología antigua, el arte clásicoy la religión mundial, los cuadros de Rodríguez son obrasnarrativas que hurgan en el subconsciente humano y en lapropia historia y experiencia personal del artista. En UnravelRodríguez crea el ambiente de un jardín fantástico que es ala vez fascinante y desconcertante.

Como nativo de Guadalajara, México, Rodríguez estuvoexpuesto a variadas manifestaciones artísticas desde muytemprana edad. Visitó las iglesias católicas de Jalisco, elpueblo natal de su madre, y se sobrecogió ante los decora-dos ángeles, santos y vírgenes que adornaban los santuariose inspiraban a los devotos. Le interesaron particularmentelos retablos (pequeñas pinturas sobre latón para la devociónde los fieles) que decoraban la iglesia, y que expandieron sucreciente fascinación con el arte. Rodríguez continuo susestudios en la Sorbonne de Paris y luego se mudó a Californiadonde se inscribió en el San Francisco Art Institute en 1991.Antes de recibir su capacitación, Rodríguez había recibidomuy poca instrucción formal, y era fundamentalmente unartista autodidacta. Estudió en forma meticulosa los traba-jos del Renacimiento, el Barroco y los maestros flamencosque había visto en sus visitas a museos durante el transcur-so de su adolescencia, y se sumergió en estudios de religióny poesía. Rodríguez era uno de nueve hermanos, y su traba-jo se encuentra infundido de sus propias exploraciones en lanaturaleza y sexualidad humanas.

DECLARACIÓN DEL ARTISTALos victorianos querían creer en seres fantásticos con deses-peración, ya que este representaba uno de los caminos porlos que podían escapar de la intolerable realidad de vivir enuna era poco romántica, materialista y científica. De modosimilar, estamos experimentando una oleada de puritanis-mo, una época poco romántica y muy materialista: micuadro Unravel describe a un grupo de híbridos multirra-ciales que danzan en círculo. La figura central que identi-fiqué como Puck al comenzar pero que al concluir no cor-respondió exactamente al modelo literario, está sentada contranquilidad en un estado más de meditación que de liberti-naje, así que creo que está más emparentado con un Yogique con el travieso Puck. Quería abordar el tema de volvera ser como un niño, y examinar un mundo de bellezamicroscópica en el que nada se pierda en la abundancia yexuberancia de la naturaleza. Siempre estamos tan ocupa-dos corriendo de un lado a otro que difícilmente tengamostiempos de detenernos ante un jardín para sentir la fragan-cia y admirar la forma perfecta de una rosa, o el profundotono entre azul y violáceo de las ipomeas o los estambreslargos y sinuosos de una amapola anaranjada mecida por elviento. De modo que pinté este cuadro como un letrero deatención, para que las personas puedan verlo y tal vez pen-sar “el mundo natural es mágico y hermoso, quiero experi-mentarlo más a menudo”. Y quién sabe, tal vez si ustedaplaude y celebra su creencia en la existencia de los seresfantásticos, los días de su niñez pueden regresar, al menospor un momento (¡yo voy a aplaudir apenas termine deescribir esto!).

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>> Rodríguez ha dicho que su trabajo se ocupade dualidades complejas, que van más allá delos equilibrios que define el mundo occidentalentre bien y mal, cuerpo y espíritu y cielo ytierra. ¿Cómo crees que el artista representaesto en Unravel?

>> Las maravillas (morning glories) y pajarillas(colombines) son dos especies botánicas quese reproducen en forma muy realista enUnravel. ¿Cuántos ejemplos más de flora yfauna real puedes encontrar?

>> El jardín se usa en el arte como símbolo detransformación o metamorfosis. ¿Qué otrossímbolos puedes ver representados dentro deUnravel que también se refieran a la natu-raleza cambiante de nuestro mundo, y porqué crees que Rodríguez eligió centrarse eneste tema?

Unravel [Develado], 2003Impresión digital con tintas Iris, 17 x 17 pulgadasPréstamo cortesía de Trillium Press

camilleROSE GARCIA (nacida en 1970)


Los originales cuadros de Garcia tienen como tema difer-entes argumentos ficticios inspirados en hechos políticos ysociales reales, pero siempre con una vuelta de tuerca sar-cástica e irónica. A través de su trabajo explora el poder delos sueños y del subconsciente humano para procesar loshorrores de nuestras vidas diarias. Los cuadros de Garcia soncomentarios críticos referidos a los desastres naturales ocausados por el hombre, las guerras, enfermedades,pobreza, avaricia, violencia y terror, y también al controlpolítico, la manipulación y la agitación que se asocian conel capitalismo, el desarrollo económico y el consumo exce-sivo. Irónicamente, el trabajo de Garcia como artista emer-gente se ha hecho ampliamente conocido a través de susproductos producidos en masa como muñecas y camisetas.

Garcia nació en el sur de California y creció en los sub-urbios cercanos a Disneyland, que paradójicamente dieronorigen al título de su libro The Saddest Place on Earth (El LugarMás Triste del Mundo), que parodia el eslogan deDisneyland “El Lugar Más Feliz del Mundo”. Sus padres,ambos artistas consumados y políticamente activos, resul-taron una clara inspiración para su propio trabajo. Asistió alOtis Art Institute y a la Universidad de California en Davis,donde recibió su capacitación artística formal. Comenzó sucarrera trabajando en un empleo como artista gráfica parala industria editorial de revistas, pero se desilusionó con losaspectos comerciales de su trabajo y decidió desarrollar su

propio arte original. Sus escenarios fantásticos con reminiscencias el estilo de

Dr. Seuss o de Willy Wonka están llenos de personas de biz-cocho, plantas de caramelo o cielos que se escurren. Elángulo macrabro de su trabajo aprovecha los mismos temasque se encuentran en mitos y cuentos fantásticos clásicos, yla historia del Hombre de Menta no es una excepción. EsteHombre resuelve el problema del aumento poblacionalcocinando a niños pequeños y sirviéndolos en su cadena derestaurantes estilo buffet. Who’s Afraid of the Peppermint Manmuestra un ambiente subterráneo cavernoso con cuatroescenas diferenciadas. A Garcia le interesa el concepto de“narrativa quebrada”, una técnica que tomó del escritorWilliam Burroughs, en el que el espacio de una pintura sequiebra y abstrae. Al colocar lado a lado espacios reales eimaginarios la autora crea un escenario de fantasía, quelleva a una lectura menos literal de su trabajo y brinda a lapintura múltiples capas que se pueden develar y disfrutar.

DECLARACIÓN DE LA ARTISTASiempre me han horrorizado las falsas promesas del capital-ismo y todas las cosas codiciosas y desagradables que hacenlas corporaciones y el gobierno para mantener nuestro esti-lo de vida hedonista. El desafío es reflejar estos horrorescotidianos de un modo atractivo y agónicamente bonito.

Esto... fue creado justo después del 11 de septiembre.Mucha gente comenzó a creer toda la propaganda delmiedo generada por la Máquina de Guerra Republicana.Este trabajo se basa en un cuento corto en el cual el protag-onista sufre un hecho traumático, y decide crear un univer-so paralelo en su mente en el que todo se resuelve de formafeliz. Pensé que realmente era una buena metáfora de loque la gente experimentaba en eseentonces, ya que todos creaban suspropios universos paralelos pequeñosy seguros.

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>> Garcia ha espolvoreado parte de la superficiede su impresión con diamantina (purpurina)negra. ¿Por qué crees que lo hace, y qué clasede efecto tiene cuando ves su obra?

>> En todo el desarrollo de la imagen la artistausa tiras de papel de empapelar floreado.¿Cómo impacta en tu lectura de la imagen laubicación de estas tiras? ¿Hacen que te sien-tas más o menos parte de la escena?

>> ¿Por qué crees que García y su trabajo son tanpopulares entre las subculturas góticas, mar-ginales y alternativas?

>> ¿Qué elementos de la obra de García ladefinen como una artista de descendenciamexicana? ¿Crees que su procedencia culturalimpacta en su voz como artista?

Who’s Afraid of the Peppermint Man[Quién le Teme al Hombre de Menta], 2002Copia Gliclée, 8 7/8 x 33 1/2 pulgadasPréstamo cortesía de Merry Karnowsky Gallery

P E R S O N A L D E L N E V A D A M U S E U M O F

A R TB I O G R A F Í A SKELLY BRIDEGUMKelly comenzó a trabajar como asistente curatorial del Nevada Museum of Art mien-tras estudiaba su Licenciatura en Fotografía y Filosofía en la Universidad de Nevada,Reno. A comienzos de 2005 Kelly se desempeñó como co-fundadora y curadora deFireplace Gallery, una galería de arte dedicada en forma exclusiva a la excelenciafotográfica. Kelly está comprometida en la enseñanza de la apreciación de las artesvisuales y fotográficas, por lo que participa en carácter de educadora en numerosasactividades en el museo y en escuelas locales.

Cuando no se encuentra trabajando en el Nevada Museum of Art, Kelly trabajaduro en su laboratorio de fotografía, lee literatura de autoras femeninas, escribefuriosamente o sale y se dedica a escalar.

RACHEL HARTSOUGHRachel es Curadora de Educación en el Nevada Museum of Art. Fue miembro fun-dadora de la facultad Sage Ridge School y enseñó Artes Visuales y Medios Digitales aalumnos de preescolar y escuela primaria en Reno, Nevada durante siete años. RachelHartsough ha sido miembro del Equipo para el Desarrollo de Estándares Académicos,un organismo creado por el Departamento de Educación para redactar los Estándarespara las Artes Visuales del estado para los alumnos de preescolar y de la escuela pri-maria. Es muy activa en la comunidad de Nevada como miembro de la Comisión deArtes y Cultura de la Ciudad de Reno. Rachel recibió sus grados de Licenciada enHistoria del Arte y Estudios Religiosos de la Universidad de California, Berkeley, y real-izó una Maestría en Tecnología Informática aplicada a la Educación a través delDepartamento de Psicología Educativa de la Universidad de Nevada en Reno.

Cuando no se encuentra trabajando le gusta jugar con su hija y su marido, cocinary comer, trabajar en el jardín, explorar cadenas montañosas locales y salir al caminopara viajar con su familia. Rachel agradece cualquier excusa que se le presente paravivir aventuras en distintos rincones del mundo.

COLIN ROBERTSON Colin es Curador de Educación Asociado en el Nevada Museum of Art. Anteriormentese desempeñó como profesor de composición y literatura en idioma inglés en laUniversidad de Nevada en Reno, y ha escrito numerosos ensayos sobre la enseñanza dela escritura, la literatura norteamericana y el arte norteamericano moderno. Obtuvouna Licenciatura en Lengua Inglesa con Sub-especialización en Arte de Estudio de laSaint John’s University in Collegeville en Minnesota, y su Maestría en Literatura yAmbiente en la Universidad de Nevada en Reno.

Cuando no se encuentra trabajando, es frecuente encontrar a Colin cocinando,haciendo caminatas, leyendo y disfrutando la vida en Reno junto a su esposa. Leagradan la fotografía y el grabado, la conversación y la diversión en general.

MIRIAM STANTON Miriam comenzó a trabajar como Asistente Curatorial en el Nevada Museum ofArt después de graduarse en el Grinnell College con una Licenciatura en Historiadel Arte. Nacida y criada en Portola, CA (un pueblo de 2000 habitantes), Miriam sededica a llevar las artes a las áreas rurales. Mientras se encontraba en Grinnell,Miriam trabajó en el campus como docente y como becaria en la FaulconerGallery. También organizó sesiones de Estrategias de Pensamiento Visual (V.T.S.)para estudiantes de escuelas primarias locales. Durante el verano de 2003, Miriamdesarrolló y coordinó un programa de talleres de arte con invitados en centrosvacacionales de montaña en el Norte de California. Mientras no se encuentra tra-bajando en el Nevada Museum of Art a Miriam le agrada retozar y deleitarse en lasmontañas, escribir y crear proyectos estrambóticos para enviar a sus amigos ensitios lejanos.

ANN M. WOLFEAnn es la Curadora de Exhibiciones y Colecciones en el Nevada Museum of Art. De2002 a 2005 Wolfe se desempeñó como Curadora Asistente en el San Jose Museum ofArt en San Jose, CA, donde realizó la curatoría de la muestra Suburban Escape: The Art ofCalifornia Sprawl (Escape Suburbano: El Arte de la Expansión Suburbial Difusa enCalifornia), la primera exhibición que analizó el trabajo de más de 50 artistas que handedicado sus carreras a examinar temas relacionados con el desarrollo urbano, la arqui-tectura genérica de casas en serie y el uso del suelo. Wolfe también es autora del libroSuburban Escape: The Art of California Sprawl, con una introducción de la crítica de culturaLucy R. Lippard, publicado por The Center for American Places y distribuido porUniversity of Chicago Press. Otras exhibiciones curadas y coordinadas por Wolfeincluyen Sandow Birk’s Divine Comedy (2005), Yoshitomo Nara: Nothing Ever Happens (2004), Artof Zines 04 (2004), y Surf Culture: The Art History of Surfing (2003). También ha publicadonumerosos ensayos. Antes de 2002 Wolfe se desempeñó como curadora en distintospuestos en el Crocker Art Museum de Sacramento, CA; el Saisset Museum de SantaClara, CA y la Fisher Gallery/USC Museum de Los Ángeles, CA. Wolfe recibió suMaestría en Historia del Arte y Estudios Museológicos de la University of SouthernCalifornia en Los Ángeles, CA y su Licenciatura en Historia del Arte de la Santa ClaraUniversity en Santa Clara, CA.

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JOSÉ CHÁVEZ MORADO http://www.graphicwitness.org/group/tgpchavezm.htm http://www.artnet.com/library/01/0161/T016197.asp

JOSÉ CLEMENTE OROZCOhttp://www.mexconnect.com/mex_/history/jtuck/jtorozco.htmlhttp://www.mexconnect.com/mex_/travel/rpomade/rp3muralists.html

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GRONKhttp://www.fantasyarts.net/gronk.htmhttp://www.aaa.si.edu/collections/oralhistories/transcripts/gronk97.htm

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GUSTAVO RAMOS RIVERAhttp://www.realart.com/templates/artist.jsp?id=RVAhttp://www.sjmusart.org/content/exhibitions/exhibition_info.phtml?itemID=270http://www.metroactive.com/metro/04.26.06/rivera-0617.html

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TINO RODRÍGUEZhttp://latinoartcommunity.org/community/ChicArt/ArtistDir/TinRod.htmlhttp://www.sjmusart.org/content/exhibitions/past/exhibition_info.phtml?itemID=106

FRANK ROMEROhttp://www.aaa.si.edu/collections/oralhistories/transcripts/romero97.htmhttp://en.wikipedia.org/wiki/Los_Fourhttp://www.americanart.si.edu/collections/exhibits/kscope/romeroexhframe.htmlhttp://www.doublevisionarts.com/images/Romero/The%20Story%20of%20a%20City%20and%20a%20Life.htm

CAMILLE ROSE GARCIAhttp://www.camillerosegarcia.com/Pages/bio.htmlhttp://www.mkgallery.com/artists/garcia/garcia.htmlhttp://www.grandcentralartcenter.com/gcacPages/Artists/Garcia.html

RUFINO TAMAYOhttp://www.latinamericanmasters.com/english/artist_tamayo_essay.htmlhttp://www.albrightknox.org/ArtStart/Tamayo.htmlhttp://www.artchive.com/artchive/T/tamayo.html

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Recursos en la Red (en idioma inglés)

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