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Allegro HD – Destacados de Programación – Julio 2016

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Destacados de Programación – Julio 2016



Destacados de Programación Julio 2016

CONCIERTO – Celebración del 200 aniversario del nacimiento de Franz Liszt – Estreno 2 de julio – Pág. 3

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: George Tudorache interpreta

Leonard Bernstein – Estreno 3 de julio – Pág. 5

CONCIERTO – Sinfonía n.º 1 de Gustav Mahler: Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena – Estreno 8 de julio – Pág. 7

CONCIERTO – Canciones rusas: Anna Netrebko & Daniel Barenboim – Estreno 9 de julio –

Pág. 9

WORLD – James Blunt: Baloise Session en vivo – Estreno 10 de julio – Pág. 11

CONCIERTO – Sinfonía n.º 2 de Gustav Mahler: Leonard Bernstein & Orquesta Sinfónica de London – Estreno 15 de julio – Pág. 13

CONCIERTO – Amor, vida de mi vida, el concierto de zarzuela: Plácido Domingo & Ana

María Martínez – Estreno 16 de julio – Pág. 15

WORLD – Música argentina: Gustavo Grobocopatel y Lucía Maranca en concierto – Estreno 17 de julio – Pág. 17

CONCIERTO – Thomas Hampson canta Robert Schumann – Estreno 17 de junio – Pág. 19

CONCIERTO – Sinfonía n.º 3 de Gustav Mahler: Leonard Bernstein & Filarmónica de

Viena – Estreno 22 de julio – Pág. 21

CONCIERTO – Gala Mozart: Filarmónica de Viena & Daniel Harding – Estreno 23 de julio – Pág. 23

WOLRD – 2Cellos en vivo en el Pula Arena – Estreno 24 de julio – Pág. 25

CONCIERTO – Sinfonía n.º 4 de Gustav Mahler: Leonard Bernstein & Orquesta

Filarmónica de Viena – Estreno 29 de julio – Pág. 27

CONCIERTO – Misa de Requiem, de Giuseppe Verdi: Herbert von Karajan – Estreno 30 de julio – Pág. 29

CONCIERTO – Missa Solemnis de Ludwig van Beethoven: Chsritian Thielemann &

Orquesta y Coro Estatal de Dresden – Estreno 31 de julio – Pág. 31

ICONOS – Elvis Costello: Baloise Seesion en vivo – Estreno 31 de julio – Pág. 33



Christian Thielemann se pone al frente de la Orquesta Proyecto Franz Liszt, con la

colaboración de Konstantin Scherbakov, para celebrar esta gran efeméride.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica, piano, música sinfónica.

Intérpretes: Konstantin Scherbakov.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Proyecto Franz Liszt.

Año: 2011.

Lugar: Neue Wiemarhalle, Weimar.

Duración: 83 minutos.

Franz Liszt (1811-1886), excelente compositor, pianista y profesor húngaro, fue uno de los líderes del movimiento romántico en la música. En sus composiciones desarrolló nuevos métodos, tanto imaginativos como técnicos, que dejaron su huella en sus contemporáneos, en una mirada hacia el futuro que anticipa algunas ideas y procedimientos del siglo XX. También desarrolló el método de la transformación de temas, hizo experimentos radicales en la armonía e inventó el género del poema sinfónico. Considerado como el mayor virtuoso de piano en su tiempo, utilizó su sensacional técnica y personalidad cautivante para difundir, a través de sus transcripciones, el conocimiento de la música de otros compositores. Como director de

Concierto: Celebración del 200 aniversario de Franz Liszt Christian Thielemann y Orquesta Proyecto Franz Liszt Estreno 2 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



orquesta y maestro se convirtió en la figura más influyente de la Nueva Escuela Alemana. Su defensa incesante hacia las figuras de Wagner y Berlioz ayudó a estos compositores a lograr una mayor fama. Igualmente importante fue su inigualable compromiso con la preservación y la promoción del pasado [Bach, Händel, Schubert, Weber y especialmente Beethoven]; sus interpretaciones de obras tales como la Novena sinfonía y la Sonata Hammerklavier crearon nuevos públicos para esta música. Las aparentes contradicciones

en su vida personal –un fuerte impulso religioso mezclado con un amor de los sentimientos

mundanos– se resolvieron con dificultad. Sin embargo, la gran cantidad de nueva información biográfica sobre su figura hace desterrar definitivamente esa visión mitad gitano, mitad cura que imperaba hasta hace décadas. Sin duda, Liszt contenía en su carácter más de los ideales y aspiraciones del siglo XIX que cualquier otro músico importante del momento.

El presente concierto celebra de manera bien merecida tan magna figura y se abre con la obertura de Tannhäuser, una de las geniales obras de su admirado y protegido Richard Wagner (1813-1883). El resto del programa se dedica ya por completo a Liszt. Primero con su Concierto para piano n.º 2 en La mayor, una obra que comenzada en 1839 y concluida en 1861, con un largo historial de revisiones. La obra se estructura en un extenso único movimiento, dividido en seis secciones claramente diferenciadas. La obra Liszt fue dedicada a Hans von Bronsart, de quien era profesor, que fue el encargado de su estreno, bajo la dirección de Liszt, el 7 de enero de 1857 en Weimar. La segunda obra es Totentanz: Paraphrase on Dies irae [Danza de la muerte: paráfrasis sobre Dies irae], compuesta para conjunto sinfónico y piano solista, que destaca por basarse sobre el canto llano del oficio de difuntos Dies irae, además de por presentar innovaciones más que notables para el momento. La obra se concibió en 1838, pero no fue completada hasta 1849, siendo revisada en diversas ocasiones. Consolaciones es una serie de seis obras para piano solo, en un estilo cercano al del nocturno, que Liszt presentó en dos versiones: I. entre 1844 y 1849; II. entre 1849 y 1850, que es la que contiene la célebre Consolación n.º 3, una mezcla extraordinaria entre su escritura y la de Chopin. El concierto se cierra con Los preludios, poema sinfónico compuesto en 1848, tercero de su ciclo de trece Poemas sinfónicos escritos durante en Weimar. La obra fue dirigida por el propio Liszt en su estreno el 23 de febrero de 1854 en un concierto en el Hoftheater de Weimar.

Un evento único para celebrar y deleitarse con algunas de las mejores obras de quien ha pasado a la historia como uno de los referentes del Romanticismo musical, no solo en su forma, sino también en su fondo.

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Concierto: Celebración del 200 aniversario de Franz Liszt Christian Thielemann y Orquesta Proyecto Franz Liszt Estreno 2 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Franz Liszt es sin duda uno de los grandes exponentes del Romanticismo musical, un autor único en su especie, del que en 2011 se celebró el segundo centenario de su nacimiento. Un acontecimiento de grandes magnitudes, que conciertos celebrativos como este, que aunó a la Orquesta Proyecto Fanz Liszt, el pianista Konstantin Scherbakov y la batuta de Christian Thielemann, lo hicieron realmente inolvidable.

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El violín de Tudorache es el protagonista en esta velada, que comparte junto al

excepcional conjunto francés y la obra del gran autor estadounidense.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, violín.

Intérpretes: George Tudorache.

Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2015.

Lugar: Francia.


Leonard Bernstein (1918-1990) fue un compositor, pianista y director estadounidense, para muchos la más exitosa y célebre figura en la historia de la música clásica en los Estados Unidos. Como compositor, pianista, director y pedagogo, unió como nunca antes el mundo de las salas de conciertos con el del teatro musical, legando un rico universo de grabaciones, composiciones, escritos y enseñanzas a su paso. Músico polifacético donde los haya, su brillantez y su innegable talento le llevaron hacia el triunfo absoluto en todos aquellos campos en lo que se quiso desarrollar, tanto en la llamada música académica como en la comedia musical. Dos de sus incursiones en este último género, On the Town (1944) y especialmente West Side Story (1957), ambas llevadas al cine, supusieron un reconocimiento desorbitado entre el público. Sus primeros pasos en la dirección

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe George Tudorache interpreta Leonard Bernstein Estreno 3 de julio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



orquestal llegaron de la mano de Serge Koussevitzky, su maestro durante su estancia en Tanglewood. Como director, su defensa de la interpretación abiertamente subjetiva, pero dentro de la más pura tradición romántica, le hizo resultar especialmente cercano a la obra de autores con un alto componente expresivo, como Franz Liszt, Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich. Además, fue un entusiasta defensor y divulgador de la música estadounidense contemporánea, la de autores como Aaron Copland, Charles Ives y George Gershwin. Como un reflejo totalmente fidedigno de sus aficiones y gustos eclécticos, que iban desde el clasicismo hasta el jazz, el Bernstein compositor legó un catálogo amplio en el que ese eclecticismo es quizá la seña más destacable.

Una de sus obras más refinadas y destacadas dentro de su catálogo instrumental es precisamente Serenade after Plato’s Symposium [Serenata sobre Simposio de Platón] para violín, cuerda, arpa y percusión, compuesta sobre cinco movimientos en 1954. Para la misma se inspiró en el Simposio de Platón, y se concibe a la manera de uno de sus diálogos sobre los correspondientes estados y el elogio del amor, cada movimiento como si se tratase de una declaración realizada por un distinguido orador; siete magníficos oradores de la antigüedad clásica, que inspiraron cinco movimientos: I. Phaedrus: Pausanias; II. Aristophanes; III. Eryximachus; IV. Agathon; V. Socrates y Alcibiades. La obra presenta esa particular plantilla instrumental, con el violín solista, acompañado de una orquesta sin viento, con el arpa y una poderosa y variopinta percusión, que requiere de los timbales y cinco percusionistas añadidos. La obra se compuso por encargo de la Fundación Koussevitzky y fue dedicada a Serge y Natalie Koussevitzky. Su estreno se llevó a cabo por el propio Bernstein el 12 de septiembre de 1954 en el Teatro La Fenice (Venezia), al frente de la Orquesta Filarmónica de Israel y contando con la presencia del gran Isaac Stern como solista. Tan solo dos años después se registró fonográficamente por primera vez, de nuevo con por Stern y Bernstein, para Columbia Records, el 19 de abril de 1956 y en la ciudad de Nueva York, junto a la Sinfónica del Aire.

Sin duda una magnífica oportunidad de disfrutar de una de las mejores obras del catálogo de Bernstein, en la que descubrir su capacidad para conjugar la escritura violinística con la orquestal, añadiendo una parte de percusión especialmente brillante, que es quizá una de las más desarrolladas de cuantas hay en todas sus obras orquestales.

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Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe George Tudorache interpreta Leonard Bernstein Estreno 3 de julio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Pocas personalidades hay en el mundo de la música de la fuerza y la influencia de Leonard Bernstein. Pueden comprobarlo disfrutando de este concierto, en el que el violinista George Tudorache une fuerzas con la Orquesta de Cámara Nouvelle Europe y su director, Nicolas Krauze, para interpretar la Serenata [sobre Simposio de Platón] para violín, cuerda, arpa y percusión.

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Inicio de la serie de sinfonías de Gustav Mahler de la mano de Leonard Bernstein dirigiendo

a la Filarmónica de Viena.

Género: concierto, música clásica, postromanticismo, música sinfónica.

Director: Leonard Bernstein.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 1975.

Lugar: Konzerthaus, Wien.

Duración: 57 minutos. En la década de 1970, el gran Leonard Bernstein (1918-1990) dirigió en directo la integral de las sinfonías de Gustav Mahler (1860-1911), uno de los compositores con los que guarda una relación más íntima y de quienes es, sin duda, uno de los referentes en la historia de la interpretación. Se abre así este ciclo que le iremos ofreciendo en pequeñas dosis, con sus inmensas interpretaciones al frente de la algunas de las mejores orquestas, coros y artistas del mundo, como la legendaria Filarmónica de Viena, que por aquel entonces vivía auténticos años dorados, en los que se la consideraba como la mejor orquesta del panorama internacional. Bernstein fue un compositor, pianista y director estadounidense, para muchos la más exitosa y célebre figura en la historia de la música clásica en los Estados Unidos. Como compositor, pianista, director y pedagogo, unió como nunca antes el mundo de las salas de conciertos con el del teatro musical, legando un

Concierto: Sinfonía n.º 1 de Gustav Mahler Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena Estreno 8 de julio 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



rico universo de grabaciones, composiciones, escritos y enseñanzas a su paso. Músico polifacético donde los haya, su brillantez y su innegable talento le llevaron hacia el triunfo absoluto en todos aquellos campos en lo que se quiso desarrollar, tanto en la llamada música académica como en la comedia musical. La Sinfonía n.º 1 de Gustav Mahler (1860-1911), intitulada Titan, fue comenzada en el año 1884, sin embargo no como una sinfonía, sino como un poema sinfónico de grandes dimensiones y que adquiere el título de Titan por la novela homónima de Jean Paul, a pesar de que en realidad parece que Mahler no se inspiró en ella para la composición. Mahler utiliza material procedente de su malograda ópera Rübezahl y trabajó sobre ella de forma recurrente y casi obsesiva. Terminada en 1888, la primera versión se estrenó en Budapest en 1889, llevando como nombre Symphonische Dichtung in zwei Teilen, siendo en 1983 cuando la reestrena en Hamburg bajo el nombre de Titan, aunque todavía volvería a trabajar sobre ella y finalmente se estrenará en Berlin (1896) ya sin el sobrenombre y en la forma que nos ha llegado finalmente. La sinfonía quedó finalmente estructurada en cuatro movimientos, que conforman una pieza que requiere una plantilla orquestal de dimensiones enormes: cuerda, arpa, 4 flautas, 2 piccolos, 4 oboes, corno inglés, 5 clarinetes, clarinete bajo, 3 fagotes, contrafagot, 7 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba, 5 timbales y percusión. A pesar de todo, Mahler desafía la escritura de su propia escritura grandilocuente, ya que apenas utiliza todos los instrumentos de los que dispone salvo en el último movimiento, quedando los restantes con la cuerda y viento madera como principales protagonistas. Obra de transgresora factura, sufrió un estreno en cierta manera complicado y bastante frío por parte del público y la crítica. Al igual que para muchos de sus colegas directores, la obra era vista como una pieza demasiado moderna y transgresora, especialmente por la concepción burlesca de la marcha fúnebre en el tercer movimiento, además de un último movimiento que se alejaba demasiado de los cánones clásicos a los que se estaba acostumbrados. Sea como fuere, la obra se revela, como sucede en muchas ocasiones, como una obra genial que no es comprendida en su momento, quizá porque se adelantada varios años a lo que está por llegar, denotando así la capacidad creadora de Mahler, que sin duda apoyan la visión actual de que es uno de los compositores más trascendentes de finales del XIX. Un lujo al alcance de su mano, visto como nunca antes gracias a la calidad HD de nuestras emisiones, además de a los comentarios que aparecen sobreimpresionados en nuestros programas, con los que pueden disfrutar de cada detalle de las obras, compositores e intérpretes mientras disfruta de exquisitas versiones de la mejor música de la historia.

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Sinopsis: Disfruten de uno de los hitos discográficos más destacadas en la historia de la interpretación audiovisual. Las sinfonías de Gustav Mahler son, sin duda, uno de los ejemplos más asombrosos del sinfonismo en la música occidental. Ahora pueden deleitarse con esta versión legendaria de la primera de ellas, firmada por la que en aquellos años era considerada la mejor orquesta del mundo, la Filarmónica de Viena, con la dirección del genial y carismático Leonard Bernstein.

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Un encantador programa protagonizado por dos intérpretes de lujo, para dar vida a dos los

grandes autores rusos: Rimsky–Korsakov y Tchaikovsky.

Género: concierto, música clásica, romanticismo, música de cámara, voz, piano.

Intérpretes: Anna Netrebko, Daniel Barenboim.

Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


La música rusa guarda una especial relación con la voz, no únicamente a través de sus

óperas o de la música ortodoxa para coro –con sus increíbles graves–, sino también de manera especial con el género de la canción, en el que el solista vocal se acompaña de un conjunto pequeño, e incluso en muchas de las ocasiones únicamente del piano, como en este caso. El presente programa recopila una serie de breves canciones de dos de los autores más destacados en la historia de la música rusa. En ellas se puede encontrar un universo de géneros y estilos fascinante, desde escenas dramáticas hasta canciones de amor repletas de gracilidad y simplicidad, pasando por obras con melancólicas melodías, serenatas repletas de pasión, melodías de corte popular, o hermosas y delicadas nanas. Nikolay Rimsky-Korsakov (1844–1908) fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del llamado Grupo de los Cinco, a pesar que al igual que sus compañeros, Balakirev, Borodin, Cui y Mussorgski, su entrega a la música no fuera en sus inicios profesional. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores. Parte

Concierto: Canciones rusas Anna Netrebko & Daniel Barenboim Estreno 9 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente y trata la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupa de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente. Su dominio de la orquestación es quizá el elemento más destacado dentro de su marcada estilo, que fue muy respetado por sus coetáneos rusos, e incluso por otros compositores europeos. De este se interpretan algunas canciones de sus Op. 3, 8, 27, 42, 43 o 56, entre otros. Por su parte Piotr Ilich Tchaikovsky (1840–1893), fue el primer compositor de un nuevo tipo en Rusia, totalmente profesional, que continuó de manera firme las tradiciones del sinfonismo europeo occidental asimilándolo como propio. Consiguió un estilo profundamente original, personal y nacional que aunó la idea sinfónica de Beethoven y Schumann con el trabajo de Glinka. A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco supo mantener un estilo que no puede encasillarse en el marco del nacionalismo imperante entonces en su país natal. De

carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –preponderante es la del

sinfonismo alemán, aunque no carente de elementos rusos–, su música es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora de la personalidad del autor, compleja y atormentada. Aquí se presentan algunas canciones de sus ciclos Op. 6, 16, 47, 55, 57, 60 o 73. La interpretación vocal corre a cargo de la soprano rusa Anna Netrebko, de inimitable mezcla de glamour y sencillez, aspecto atractivo y una línea de canto seductora que presenta una potencia musical extraordinaria, que son algunas de sus mejores cualidades. Número uno en ventas de discos y entradas en teatros de ópera de los roles que protagoniza, ha sabido acercar la ópera a un público más amplio. La parte pianística queda en manos de Daniel Barenboim, pianista y director de orquesta argentino-israelí, que debutó en Buenos Aires con tan solo siete años, logrando tal éxito que fue invitado por el Mozarteum de Salzburg para formarse en su prestigioso centro. Posteriormente continuó sus estudios con Nadia Boulanger, Ígor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma. En 1956 se presentó en Londres y Nueva York apoyado por Arthur Rubinstein. Con veinte años, las grandes orquestas del mundo requerían ya sus servicios, y en 1966 se incorporó como director de la English Chamber Orchestra. Desde entonces ha copado la práctica totalidad de los escenarios del mundo y se ha subido al podio frente a las mejores orquestas y teatros del mundo. Su interés se ha transitado por un vasto repertorio, que busca ofrecer bajo nuevas concepciones obras de los clásicos, mientras se preocupa de las obras de los autores contemporáneos.

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Concierto: Canciones rusas Anna Netrebko & Daniel Barenboim Estreno 9 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Este hermoso programa les acercará a su hogar la Rusia más fascinante, esa alejada de la grandilocuencia y la monumentalidad. Una velada repleta de intimismo y delicadeza, en la voz de la soprano rusa Anna Netrebko y el pianista Daniel Barenboim, que interpretan la música de Nikolay Rimsky-Korsakov y Piotr Ilich Tchaikovsky.

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El célebre festival de jazz y world music de Basel ofrece esta velada de la mano del

cantautor británico, uno de los más destacados de su generación.

Género: concierto, world music, música popular, voz, guitarra, piano.

Intérpretes: James Blunt (voz, guitarra y piano), Chris Pemberton (teclados y piano), Karl Brazil (batería), Ben Castile (guitarra), John Garrison (bajo).

Año: 2014.

Lugar: Event Hall, Basel.


James Hillier Blount (1974), más conocido como James Blunt, es un cantautor británico que alcanzó la fama en 2005 tras la salida al mercado de su primer álbum Back to Bedlam y su primer sencillo You're Beautiful. Su estilo presenta una amalgama de géneros musicales que incluyen pop, rock y folk, siempre con un especial interés por lo acústico. A lo largo de su carrera ha sido acreedor de dos Premios Brit, dos Premios Ivor Novello y la nominación a cinco Premios Grammy en 2006. Seguidamente presentó al mercado su segundo álbum, All the Lost Souls (2007), por el cual obtuvo un disco de oro en la primera semana de lanzamiento. Antes de emprender su carrera musical sirvió en el Ejército Británico como oficial del regimiento Life Guards y en 1999 actuó con la fuerza de paz de la OTAN en el conflicto de Kosovo. Desde 2006 reside oficialmente en la isla española de Ibiza, donde ha compuesto y escrito muchas de las canciones a partir de su segundo álbum.

World: James Blunt Baloise Session en vivo Estreno 10 de julio 21:00: Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Durante su niñez recibió lecciones de violín y piano, pero su principal contacto con la música popular tuvo lugar en Harrow School. Ahí, un compañero le introdujo al mundo de la guitarra, y con tan sólo catorce años aprendió a tocar dicho instrumento y a componer canciones. Durante sus estudios en la Universidad de Bristol realizó su tesis final titulada Comercialización de la imagen – La producción de un ídolo de pop, y una de sus principales referencias en su proyecto final fue Simon Frith, un conocido sociólogo, crítico de rock y presidente del comité de premios musicales Mercury Music Prize. En 2002 Blunt abandonó el Ejército Británico para poder iniciar su carrera musical. En aquel momento fue cuando empezó a utilizar el nombre artístico Blunt. Tras concluir su vida militar firmó un contrato con la compañía musical EMI y con Twenty-First Artists. No obstante, a principios de 2003 la cantante y productora Linda Perry se encontraba inaugurando su propio sello discográfico Custard Records, quien durante su visita a Londres escuchó una maqueta promocional de Blunt, y después de haberlo escuchado en vivo en el festival musical South by Southwest se puso en contacto y firmó un contrato de grabación con él. Un mes después, Blunt viajó a Los Ángeles, y comenzó a trabajar con el productor Tom Rothroc. Su tercer álbum llegó en 2010, bajo el título de Some Kind of Trouble.

James Blunt presentó su cuarto álbum de estudio, titulado Moon Landing, a finales de 2013, siendo precisamente este el álbum que presentó en esta sesión de apertura del festival Baloise Session de Basel en el año 2014. El recital se compone de trece temas, escogidos entre lo más célebre de su discografía, de los que cabe destacar Carry You Home, Satellites, Heart to Heart o You’re Beautiful.

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World: James Blunt Baloise Session en vivo Estreno 10 de julio 21:00: Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El joven cantautor británico le invita a disfrutar una velada desde el Baloise Session, que supone un recorrido por sus más de diez años de carreras, ofreciendo algunos de sus éxitos más celebrados. Una cita en la que se acompaña de una pequeña banda de grandes músicos para hacer vibrar al público de Basel y a los que lo disfrutan ahora desde sus casas.

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Segundo episodio de la serie de sinfonías de Gustav Mahler de la mano de Leonard

Bernstein dirigiendo a magníficos artistas y orquestas.


Intérpretes: Sheila Amstrong, Janet Baker; Coro del Festival de Edinburgh.


Orquesta: Orquesta Sinfónica de London.

Año: 1974.

Lugar: Catedral, Ely.

Duración: 90 minutos

Gustav Mahler (1860-1911), compositor y director austriaco, escribió obras de gran formato sinfónico y desarrolló una carrera como director de orquesta que se tornó poderosa e innovadora, proporcionando un modelo del idealismo postwagneriano para el teatro musical alemán. Sus composiciones fueron consideradas inicialmente por algunos como excéntricas y por otros como nuevas expresiones del modernismo de la «Nueva Alemania». Sólo durante la última década sus obras comienzan a disfrutar del apoyo crítico y el éxito del público que ayudó a asegurar la supervivencia póstuma de su reputación como compositor más allá de los años del nacionalsocialismo en Alemania y Austria. Mahler sufrió

Concierto: Sinfonía n.º 2 de Gustav Mahler Leonard Bernstein & Orquesta Sinfónica de London Estreno 15 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



el destino de innumerables compositores de origen judío que fueron prohibidos en un momento en que su música era todavía poco conocida y comprendida fuera de los países de habla alemana. El centenario de su nacimiento en 1960 inspiró el redescubrimiento popular de sus sinfonías, sobre todo en Inglaterra y los EE.UU. La tensión, el compromiso apasionado y el poder a menudo catártico de su música adquirieron una resonancia que se vio incrementada, en un periodo marcado por los movimientos de protesta, por la experimentación crítica y por unas ideas y estilos de vida poco convencionales. Hoy día es visto como una figura histórica que emerge como un mediador entre la tradición musical austro-alemana y los principios de la modernidad del siglo XX.

Su Sinfonía n.º 2 en Do menor, conocida como Auferstehung [Resurrección], por utilizar una musicalización de la oda homónima de Friedrich Gottlieb Klopstock, se puede etiquetar dentro de la estética del postromanticismo, en una línea habitual en el catálogo mahleriano, que destaca por su poderosa y grandilocuente orquestación, así como por desarrollos inmensos, a veces casi inabarcables. El punto de mayor importancia es que esta sinfonía sirve para elaborar aún más aspectos que aparecían casi de forma embrionaria en su Sinfonía «Titán», por lo que algunos la consideran como la primera sinfonía real e íntegramente mahleriana, sin la que es imposible concebir la grandiosidad de obras posteriores como las sinfonías n.º 3 y 8, e incluso su célebre La canción de la tierra. Comenzada a componer en 1888, la sinfonía nació como Totenfeier [Ritos fúnebres], un poema sinfónico en un movimiento basado en el drama poético Dziady, del poeta polaco Adam Mickiewicz, que Mahler terminó en 1888. Cuando ya comenzaba a adquirir prestigio como director de orquesta, presentó su obra al Hans von Bülow, que tuvo una reacción sumamente desfavorable y la consideró antimusical. Profundamente desanimado, no obstante no abandonó su obra y posteriormente regresó al movimiento, agregando tres más a finales de 1893 para concluir la sinfonía hoy conocida como segunda. Dejó la obra por un tiempo, sintiendo que necesitaba un final. Este llegó en 1894, Hans von Bülow murió, y en el funeral Mahler oyó una musicalización de la oda Aufersteh'n, lo que supuso una revelación, y decidió terminar su obra con su propia musicalización de dicho poema, al que efectuó algunas modificaciones.

La obra tuvo su estreno mundial –sin el último movimiento– el 4 de marzo de 1895 en Berlín con la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por el compositor. Estando la obra ya completa volvió a estrenarse, el 13 de diciembre de 1895 en Berlín dirigida por el compositor. La obra final se concibe en cinco gigantescos movimientos y está prescrita para una enorme orquesta, coro mixto, dos solistas [soprano y contralto], órgano, y un conjunto fuera de escena de metales y percusión.


Concierto: Sinfonía n.º 2 de Gustav Mahler Leonard Bernstein & Orquesta Sinfónica de London Estreno 15 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Disfruten de uno de los hitos discográficos más destacadas en la historia de la interpretación audiovisual. Las sinfonías de Gustav Mahler son, sin duda, uno de los ejemplos más asombrosos del sinfonismo en la música occidental. Ahora pueden deleitarse con esta increíble versión de la Sinfonía n.º 2, siempre de la mano del gran Leonard Bernstein, que cuenta aquí con Sinfónica de London, el Coro del Festival de Edinburgh y dos solistas de excepción: Sheila Amstrong y Janet Baker.






Magnífica gala de zarzuela de la mano de dos cantantes internacionales y un gran director

español desde el Festival de Salzburg.

Género: concierto, música clásica, zarzuela.

Intérpretes: Plácido Domingo, Ana María Martínez.

Director: Jesús López Cobos.

Orquesta: Orquesta del Mozarteum de Salzburg.

Año: 2007.

Lugar: Grosse Festspielhaus, Salzburg.


La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en

España –no todos saben que proveniente ya desde el Barroco– que se caracteriza por contener partes instrumentales, partes vocales [arias, dúos, tríos,… coros] y partes habladas, aunque no en todos los casos existen estas partes habladas. El término aplicado a este género procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género allá por el siglo XVII. De una manera errónea se ha asimilado la zarzuela a otros géneros similares en otros países [opereta en Francia, singspiel en Alemania], principalmente por contener partes habladas o declamadas, arguyendo que la zarzuela no deja de ser una opereta española. Sin embargo, es necesario destacar que la

Concierto: Amor, vida de mi vida El concierto de zarzuela: Plácido Domingo & Ana María Martínez Estreno 16 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



zarzuela es históricamente anterior a estas y esa característica ya se encontraba en otros géneros europeos, también anteriores a la opereta, pero no necesariamente anteriores a la zarzuela. A pesar de todo, ha habido zarzuelas del género grande que por no tener partes habladas son parecidas, en su concepción, orquestación y estética a la grand opéra francesa o a la ópera seria italiana. Por lo tanto la zarzuela se definiría de una manera más adecuada como el arte lírico y escénico propiamente hispánico, pues se extendió a la casi totalidad del mundo hispánico.

Tras su desarrollo en los siglos XVII y XVIII, el auge de la zarzuela y su fama le llegaron en el siglo XIX, de la mano de algunos de los principales representantes del género en su historia. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público memorizaba y daba a conocer de forma oral a los demás por medio de representaciones menores, como los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas o de contenido amoroso, que normalmente eran interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular para asegurar que la interpretación fuera un éxito. En ésta época de mediados del siglo se divide en género chico [zarzuelas de un solo acto] y género grande [zarzuelas de dos, tres o más actos]. Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos músicos respetados de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí.

El presente recital, que lleva por título uno de los fragmentos más conocidos de la zarzuela Maravilla, de Federico Moreno Torroba, ofrece fragmentos de los más granado y célebre en la historia del género. Podrán disfrutar de algunos pasajes como De España vengo [El niño judío, Pablo Luna] Tienes razón, amigo… [La Chulapona, Fedrico Moreno Torroba], La Petenera [La marchenera, Moreno Torroba], ¡Cállate, corazón!; Luché la fe por el triunfo y En mi tierra extremeña [Luisa Fernanda, Moreno Torroba], ¿Qué te importa que no venga? [Los claveles, José Serrano], Quiero desterrar... [La del soto del parral, Reveriano Soutullu], interludio de La boda de Luis Alonso [Gerónimo Jiménez], Todas las mañanitas [Don Gil de Alcalá, Manuel Penella], En un país de fábula y No puede ser [La tabernera del puerto, Pablo Sorozábal], Carceleras [Las hijas del Zebedeo, Ruperto Chapí], Junto al puente de la peña [La canción de olvido, Serrano], y pasajes de María La O [Ernesto Lecuona] y El gato montés [Manuel Penella].

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Concierto: Amor, vida de mi vida El concierto de zarzuela: Plácido Domingo & Ana María Martínez Estreno 16 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Plácido Domingo es quizá el cantante lírico español más internacional desde hace décadas. Se une aquí a la soprano puertorriqueña Ana María Martínez para ofrecerles una hermosa velada lírica, con lo mejor de la zarzuela, el genuino género escénico español de los siglos XIX y XX. Están acompañados por la Orquesta del Mozarteum de Salzburg y la dirección de Jesús López Cobos.

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Velada dedicada a la música argentina en formato de cámara, de la mano de dos artistas

apasionados por el repertorio.

Género: concierto, música clásica, música popular.

Intérpretes: Gustavo Grobocopatel, Lucía Maranca, Gustavo Hernández.

Año: 2015.

Lugar: Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires.


La música popular ha dejado, a lo largo de la historia, un reguero de influencias notables en la música occidental. La música de corte clásico en Argentina no ha sido una excepción en dicha influencia, como se puede observar de manera muy clara en este recital. Han sido muchos los autores que han tomado temas populares, no estrictamente para usarlos como citas, sino también para inspirarse en ellos sobre sus futuras composiciones. Incluso al referirse a lo popular no hemos de centrarnos estrictamente en lo musical, sino como concepto general, que de la misma manera se muestra como una poderosa influencia en los diversos autores. La cultura popular, en toda su esencia, se deja ver claramente en muchas de las composiciones de los grandes compositores argentinos del siglo XX, de los que aquí se han escogido algunos casos.

De todos los autores seleccionados hay dos que se destacan particularmente en cuanto a la calidad de su catálogo compositivo: Carlos Guastavino y Alberto Ginastera. Carlos Guastavino (1912-2000) destacó como compositor y pianista en su Argentina natal, aunque

World: Música argentina Gustavo Grobocopatel y Lucía Maranca en concierto Estreno 17 de julio 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador



su obra ha llegado de manera notable a otros continentes. Se crio en una familia con claras inclinaciones musicales, por lo que la espontaneidad y la intuición musical fueron sus primeras experiencias lúdicas, quien con apenas cuatro años de edad, siendo discípulo de la pianista Esperanza Lothringer, debutó en el Teatro Municipal. La música popular rural corría por sus venas de manera natural, sintiéndose impactado por géneros autóctonos como el cielito y el triste. Ya establecido en Buenos Aires, tras breve paso de pocos meses por el Conservatorio Nacional de Música, continuó sus estudios en privado de la mano del compositor y pedagogo Athos Palma. Con él sistematizó todo su bagaje de conocimientos en armonía, morfología y contrapunto. Es Guastavino uno de los exponentes del nacionalismo musical argentino que goza de mayor reconocimiento internacional, junto a autores como Ginastera. Su vasta obra se reparte en obras para piano, guitarra, música de cámara para diversas formaciones, obras para orquesta, coro a capella o con piano y una enorme cantidad de canciones para voz y acompañamiento. Una amplia mayoría de su obra es vocal, puesto que Guastavino amaba la voz y cantar. El otro gran autor es Alberto Ginastera (1916-1983), compositor argentino de talento precoz que realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires bajo la tutela de Athos Palma y José André, y con el tiempo sería nombrado director del Conservatorio de La Plata. Sus primeras composiciones se enmarcan en una estética nacionalista que se inspira en el folclore argentino, pero con elementos rítmicos y tímbricos tomados de la vanguardia. En 1946 se trasladó a Estados Unidos, donde recibió orientaciones de Aaron Copland. Posteriormente su escritura abandonó los ritmos y las melodías de su tierra para integrar técnicas como el dodecafonismo, la aleatoriedad y la microtonalidad. De ambos se interpretan algunas piezas célebres, como Riqueza, El forastero, La tempranera y Viniendo del Chilecito [Guastavino]; Canción al árbol del olvido, Triste y El alba [Ginastera]. En el recital aparecen otros autores aparecen representados: Abraham Jurasky, Carlos López Buchardo, Pascual de Rogatis, Daniel Devoto, Juan José Castro, Julio Perceval, Gabriela Mistral, Atahualpa Yupnaqui, Gustavo Luguizamón o Silvina Ocampo.

Gustavo Grobocopatel destaca como cantante y empresario. Participó en varios coros y desde 1982 estudia canto con Lucia Maranca. Su repertorio está especializado en la música de cámara argentina y ha ofrecido varios conciertos en salas del país. Con José Boses y Héctor Llanos integra el trío Cruz del Sur, donde interpretan música folclórica argentina. Por su parte, Lucía Maranca es docente, cantante y pianista. En su extensa trayectoria, Maranca estrenó numerosas obras de compositores argentinos y participó en primeras audiciones en el país de las obras más significativas del repertorio del siglo XX. Les acompaña Gustavo Hernández, pianista, flautista, cantante, compositor y director. Dedicado a la música argentina de raíz folklórica, tiene una amplia trayectoria donde plasmó su particular visión como arreglista de temas tradicionales de nuestro folklore, improvisador y compositor, reflejada en distintas grabaciones.

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World: Música argentina Gustavo Grobocopatel y Lucía Maranca en concierto Estreno 17 de julio 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El cantante Gustavo Grobocopatel y la pianista Lucía Maranca le ofrecen una velada puramente argentina, en la que degustar algunos de los más «exquisitos manjares» que el folklore popular argentino ha dejado como huella en las composiciones de algunos de los mejores autores del país.

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El mundo del lied en estado puro, gracias a la gran voz del barítono estadounidense y la

exquisita música del compositor alemán.

Género: concierto, música clásica, música romántica, voz, piano.

Intérpretes: Thomas Hampson, Wolfram Rieger.

Año: 2008.

Lugar: Prinzregententheater, München.


El lied es uno de los géneros vocales de cámara más valorados e interpretados hoy en día por los grandes cantantes. Su formato, concepción y gran calidad musical lo han convertido en un género absolutamente fundamental en cualquier gran escenario del mundo. Se entiende de manera genérica el lied como una canción breve, cuyo texto suele proceder de un poema o texto literario al que se ha puesto música, escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano, aunque en ocasiones presenta acompañamientos más numerosos. Esta forma se caracteriza por la brevedad, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana o Volkslied. Se trata de una forma musical típica de los países germánicos, desarrollada de manera principal durante el Romanticismo. Aunque el concepto de lied existe desde finales del Renacimiento, el género que nos ha llegado hoy día nace en el Clasicismo, para desarrollarse en todo su esplendor durante todo el siglo XIX, llegando incluso hasta el XX. En Alemania se aplica el término Kunstlied o canción arte para distinguirla de la canción popular o Volkslied. El desarrollo de la forma iba mano a

Concierto: Thomas Hampson canta Robert Schumann Estreno 17 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



mano con el redescubrimiento de la cultura popular alemana como fuente de producción artística.

Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán y crítico musical, se encuentra entre los más destacados de la historia musical del siglo XIX. Más recordado por su música para piano y sus canciones, además de por algunas de sus obras sinfónicas y de cámara, Schumann hizo contribuciones significativas a todos los géneros musicales de su época, cultivando también una serie de géneros nuevos. Su doble interés por la música y la literatura lo llevó a desarrollar una crítica de música históricamente informada y un estilo compositivo profundamente en deuda con los modelos literarios. Gran exponente del romanticismo musical, tuvo un fuerte impacto en las sucesivas generaciones de compositores europeos. Su obra supone una de las cumbres del romanticismo y destaca por el espléndido tratamiento del piano y de la voz, tanto por separado, como de manera conjunta, encontrando en el lied el mejor exponente para su talento creador.

Schumann escribió muchas de sus primeras canciones a la poesía de Justinus Kerner

cuando tenía sólo 17 años, y en 1840 de mayo –su año más prolífico– comenzó a pensar en escribir sobre los restantes textos de Kerner, escribiendo entre noviembre y diciembre el

primero de los ciclos interpretados aquí: Zwölf Geditche Op. 35 –conocido también como

Kerner Lieder–. Conformado por 12 canciones plantea, a pesar de estar compuesto durante un tiempo feliz en su vida, una paleta de emociones que transitan entre el anhelo y el dolor. La segunda parte del recital se dedica por completo a la versión original del popular ciclo Dichterliebe Op. 48. Cuando Hampson se encontraba preparando su actuación del ciclo, basado en poemas de Heinrich Heine, consultó el manuscrito autógrafo de Schumann para descubrir que el ciclo original de 1840 era una obra completamente distintiva en relación a la versión posterior, conteniendo notables diferencias tanto en lo musical como en lo textual. Entre las diferencias más destacadas se encontraba la presencia de cuatro lieder que se omiten en su ciclo posterior: Dein Angesicht so Lieb und schön, Lehn deine Wang an meine Wang, Es leuchtet meine Liebe y Mein Wagen Rollet langsam se grabaron aquí por primera vez en la historia. Se trata a todas luces de un testimonio de gran importancia, que muestra la continua experimentación de autores como Schumann en un género que, aunque es considerado menor por algunos, sigue demostrando que se encuentra entre lo más aprecio por los compositores germánicos durante el siglo XIX.

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Concierto: Thomas Hampson canta Robert Schumann Estreno 17 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Robert Schumann es, sin ninguna duda, uno de los grandes talentos del Romanticismo alemán. Como músico de su tiempo, el lied constituye en su catálogo un corpus realmente sobresaliente. Aquí pueden disfrutar dos de sus exquisitas colecciones, incluyendo la primera grabación mundial de cuatro lieder inéditos. La voz de Thomas Hampson y el piano de Wolfram Rieger son los encargados de darles vida.

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Tecero de los programas dedicados a las sinfonías de Gustav Mahler, de la mano de

Leonard Bernstein dirigiendo a magníficos artistas y orquestas.


Intérpretes: Christa Ludwig; Coro de la Ópera Estatal de Viena, Niños Cantores de Viena.



Año: 1973.

Lugar: Musikverein, Wien.


Para Gustav Mahler (1860-1911) la composición de una sinfonía podía asemejarse a un acto de creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y psicológico. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por Beethoven y pasando Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio Wagner. De esta manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de

instrumentos poco convencionales. El elemento coral –que introdujera Beethoven– no es ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la escritura




contrapuntística, pues concebía la orquestación como un recurso para conseguir la mayor inteligibilidad de las líneas posible. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital, a partes iguales, está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por

separado –que también–, sino a su corpus sinfónico al completo, en la más brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz.

La Sinfonía n.º 3 fue comenzada en el verano de 1895, mientras Mahler permanecía en Steinbach am Attersse, por el segundo de los movimientos, para continuar con los números inmediatos, por lo que el movimiento inicial fue compuesto en último lugar, durante el invierno y la primavera siguientes en Hamburg. Al regresar a Steinbach el verano de 1896 se dio cuenta de que había olvidado sus partituras en Hamburg. Mediante unos contactos, finalmente consiguió estos fueron enviadas hasta él. No obstante, en los días hasta que llegaron los bocetos compuso una introducción para el primer movimiento, que influyó poderosamente en cuanto al uso de los temas en el resto del trabajo que quedaba por completar. «Apenas se puede decir que es música, son sonidos de la naturaleza. Es algo misterioso, se trata de la forma en que la vida va abriéndose camino gradualmente, saliendo de la inanimación, de la materia petrificada. En algún momento he pensado llamar a este movimiento Lo que me dicen las montañas. Y, a medida que la vida sube de estrato a estrato, toma formas cada vez más desarrolladas: flores, bestias, hombres, hasta la esfera de los espíritus, de los ángeles.» Con esta magnífica descripción del propio Mahler, queda constancia de la manera en que concebía esta monumental sinfonía.

Finalmente la obra se concibió es seis enormes movimientos, conformando así la más extensa de sus sinfonías. Escrita para una gran orquesta sinfónica, de dimensiones similares a la necesaria para interpretar la anterior sinfonía de su autor, aquí se añade a su inmensa orquesta, a una contralto solista, un coro femenino y un coro infantil para los movimientos cuarto y quinto. Es interesante mencionar la plantilla exacta de la obra: violín I/II, viola, violonchelo, contrabajo, 4 flautas, 4 oboes, 3 clarinetes en Sib y La, 2 clarinetes en Mib, 4 fagotes, 8 trompas en Fa, 4 trompetas en Fa y Sib [2 trompetas extra], 4 trombones, tuba, 2 arpas, timbales, bombo, caja, platillos, pandereta, tam-tam, triángulo, 2 glockenspiel. Además, indica como In der Ferne aufgestellt [En la distancia] la presencia de una corneta de posta [mov. III] y varias cajas [mov. I]; también In der Höhe postiert [Ubicados en lo alto] 5 o 6 campanas afinadas. Estamos ante una de las obras más ambiciosas y geniales de toda su producción, que han marcado sin duda un antes y un después en la comprensión del mundo sinfónico desde entonces.



Sinopsis: Disfruten de uno de los hitos discográficos más destacadas en la historia de la interpretación audiovisual. Las sinfonías de Gustav Mahler son, sin duda, uno de los ejemplos más asombrosos del sinfonismo en la música occidental. La Sinfonía n.º 3 es puro deleite, como les demostrará el genial Leonard Bernstein, que dirige aquí a una estratosférica Filarmónica de Viena, junto a la gran Christa Ludwig y dos coros de lujo.






Una fantástica gala operística y sinfónica para celebrar el genio de uno de los mayores

talentos de la historia de la música.

Género: concierto, música clásica, ópera, música sinfónica.

Intérpretes: Anna Netrebeko, Magdalena Kožená, Ekaterina Siurina, Patricia Petibon, Thomas Hampson, René Pape, Michael Schade.

Director: Daniel Harding.


Año: 2006.

Lugar: Falsenreitschule, Salzburg.


Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), compositor austríaco, hijo del excelente violinista y profesor Leopold Mozart y uno de los grandes genios en la historia de la música, posee un estilo que representa esencialmente la síntesis de diferentes elementos que terminaron por fundirse en sus años vieneses, desde 1781 en adelante, en un idioma que ahora se considera como un pico del clasicismo vienés. Su música madura, que se distingue por su belleza melódica, su elegancia formal y su riqueza de la armónica y textural, está profundamente influida por la ópera italiana, aunque también enraizada en las tradiciones instrumentales de Austria y del sur de Alemania. A diferencia de Haydn, mayor que él en 24 años, y Beethoven, menor que él en 15, destacó en cada corriente y género de su tiempo. Así, es considerado por muchos como el compositor más universal en la historia de la música occidental. La velada que aquí se presenta está protagonizada por una doble vertiente mozartiana. En primer lugar la operística, en la que se ofrecen fragmentos de cinco de sus óperas más

Concierto: Gala Mozart Filarmónica de Viena & Daniel Harding Estreno 23 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



conocidas, valoradas e interpretadas. Se abre con la fantástica obertura de Don Giovanni, a la que siguen otros dos momentos magníficos, con las arias Madamina, il catalogo è questo y Dalla sua pace. A continuación se ofrece el aria Nel grave tormento, de su Mitridate, Re di Ponto. Le siguen otros dos fragmentos de su obra La clemenza di Tito: Se all‘impero, amici Dei y Parto, ma tu ben mio. Solo un pasaje de Così fan tutte, Rivolgete a lui lo sguardo; para cerrar la parte vocal con una serie de pasajes extraídos de Idomeneo: la obertura, Se il padre perdei, S‘io non moro a questi accenti y D‘Oreste, d‘Aiace.

La segunda parte del concierto está consagrada al Mozart sinfónico, merced a la interpretación de su Sinfonía n.º 38 en Re menor, KV 504, conocida como Praga. Este sobrenombre se le puso al creerse durante largo que había sido compuesta durante su primera estancia en Praga, en enero de 1787. Otras teorías presentan su composición ajena a esta ciudad y este año, pues es sabido que la sinfonía está datada del 6 de diciembre de 1786. Después de terminar la obra Mozart recibió una invitación desde Praga para estrenarla allí, por lo que para otros estudiosos esta es la razón de su denominación. El estreno se llevó a cabo el 19 de enero de 1787, tan solo un día después de la representación de Las bodas de Fígaro, motivo por el que algunos especialistas encuentran relaciones musicales entre esta sinfonía de Mozart y las óperas Las bodas de Fígaro y Don Giovanni. Se trata de una sinfonía fantástica, con un ritmo persistente y constantes modulaciones que le aportan una sonoridad y un colorido magníficos. La sinfonía Praga pone fin a un período de obras de gran ambición con inspiración haydniana, sentando además las bases de sus últimas composiciones y sistematizando el modelo al que el propio Beethoven acudiría al comienzo de su poderosa carrera como sinfonista. Una de las particularidades más destacadas de esta sinfonía es la ausencia del minueto habitual como tercer movimiento en muchos de sus obras en cuatro movimientos, hecho que algunos atribuyen a que en Praga, al contrario que en Viena, el modelo imperante aún era el precedente en tres movimientos, por lo que se trata más bien de una adecuación al lugar donde probablemente podía interpretarse que a un retorno a los modelos arcaicos de sinfonía. Su densidad expresiva y complejidad formal son las marcas de una obra en la que prevalecen el intimismo y la introspección.

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Concierto: Gala Mozart Filarmónica de Viena & Daniel Harding Estreno 23 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Festival de Salzburg y Allegro HD les invitan a deleitarse con esta maravillosa gala en la que se honra el 250 aniversario de uno de los grandes genios de la humanidad, Wolfgang Amadeus Mozart. Un elenco de cantantes de primer nivel, conformado por Anna Netrebeko, Magdalena Kožená, Ekaterina Siurina, Patricia Petibon, Thomas Hampson, René Pape, Michael Schade, se une a la gran Filarmónica de Viena y la dirección de Daniel Harding.

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Cuarto episodio dedicado a las sinfonías de Gustav Mahler, de la mano de Leonard

Bernstein dirigiendo a la gran orquesta vienesa.


Intérpretes: Edith Mathis.



Año: 1973.

Lugar: Musikverein, Wien.


En la década de 1970, el gran Leonard Bernstein (1918-1990) dirigió en directo la integral de las sinfonías de Gustav Mahler (1860-1911), uno de los compositores con los que guarda una relación más íntima y de quienes es, sin duda, uno de los referentes en la historia de la interpretación. Se abre así este ciclo que le iremos ofreciendo en pequeñas dosis, con sus inmensas interpretaciones al frente de la algunas de las mejores orquestas, coros y artistas del mundo, como la legendaria Filarmónica de Viena, que por aquel entonces vivía auténticos años dorados, en los que se la consideraba como la mejor orquesta del panorama internacional. Bernstein fue un compositor, pianista y director estadounidense, para muchos la más exitosa y célebre figura en la historia de la música clásica en los Estados Unidos. Como compositor, pianista, director y pedagogo, unió como nunca antes el mundo de las salas de conciertos con el del teatro musical, legando un




rico universo de grabaciones, composiciones, escritos y enseñanzas a su paso. Músico polifacético donde los haya, su brillantez y su innegable talento le llevaron hacia el triunfo absoluto en todos aquellos campos en lo que se quiso desarrollar, tanto en la llamada música académica como en la comedia musical. Dos de sus incursiones en este último género, On the Town (1944) y especialmente West Side Story (1957), ambas llevadas al cine, supusieron un reconocimiento desorbitado entre el público.

La Sinfonía n.º 4 se conformó a partir de su cuarto y último movimiento, que fue compuesto en 1892, completándola después con los tres movimientos anteriores, datados entre 1899 y 1901. La respuesta al porqué de que este movimiento fuera el generador de toda la sinfonía es simple. Este ya existía en forma de un lied independiente que llevaba por título La vida celestial, pues su texto, tomado de una canción popular bávara, narra de forma ingenua los placeres de la vida celestial: Wir geniessen die himmlischen Freuden [gozamos de las alegrías celestiales]. Asimismo este lied se incluía en el ciclo de lieder Des Knaben Wunderhorn [El cuerno maravilloso del niño]. Pero la obra era tenida en gran estima por su autor, pues inicialmente la incluyó como séptimo y último movimiento en su sinfonía precedente, aunque finalmente prescindió de ella por considerarla demasiado liviana para erigirse como el final de una obra tan monumental y ambiciosa. Tras su descarte, Mahler dejó a un lado la partitura para volver a ellos pasados algunos años,

utilizándola como punto de partida –aunque trataba del final– de la que pasaría a ser su cuarta sinfonía. Con ello debió afrontar el reto de componer los tres primeros movimientos en consonancia con la conclusión preexistente. Finalmente, esta cuarta vio la luz, quizá como su sinfonía más modesta y menos compleja.

La obra se estrenó finalmente el 25 de noviembre de 1901 en la ciudad de Munich, con el propio Mahler al frente de la Orquesta Kaim, en un acontecimiento que terminó por resultar un considerable fracaso. La sinfonía representa una excepción en la orquestación

de Mahler, ya que no se incluyen trombones –única sinfonía sin ellos– y se hace uso de una orquesta de tamaño reducido, mucho en comparación con sus anteriores obras. Su partitura se erige sobre la lírica y la forma clásica, alejada aún de las composiciones de corte más dramático que le preceden y siguen. Sin embargo, el uso de la armonía y la tonalidad es particularmente curioso. En ese aspecto es la única sinfonía que va de más a menos y que no presenta un claro desarrollo postromántico. Una extraña piedra en el inmenso camino trazado por Mahler en su catálogo sinfónico, que no por ello goza de gran interés.



Sinopsis: Disfruten de uno de los hitos discográficos más destacadas en la historia de la interpretación audiovisual. Las sinfonías de Gustav Mahler son, sin duda, uno de los ejemplos más asombrosos del sinfonismo en la música occidental. Para la Sinfonía n.º 4, Leonard Bernstein cuenta con la ejemplar Filarmónica de Viena y el concurso de la excelente soprano Edtih Mathis.






Una de las grandes obras sacras de la historia, de la mano del mítico director

austríaco y un excepcional elenco de artistas.

Género: concierto, música clásica, romanticismo, música coral.

Intérpretes: Leontyne Price, Fiorenza Cossotto, Luciano Pavarotti, Nicolai Ghiaurov.

Director: Herbert von Karajan.

Orquesta: Orquesta de la Scala de Milán.

Año: 1967.

Lugar: Teatro all Scala, Milano.


Giuseppe Verdi (1813–1901), creador de un brillante catálogo operístico, es considerado como uno de los autores más geniales en la historia del género. Un mes después de su muerte, una solemne procesión por Milano era acompañada por miles de dolientes seguidores al paso de su célebre Va pensiero, el coro de los esclavos hebreos de Nabucco. En el momento de su muerte Verdi gozaba de una posición única entre sus compatriotas: aunque muchas de sus óperas habían desaparecido del repertorio, se había convertido, sin embargo, en un profundo símbolo artístico de los logros de la nación en su condición de Estado. El hecho de que este coro, escrito unos 60 años antes, pudiera expresar sentimientos Italianos contemporáneos demostró el grado en el que la música de Verdi había sido asimilada en la conciencia nacional. Su vida y obra se pueden dividir en tres períodos desiguales. Esta división puede concebirse como algo más pragmático, por lo que no debe tomarse como una división jerárquica de valor tradicionalmente señalada por etiquetas del

Concierto: Misa de Requiem, de Giuseppe Verdi Herbert von Karajan Estreno 30 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



tipo obras de juventud o madurez. El primer período incluye 19 óperas, de Oberto (1839) a La traviata (1853). Sin embargo, el paso a un segundo período se encuentra para muchos en el salto cualitativo que se produce en algún punto entre finales de la década de 1840 y principios de 1850, con Macbeth, Luisa Miller o Rigoletto como centro; siendo este período el más apreciado como un desarrollo gradual de importancia dentro de la tradición operística italiana. Es un período en el cual la influencia de la gran ópera francesa es de gran importancia, incluye las óperas comprendidas entre Les vêpres siciliennes (1855) y Aida (1871). Después de la Messa da Requiem y el descanso compositivo de la década de 1870, un período final muestra el último estilo de Verdi, incluyendo en este las revisiones de Simon Boccanegra y obras como Don Carlo, Otello (1887) y Falstaff (1893), así como sus últimas obras sacras.

Verdi contaba entonces sesenta años y se hallaba inmerso en un prolongado silencio musical, pues tras la creación de Aida se había dedicado sobre todo a los cultivos de su finca de Sant’Agata y a la filantropía. De cualquier manera su genio todavía daría luz a tres prodigiosas obras: este Requiem (1874), Otello (1887) y Falstaff (1893). Bernard Shaw afirmaba, con poca visión de futuro, que su Requiem sería lo único de Verdi que sería recordado. Se equivocó considerablemente, pero sí supo valorar con mucha antelación que se trataría de una de las absolutas obras maestras del autor italiano. Para algunos se trata de «la mejor ópera de Verdi», entendiendo entre líneas lo que esto significa. Hay en esta obra ecos beethovenianos, pero también del último Haydn, de Mozart y de Cherubini, incluso de Berlioz. Verdi, un agnóstico convencido, se afanaba por ser enemigo de la hipocresía y el clero, y crea en esta partitura una obra más pensada para la representación concertante que para la liturgia. Es por eso que a su estreno en la catedral de Milán se sucedieron tres representaciones en la Scala de la ciudad.

En la obra utiliza una plantilla de orquesta igual a la de Don Carlo: violín I/II, viola, violonchelo, contrabajo, 3 flautas, piccolo, 2 oboes, 2 clarinetes, 4 fagotes, 4 trompas, 8 trompetas, 3 trombones, oficleido, timbales y bombo. La pieza se estructura en siete movimientos en los que se plasma su reflexión sobre la muerte, en gran medida por la tragedia de la pérdida de su primera esposa y sus dos hijos, que le marcó poderosamente durante toda su vida, tanto en lo personal como en lo profesional. En su Requiem hay un claro interrogante musical que se abre frente a ese momento vital y hacia la búsqueda de un sentido sobre la vida. De esta manera la música se abre paso a través de la oscuridad hacia la luz, consiguiendo siempre un gran sentimiento de melancolía y, por encima de todo, una notable defensa de la dignidad humana.

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Concierto: Misa de Requiem, de Giuseppe Verdi Herbert von Karajan Estreno 30 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Misa de Requiem, de Giuseppe Verdi es considerada por algunos como su mejor ópera, a pesar de no serlo. Disfruten de una versión de auténtica leyenda, con la presencia del gran director Herbert von Karajan, dirigiendo al coro y la orquesta de la Scala milanesa, junto a un cuarteto vocal histórico: Leontyne Price, Fiorenza Cossotto, Luciano Pavarotti, Nicolai Ghiaurov.

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La gran obra sacra del autor alemán en una exquisita versión de la orquesta de

Dresde y la batuta de su director titular.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sacra.

Intérpretes: Krassimira Stoyanova, Elīna Garanča, Michael Schade, Franz-Josef Selig; Coro de la Ópera Estatal de Dresden.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2010.

Lugar: Semperoper, Dresden.


Ludwig van Beethoven (1770-1829), el compositor nacido en Bonn, es uno de los grandes genios en la historia de la música. Sus primeros logros como compositor e intérprete muestran una extensión de la tradición clásica vienesa que había heredado de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn. Su atormentada vida,

tanto en su el terreno de la salud –con una sordera que le acarreó serios problemas–, como en el de las relaciones interpersonales se representaba en su creación, y su figura se alzó más grande, si cabe, gracias a su capacidad para plasmar todo su mundo interior en su magnífica obra. Comenzó a componer en un estilo musical cada vez más individual, creando al final de su vida sus obras más sublimes y profundas. Su gran éxito reside quizá

Concierto: Missa Solemnis de Ludwig van Beethoven Christian Thielemann & Orquesta Estatal de Dresden Estreno 31 de julio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



en la combinación de la tradición con la exploración y la expresión personal, llegando a ser considerado como la figura musical dominante del siglo XIX. Por el respeto que a sus obras han demostrado prácticamente la totalidad de compositores de primer nivel, así como por la popularidad que sus obras han tenido entre el gran público y los mejores intérpretes, es sin duda alguna, junto a Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart, el compositor más admirado en la historia de la música occidental.

La Missa solemnis en Re mayor Op. 123 fue compuesta entre 1819 y 1823, casi a la par que su Novena sinfonía. Se trata de su segundo arreglo de misa tras la Misa en do mayor Op. 86. Es considerada actualmente como uno de sus mayores logros, y supone, junto a la Misa en Si menor de Bach y la Misa de la Coronación de Mozart, el ejemplo más elaborado y fantástico dentro del género. El director Wilhelm Furtwängler se negó a interpretar la obra al considerarse incapaz de obtener un resultado que hiciera justicia al mensaje y a la grandeza de la que consideraba su mejor obra. La misa fue concebida para la investidura como arzobispo de Olomouc del Archiduque Rudolf de Austria, un alumno excepcionalmente aplicado de Beethoven en composición y piano. Beethoven comenzó a componer su Missa Solemnis en 1818, cuando su sordera era casi total y su soledad cada vez mayor, sin duda una época en la que el compositor alemán se ve absorbido en las profundidades y abismos de su interior. No extraña que la obra deje a un lado el concepto de música absoluta para convertirse en un vehículo que exprese todo el universo de las expresiones humanas. Aunque iba ser estrenada el 9 de marzo de 1820, no fue terminada a tiempo, por lo que finalmente se estrenó el 7 de mayo de 1824 en San Petersburgo, con una ejecución parcial junto con la Novena. La versión definitiva no se interpretó completa hasta 1830, tras su muerte.

No es una obra muy interpretada en directo ya que su dificultad para los cantantes del coro es muy alta, por lo que algunos han argumentado que pone de manifiesto su desconocimiento a la hora de componer para coro, con registros tremendamente extremos y líneas que estira casi hasta la extenuación vocal. En su época se llegó a afirmar que la misa exhibía sonidos herejes y no aptos para una misa. Otros, por el contrario, defienden que las limitaciones de la voz humana no podían retener el talento creativo del autor alemán. La misa realmente alcanza momentos nunca antes ideados para una misa y abraza sonidos verdaderamente potentes y fascinantes. La producción de música sacra de Beethoven no es muy extensa, siendo sus obras más recordadas el oratorio Cristo en el monte de los olivos (1803) y la Misa en do mayor Op. 86 (1807). Es por eso que esta última, que es la primera obra simultáneamente sinfónica y coral del compositor alemán, supone el punto culminante en su carrera como compositor coral y sacro.

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Concierto: Missa Solemnis de Ludwig van Beethoven Christian Thielemann & Orquesta Estatal de Dresden Estreno 31 de julio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos a disfrutar de una velada inolvidable. No todos los días se puede ver y escuchar una obra del calibre de la Missa Solemnis de Ludwig van Beethoven, y menos en una interpretación de tal magnitud. Un cuarteto de lujo ha sido seleccionado para la ocasión, formado por Krassimira Stoyanova, Elīna Garanča, Michael Schade, Franz-Josef Selig, a los que arropan el Coro de la Ópera Estatal de Dresden y la Orquesta Estatal de Dresden, todo bajo la sabia dirección de Christian Thielemann.

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Una gran noche protagonizada por el artista británico desde el gran festival de jazz y

world music de Basel.

Género: concierto, world music, música popular, voz, guitarra.

Intérpretes: Elvis Costello.

Año: 2014.

Lugar: Event Hall, Basel.


Declan Patrick Aloysius MacManus, verdadero nombre de Elvis Costello (1955), es un artista británico nacido en el seno de una familia metida de lleno en el mundo de la música, siendo el hijo único del matrimonio formado por la responsable de una tienda de discos, Lillian MacManus, y un trompetista y cantante de la big band de Joe Loss, Ross MacManus. Fueron principalmente los sonidos del jazz y la música clásica los que le ha acompañado desde su nacimiento. Posteriormente, con la libertad propia del que escoge, comenzó a buscar referencias sonoras en los Beatles y otras bandas de la Invasión Británica. Músico, cantante y compositor, se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la new wave y el punk, que le influyeron de manera primordial. En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional de casado y padre de familia, llevando a cabo diferentes trabajos como administrativo. Sin embargo, su pasión le incitaba a llevar una vida paralela, en la que componía y distribuía sus maquetas en busca de una oportunidad. Esta le llegó con el sello independiente Stiff Records, con Jack Riviera al frente, quien le propuso un nombre

Iconos: Elvis Costello Baloise Session en vivo Estreno 31 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



artístico más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley con su apellido materno: Elvis Costello se convirtió en real.

El año de 1977 marca la carrera de Costello, pues a su fichaje por Stiff hay que añadir la edición de su primer single, Less than zero. Su primer álbum, My aim is true, supuso un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial, pero lanzaría de manera irremediable la carrera de este talentoso artista. Poco después, Costello formaría la banda que le acompañaría durante tiempo, The Attractions. Concluida su relación profesional con su primer sello, en los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y esta nueva banda el álbum This Year's Model, con un estilo igual de intenso pero más crudo y directo, quizá fruto de la escena punk vigente y ya algo desligado del pub-rock y de los músicos de country-rock con los que grabó su primer álbum. Con este disco alcanzó un reconocimiento comercial más amplio, dando paso después a su tercera grabación, Armed Forces, más compleja y variada en estilos y orquestación, e incluso más elaborada en el tratamiento de las letras, que deja entrever lo que será la carrera del Costello maduro de las siguientes décadas. Son conocidas sus incursiones en el mundo de la música clásica con sus obras The Juliette Letters e Il Sogno. A partir de entonces, una carrera inmensa, repleta de éxitos, jalonada por casi cuarenta discos y millones de ventas, le han convertido en una de los referentes del panorama musical urbano de las últimas décadas. Costello ha destacado como un meritorio y prolífico escritor de canciones, cuyas composiciones podían acercarse tanto al empuje del punk como a la frescura del pop y la new wave. Ha destacado por suponer todo un ejemplo de artista intérprete y creador que a través de su mirada de narrador social irónico y crudo, ha sabido mezclar géneros tan heterogéneos el country, el jazz, el blues, el reggae, el soul, el Tin Pan Alley y el Brill Building pop o el folk en un sonido absolutamente personal y reconocible.

Su recital en el gran festival de jazz y world music de Basel, Baloise Session, estuvo protagonizado tan solo por su voz y sus guitarras, sin otro acompañamiento que el de sus canciones y sus letras. Un total de dieciséis temas que hicieron las delicias de todos los presentes: 45, Either side of the same town, Poison Moon, A slow drag with Josephine, New Amsterdam, You've got to hide your love away, Ascension day, Come the meantimes, Everyday I write the book, Walking my baby back home, Ghost train, She, Watching the detectives, Alison, Shipbuilding, Jimmies Standing in the rain.

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Iconos: Elvis Costello Baloise Session en vivo Estreno 31 de julio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Alabado como uno de los referentes del pop–rock en las últimas décadas, Elvis Costello hace un recorrido por sus más casi cuatro décadas de carrera, en un recital dentro del Baloise Sessionde Basel, en el que se presente ante el público únicamente con su voz y rodeado de sus adoradas guitarras.

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ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

Destacados de Programación Julio 2016 -...

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