Babel n.11 Junio 2012

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2 Babel, Junio 2012 | www.revistababel.com

StaffDISEÑO EDITORIAL

DIRECTOR DE INFORMACIÓN

RELACIONES PÚBLICAS

CORRECCIÓN Y ESTILO

COLABORADORES

PORTADA

AGRADECIMIENTO

José Antonio [email protected]@ibarrasta

Mario García Cordero [email protected]

Isauro Herná[email protected]@Isaurohdez

Javier Jubera

Dulce Baltazar [email protected]

Centro Cultural Manuel Gómez Morín, Museo De La Ciudad, Galería Libertad, Ciudad Q, Cine Panorama, Javier Ju-bera, Eduardo Castillo y Eniac Martínez.

Salomón Nataniel, Dr. Thock Dinwood // @drthock, Marlene González // @_CyborGoo, Monx Sarcasmia // @MonxSarcasmia // [email protected], Chucho Estrada //[email protected], Arq. Luis Mejía, Abel Piña, Olivia Zabala, Samuel Borbolla // [email protected] // @sam_borbolla.

Gracias por leernos. Para ponerte en contacto con nosotros, escríbenos a

[email protected]

En memoria de Gerardo “El Flaco” Arana Villareal.

Escritor queretano y colega.


En esta ocasión me complace escribir de uno de los actos cul-

turales y estéticos que más me gusta: el Circo, pero no solo del circo

tradicional -el de enormes carpas, payasos estrafalarios y que en las

últimas décadas causa conmoción e indignación por sus costumbres

de tortura animal-, sino también del Circo al que ahora llaman Circo

Contemporáneo.

Como todo, el Circo ha cambiado de sentido (a lo largo de los

ya varios siglos que tiene de haber surgido), sin embargo, no sus

formas de manifestación, que a pesar de algunas modificaciones que

han sufrido los actos que allí se presentan, los esenciales continúan

formando parte de éste y al mismo tiempo se han acoplado a las

diversas formas culturales de la actualidad.

En un principio el Circo no era nombrado o reconocido como tal, sin

embargo sus actos como el equilibrismo, la acrobacia o el contor-

sionismo ya eran utilizados en conjunto para prácticas sociales como

rituales religiosos, mostrar las destrezas de los guerreros y festivi-

dades.

En el México prehispánico los actos más realizados eran el salto en

Zanco en San Pedro Zaachila –Oaxaca-, grupos Acróbatas en Tixtla –

Guerrero- y de la Mixteca Baja de Puebla, los Zanqueros de la cultura

maya y los grupos de Antipodistas (xocuahpatollin), Acróbatas (mat-

lanchines) y el Teocuahpatlanque ( los voladores).

El Circo como concepto es europeo, éste surgió en la segunda mi-

tad del siglo XVIII pero no hay que confundir que el Circo es europeo,

estas disciplinas artísticas antes mencionadas –de equilibrio, malabar

y contorsión- han sido manifestaciones que la mayoría de las culturas

desarrollan por y para sí mismas y no como una mimetización con

otra cultura.

Los primeros espacios circenses mostraban como espectáculo prin-

cipal actos de equitación; conforme se fue desarrollando incluyeron

actos cómicos los cuales eran personificados por los famosos paya-

sos, además de los ya clásicos actos que ya les conté anteriormente.

En México el Circo llegó en el año de 1808; los primeros Circos en

la ciudad eran llamados circo–teatro y eran espectáculos en espacios

estáticos; sin embargo con la entrada de la revolución en 1910 –creo

que ustedes lo saben- estos fueron destruidos, pero en este mov-

imiento surgió una de las compañías más grandes la cual fue apoya-

da económicamente ni más ni menos que por el Pancho Villa.

Esta compañía fue Circo-teatro Carnaval Beas Modelo, el cual era

itinerante. Hasta ahora es conocido como el circo más grande que

ha existido en la República; éste contaba con aproximadamente 400

miembros los cuales utilizaban 35 vagones de tren para moverse a lo

largo de la República.

Con el paso de los años, diferentes Circos se establecieron en la

República de los cuales el más reconocido es el Circo Atayde, éste

nació en el año 1879 y en la actualidad aún tiene actividad, aunque

no con el mismo auge que en décadas pasadas.

En estas últimas décadas México ha desarrollado una tradición de

familias circenses, las cuales tienen de 4 a 5 generaciones dedicán-

dose a este arte y que en su mayoría están concentradas en la ciudad

de Morelos. En este periodo se ha generado una lista de importantes

artistas circenses que han emigrado –en algunos casos- a otras partes

del mundo como Rudy Cárdenas en malabarismo.

Sin embargo y a pesar de la larga tradición, el Circo ha cambiado,

con lo cual se ha ido desarrollando en una corriente –si es que la

puedo nombrar así- llamada Circo Contemporáneo, de creación o

callejero, el cual se ha integrado a las nuevas formas alternativas de

ver y hacer arte.

El Circo Contemporáneo no tiene muchos años, algunos ubican su

La carpa del animal Humano: El Circo Contemporáneo. por Monx Sarcasmia


cultura

origen en la década de los 80´s. Esta nueva forma de hacer Circo

difería con el Circo Tradicional en varios puntos como:

La apertura del conocimiento de las técnicas y por ende, la apertura

a nuevas ideas que enriquecieran el arte circense, ya que en el Circo

Tradicional éstas sólo eran enseñadas a los miembros de la familia

y existía poca o nula accesibilidad a este conocimiento para las

personas ajenas a las familias de circenses. Esto generó la aparición

de talleres, escuelas y hasta programas universitarios enfocados a la

profesionalización de este arte.

El eclecticismo en los actos; si bien en el Circo Contemporáneo

aún siguen estando las rutinas básicas, éstas están mezcladas con

otro tipo de disciplinas como la danza y el teatro.

Los espacios en los cuales se presenta; mientras en el Circo Tradi-

cional la carpa es el espacio que se necesita para el desarrollo de su

espectáculo, en el Circo Contemporáneo cualquier espacio es bueno,

desde la calle, pubs , jardines, patios de escuela y, si se quieren ver

más profesionales y nice, pequeños foros -algunos acondicionados

para los actos-.

La aparición de la figura del Clown en contraposición de la figura

del payaso. El Clown representa la parte íntima y más humanizada de

la comicidad, lo cual es una parte esencial y que diferencia al Circo

Contemporáneo del Tradicional. Mientras que el payaso es una rep-

resentación arquetípica de lo ridículo, el Clown hace una exploración

de su ser humano para expresar un personaje desde sí mismo y sus

características con lo cual ejerce la improvisación en sus actos y, a la

vez, interacción más íntima con su público, con el cual va construy-

endo conjuntamente el personaje; el payaso es una figura ya armada

y por tanto poco flexible.

La ausencia de animales. En el Circo Contemporáneo se busca

potencializar al máximo las habilidades humanas en conjunto con los

elementos estéticos de diferentes disciplinas, por lo cual la utilización

de otros recursos –como los animales- son innecesarios.

El público al que va dirigido. En este punto hay quienes consid-

eran que el Circo Contemporáneo esta mayormente dirigido a un

público adulto, ya que los actos son más abstractos y por lo tanto

no entendibles para todo el mundo, sin embargo esta característica

no puede generalizarse; colectivos como Triciclo Rojo –de quienes ya

he escrito antes- utilizan técnicas Clown con niveles considerables

de abstracción los cuales no dificultan el acercamiento, disfrute y

entendimiento de los niños de su espectáculo.

En la ciudad de México existen dos grupos importantes que se dedi-

can a la producción, enseñanza y difusión del Circo contemporáneo,

estos son Cirko De Mente y DFectuoso Producciones.

Cirko De Mente es una compañía de Circo Contemporáneo

creada en 2004, la cual ha sido becaria en varias ocasiones por el

FONCA y CONACULTA/CENART. Ha participado en diferentes eventos

culturales importantes en el país como Noche de Primavera en el

Zócalo Capitalino, en la clausura del Festival Internacional de Cine en

Guadalajara en 2004 y 2005, Festival Vive Latino 2006 y 2008, entre

otros. Esta compañía tiene más trabajos realizados por lo cual, si les

interesa, pueden buscarlos en internet para saber más de ellos.

DFectuoso Producciones son una casa productora de espectáculos de

Circo Contemporáneo el cual conjunta a artistas de diferentes dis-

ciplinas como danza, teatro, circo, música y multimedia. Ellos tienen

un espacio llamado La Fabrica –Casa de artes y Circo Contemporá-

neo- en el cual enseñan Danza aérea (trapecio, aro, tela y cuerda),

Malabares, Acrobacia, Equilibrio , Flexibilidad, Mástil chino, Artes

plásticas, Mimo, Danza Contemporánea y todo lo necesario para

desarrollar habilidades para un espectáculo de Circo Contemporáneo

de Calidad.

Hay sin duda muchas más compañías y colectivos que están en un

trabajo conjunto para impulsar el trabajo del artista circense con-

temporáneo, y aunque es relativamente joven esta corriente, tiene

un empuje bastante fuerte lo cual nos puede hacer esperar cosas

importantes e interesantes del Circo Contemporáneo y sobretodo

de aportaciones innovadoras de cómo hacer y ver el arte, así que a

experimentar visual, auditiva y sensitivamente este arte.


La exposición es una muestra de retratos (sem-

blantes), algunos reconocibles a simple vista y

otros al momento de la experiencia a partir del

inconciente colectivo o bagaje cultural.

El retrato clásico busca exaltar al personaje

que se representa y hacer justicia de su apari-

encia real, sin embargo, Yefer lo trabaja desde

el aspecto psicoanalítico, donde existe un

reconocimiento del yo en el otro.

La experiencia del artista con las lecturas

u obras de los retratados, se convierte en una

memoria desdibujada, en la ilusión de aquella

existencia pérdida por el tiempo que queda

plasmada en su trabajo.

Los retratos expuestos buscan en el tiempo guardado en

mi memoria, la expresión plástica de personajes ficticios

de aquellas obras de escritores y poetas que marcaron mi

niñez y juventud.

Busco retratar lo que sería la figura imaginaria del

personaje en la actualidad como si hubiese crecido junto

conmigo, al igual que hacer la interpretación figurativa de

lo que serían los poetas a partir de mi experiencia con sus

lecturas.

El aspecto técnico viene siendo el registro de la búsque-

da a lo largo de diferentes tendencias y concepciones artís-

ticas que sirven para expresar la fantasía de mi experiencia

literaria.

Yefer.

Descifrando el semblante que

abandona el tiempo.

por Pamela Escamilla


arte

El artista Benjamín Bustos (Yefer)

sintetiza y toma como influencia las

técnicas de las vanguardias en sus trazos

de dibujo, desde el cubismo hasta el

surrealismo. El acabado, la soltura en el

pincel y las texturas evocan a la figura-

ción expresionista.

La técnica seleccionada hace énfa-

sis en cada uno de los conceptos que

trabaja, logrando que la obra hable y se

sostenga por sí misma sin necesidad de

interlocutor.

La experiencia directa con la vida, lo

cotidiano y lo urbano, hace del artista

alguien más expresivo y sensible ante

las realidades. Así como muchos de los

grandes expresionistas, Yefer comenzó

en el graffiti, siendo esa su plataforma

autodidacta, combinándola con la pasión

por la lectura y el ajedrez. La exposición del artista queretano se presenta en la galería de arte contemporáneo Tarima,

quienes lo representan. Ubicada en la calle de Josefa Vergara No.6, en el centro histórico, frente al

jardín del arte, con permanencia hasta el 5 de julio.


Artista Visual que nace en Hermosillo Sonora en 1982. Es Licenciado

en Artes Plásticas, estudia en la Escuela Estatal de Artes Plásticas

en S.L.P, Cursa también el Diplomado en Promoción y Gestión Cul-

tural, en la U.V.M, Es Becario del Fondo Estatal para la Cultura y

las Artes FECA 2011-2012 San Luis Potosi. Obtiene 1er lugar en

7ª Bienal Estatal de Artes Visuales de Sonora en 2010. Cuenta con

6 exposiciones individuales Cuenta también con 7 exposiciones

colectivas nacionales y más de 30 exposiciones colectivas estatales

Eduardo Castillo


arte


Arte

Actualmente mi trabajo se desarrolla

en la disciplina de la grafica, obra que

habla de pasajes y recuerdos de mi

infancia aludiendo a lo sexual desde

un punto de vista soez e irreverente.

Utilizando marcadores permanentes,

tintas y acrílico sobre polipap, genero

personajes fantásticos, irreverentes y

grotescos. Personajes inspirados en

caricaturas americanas de los años 50´s

descontextualizados que me permiten

asociar lo ingenuo e inocente (infancia)

a lo perverso y sexual (adultez), pro-

vocando en el espectador reacciones

como espanto risa o morbo.


Durante el mes de mayo Galería Libertad tuvo el agrado de presentas tres exposiciones, las

cuales tienen la característica en común de pertenecer a distintas disciplinas. En la primera ex-

posición que lleva por nombre Relatos Náufragos de otro Lugar, Orlando Díaz recrea mundos de

fantasía habitados por personajes zoomorfos y construcciones caóticas construidas de recuerdos,

miedos y experiencias. Los cerdos, animales poco socorridos en el arte, son una referencia obligada

en el autor ya que como él mismo lo menciona; los puercos fueron parte de mi vida desde muy

chico, porque mi mamá y mi abuela los criaban para venderlos y mantener la casa. En cuanto a los

gatos, el autor me comenta; mi primer mascota fue un gato, y no porque me lo compraran. Una

vez de chico, encontré uno en la calle, lo lleve a casa y a mi mamá le pareció gracioso, decidí con-

servarlo y desde entonces he tenido gatos que me acompañan a todos lados. Incluso un día tuve

uno que me acompañaba hasta a la escuela, a las fiestas, a todos lados. Así, cada una de las piezas

de Orlando está formada por una serie de elementos, lugares y relatos náufragos — ¿O soledades?

— que no necesitan palabras para ser narradas y en las que inevitablemente el espectador se aden-

tra para ser partícipe de sus mundos.

En la segunda pudimos ser parte tanto de su trabajo de artista plástica como

de poeta, pues por las mañanas se ocupaba de un taller de poesía en el Centro

Estatal de las Artes, ubicado en el Ex-convento de Santa Rosa de Viterbo y por

las tardes venía a trabajar en su instalación que llevó por nombre Éstos son los

Pájaros, ésta última quedó como si la hubiera trabajado en su propio taller, eso

se agradece y reconoce. Con estas dos actividades, Kenia Cano nos hizo parte

de su trabajo, no les mentiré, puedo decir que su poesía es cálida como el

clima donde ella vive y trabaja. No le bastó con trabajar tanto durante toda la

semana, pues el mismo día de la inauguración nos hizo un regalo más leyendo

en voz alta un poema completo que forma parte del libro Las aves de este día.

La exposición está compuesta por una instalación sonora y una serie de tintas

en blanco y negro, en las cuales la pasión y la belleza del cuerpo femenino

se encuentran con la libertad del vuelo de las aves, para comunicarnos que el erotismo no sólo es placer, sino también libertad. De esta

forma tenemos el agrado de compartir con todo aquel que lo desee esta exposición que incluye pintura, poesía y corazón.

Por último, tenemos el agradó de presentar en conjunto con el Tec de Monterrey durante todo este

mes y hasta el tres de junio, el trabajo del Arquitecto Oscar Hagerman, quien nos hizo el favor de acom-

pañarnos para inaugurar su sala de exposición. Hagerman es una persona sencilla y cordial, cuando uno

se acerca a darle la mano para saludarlo, él en cambio te rodea con el brazo y te pregunta ¿Cómo estás?

¿Qué estudias?, tiene una de esas voces en las que se escucha tranquilidad y no achaques, como algunas

personas de su edad. Durante sus palabras al micrófono pudo compartir con el público otra visión acerca

de los muebles, pues en vez de hablar de técnicas, colores y cosas teóricas, le dio a esos objetos el sentido

de su experiencia; habló del momento en que los elaboró, y mencionó que en esta pequeña exposición se

encontraba un recorrido por el trabajo que había realizado durante su vida, señalando desde los primeros

objetos diseñados y construidos en la década de los ‘60 hasta los más recientes. Nos hizo comprender

el valor de un objeto que está pensado y hecho por y para la gente sencilla y consciente del sentido de

“trabajo”, el cual no se reduce a un intercambio monetario, sino que va más allá: al valor de elaborar algo

con las manos; eso que rebasa nuestra era post-industrializada. Hagerman también agradeció a la gente

que ha participado con él a lo largo de los años y a sus alumnos que aún lo recuerdan. Cabe mencionar

que en esta ocasión sus alumnos tuvieron la oportunidad de agradecerle públicamente el trabajo que hizo

con y por ellos. Aquí, muchos reconocieron el trabajo que falta en las academias por reconocer el mundo que se nos oculta a los estudiantes

durante la carrera, pues como mencioné, existe algo que excede cualquier libro de teoría y eso, eso es la práctica y el contacto con el mundo

cotidiano.

Así, Galería Libertad agradece de antemano a todo el personal que hace posible estas actividades y al público que

nos acompaña en cada una de las mismas.

Galería Libertadpor J. Manuel Hernández


El ApandoY ahora que está en pleno auge

los temas políticos y de denuncia

social, es un buen momento para

hablar de ‘El Apando’.

Esta película del año de 1975, es

una joya hecha en México, basada

en una novela de José Revueltas

(escritor y activista político de izqui-

erda) y dirigida por Felipe Cazals.

En la cárcel de Lecumberri, tres

presos drogadictos (Albino, Polonio,

El Carajo) arman un plan para que

la madre de uno de ellos introduzca

droga al penal. El plan funciona y cuando ellos están celebrando, son

descubiertos y encerrados en ‘El Apando’: la celda de castigo. Las

protestas por la situación de los ‘apandados’ provocan una sangri-

enta trifulca.

Se trata de una producción de poco presupuesto, sencilla pero

con un mensaje profundo, fuerte y directo, sello característico del

director: El abuso de poder. Se evidencian los malos tratos de los

‘puercos’ (carceleros), quienes con un poco de poder aplastan todos

los derechos de igualdad, libertad y respeto de los prisioneros. El

tormento y manoseo que viven las mujeres al tratar de visitar a sus

esposos, hermanos o hijos. La corrupción que está presente en cada

nivel dentro de la estructura jerárquica dentro de Lecumberri (y me

atrevo a pensar que no hay mucha diferencia con las actuales). La

poca higiene. Las privaciones.

La eterna lucha entre víctimas y victimarios en un lugar que supu-

estamente forma parte del sistema de justicia de un país. Nada más

que un retrato exacto y verídico porque José Revueltas escribió esta

novela cuando él mismo pugnaba una condena en Lecumberri. Una

selva de concreto en donde se aplica la ley del más fuerte.

La historia está llena de personajes desafiantes como Albino,

Polonio y sus mujeres, así como El Carajo, un hombre grotesco, un

ave de mal agüero, una maldición repulsiva viviente que a pesar de

su condición les otorga el único momento de libertad y escape a esa

pesadilla: la droga… a través de la desgastada vagina de su madre.

El título de El apando se refiere al nombre que recibía la celda de

castigo dentro del Palacio Negro, un espacio con pocos huecos para

la entrada de aire fresco y luz, el rincón más encerrado, espeso y

sombrío dentro de una cárcel, ideal para volverse loco.

En la mayoría de las ocasiones en que se trata de una adaptación

literaria, se critica la falta de apego a ésta, la carencia de los puntos

importantes en la narrativa del libro y que no aparecen en pantalla…

en este caso, José Revueltas colabora como guionista por lo que es

un reflejo muy fiel del libro.

Felipe Cazals con su bien lograda y provocativa obra, consigue que

al final uno diga: ‘¡Denles duro a los pinches puercos!’.

por Marlene González C


cine

Uno de los cineastas y fotógrafos más influyentes y controvertidos

del Irán posrevolucionario y uno de los más consagrados directores

de la comunidad cinematográfica internacional, Kiarostami pertenece

a la generación de cineastas que creó la renombrada New Wave,

movimiento del cine iraní que comenzó en los ’60 y se popularizó a

partir de 1970. Esta corriente creó filmes artísticos innovadores con

un alto contenido filosófico y político; algunos empleando realismo,

otros mediante metáforas. También es poeta; publicó una colección

de sus producciones en 1999.

Menos es más, es la sencilla pero contundente declaración a un

mundo que ama la transparencia, el diálogo, la sinceridad, los desa-

hogos emocionales, las preguntas y la información; las películas de

Kiarostami lo reprenden y avergüenzan con su lógica de la contem-

plación. Su cine llega a la transparencia por un camino inverso: el de

la sustracción. Personajes y situaciones opacas que nos deberían pa-

rar siempre con sus móviles y últimos significados. Vaciar el estanque

para procurarse los pescados, decía Bresson. Un arte menor el de

Kiarostami. Menores fueron, y son, esos recorridos por el paisaje de

Irán que nos revelan a un voyeur para quien la realidad sólo adquiere

sentido si se encuadra a través de una puerta, de una ventana, de

un espejo retrovisor, de una cámara de cine; operación que a su vez,

por omisión, le da significado a lo que está por fuera de ese cuadro.

He aquí una primera operación de sustracción: la propia de un arte

de la mirada que nunca lo ve todo, que siempre pasa de largo, que

reconoce y vive de sus limitaciones.

Sus personajes, recuperados de las zonas más grises de la exist-

encia, donde las emociones básicas reclaman su derecho a existir.

Segunda operación de sustracción: rehuir la construcción dramática

con sus clímax y desenlaces, y dejarnos conviviendo con situaciones

desnudas frente a las cuales no estamos preparados ni advertidos

para reaccionar. De ahí la ligazón del cine de Kiarostami con el neor-

realismo: uno y otro evitan las convenciones dramáticas y potencian

en cambio las contradicciones de los personajes, de los objetos, de

los paisajes, que se hacen visibles por la existencia material de la ima-

gen. Como el neorrealismo, el cine de Kiarostami es un análisis de la

realidad desde su superficie visible: un cine superficial.

Ese trabajo intensivo sobre la realidad habría de llevar el cine de

Kiarostami a las aún más radicales operaciones de sustracción que

emprende en sus tres últimas películas: Diez, Cinco (dedicada a Yasu-

jiro Ozu), y Diez en diez, un trí ptico que es una legítima agresión al

espectador, y que instala a Kiarostami en la simple categoría del más

moderno de los cineastas.

Si el cine clásico, de acuerdo con sus teóricos, conviene en unas

premisas que se pueden resumir en que es altamente comunicativo,

crea estructuras cerradas, es omnisciente y se apoya en la relación

causa-efecto, el cine moderno en su estación Kiarostami es franca-

mente opaco, abierto a múltiples desarrollos y significados, con-

centrado en fragmentos más que en la totalidad, y definitivamente

aleatorio. Frustra de esa manera, de palmo a palmo, las ilusiones del

espectador y su necesidad de consuelos y seguridades dramatúrgicas.

Las tres últimas películas de Kiarostami profundizan esa tensión con

el espectador medio que ya se insinuaba en la amplia obra anterior

del director: en Close-Up, en la Trilogía de Koker (¿Dónde está la

casa de mi amigo?, La vida y nada más/Y la vida continúa, y A través

de los olivos), en El sabor de la cereza, en El viento nos llevará, por

mencionar sólo las películas a las que hemos sido expuestos. Tensión

expresa en la manera como Kiarostami desnuda los mecanismos de

la representación y rompe el sagrado velo de la ficción: el cine que

filma al cine y que al filmarlo lo impugna, y su calculada dosificación

de emociones. Es el viejo tema del cine como registro/documento del

mundo y no como su engaño/representación.

Si algunos temen que el cine de Kiarostami avance hacia el silen-

cio, hacia el No Cine, es porque secretamente intuyen que el silencio

es la forma final de la estética. Otros siguieron caminos similares

hace tiempo, pero nadie como Kiarostami ha logrado establecer un

entramado de creación y difusión donde todos los lugares y todos

los apoyos se sostienen y refuerzan mutuamente para ampliar sus

posibilidades de creador infatigable. En una época redundante como

la nuestra, obscenamente permisiva, sólo es posible entender a un

artista que se limite a sí mismo y que encuentre en esa autocensura

su mueca de libertad.

Abbas Kiarostami. Irán en ruinas.por Salomón Nataniel


Ciclo Cine BiográficoMartes y Miércoles 18:00, Sábado 12:00, Domingo 17:0029 y 31 de Mayo, 2 y 3 de JunioFridaDir. Julie TaymorEEUU, 2002Clasif. B

5, 7, 9 y 10 de JunioPollockDir. Ed HarrisEEUU, 2000Clasif. C

12, 14, 16 y 17 de JunioRayDir. Taylor HackfordEEUU, 2004Clasif. C

19, 21, 23 y 24 de JunioLos Piratas del Silicon ValleyDir. Martyn BurkeEEUU, 1999Clasif. B

26, 28 y 30 de Junio, 1° de JulioLast DaysDir. Gus Van SantEEUU, 2005Clasif. B

Ciclo Grandes Maestros del CineMiércoles 18:00, Viernes 18:00, Sábado 12:00, Domingo 17:00

30 de Mayo, 1, 2 y 3 de JunioLa Fortaleza Escondida Hidden FortressDir. Akira KurosawaJapón, 1958

6, 8, 9 y 10 de JunioLa Dolce Vita (Alex)Dir. Federico FelliniItalia, 1960Clasif. B

13, 15, 16 y 17 de JunioPersona Dir. Ingmar BergmanSuecia, 1966Clasif. B

20, 22, 23 y 24 de JunioEl Resplandor The ShiningDir. Stanley KubrickEEUU, 1980Clasif. C

27, 29 y 30 de Junio, 1° de JulioLa chica de la fábrica de cerillos Tulitikkutehtaan tyttöDir. Aki KaurismakiFinlandia, 1990

Cartelera Centro Cultural Manuel Gómez Morín

CICLO DOCUMENTALLA ASOMBROSA TIERRA

Producido por la Discovery 1998-2003

Martes, Jueves 17:00 hrs. y sábado 11:00 hrs.Aula 13, Acceso B planta bajaEntrada Libre

LA ASOMBROSA TIERRAProducido por DISCOVERY CHANNEL 1998Dur. 100 min.Martes 05 de junio 17:00 hrs.Jueves 07 de junio 17:00 hrs.Sábado 09 de junio 11:00 hrs.

VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRAProducido por DISCOVERY CHANNEL 2003Dur. 60 min.Martes 12 de junio 17:00 hrs.Jueves 14 de junio 17:00 hrs.Sábado 16 de junio 11:00 hrs.

ESCAPE DE LA TIERRAProducido por DISCOVERY CHANNEL 1999Dur. 55 min.Martes 19 de junio 17:00 hrs.Jueves 21de junio 17:00 hrs.Sábado 23 de junio 11:00 hrs.

SOBREVIVIENDO EN MARTEProducido por DISCOVERY CHANNEL 2001Dur. 98 min.Martes 26 de junio 17:00 hrs.Jueves 28de junio 17:00 hrs.Sábado 30 de junio 11:00 hrs.

ANTES DE LOS HUMANOSProducido por la Discovery 2000-2003Miércoles 17:00 hrs. / Domingos 16:00 hrs.Aula 13, Acceso B planta bajaEntrada Libre


Museo de la Ciudad

cartelera EN EL TIEMPO DE LOS DINO-SAURIOSDISCOVERY CHANNEL 200190 min.Miércoles 06 de junio 17:00 hrs.Domingo 10 de junio 16:00 hrs.

VIVIENDO ENTRE BESTIAS PREHISTÓRICASDISCOVERY CHANNEL 2003100 min.Miércoles 13 de junio 17:00 hrs.Domingo 17 de junio 16:00 hrs.

EL MUNDO DEL NEANDER-THALDISCOVERY CHANNEL 2000150 min.Miércoles 20 de junio 17:00 hrs.Domingo 24 de junio 16:00 hrs.

DESPERTANDO AL MAMUTDISCOVERY CHANNEL 200093 min.Miércoles 27 de junio 17:00 hrs.Domingo 01 de julio 16:00 hrs.

Azucena Germán. Permanencia hasta el 15 de Julio.

Gráfica de Camilo Pérez

Aguad. Abierta hasta el 15 de

Julio.

Instalación de Patricia Paniagua y William Nezme. Permanencia hasta el

5 de Agosto.

Fábula vegetal

Sepa la bola

Exquisita Demencia

5 y 7 de junio El niño perdido Dir. Humberto Gómez LanderoMexico, 1947Clasif. B (99 min.)

6 y 8 de junioSoy el Charro de LevitaDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1949Clasif. B (109 min.)

12 y 14 de junio El Rey del BarrioDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1949Clasif. B (101 min.

13 y 15 de junioLa Marca del ZorrilloDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1950Clasif. B (99 min.)

19 y 21 de junio Simbad el MareadoDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1950Clasif. B (97 min.)

20 y 22 de junioChucho el RemendadoDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1951Clasif. B (80 min.)

26 y 28 de junio El Bello DurmienteDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1952Clasif. B (90 min.)

27 y 29 de junioEl Vizconde de MontecristoDir. Gilberto Martínez SolaresMexico, 1954Clasif. B (90 min.)

Ciclo de Cine matutino TIN TANMartes 11.30 hrs. Miércoles, jueves y viernes 12:00 hrs. en Aula 12 (acceso B planta baja)


Desde que supe que volvía al DF, pues tuve la oportunidad de asi-

stir a su concierto en Foro del Autódromo en 1992, no dejé de soñar

con el hecho de volverlo a ver y escuchar, fui invitado por un buen

amigo a su palco del estadio Azteca y desde ahí con una botella

Mágica de Jack Daniels y este no es otro Sir. Británico, sino un gringo

que te ayuda a entonar la voz y ponerte en un ambiente genial.

El evento al tope, un escenario que no se veía así desde los tiem-

pos en que todos los incautos creíamos en la Selección Nacional de

Fut, o bien como la Josefina V. Mota hubiera querido ver de azul.

Desde las 18:00 y empezó a las 21:30 hrs., salimos cerca de las 2

de la mañana, nadie quería dejar el Estadio y como paradoja a la

política, sí hubo MOTA, al inicio se desgarra el griterío y este maestro

sale vestido como lo que es un verdadero y auténtico Británico, un

saco, una camisa, una combinación de Gris Oxford en pantalón,

camisa azul cuello blanco y un saco azul rey y sobre todo, además

de su imagen, el carisma que emana y agradece con una sencillez

alarmante, que sólo los verdaderamente grandes y auténticos tienen.

Cuatro momentos Mágicos, uno, el inicio “Magical Mystery Tour”,

aquí la gente empezó a ser y fue durante todo el concierto un sólo

equipo de sonido, gritos armónicos, todo mundo se sabe las letras,

baile, armonía y cordialidad; dos, el recuerdo por primera vez en

público a su amigo, como lo dijo en español John mi amigo y cantó

“Give Peace A Chance”; tres, el recuerdo a su Hermanito George y

cantar “Something”, el espectáculo de luces, fuego y pirotecnias de

“Live And Let Die”, que como saben es el único OSCAR ganado por

una película de otro de mis favoritos y próximo Sir. en las Olimpia-

das de Londres, James Bond, y cuatro, el cierre con “Hey Jude”, hay

algo que no se haya dicho de esta canción y cómo nos pone a miles

y miles a tararear, LA, LA, LA LARALA, LA, LARALA, HEY JUDE, por

minutos y más minutos hasta lograr que suba de nuevo y nos deleite

con “ Yesterday”, “ Get Back”, “ Day Tripper”, nos avise que debe

descansar y nos despida con “ Golden Slumbers/ Carry That Way/

The End”.

Cabe destacar su calidez al tratar siempre de hablar en español y

nunca, nunca dejar de agradecer a la multitud por su colaboración y

cariño.

Ahora viene la Paradoja, ustedes seguro se preguntan por qué,

muy fácil!!!!!, gracias a los nuevos medios electrónicos, tuve la gran

fortuna de ver el concierto del jueves en el Zócalo, cómo, pues muy

fácil, por YouTube. Lo transmitieron en vivo desde las 20:30 hrs y

completito; pude apreciar mas a detalle gracias a los juegos de cá-

maras, close-up, ubicaciones, etc, de un montón de detalles que me

hubiera sido imposible de ver estando ahí nuevamente, tal y como les

pasó a un par de amigos fanático-rockeros de corazón que son Kiko

el cantante de aquella admirable banda mexicana Bandido y el Ing.

Sir Paul McCartney en México

por Luis Mejía


Música

Ricardo Morales, el único superviviente original de aquellos maravil-

losos Crazy Boys del Vivi Hernández, se acuerdan?

Pues bien ellos tardaron más de doce horas en espera y retenes

para lograr ser parte de los afortunados de estar en la plancha del

Zócalo, su paciencia y alguno que otro amigo los ayudó mucho.

Esta vez, vestido con un saco rojo, sobre camisa rosa con cuello

blanco y tirantes, seguro hechos a su medida en Seville Street

en Londres o ustedes pensaron que se paró antes a comprarlos

en Milano?, no fue una noche de encuentro , fue una noche de

enamoramiento, como fueron sus palabras de inicio en un perfecto

español, “ Buenas noches México, hola DF, Estamos muy contentos

de estar aquí en el día de las Madres”, siguió con repertorio muy

parecido al del concierto del martes, con su saludo y recuerdo a

su amigo y a su hermanito, pero esta vez con menciones para dos

mujeres en especial, con “ Maybe I´m Amazed” en recuerdo a su

ex esposa fallecida Linda Eastman, y a la que actualmente es su

esposa Nancy Shevell a quien dedicó su nueva composición “ My

Valentine”, esto como un gesto muy especial y sincero por ser día

de las madres, el invento más bello y respetable de la creación, no

lo creen así!!!!!.

Según me platican mis brothers, en la plancha del Zócalo había más de 100,000 mil guevones (como

diría mi amigo Chileno Andrés Garreton), pero en todas las calles que llevan al Zócalo tuvieron que

poner de emergencia pantallas porque habían 100,000 guevones más que no tuvieron la suerte o el

tino de llegar a tiempo. Como se deben imaginar, no podía faltar en este evento el olor a buena yerba

que llegaba frecuentemente, así como el aroma de un buen puro en la Plaza de Toros.

Lo mejor sin duda, el comportamiento de todos y todas las clases sociales juntas, las autoridades que

manejaron esa multitud a la perfección y con seguridad.

Por ende solo nos queda decir: Sir. Paul, eres un grande entre los grandes músicos eternos, pero

sobre todo mil gracias por ser un HOMBRE REAL Y CONGRUENTE EN TODO LO QUE VALE.

Gracias por venir, existir y seguir viniendo.

Sir Paul McCartney en México

foto: Jäi

foto: Jäi


Hola bandita. Un gusto nuevamente saludarlos a todos. Para esta

nueva edición de Revista Babel, hemos decidido recomendar «música

de escape». Y es que con tanta publicidad y spot político, de repente

no podemos negar que nuestros oídos llegan al punto del hastío. Así

que esperamos poder salvarlos con tres sabrosos discos de «ace-tato

tiempo», que tenemos en este mes para todos ustedes. Espero sean

de su agrado.

El primer invitado en nuestra

fiesta va dedicado especialmente

para todos los amantes del soul. El

es Bill Withers, sin duda, una de las

mejores voces dentro del género y

uno de los artistas más destacados

en la década de los setentas. Bill

Withers junto con otros artistas

de la misma generación como

Otis Redding, Bobby Womack, Al

Green y Sam Cooke, contribuy-

eron a expender el gusto por el

soul a personas de todos colores y

sabores. Aunque no podemos negar

el legado de Etta James y los años sesentas, y que fueron en estos

años cuando el soul se volvió un género muy popular. Como muchos

artistas de esta escena, Bill Withers participó en la guerra, tuvo un

trabajo común y de hobbie le pegaba a la cantada. Todo eso cambió

cuando grabó su álbum debut Just As I Am, en el año 1971. Siendo

el consentido de la disquera, le pusieron a su disposición artistas

como Stephen Stills y Booker T. Jones, para que le echaran la mano

con la música. Lo que resultó de esto fue obviamente una verdadera

exquisitez, que combinaba como ningún otro arreglos orquestales,

guitarra y voz, dando a luz una armonía sin equivalentes. Esta joya

incluye grandes temas como «Grandma’s hands», «Everybody’s

talkin’» y «Do it good». También está la súper

rola «Ain’t no sunshine», la canción de su car-

rera a mi parecer y que seguro muchos de ust-

edes ya han topado por ahí. Recuerdo bien que

cuando escuché por primera vez a Bill Withers,

comprobé que era cierto eso que decían que

con una que escucharas, ibas a querer ponerlo

una y otra vez.

Nuestro segundo invitado en nuestras sugerencias, es la Steve

Miller Band. Un grupo que podríamos decir, es el prototipo de mu-

chas bandas que andan circulando por ahí, con esa mezcla de pop

muy bien sintetizado y space rock. Como buena banda de «ace-tato

tiempo» norteamericana, San Francisco fue el lugar que los vio nacer,

apadrinados por nada más y nada menos que Chuck Berry. En sus

primeros años, era raro que alguien los volteara a ver, pero poco a

poco, se fueron abriendo campo hasta consolidarse como una de

las bandas más representativas de «los años maravillosos». El disco

que queremos recomendar para ustedes, es el Fly Like An Eagle,

lanzado en el año 1976. Me atrevería a decir que fue con esta joya

que lograron consagrarse en

el business y ganar muchos

seguidores. Algunas can-

ciones como «Mercury blues»,

«Take the money and run» y

«Rock’n me», son de verdad

rolas de gusto universal, que

los va hacer enamorarse de

este groovy grupo. Incluso su

canción «Fly like an eagle»,

seguro la han escuchado en

el soundtrack de la película

Space Jam (¿cómo olvidar esa pavorosa actuación de Michael Jordan

apoco no?). Aunque la mayoría de los integrantes ya no están con

nosotros, Steve Miller sigue activo dando conciertos en Estados

Unidos. A todos aquellos que les gusta el blues, el space rock, el

country alternativo o la curiosidad, les invito a echarse un clavado

en este disco y otros como Sailor y The Joker. Sin duda la Steve Miller

Band es una banda que todo buen melómano debe tener en su «cd-

room».

Y para este número, he decidido quemarme mi última recomen-

dación, con «el único verdadero genio de la industria musical» en

palabras de Frank Sinatra, el rey de reyes, el mister de misteres,

Ray Charles. Me parece que uno de los mejores compositores que

ha llevado música hasta nuestros oídos. Es verdad que no podemos

decir que es el padre de algún género en específico pero, no me van

a dejar mentir, que sí fue el primero en hacer un poquito de todo y

de la mejor calidad. Ray Charles a lo largo de su carrera le pegó al

jazz, al blues, al rhythm and blues, al country, etc. A mi muy humilde

parecer, respecto a ondas más o menos afines, él y Miles Davis son

dos de los músicos que más han jugado con la música para elevarla a

otro nivel. Para que sepan mejor de qué les estoy hablando, quisiera

convencerlos de que escuchen su segundo disco, que vio la luz por

ahí del año 1957, The Great Ray Charles. Esta joya de casi cincuenta

y cinco años de edad, es un verdadero regalo para los amantes del

jazz, ya que explora el sonido clásico de Louis Armstrong y King Cole.

Algunas temas como «The Ray», «My melancholy baby» y «Doo-

dlin’», reflejan

muy bien esta

influencia. No

podemos dejar

de mencionar

que Ray Charles

tuvo también su

lado obscuro.

Así como lo ven

de bien vestido,

fue un tipo muy

Chucho Estrada


Música

desalineado. Lo pescaron en varias ocasiones

por asuntos de drogas, hasta el punto que sus

cuates le quisieron ayudar; él les respondió con

un rola muy conocida de su repertorio «I don’t

need no doctor». Para todos los amantes del

jazz, este disco va especialmente para ustedes,

pero no dejen de escuchar otras joyas de «ace-

tato tiempo» como The Genius Of Ray Charles

y el Modern Sounds In Country And Western

Music.

Se me olvidó comentar en números anteriores

que probablemente muchas de las joyas que

hemos estado recomendando no se encuentran

a su disposición tan fácilmente. Confío en las

habilidades de cada uno para encontrarlas en

la tienda, el mercado o en Internet, ya que casi

todas están colgadas por ahí en un blog o en

YouTube. Pero en el caso de que se me extravíen

un poquito, no duden en mandarnos un correo,

nosotros les mandaremos la información de

dónde pueden encontrar la música que estamos

recomendando. Así que ya lo saben. Finalmente

espero que les guste nuevamente nuestras

recomendaciones y, sin más por el momento,

les deseo amor y paz y que el cosmos cuide de

ustedes.


eniac martínez


fotografía

El proyecto “Ríos”, actualmente

en desarrollo, ha sido realizado

en buena medida gracias a la

beca del Sistema Nacional del

FONCA.


fotografía


Te encuentras viviendo en un país extraño, donde aunque conoz-

cas el idioma no lo sientes como propio; una sensación de frustración

comienza a crecer día a día en ti. Sintiéndote fuera de lugar, de

contexto, con las raíces arrancadas y lastimadas por el acto.

Sin identidad, sin nacionalidad definida. Ese es el mundo en el

que por muchos años ha vivido Luis Alberto Urrea, y con el que por

un momento de mi vida, me

sentí identificada, mientras

caminaba por las calles de

Santa Fe, Nuevo México.

Luis Alberto Urrea, nació

en Tijuana México en 1955.

Hijo de padre mexicano y

madre americana, creció en

medio de dos culturas y por

si fuera poco, con una madre

que siempre le marcaba

la importancia de parecer

americano. Estudió escritura

en la Universidad de Califor-

nia, San Diego, pero tiempo

después decide regresar a

Tijuana para trabajar como

columnista, extra en pelícu-

las, editor y caricaturista

para varias publicaciones. Sin

embargo, regresa a Boston

para enseñar escritura y

ficción en la Universidad de

Harvard. Comienza su car-

rera como escritor cuando

gana en 1994 el Colorado

Book Award en poesía por The Fever of Being. En 1999 gana por su

memoria Nobody’s Son: Notes from an American Life el premio de

American Book Award. Y es justo por este libro que lo conozco años

después cuando una maestra, al verme completamente perdida en la

cultura norteamericana y después de sufrir mi primer ataque racista,

me recomienda el libro.

La memoria se enfoca en la vida de Urrea como estadounidense-

mexicano que vive siempre en el punto de mira de la sociedad

norteamericana por la procedencia de su apellido y padre. Además

soporta la intolerancia de una madre hacia lo que es la cultura de su

hijo y esposo, y que no perdía la oportunidad para pedirle a su hijo

que no dijera que era mexicano. Un libro por demás honesto y con el

que todos los inmigrantes, sin importar sin son mexicanos, chilenos o

brasileños, se pueden identificar. Pero ¿por qué creo que vale la pena

hablar de este hombre, o mejor aún, recomendar su trabajo?

La respuesta no es sólo que a través de sus libros he logrado

entender el papel que

realmente desarrollamos

como latinos en la cultura

Estadounidense, además

descubrí a un escritor con

una pasión por la vida y por

la cultura mexicana, y que

lo transmite en cada una

de sus historias, ya sean

propias o ficticias. Creo que

ha venido a representarnos

lo que es realmente ser parte

de dos culturas, la mezcla

de sentimientos, ideologías,

lenguas; y lo ha hecho de tal

forma que no sólo le valió

una nominación al Premio

Pulitzer, sino también el

reconocimiento de mexica-

nos y norteamericanos.

Una de sus obras más

sobresalientes es The Hum-

mingbird’s Daughter, la

cual trata de un personaje

mexicano llamado Teresa

Urrea, pariente del escritor,

considerada como la Juana de Arco mexicana. El libro involucró para

el escritor 20 años de investigación y escritura; pero sin duda valió

el esfuerzo cuando ganó el premio en Ficción de Kiriyama y llamó la

atención del director mexicano Luis Mandoki quien piensa llevar la

novela a la pantalla grande. Entre otros títulos del autor se encuen-

tran, Queen of America; Into the Beautiful North; Mr. Mendoza´s

Paintbrush y The Devil’s Highway.

Así que si tienes ganas de leer a un autor honesto, con un poco

de sarcasmo y a la vez con una sensibilidad única, debes leer a Luis

Alberto Urrea.

El Hijo de Nadie, Luis Alberto Urrea.

por Olivia Zabala


Literatúra

El Hijo de Nadie, Luis Alberto Urrea.

¡El señor obispo prohíbe cuál! ¡Fue la presidenta! Pero salió en el periódico, pero cuántas cosas no salen en el periódico. Que por la contingencia, que somos revoltosas. Protección de México se vino desde la Sierra, en el camino iban saliendo de los pueblos las que iban cuidando a las personas, pero eso dijieron, yo soy testiga, y le dio mu-cho gusto al obispo. En la villita no llegó, nos recibió monseñor Espinoza. Cuando llegaron a la villita llegaron más de tres mil, incluso una hermana cu-ando dieron la orden, que dice que dijeron: “vienen muchas pereg-rinas con los hombres”, pero cuando vieron el difinitivo, pero ya era una formación grandísima. Mis vecinas se vinieron con sus maridos. Llegaron más de cuatrocientos y al otro día llegaron porque aunque nos digan que somos necias, es la fe que tenemos a la virgen, ¿por qué nos lo tienen que quitar? Nos dijo: -y ustedes la van sembrado-. Dicen que de la Sierra, las de la sierra sólo salieron ocho, que nadie las pelaba, que decían ‘esas locas’, que dos veces les cerraron las puertas; sólo un padre no, dijo: -Vénganse a cenar; hermanitas pus quién las entiende a ustedes, si las tratan mal lloran, si las tratan bien pus también-. Sandra, se llama Sandra la presidenta. Quién sabe que les habrá hecho a los de la cruz roja. Los de la cruz roja no fue esta vez porque quién sabe que les había hecho la otra vez. Ahorita la gente está mo-lesta, la quieren echar fuera pero tiene a todos a favor de ella. Una hermana dijo que el padre estaba llorando, con que no vaya haber una de malas que una peregrina se enferme o la atropellen, no nos la vamos a acabar con la presidenta. “Usen su cal cuando hagan sus necesidades”, luego hacemos huevonas de que no ruciamos aquello, y las que iban atrás cuidando, las que no estaban tapadas, ellas las iban tapando. Porque nomás se enferma uno y pa’ qué quiere, no nos la vamos a acabar con la presidenta. Pero así na fue.

REVOLTOSAS por Arno Camel


A principios de mayo el gigante tecnológico Samsung lanzó la 3ª

generación de su popular línea de Smartphones Galaxy S, quien lleva

el apropiado mote de S3. El Samsung Galaxy S3 sigue dándole de

qué hablar a sus competidores, principalmente Apple, primero por su

enorme pantalla de 4.8’’ Super AMOLED Plus (1280x720), haciendo

más grande la pantalla que el anterior S2 sin incrementar el tamaño

del Smartphone, después con su procesador Exynos de cuádruple

núcleo que permite a los usuarios experimentar la navegación más

suave disponible hasta ahorita y por último gracias a su nuevo

S.O. Android 4.0 Ice Cream Sandwich precargado, las pantallas de

interacción se vuelven más orgánicas, sin lag alguno y feedback

inmediato. Todo esto suena bien padre, pero ¿qué ha hecho que 9

millones de personas ya hayan preordenado el S3? La respuesta es:

pensar en los usuarios y en sus competidores. Además de la interfaz

que permite llevar el multitasking a su máxima expresión; imagínate

ver un video en HD mientras en la misma pantalla platicas con tus

contactos de Whatsapp; el Galaxy S3 ha integrado unos sensores de

reconocimiento retinal (retinal tracking) que cuando estás viendo la

pantalla permanecerá encendido, y cuando dejas de verla se apagará

automáticamente (ay goooeei!), y por si aún no quedas sorprendido,

más adelante Samsung lanzará un aditamento para cargar tu Smart-

phone de forma inalámbrica (AY WEY!). Otra de las características

que se enfoca en los usuarios es su capacidad de memoria. Vendrá

en 3 opciones: 16GB, 32GB y 64GB, con capacidad de expansión

mediante microSD, con esto tu Smartphone podrá almacenar casi

100GB de información, así de simple al alcance de tu mano. El tama-

ño es, a mi opinión, su carta más debatible, con 136.6x70.6x8.6mm

es complicado, más no incómodo, operar el Smartphone a una

mano, fuera de eso no le veo mayor problema. La resolución de las

cámaras es bastante estándar en el caso de la trasera: 8 mega píxeles

con capacidad de grabar en Full HD a 1080p con flash, sin embargo

la cámara frontal ofrece 1.9 mega píxeles con capacidad de gra-

bación en HD a 30 FPS (Cuadros Por Segundo) con flash; eso sí es de

notar. ¿Cuánto cuesta? seguramente un riñón y media pierna, pero

Samsung aún no ha lanzado un precio fijo; lo que sí ha salido son

los costos de los planes tarifarios que por ejemplo T-Mobile ofrece:

un plan de datos y mensajes ilimitados más 2000 minutos a otras

compañías por £49.99 al inicio ($1,065 MXN) y £36 ($782 MXN) por

mes a dos años. En su costo más alto el Smartphone les sale en £300

($6,524 MXN) con una renta mensual de £10.5 ($228MXN) a 24

meses. ¿Para qué les digo esto? para que le vayan ahorrando mijos,

seguramente el hombre más rico del mundo nos lo va a querer dejar

caer en +$10,000 de enganche y renta mensual de $900 a 24 meses

con 125 MB y 15 mensajes de texto. Ámonos a los Unaites Kindoms!

Samsung Galaxy S3. Designed for humans, inspired by nature.

por Samuel Borbolla

Babel n.11 Junio 2012

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Transcript of Babel n.11 Junio 2012