Le magazine de l’art contemporain urbain | Urban Contemporary Art Magazine | www.graffitiartmagazine.com

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L 17800 - 35 - F: 8,70 € - RD

#35Octobre - Novembre

2017

OUTDOORNuart et Upeart : Les murs venus du Nord.

AGENDAExpos, foires, ventes aux enchères: les évènements à ne pas pas rater.

DOSSIERHors contexte: l’art urbain au musée.

BORONDO | VERMIBUS | LUDO | LOW BROS | AMANDINE URRUTY | HENDRIK CZAKAINSKI

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Dans l’univers des galeries d’art, Andrew Hosner détonne. Cofondateur de la galerie Thinkspace à Los Angeles, ce collectionneur compulsif et businessman décomplexé use d’un marketing effréné pour promouvoir les artistes avec lesquels il travaille ainsi que le « New Contemporary Art ». Il s’emploie à faire entrer ce courant dans les musées et peut-être même un jour dans les livres d’histoire. Au regard de son énergie et de sa détermination, gageons qu’il parviendra à ses fins.

Peux-tu nous présenter ta galerie ? Ma femme Shawn, notre associé L. Croskey et moi‑même sommes les propriétaires de la galerie Thinkspace que nous avons ouverte en 2005 à Los Angeles. A l’époque, nous étions juste trois amis passionnés d’art émergeant et entourés d’énormément d’artistes. Certains d’entre eux nous ont suggéré d’unir nos forces ce qui, lorsqu’on revient sur le chemin parcouru depuis treize ans, s’est avéré être plutôt une bonne idée. Au cours des années 2013‑2014, nous avons commencé à approcher les ins‑titutions, les musées. Notre but, au cours des cinq à dix prochaines années, est de poursuivre nos efforts dans cette direction afin que le « New Contemporary Art » entre dans les livres d’histoire.

Avec le magazine Juxtapoz, tu soutiens en effet ce courant venu de la Californie du sud que tu décris comme “ l’art pour le peuple, qui prend ses racines dans l’illustration, la pop culture, la BD, le street art et le graffiti”. Peux-tu nous en dire plus sur ce « New Contemporary Art » qui est peu connu en Europe, à tout le moins comme un mouvement en tant que tel. Nous tentons d’être un porte‑voix, un catalyseur. Tout a débuté à la fin des années soixante avec la naissance du Lowbrow sur la Côte Ouest des Etats‑Unis avec Robert  Williams et tout un groupe d’artistes venant de la BD ZAP! Comics tels que Robert Crumb et S. Clay Wilson. Puis lorsque Mark Ryden, Camille Rose Garcia, Todd Schorr et Tim Biskup ont commencé à faire des vagues dans les années 90, il a paru évident qu’un nouveau nom devait être attribué à ce genre agité. Kirsten

Anderson de Roq La Rue et d’autres ont commencé à uti‑liser le terme Pop Surrealism qui fut officiellement établi à la sortie de son livre éponyme. Dans les années 2005‑2010, de nouveaux artistes entrèrent en scène, influen‑cés par les vingt dernières années de Lowbrow et Pop Surrealism et il était clair qu’aucun de ces termes n’était adapté à leur travail. Certains se mirent à appeler ce cou‑rant le “New Brow”, d’autres l’Art Contemporain Urbain, qui est encore utilisé par certaines maisons de vente. C’est alors que le magazine Hi‑Fructose est apparu avec, en guise de sous‑titre, la mention “The New Contemporary Art Magazine”. Même si certains ont raillé cette expres‑sion, trouvant qu’il s’agissait là d’un pléonasme, c’est la meilleure caractérisation qui ait été trouvée pour un genre qui n’est ni du post war ni du pop. La filiation entre LowBrow, Pop Surrealism et New Contemporary Art est dès lors indéniable. Et c’est parce que ce mouvement en est à ses débuts que nous sommes si attachés à le pro‑mouvoir. Les deux grandes expositions que nous avons organisées, la rétrospective sur Robert Williams, intitulée « SLANG  ! Aesthetics » et l’exposition anniversaire des vingt ans de Juxtapoz contribuent à asseoir la réalité de ce mouvement.

La galerie a une approche marketing très dyna-mique pour promouvoir ses artistes et faire grandir le mouvement hors de la Californie. Tu développes des projets collaboratifs en créant des évènements réunissant plusieurs galeries ou en développant des expositions itinérantes. Cette approche est-elle tirée de ton expérience dans le secteur de la musique ?

ANDREW HOSNERL'amplificateur

—TEXTE / ARUALLAN

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Page de droite, en haut - L’installation de Brett Amory (US) pour l’exposition « Johnny at Hollywood Center Motel » des 20 ans du magazine Juxtapoz au LAMAG, Los Angeles (US), 2015 Page de droite, en bas - Le vernissage des expositions Slang Aesthetics et Juxtapoz 20th au LAMAG, Los Angeles (US), 2015

C’est génial que tu fasses le lien avec l’industrie de la musique parce que c’est exactement le cas. Les expositions itinérantes sont directement inspirées des tournées et des pratiques selon lesquelles, quand tu voulais créer quelque chose d’explosif, surtout dans le heavy métal qui était mon domaine, tu mettais quatre groupes ensemble et leurs labels unissaient leurs forces, leurs compétences et leurs réseaux pour qu’in fine, cha‑cun fassent plus de profit que si un groupe était parti seul en tournée. Nous travaillons tant et avec tant d’artistes que notre agenda est complet plusieurs années à l’avance, si bien qu’en faisant un maximum d’expositions itinérantes et de foires, nous permettons au plus grand nombre d’avoir accès aux artistes avec qui nous travaillons. Un bon exemple est l’évènement « Beyond Eden» que nous avons produit pendant cinq ans. Le concept était d’orga‑niser une foire d’art contemporain sans murs, les galeries participant à un accrochage cohérent pour éviter une dis‑sonance de styles dans les lieux. Nous souhaitions mon‑trer l’aspect communautaire et collaboratif du courant du New Contemporary Art et cela a très bien fonctionné.Pour ce qui est de nos expositions itinérantes, il s’agit d’un concept gagnant‑gagnant pour les galeries qui les accueillent. Les expositions que nous organisons avec elles peuvent présenter jusqu’à cent artistes diffé‑rents, elles ont donc ainsi l’occasion d’en découvrir de nouveaux. Plus la galerie en question expose, plus elle grandit et plus le public aura l’occasion de voir le travail des artistes que nous soutenons. L’idée est de mainte‑nir une réputation forte et de faire circuler notre nom au maximum. C’est une des raisons pour lesquelles nous assurons de nombreux commissariats d’exposition et participons à des foires. Que le nom circule un peu par‑tout. C’est du marketing de base.

Penses-tu que les foires d’art soient toujours aussi importantes ? Nous en avons fait beaucoup au cours des sept à huit dernières années, elles sont un chapitre de notre histoire, une étape de notre développement. Nous nous écar‑tons aujourd’hui de ce chemin. Après la grande fête de Moniker Art Fair à Londres en octobre où nous aurons huit stands, et un dernier grand stand à Miami dans le cadre de Scope en décembre, nous allons arrêter pour un mo‑ment. Les chiffres des foires d’art sont impressionnants et, pour en avoir fait une vingtaine dans le monde, elles drainent entre vingt et quarante mille personnes, mais un faible pourcentage du public entre dans le stand et rares sont ceux qui regardent vraiment les œuvres exposées. A la lumière des sommes investies, les chiffres sont en conséquence décevants. Il nous faut donc nous focaliser sur les expositions itinérantes qui sont vues par un grand nombre de visiteurs pendant un mois plein (alors que les foires ne durent que quelques jours). Il en est de même lorsque nous sommes commissaires d’exposition pour des musées  : d’abord la créativité dont nous pouvons faire preuve dans ce cadre est déjà une récompense en soi, mais de dix à trente mille personnes peuvent franchir le seuil d’un musée au cours d’une période de trois mois. Chaque visiteur vient avec l’intention de voir les œuvres des artistes, et pas simplement pour parader dans des

foires, faire la fête et être vu, comme ce qu’il se passe aujourd’hui à Miami, New York et en Suisse.

Quelles tendances de marché prévoies-tu ?Il semble que la partie plus abstraite de l’Art Contemporain Urbain, qui émane du courant du Graffuturisme, fait une percée que l’on voit en particulier de plus en plus dans les festivals de street art. Le photoréalisme a eu une grosse cote ces dernières années, de nombreux artistes qui ont émergé sont aujourd’hui très suivis. J’ai le sentiment que la sculpture ainsi que les œuvres ayant un contenu social fort vont attirer l’attention dans un futur proche. Avec la recrudescence des festivals liés au street art, les mécènes seront de plus en plus exposés à ce monde et il sera inté‑ressant de voir la direction prise par les curateurs de ces festivals au regard des contraintes extérieures liées à la participation de municipalités et/ou d’entreprises et com‑ment les artistes réagiront à ces multiples changements et pressions.

Comment la galerie choisit-elle ses artistes et com-ment ces choix ont-ils évolué ?Il n’y a pas de réponse directe à cette question. Ma femme, LC et moi avons des goûts variés, mais nous nous rejoignons sur un point : les artistes doivent être au sommet de leur art. Quel que soit leur style, ils maîtrisent leur domaine, ont une vraie puissance narrative et une vision artistique claire.Comment dénichons‑nous nos talents  ? Nous exami‑nons encore aujourd’hui la cinquantaine de soumissions que nous recevons chaque semaine, ou la centaine pen‑dant les semaines d’exposition au cours desquelles nous effectuons de lourdes campagnes d’autopromotion. Mais cela peut aussi être un design qui va attirer mon attention dans un magasin de snowboards, une pub dans un ma‑gazine, ou des photos que j’aurais trouvées en parcou‑rant le compte Instagram d’un artiste. Enfin, nous avons également découvert certains de nos artistes les plus talentueux par l’intermédiaire d’artistes avec qui nous travaillions déjà. Joao Ruas (BR) en est un bon exemple : Audrey Kawasaki et Joao Ruas étaient amis et lorsqu’elle a présenté sa première exposition en qualité de curatrice, « The Drawing Room » en 2010‑11, elle a intégré une de ses pièces. Nous avons immédiatement su qu’il devien‑drait un phénomène du monde de l’illustration s’il conti‑nuait sur sa lancée créatrice.

Tu es collectionneur, tu te décris même comme un “art junkie”. As-tu déjà exposé ta collection ?La première œuvre originale que nous avons achetée en couple était une petite pièce de Jeff Soto en 2001/2002. Aujourd’hui, nous avons environ cinq à six cent pièces accrochées chez nous du sol au plafond (et peut‑être deux cents stockées). Notre collection est un instantané de la scène de Los Angeles sur une durée de vingt ans, témoignant du développement du Pop Surrealism et du New Contemporary Art. N’ayant pas d’enfants, nous sou‑haitons pouvoir intégrer, par voie de donation, notre col‑lection au fonds de certaines institutions. Il y a vingt ans, jamais je n’aurais cru que notre petite maison abriterait autant d’œuvres d’art. Il a des addictions qui sont pires que celle‑là… n

À LIRE THE DIRTY LAND: THE ART OF BRIAN M. VIVEROSDe Brian M. ViverosPréface de Andrew HosnerThinkspace Editions, 2015

Page précédente - Les associés de Thinkspace, Andrew Hosner, sa femme, Shawn et leur partenaire L. Croskey.

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Page précédente - Cardboard Cats par Cinta Vidal (ES), acrylique sur bois, 31x25 in. présenté lors de son mini solo show “Industry” pendant Moniker Art Fair, Londres (UK), 2017

Ci-dessus - Robert Wiliams (US) au vernissage de Slang Aesthetics au LAMAG, Los Angeles (US), 2015

Ci-contre - Drought par Dulk (ES), acrylique sur panneau, 24x36 in. présenté lors de son mini solo show “Extinction” pendant Moniker Art Fair, Londres (UK), 2017

À VOIR DALEK (a.k.a. James Marshall) 20 years of the Space MonkeyThinkspace Gallery6009 Washington BlvrdCulver City (US) 2 décembre 2017 – 23 décembre 2017

ANDREW HOSNER EN QUELQUES DATES 2005 La Galerie Thinkspace ouvre ses

portes près de Melrose avenue à Los Angeles (US)

2007 Première exposition hors de la Californie et premier show collaboratif avec une autre galerie, Distinction Gallery à Chicago (US). Servira de base à la série d’expositions itinérantes « LAX / » en collaboration avec des galeries ayant le même état d’esprit dans le monde.

2010 Thinkspace déménage à Culver City Arts District. Le premier évènement multi‑galeries ‘Beyond Eden’ a lieu au Barnsdall Art Park au LA MAG (Los Angeles Municipal Art Gallery) avec six galeries issues du courant émergeant New Contemporary Art.

2011 Série itinérante ‘LAX / PDX’ avec Together Gallery, à Portland (US)

2012 ‘LAX / HKG’, première exposition en Asie dans le cadre des séries itinérante en collaboration avec Above Second Gallery présentant les œuvres de Audrey Kawasaki, Esao Andrews, Amy Sol, Joao Ruas et Brian Viveros.

2015 • Commissariat d’Exposition de « 20 Years Under The Influence of Juxtapoz » célébrant les vingt ans du magazine et de « SLANG ! Aesthetics », la retrospective sur le travail de Robert Williams (co‑fondateur de Juxtapoz). • « Vitality and Verve » : première exposition muséale en tandem avec POW! WOW! au Museum of Art de Long Beach, Californie (US), une première dans l’histoire du New Contemporary Art.

• Commissariat d’exposition au Museum of Art à Fort Wayne, Indiana (US).

2016 • Commissariat d’exposition et Festival mural avec le Musée d’Art et Histoire de Lancaster, Californie (US). • Commissariat d’exposition à la Brand Library and Arts Center à Glendale, Californie (US).

2017 • Commissariat d’exposition au Musée d’Art Contemporain de à Mesa, Arizona. • Moniker Art Fair, London (UK) avec huit stands dont sept pour les débuts en Grande‑Bretagne en solo de Audrey Kawasaki, Brian Viveros, Kevin Peterson, David Cooley, Dulk, Telmo Miel, et Cinta Vidal.

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In the universe of art galleries, Andrew Hosner is a world apart. Co-founder of Thinkspace in Los Angeles, this art junkie and unabashed businessman uses unbridled marketing methods to promote the artists he works with as well as the “New Contemporary Art” movement. He relentlessly works on having them exhibited in museums, his ultimate goal being to see them one day in history books. Let’s bet that with such energy and determination, his dreams will come true.

Can you introduce us to you and your gallery?My wife Shawn, our partner L. Croskey and myself are the co‑owners of Thinkspace Gallery in Los Angeles which we opened in 2005. Back in the day, we were three friends who were passionate about young and emerging art, we knew a lot of artists, and some of them suggested we get together and join forces, which turns out to be, thirteen years later now, a pretty good idea. Throughout 2013 and 2014 we started knocking at the door of in‑stitutions like museums, universities and libraries. Over the next five or ten years our goal is to continue to push further into the institutional side of the art world in order to cement the New Contemporary Art movement in the history books. Together with Juxtapoz magazine, you are one of the most prominent voices of this Southern Californian movement which you describe as “the art for the people, rooted in illustration, pop culture, comics,

street art and graffiti”. Can you tell me more about “New Contemporary Art”, which is not known as well in Europe, at least as a movement per se. We try to be a loud speaker, a catalyst. It all started with the birth of Lowbrow on the West Coast with Robert Williams and a whole group of artists from ZAP! Comics back in the late sixties and early seventies, such as R. Crumb and S. Clay Wilson. Then when Mark Ryden, Gary Baseman, Camille Rose Garcia, Todd Schorr and Tim Biskup were starting to make waves in the nineties, everyone knew a new name for this bustling genre was needed. Kirsten Anderson from Roq La Rue and a few other people start‑ed using the Pop Surrealism term, which was established when she wrote a book of the same title. Right around 2005 to 2010, a lot of new artists were entering the scene, having been influenced by the past twenty years of Lowbrow and Pop Surrealism influencing their lives. It was evident that the moniker of Pop Surrealism wasn’t doing some of these artists’ work any justice, in terms of just a quick descriptive term. Some people started calling it New Brow, or Urban Contemporary which some auction houses still stick with. Right around that same time Hi‑Fructose magazine started, and underneath the title of the magazine it read “The New Contemporary Art Magazine”. Even if some would say it is a pleonasm, that is the best encapsulating term that we all are using be‑cause it is definitely not post war nor pop. So the family tree of Lowbrow, Pop Surrealism and New Contemporary Art is undeniable. In the grand scheme of things, the

New Contemporary movement is just getting started and that’s why we are so adamant about supporting it and getting it out there. The two huge shows that we helped to organize, the Robert Williams retrospective entitled “SLANG! Aesthetics” that has toured around in museums and the Juxtapoz Anniversary show, both really helped cement this movement as part of Art History. You have a very dynamic approach to the exposure of the artists you work with, and to making this mo-vement expand out of Los Angeles. You promote a sense of community by bringing together multi-gallery events and travelling exhibitions. Does this approach come from your experience in the music industry?

It is awesome that you make that music correlation be‑cause it honestly is exactly where it comes from.The travelling shows definitely came from the notion of touring and how if you ever wanted to cause a bang or really turn some heads in the music industry, especially in Heavy Metal where I came from, you would bring to‑gether numerous acts from different labels, which meant that three or four labels and bands each combined their reach, their power, and their strength so that they all made more money than if one band had gone out on the road by itself. We work with so many artists and are kind of worka‑holics ourselves, so we are usually booked out a cou‑ple of years at a time at our gallery, so by doing more and more travelling shows and art fairs, we have more

ANDREW HOSNERThe loud-speaker TEXT / ARUALLAN

Ci-contre - Church by Kevin Peterson (US), oil on panel, 30x40 in. part of “New Works” mini solo show at Moniker Art Fair, London (UK), October 2017

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ANDREW HOSNER TIMELINE 2005 Thinkspace opens its door off

of the legendary Melrose Avenue in Los Angeles (US)

2007 First out of state exhibition and first collaborative show with another gallery in Chicago, Illinois with Distinction Gallery. This would form the basis for the ‘LAX /’ series of traveling shows with like‑minded galleries the world over.

2010 • The gallery moves to Culver City Arts District. • The first ‘Beyond Eden’ multi‑gallery event is held at the Barnsdall Art Park in the LA Municipal Art Gallery with six galleries from the burgeoning New Contemporary Art Movement.

2011 ‘LAX / PDX’ traveling series with Together Gallery, Portland, Oregon

2012 ‘LAX / HKG’ ‑ First major exhibition in Asia with Above Second Gallery featuring Audrey Kawasaki, Esao Andrews, Amy Sol, Joao Ruas and Brian Viveros.

2015 • Curation of ‘20 Years Under The Influence of Juxtapoz’ exhibition celebrating the 20th Anniversary of Juxtapoz Magazine in tandem with the curation and presenting of ‘SLANG Aesthetics!’ from the legendary Robert Williams (co‑founder of Juxtapoz Magazine). • First major full museum takeover in tandem with POW! WOW! at the Long Beach Museum of Art in Long Beach, California. ‘Vitality and Verve’, a landmark exhibition in the history of the New Contemporary Art Movement. • First curated museum exhibition in the MidWest at the Fort Wayne Museum of Art in Fort Wayne, Indiana.

2016 • Curated exhibition and mural festival in tandem with the Lancaster Museum of Art and History in Lancaster, California. • Curated exhibition at the Brand Library and Arts Center in Glendale, California.

2017 • Curated exhibition at the Mesa Contemporary Arts Museum in Mesa, Arizona. • Moniker Art Fair, London (UK) with 8 stands of which 7 are solo booths including the debut UK solo shows from Audrey Kawasaki, Brian Viveros, Kevin Peterson, David Cooley, Dulk, Telmo Miel, and Cinta Vidal.

Ci-dessus - Andrew Hosner

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opportunities to expose the artists we work with to new fans and patrons. A great example was our five editions of the Beyond Eden multi‑gallery event we did out in Hollywood. The idea with that was to do an art fair without walls, with all of the galleries doing a cohesive hang so it wouldn’t be a mish‑mash of styles on every wall. Showcasing collaboration and the community aspect of the New Contemporary movement was what it was all about and it worked out really well.Our travelling shows continue to thrive; they are a win‑win for the hosting gallery because it gets exposed to new artists as we are showcasing upwards to a hundred artists with them. The more the gallery gets out there, the bigger it gets, and more and more people are ex‑posed to the artists we work so hard to support. It is all about maintaining a strong reputation  and having your name all over the place. That’s a lot of the reason why we have been curating events and art fairs. It is just getting the name out there as often as you can. It’s Marketing 101. Do you think Art Fairs are still important? We’ve done a lot of them the last seven to eight years, we look at it as a chapter in our history, a stage in our development. Where we are going now is away from that model. This big blast at Moniker Art Fair in London in October, where we will have eight booths, and then one last big booth with SCOPE down in Miami this December, will be it for a while. The numbers at the Art Fairs are great, and having done close to twenty of them now worldwide, they do get anywhere from 20 to 40,000 people through the door. But only a few out of every hundred actually decides to step a foot in our booth, and only a small percentage of those pay attention and really absorb the art. The numbers don’t add up com‑pared to the cost. So I feel that we can focus our at‑tention more on the travelling shows that really get the work out in front of large numbers of people and can be enjoyed for a full month (over only a few days at an art fair). Same thing when we curate a museum exhi‑bition: the amount of creativity you can do is so much more rewarding when it comes to an institutional‑type show. You also can get anywhere from 10 to 30,000 people through the doors over a three‑month period, and I know that they came with intent to see the artists that we are working so hard to get in front of them to be seen, not just gallivanting through art fairs to have some fun and be seen, which is all that Miami, NYC and Switzerland have become. What trends of the market do you foresee?It seems that the more abstract side of the Urban Contemporary world is really catching on, coming out of the Graffuturism movement and it’s influence on sev‑eral artists making the mural festival rounds. For the last three to five years, photo realism was really hot, and a whole bunch of artists came out of that and have gained strong followings. I feel more sculptural based works and social driven works will have a strong run in the coming years. As the onslaught of mural festivals continues to increase, it’s inevitable that more and more

new patrons will be exposed to the burgeoning street art and muralism worlds, so it will be interesting to see where the curators of these festivals take things as more and more outside influences enter the picture (from local government pushback to corporate sponsorships), and how artists in turn react to these changes and pressures. How do you choose the artists you work with and how do these choices have evolved with time?There is no direct answer. My wife and I and LC, have pretty varied tastes, but we all seem to agree that the one thing that connects everybody’s work we enjoy, that thin red‑line as they say, is that each is at the top of their game. No matter what style or subgenre they may hail from, they have a control of their chosen medium, a strong level of narrative in their work and a firm vision for where their art is headed.

In terms of where we get exposed,   I still, to this day, look at every submission we get, 50 to 60 a week, up‑wards of 100 on a show week when we’re out there heavily marketing our name and mission ; it also can be anything from passing by a snowboard shop and seeing a graphic that catches my eye, to seeing an advertise‑ment in a magazine to digging into an artist’s Instagram and clicking on one or two pics. In addition, some of the most amazing artists we have been exposed to, and are still working with to this day, have been introduced to us by artists we work with. Joao Ruas (BR) is a great ex‑ample: Audrey Kawasaki did her first curated show, ‘The Drawing Room’, back in 2010‑11, and she was friends with Joao. Once his first piece came in for that show, we really knew he would be a beast in the illustration world as he continued to create his own narrative and surrounding world.

You describe yourself as being an art junkie, you have a pretty large art collection and your house is covered with artwork. Have you ever made an exhi-bition with your art collection?The first original piece we bought as a couple was a little piece by Jeff Soto back around 2001 / 2002. We prob‑ably have now about 500 / 600 pieces hanging at our house from floor to ceiling (and a couple hundred more in storage). Our collection is a snapshot of a moment in time over a 20 year period in the LA art scene witness‑ing the development of the whole Pop Surrealism / New Contemporary Art Movement. We don’t have kids, so our goal is moving forward with institutions, in hopes that we can donate the works to their archives. Looking back 20 years ago, I didn’t think I would be housing so much artwork in our little house. There are worse addic‑tions out there... n

Tin Can by Josh Keyes (US), acrylic on birch panel, 40 x 24 in., presented at Scope Miami (US), 2016

NOT TO BE MISSED DALEK (a.k.a. James Marshall) 20 years of the Space MonkeyThinkspace Gallery6009 Washington BlvrdCulver City (US) December 2nd, 2017 – December 23rd, 2017

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