Stefan Fuertbauer Anne Berry Joshua White Phedia Mazuc Christina Z Anderson Virginie Plauchut Julie Sundberg Borja A. Rodriguez Daniel Leivick Noriko Takasugi

MAGAZINE 404

STEFAN FUERTBAUER 6

ANNE BERRY 16

JOSHUA WHITE 28

PHEDIA MAZUC 40

CHRISTINA Z. ANDERSON 50

VIRGINIE PLANCHUT 60

JULIE SUNDBERG 72

BORJAA. RODRIGUEZ 86

DANIEL LEIVICK 98

NORIKO TAKASUGI 110

The images published in this magazine are copyrighted to their corresponding creators.

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When I was a teenager I used to read the Spanish (my native

language) dictionary for fun. Choosing a random page, it was

delightful to find new meanings for well-known words or even

better, new words for yet undefined feelings.

This same kind of pleasure I now experience every time a variety

of new projects statements are sent to me to translate into

Spanish. Each of them, besides the writing skills of the artist,

opens a sluice gate into an intimate world that needs to be

respectfully deciphered. Each of them is a clue to understand a

very specific fraction of an image creator’s life. A fraction of life

that has been caged in a few squares. This fascinates me over

and over again.

So, thanks to all of you who have contributed to Square Magazine

so far and for the enrichment of my soul.

And have a bold year, everyone!

Quand j’étais adolescente, je m’amusais à lire le dictionnaire

espagnol (ma langue maternelle). J’ouvrais une page au hasard,

c’était un vrai plaisir de trouver de nouvelles significations

pour les mots qu’on croyait bien connaître ou mieux encore,

de trouver des mots nouveaux pour des sentiments encore à

définir.

C’est ce même genre de plaisir que je ressens maintenant, à

chaque fois qu’un nouveau lot d’articles m’est envoyé afin que je

le traduise en espagnol. Chaque article, outre les compétences

en écriture de l’artiste, ouvre une porte sur un monde intime

qui doit être déchiffré respectueusement. Chaque article est un

indice aidant à comprendre une fraction très spécifique de la vie

d’un créateur d’images. Une fraction de la vie qui a été mise en

cage dans quelques carrés. Et ça me fascine, encore et encore.

Et c’est pourquoi je vous remercie tous pour avoir contribué à

Square Magazine ainsi qu’à l’enrichissement de mon savoir.

Et que votre nouvelle année soit audacieuse !

Bea Fresno, Dec 2013

A translator’s viewVue d’une traductrice

Also, pease take some time filling in our quick survey / Prenez aussi le temps de remplir notre petit questionnaire svp

STEFAN FUERTBAUER 6

ANNE BERRY 16

JOSHUA WHITE 28

PHEDIA MAZUC 40

CHRISTINA Z. ANDERSON 50

VIRGINIE PLANCHUT 60

JULIE SUNDBERG 72

BORJAA. RODRIGUEZ 86

DANIEL LEIVICK 98

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Eiterquellen is about Vienna’s Wurstel Diners and the Viennese

fast-food culture. Most of the time, these diners are isolated

islands in an ancient surrounding dashed with cultural

heritage. They are isolated both because of their look, but also

in the sense that they resist global fast-food chains. However

modern their architecture may appear though, there is much

cultural heritage at play behind the scenes.

Viennese wurstel diners were introduced during the Austro-

Hungarian «K.u.K.» monarchy in around 1870, to provide a

safe income for wounded war veterans. Since then they have

become an essential part of the urban culture not by only by

supplying snacks but also by being a meeting place for the

distinctive Viennese working class as well as for the higher

society.

The sub-urban Viennese language can be a rather raw one

and gets celebrated these places -the main reason why I

chose the title ‘Eiterquellen’ (‘Pus Springs’) for this project.

Viennese people have found some questionable synonyms

for the food supplied at diners, such as ‘Eitrige’ (‘pus-filled’)

which describes a ‘Kaesekrainer’ sausage which is filled with

cheese and when put on the grill, where the cheese melts and

oozes out. With some imagination this can look like pus. The

‘Kaesekrainer’ is preferably served with barf (mustard) and a

hump (bread roll)...

Of course these ancient Viennese diners had to evolve to

catch up with international fast-food chains, Kebab places and

Asian snack bars. They’ve aligned their appearance with a

contemporary architecture that is not dissimilar to the style of

diners of 60’s USA. But they serve the same snacks they used

to serve almost 150 years ago.

Stefan Fuertbauer Eiterquellenwww.fuertbauer.net

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Stefan Fuertbauer

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Eiterquellen est un travail sur les Wurstel Diners de Vienne et

sur la culture viennoise du fast-food en général. La plupart

du temps, ces stands sont comme des îlots isolés dans un

environnement au patrimoine culturel plus ancien. Ils sont

isolés à la fois en raison de leur apparence, mais aussi dans le

sens où ils résistent aux chaînes mondiales de la restauration

rapide. Ceci dit, au-delà de la modernité de leur apparence, ils

sont les héritiers d’un patrimoine culturel plus ancien qu’il n’y

paraît.

Les Wurstel Diners viennois furent introduits dans les

années 1870, à l’époque de l’Empire austro-hongrois et de la

monarchie «KuK», pour garantir un revenu sûr aux anciens

combattants blessés. Depuis, ils sont devenus une partie

essentielle de la culture urbaine non seulement en tant que

vendeurs d’en-cas, mais également comme lieux de rencontre

pour la classe ouvrière et pour la haute société viennoises.

Le patois plutôt brut de Vienne se fait entendre à ces endroits

- la raison principale pour laquelle j’ai nommé ce projet

«Eiterquellen» («fontaine à pus»). Les Viennois ont trouvé

quelques synonymes douteux pour la nourriture qu’on y offre

tels que «Eitrige» (« farci au pus ») qui décrit une saucisse

«Kaesekrainer», une saucisse farcie de fromage qui fond et

suinte quand on la fait griller. Avec un peu d’imagination, cela

peut ressembler en effet à du pus. La «Kaesekrainer» est de

préférence servie avec du vomi (moutarde) et une bosse (du

pain)...

Bien sûr, ces anciens convives viennois ont dû évoluer pour

pouvoir concurrencer les chaînes de fast-food internationales,

les kebabs et les vendeurs de snacks asiatiques. Ils ont adopté

une architecture

Stefan FuertbauerEiterquellenwww.fuertbauer.net

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Stefan Fuertbauer

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Anne Berry

and manipulate it as I would in the darkroom, dodging,

burning, and creating photomontages. The black and

white medium is central to my vision. It helps me select

only what is essential. Without color, form becomes the

most important tool. Also, the absence of color removes

the image from reality and helps to emphasize the

spiritual value. The animal becomes not a document of

reality but an archetype of universal significance. The

pictorial quality and the element of nostalgia come from

my lens and aperture choices. I find vintage lenses and

have them adapted to fit my camera. A medium format

lens with a tilt adapter allows me to manipulate the plane

of focus. I shoot with the widest aperture, which blurs

non-essential details. I have the images printed on silver

gelatin paper.

In today’s society pets are pampered and

anthropomorphized, but animals are often overlooked

and dismissed. My photographs are about the beauty

of animals but, more importantly, about their plight.

The pictorial quality of these images softens the shock,

but the punch is there in the eyes and expressions of

the animals. I anticipate the moment that I can capture

something in the essence of an animal, so that it speaks

through the photograph. Each animal begs the viewer to

consider his place in a world where bulldozers are rapidly

destroying animal habitats; he is an ambassador for all

the animals in his species. Primates especially are able

to remind people of the undeniable connection between

man and animal. If these ambassadors can make the

viewer feel this bond, perhaps it will motivate an interest

in the welfare of animals.

My materials are a combination of old and new. I now

capture the image digitally, but my habits are from

shooting film: I do not look at the display screen, and I

focus manually. I convert the image to black and white

Behind glassanneberrystudio.com

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Anne Berry

mais mes racines sont analogues : je ne regarde pas

l’écran de mon appareil photo et je fais la mise au point

manuellement. Je convertis l’image en noir et blanc et

la manipule comme je le ferais en chambre noire avec

des techniques telles que la modification de la densité

et la création de photomontages. Le noir et blanc est au

cœur de ma vision. Il m’aide à ne sélectionner que ce

qui est essentiel. Sans couleur, la forme devient l’outil

le plus important. En outre, l’absence de couleur écarte

l’image de la réalité et permet de mettre l’accent sur sa

valeur spirituelle. L’animal est non plus un document de

la réalité, mais un archétype à la portée universelle. La

qualité picturale et l’élément de nostalgie viennent de

l’objectif que j’utilise et le choix d’ouverture. Je trouver

des lentilles anciennes et je les adapte sur mon appareil

photo. Une lentille de format moyen avec un adaptateur

d’inclinaison par exemple me permet de manipuler

le plan de mise au point. Je tire avec la plus grande

ouverture, qui brouille les détails non essentiels.

Dans la société d’aujourd’hui, les animaux de compagnie

sont choyés et « anthropomorphiqués », mais les

autres sont souvent négligés et rejetés. Mon travail

photographique se concentre sur la beauté de ces

animaux mais aussi, d’une manière plus importante

encore, sur leur sort. La qualité picturale de ces images

adoucit le choc, mais le coup de poing est néanmoins là,

dans les yeux et dans les expressions faciales. J’attends

cet instant où je peux capter quelque chose de l’essence

d’un animal, afin qu’au travers de la photo, il puisse

parler. Chaque animal oblige le spectateur à considérer

sa place dans un monde où les bulldozers détruisent

rapidement leurs habitats, il devient l’ambassadeur de

tous ceux de son espèce. Les primates en particulier

sont en mesure de nous remettre en mémoire le

lien indissoluble entre l’homme et l’animal. Si ces

ambassadeurs pouvaient rendre le spectateur sensible à

ce lien, peut-être pourrait-il le motiver à en prendre soin.

Mes matériaux sont une combinaison d’ancien et de

nouveau. Je capture maintenant l’image numériquement,

Behind glassanneberrystudio.com

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Joshua White

This series started as an exploration of the plants, insects, and

animals found in my immediate area. I am using my iPhone

to capture these images, and all the editing takes place on the

phone. I’m not sure if that is important yet, or if it will remain a

parameter of the project. Originally these images seemed like

a diversion from my greater body of work dealing with memory

and loss, but now it seems, as always seems to be the case,

they fit right in.

My mother tells me I used to lie on my stomach and watch ants

in the grass. I also remember catching June bugs off of her wild

roses in a styrofoam cup. And I remember finding box turtles,

and waiting to hear the cicadas come out in summer, and

getting tobacco juice from a grasshopper on my fingers, and

catching lightning bugs in a pickle jar.

My hope is these images make you think on those times, too.

Cette série a commencé comme une exploration des plantes,

insectes et animaux trouvés dans mon environnement

immédiat. J’utilise mon iPhone pour capturer ces images et

tout le travail d’édition se fait sur le téléphone. Je ne sais pas

encore si c’est important ou si cela restera un des paramètres

associés au projet. A l’origine, ces images semblaient comme

une diversion dans mon vaste périmètre de travail traitant de la

mémoire et de la perte, mais maintenant il me semble, comme

c’est souvent le cas, qu’elles s’y intègrent parfaitement.

Ma mère me dit que j’avais l’habitude de m’allonger sur le

ventre à regarder les fourmis dans l’herbe. Je me rappelle

également quand j’enlevais les hannetons de ses rosiers

sauvages pour les mettre dans un gobelet en plastique. Et je

me souviens aussi d’avoir trouvé une tortue ; et d’avoir attendu

le moment où sortent les cigales pour chanter en été ; et que

les sauterelles me laissaient des traces de jus de tabac sur

les doigts ; et que j’attrapais des lucioles dans un bocal à

cornichons.

J’espère que ces images vous feront penser, vous aussi, à ces

moments-là.

Photographic survey of the American yard

www.joshuawhitephotography.com

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Phedia MazucNo chairs disparues

phedia-mazuc.tumblr.com

J’ai toujours du mal à parler de mes images même si

elles naissent souvent d’une association de mots. Par

exemple la série « nos chairs disparues » fait écho à «

pas perdus pour tout le monde ».

Chacun peut voir dans la chaise vide la promesse ou la

menace. On ne voit aucune chair et pourtant, elle reçoit

des commentaires sur ceux qui auraient pu se poser là,

un désir de s’asseoir ou surtout pas. C’est un état de

siège dont on veut souvent s’échapper, vers un autre

no man’s land, territoire imaginaire, superposé, encré,

griffé, en lisière de la réalité sur des objets abandonnés,

des paysages fantasmés. L’envie de donner du

mouvement au statique ou de figer ce qui fuit. Ce n’est

pas triste, ce n’est pas gai non plus. C’est un peu vague,

c’est un peu flou c’est vraiment net.

It is always quite hard for me to talk about my

images, even though they often originate from a word

association. We can live the empty chair as a promise

or a menace. The chairs can’t really be seen, but it

nonetheless is the butt of commentaries about who

could have sat there, whether there once was a desire

to sit, or on the contrary to avoid sitting at all costs. It

is a state of siege one wants to escape from, towards a

no man’s land, an imaginary territory, half way between

abandoned objects and phantasmagorical landscapes.

Like a desire to force movement to remain static, or to

freeze what is running away. It’s not sadness, it’s not

happiness ever. It’s a bit blurry, a bit vague, but focused

too.

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Christina Z. Anderson

Je suis la plus jeune d’une famille de sept filles et un

garçon ; une grande famille particulièrement sexiste.

Quand nos parents sont morts, j’ai dû mettre de

l’ordre dans 40 000 photos moisies, poussiéreuses

et décolorées. Sur une période de 13 ans, j’ai édité

ces photos pour arriver à un décompte final de 2 600

images à distribuer aux divers membres de la famille. J’ai

sélectionné les 100 qui incarnent pour moi l’expérience

de grandir « large » à l’aube d’un changement important

du rôle de la famille et de l’orientation sexuelle. Travailler

avec ces images encore et encore, à travers plus d’une

décennie d’élagage et une année finale passée à

faire des tirages, m’a donné petit à petit le temps de

contempler et de faire la paix avec ma famille d’origine.

Il y a de l’excentricité et l’humour dans ces photos,

mais aussi de la tristesse et de la désillusion parce que,

dans cette famille comme dans la plupart, des drames

sombres se cachent derrière les visages Kodachrome

souriants. Les tirages sont réalisés à partir de protéines

de lait colorées (caséine), un choix approprié pour des

souvenirs d’enfance.

I am the youngest in a family of 7 girls and 1 boy, a large

family that was also uniquely gender-biased. When our

parents died, I became the one to make order out of

40,000 moldy, dusty, and faded photographs. Over 13

years I edited the photographs to a final count of 2600

images to distribute to family members, out of which I

curated 100 to embody the experience of growing up

“large” at the cusp of massive change in family and

gender roles. Working with these images over, over and

over through more than a decade of culling and a year

of making prints, layer by layer allowed me the time to

contemplate and make peace with my family of origin.

There is quirk and humor in these photographs, but also

sadness and disillusionment, because, in this family

as in most, there were darker dramas going on beneath

the smiling Kodachrome faces. The prints are made

from colored milk protein (casein), a fitting choice for

childhood memories.

Family of origin

www.christinaZanderson.com

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Virginie PlauchutChronique

www.virginieplauchut.com

Avant que nos salles de bains deviennent des

laboratoires, des salles d’interventions, des cabinets de

curiosités

Avant que Botox et autres poisons de ce genre,

envahissent les étals de nos grandes surfaces

Avant que les interventions sous anesthésie locale,

à la maison ou au bureau entre deux rendez vous, se

banalisent.

Avant qu’avoir recours à un médecin ou à un chirurgien

ne soit plus indispensable pour que la femme puisse se

rapprocher des critères dictés...

Quand, la folie du scalpel et de la seringue envahit notre

société, avec une médecine efficace qui se voudrait sans

risques.

Quand, aujourd’hui on modèle son corps comme le

sculpteur façonnait la glaise,

Quand, la chirurgie devient un art.

Quand, pas une partie du corps ne semble pouvoir

échapper aux doigts habiles du héro des temps

modernes : le chirurgien.

Quand, ce nouveau « dieu », est désigné apte à effacer,

rectifier, magnifier les disgrâces de dame Nature.

« Chronique » se projette, s’interroge, sur les possibles

dérives esthétiques.

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Virginie PlauchutChronique

www.virginieplauchut.com

Before our bathrooms become laboratories, labs or

cabinets of curiosities

Before Botox and other such poisons invade the shelves

of our supermarkets

Before operations under local anesthesia, at home or in

the office between work appointments, are trivialised

Before having recourse to a doctor or a surgeon is

no longer essential for women to get closer to some

aesthetic criteria

When the madness of the scalpel and syringe invades

our society, with an effective medicine that is supposed

to be safe

When one models one’s body today the way a sculptor

would fashion clay

When surgery becomes art

When no part of the body seems to escape the nimble

fingers of hero of modern times: the surgeon

When this new «god» can erase, rectify or magnify the

(mis)fortunes Mother Nature bestows on us

Avant que nos salles de bains deviennent des

laboratoires, des salles d’interventions, des cabinets de

curiosités

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Julie SundbergSeven, fourteen, twenty-one

juliesundberg.com

La série «Seven, Fourteen, Twenty-one» (Sept, quatorze,

vingt-et-un) a été construite sur une période de

quatorze ans, de 1996 à 2010. Ma fille en est le sujet.

Je n’ai pas voulu créer une série style «Seven Up». J’ai

photographié ma fille à sept, quatorze et vingt-et-un ans

de manière intuitive. Ce fut au départ la réponse d’une

mère face aux cauchemars récurrents de son enfant.

Puis je me suis focalisée sur ses premiers pas dans sa

vie de femme qui débuta à ses quatorze ans.

Tout au long de cette série, j’ai utilisé un appareil photo

réglé sur une vitesse d’obturation lente afin de capturer

quelque chose d’éphémère et de personnel. En éliminant

à la fois le fond et le contexte visuel, j’ai cherché à

découvrir ce qui restait de l’enfant de sept ans dans

l’adolescente de quatorze ans, puis dans la femme de

vingt-et-un.

«Seven» nous montre les reliquats visuels de

cauchemars récurrents et fut conçue comme un procédé

cathartique à la fois pour le sujet et pour le photographe.

«Fourteen» se préoccupe du malaise adolescent et de

l’anxiété associée à la croissance. Je voulais capturer

son image au point de basculement ; ce qui m’amena

à ressentir une sorte de malaise à me retrouver ainsi

témoin de la mutation de ma propre fille. Cela souleva

aussi la question du voyeurisme, à la fois chez moi-

même en tant que photographe et chez les autres, les

spectateurs.

«Twenty-one» montre une femme qui n’est pas encore

tout à fait sûre de sa place dans le monde mais qui

est néanmoins entièrement formée et en mesure de

rencontrer mon regard sur un pied d’égalité.

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Julie SundbergSeven, fourteen, twenty-one

juliesundberg.com

Seven, Fourteen, Twenty-one was made over a fourteen-

year period, from 1996 to 2010. The subject is my

daughter. I did not set out to create a ‘Seven Up’ series,

but intuitively photographed my daughter at seven,

fourteen and twenty-one. Initiated as a mother’s

response to her child’s recurrent nightmares, I later

focused my attention on her transition to womanhood,

which began at age fourteen.

Throughout this series, I have handheld the camera

during long exposures in order to capture something

fleeting and internal. By eliminating background and

context I sought to discover what remained of the child

of seven in the adolescent of fourteen and the woman of

twenty-one.

Seven shows the visual remnants of recurrent

nightmares, the fearful place of the dreamer within

the dream and was conceived as cathartic for both the

subject and photographer.

Fourteen is concerned with the brooding teenage

discomfort and anxiety associated with growing up. I

wanted to capture her at the tipping point, but also felt

unease as I watched my daughter mutating before my

eyes. This raised the question of voyeurism, in myself

and in others.

Twenty-one shows a woman still not entirely sure of her

place in the world, but fully formed and able to meet my

gaze on equal terms.

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You are, or you know a poor rectangular photographer who would you like to try their hand at the square format and be published in the magazine? If so, the Square Res-idencies program is just what you need. It is free, it last three to six months and is open to all, regardless of age, gender or nationality (or indeed photographic gear).

Here’s what you need to do:

Gather some of your work and some info about yourself.Put together a proposal, highlighting your visual project and why you think the square format would fit.Email the lot to editor@squaremag.org

What you’ll get:

On-going assessment and feedback on your project from members of the Square Magazine team (email, phone and Skype).Academic help if needed (for instance art history and contextual studies).A slot in the magazine at the end of the residency.Promotion of the project via social networks and the magazine’s website.

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Borja A. Rodriguez

fotoba.hostoi.com

Mare Nostrum

«Mare Nostrum», was taken during a period of two years

(2011-2012) on the Mediterranean coast of Almeria, Spain,

And more exactly in the «Cabo de Gata» natural park.

In this area, in the small villages, there are still families

subsisting on daily fishing using small boats that are passed

on from parents to children. Lately this ancestral lifestyle is

being threatened by falling prices and stiff competition from

the big trawlers. Some families now use their boats to offer

excursions to tourists. This work is my tribute to this way of life.

I’ve tried to extract all the beauty that surrounds it.

La série «Mare Nostrum» a été réalisée durant une période de

deux ans (2011-2012) sur la côte Méditerranéenne d’Almeria,

en Espagne, et plus précisément dans le parc naturel «Cabo de

Gata».

Au sein de cette région, dans les petits villages, il y a encore

des familles qui subsistent du produit quotidien de la pêche

à l’aide de petits bateaux qui se transmettent en héritage de

parents à enfants. Ce mode de vie ancestral est maintenant

menacé par la baisse des prix et par la concurrence féroce des

grands chalutiers. Certaines familles utilisent maintenant leurs

bateaux pour mener les touristes en excursion. Cette série est

mon hommage à ce mode de vie. J’ai essayé d’extraire toute la

beauté qui l’entoure.

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Vous êtes, ou vous connaissez quelqu’un qui est, un pauvre photographe qui se débat avec le rectangle, et qui aimerait essayer le format carrée et etre publiée dans le magazine? Le tout nouveau programme d’artistes en résidence peut vous aider. C’est gratuit, ça dure de 3 à 6 mois est c’est ouvert à tous, quelque soit votre age, votre sexe ou votre nationalité.

Ce qu’il nous faut :

Rassemblez des extraits de vos travaux et quelques info sur vous-mêmes.Mettez sur pied une proposition, mettant en lumière votre projet visuel et les raisons pour lesquels vous pensez que le format carré serait approprié.Envopez le tout à editor@squaremag.org

Ce que vous pouvez espérer de nous :

Une évaluation et un retour sur votre projet d’un des membres de l’équipe de Square Magazine (mèl, téléphone ou Skype).Une aide académique si necéssaire (par exemple en histoire de l’art ou en études contextuelles).Un article dans le magazine à la fin de la résidence.La promotion de votre travail via les sites de réseaux sociaux et via notre site web

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Daniel Leivick

we have access to a view akin to that of a compound-

eyed god who views all points simultaneously.

By appropriating content from these sources and

transforming it into large scale imagery, I intend, at

once to highlight this shift in perspective and to call into

question the implications of witnessing a landscape that

is reflective of ourselves and of our culture. The symbols

which emerge here, created with ambiguous agency and

meaning, echo the struggle of the individual to transcend

their role in a seemingly agent-less social machine.

This is what they say this bird (the Phoenix) does, but I

do not believe them.

--Herodotus in Histories Vol. 2

Heliopolis is the city to which the Phoenix of myth

periodically travels in order to experience fiery death

and be reborn from the ashes. It is the name of my

effort to conjure a desert city where the contrasts of

our age (annihilation and transcendence, determinism

and agency, rationality and madness) are called into

question. It is a place where destruction and rebirth are

one and the same, where the gap between reality and

simulation is ever narrowing.

These large scale photographs are created using collages

of imagery appropriated from Google Maps, which are

used to model a fictional terrain and landscape for this

city. Online mapping projects like Google are rapidly

changing the nature of visual discourse. No longer are

we tied to the fixed perspective of a single camera; today

Heliopolis

danielleivick.com

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du discours visuel. Nous ne sommes plus attachés à la

perspective fixe d’un seul appareil photo ; aujourd’hui

nous avons accès à une vue semblable à celle d’un

dieu aux yeux à facettes omniprésent et voyant tout.

En m’appropriant ces sources et en les transformant

en images de grande taille, j’essaye à la fois de mettre

en évidence ce changement de perspective mais aussi

d’analyser notre implication, en tant que témoin, dans

l’émergence d’un paysage qui est le reflet de nous-même

et de notre culture. Les symboles qui apparaissent ici,

à l’intention et à la signification ambiguës, font écho à

la lutte de l’individu pour transcender son rôle dans une

machine sociale apparemment sans objet.

Voilà ce que fait cet oiseau (le Phénix), disent-ils, mais je

ne les crois pas.

Hérodote, Histoires Vol. 2

Héliopolis est la ville où le mythique Phénix retourne

périodiquement afin de s’immoler et renaître de ses

cendres. C’est le nom que je donne à ma tentative

d’évocation d’une ville désertique où les contrastes de

notre époque (l’anéantissement et la transcendance , le

déterminisme et l’agencement , la rationalité et la folie)

sont remis en question. C’est un endroit où la destruction

et la renaissance sont une seule et même chose, où

l’écart entre réalité et simulation est pour toujours

réduit.

Ces photos de grande taille sont créées en utilisant des

collages d’images du site Google Maps qui me servent

à modeler un territoire fictif : le paysage de cette ville

. Les projets de cartographie en ligne comme celui de

Google sont en train de changer rapidement la nature

Daniel LeivickHeliopolis

danielleivick.com

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Noriko Takasugi

Soma Nomaoi est une célébration annuelle qui met en

avant la culture samouraï millénaire de Fukushima.

2000 personnes sont mortes lors de l’accident de

Fukushima ; 80 % d’entre elles étaient originaires de la

région où se tient le Soma Nomaoi. Malgré les conditions

difficiles, les pertes en vies humaines et la perte de

centaines de leurs chevaux et de la plupart de leurs

armes, la majorité des survivants guerriers samouraïs

de la région de Nomaoi a tout de même décidé de se

réunir en 2011, quelques mois après la catastrophe.

Ce n’est pas seulement un événement, c’est aussi un

moyen d’affirmer leur identité et de lutter pour leur

survie. La façon de vivre des samouraïs, nommée «

Bushido ”, se rapproche du concept de chevalerie. Cette

identité particulière définit comment et pourquoi ils

vivent.

Les guerriers samouraïs Nomaoi représentés ici

résidaient auparavant dans la zone proche de la centrale

nucléaire de Fukushima Daiichi, mais ils ne sont plus

autorisés à y vivre. Chacun d’eux se tient dans un lieu

ayant une signification personnelle pour lui.

Bien que l’image typique du Japon actuel puisse être

encore positive avec les bâtiments high-tech de Tokyo,

le pays reste un monde caché pour les étrangers. Je

voudrais, à travers mes photos, montrer cette partie

secrète du Japon, sa mentalité, sa chaleur intérieure et

le sens profond de la beauté triomphant de l’adversité,

ainsi que notre révérence envers la nature. Cette

partie secrète n’est pas pour nous quelque chose

d’extraordinaire, mais affecte réellement nos choix de

vie quotidienne. Ces qualités sont souvent masquées

aujourd’hui dans le monde entier, pas seulement au

Japon. Ma vie ordinaire et mes racines japonaises

ont formé un pont entre moi et ces samouraïs dont je

prenais en photo l’ombre et la lumière.

Fukushima Samurai

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Noriko Takasugi

Since 2011, I have devoted my time to capturing images

of the survivors of 3.11. While I was listening to their

story, I could not ignore the unique spirit emerging in

these people. These photos are part of my long-term

project that differs from the major news stories about

the disaster. I tried to investigate the evacuees not as

victims, but as part of a 1000 years old folk culture of

the area, a representation of Japanese identity. The work

examines how these people are surviving and fighting

fate in order to retain their sense of self.

Soma Nomaoi is an annual celebration of Samurai culture

in Fukushima. It is more than 1000 years old. 2000

people died in Fukushima due to the meltdown, 80% of

whom were from the area where the Soma Nomaoi is

held. Despite the harsh conditions, loss of lives and loss

of hundreds of their horses and much of their armory,

the majority of the surviving Nomaoi Samurai warriors

agreed to hold the gathering in 2011, just a few months

after the disaster.

It is not just an event but also the embodiment of their

identity and fight for survival. The samurai way of life,

“Bushido”, corresponds to the concept of chivalry. This

sense of identity represents how and why, they live.

The Nomaoi Samurai warriors portrayed here were once

residents in the area close to the Fukushima Daiichi

nuclear plant but they are no longer allowed to live there.

Each of them stands in the places that had a personal

meaning to them in the area.

Although the typical image of current Japan might be

still positive, to foreigners the country remains a hidden

world. I would like, through my photography, to show this

secret part of Japan: the mentality, inner warmth and

profound sense of beauty triumphing over adversity,

and our awe of the natural world. Those secret parts are

not an extraordinary thing for us but an accumulation of

our choices in our ordinary life. Such qualities are often

obscured nowadays in the world as a whole, not just in

Japan. My ordinary life and Japanese root came across

to these Samurai people while I was taking their light and

their shadow with my camera.

Fukushima Samurai

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