The List 2010

Introduction  As  it  turned  out  2010  was  an  insanely  good  year  for  music.  From  early  in  the  year,  having  built  up  a  decent  list  of  music  blog  RSS  feeds  and  developed  a  pretty  severe  Spotify  habit,  I  was  flooded  with  great  music  of  all  stripes.  I  had  almost  too  much  to  listen  to,  and  it  was  so  eclectic  that  the  notion  of  comparing  records  like  for  like  began  to  seem  absurd.    

When  it  came  time  to  start  thinking  about  The  List,  it  was  immediately  clear  to  me  that  the  only  way  to  put  it  together  this  year  would  be  to  count  enjoyment  as  the  sole  most  important  criterion;  the  only  fair  way  to  rank  the  great  mass  of  albums  I  played  in  2010  was  to  ask  myself,  quite  simply,  what  brought  me  the  most  pleasure.  With  that  having  been  said,  here  are  my  20  favourite  records  of  the  year.    

♫    

20.      OK Go – Of the Blue Colour of the Sky        It’s  a  great  feeling  to  be  surprised  by  an  album,  and  even  more  special  when  it  happens  more  than  once  within  the  same  record.  Even  having  heard  very  little  of  the  previous  material  I  thought  I  had  OK  Go  pegged:  another  spiky  pop  band  in  the  Tapes  n’  Tapes,  Hot  Hot  Heat  mould,  but  with  more  innovative  promo  videos.  It  turns  out  there’s  a  lot  more  to  the  Chicago  four-­‐piece  than  that.       As  those  self-­‐made  videos  attest,  this  is  a  band  bursting  at  the  seams  with  ideas,  and  on  this  album  they  let  rip  with  a  multitude  of  styles,  delivering  dance-­‐rock  (‘This  Too  Shall  Pass’),  ballads  (‘Skyscrapers’)  and  synth-­‐pop  (‘End  Love’)  among  others.  The  album  highlight  is  a  toss-­‐up  between  the  shockingly  on-­‐the-­‐money  Prince  tribute  ‘White  Knuckles’  and  the  surprisingly  tender  digital  lament  ‘Before  the  Earth  was  Round’.  In  some  respects  it’s  shocking  that  those  two  songs  exist  on  the  same  album.  That  OK  Go  attempt  so  much  here  and  pull  it  off  without  a  misstep  is  deserving  of  enormously  impressive.      

19.      The Posies – Blood / Candy    Along  with  Brad’s  Interiors  (1997)  and  Screaming  Trees’  Dust  (1996),  I  treasure  The  Posies’  1993  album  Frosting  on  the  Beater  for  having  shaped  something  special  out  of  the  beautiful,  melodic  aspects  of  grunge  without  having  felt  it  necessary  to  pretend  at  angst.  I  dipped  into  some  of  the  band’s  other  records,  but  didn’t  find  anything  as  consistently  engaging.  Likewise  with  albums  since;  I  listened  to  2005’s  Every  Kind  of  Light  a  fair  bit,  but  I  honestly  don’t  remember  whether  it  claimed  a  place  on  the  year’s  List.     Having  taken  a  bit  of  a  break  since  then  it  seems  that  some  of  the  old  magic  has  been  recaptured.  Blood  /  Candy  is  a  set  of  three  and  four-­‐minute  easygoing  pop  gems  with  just  the  right  touch  of  melancholic  edge  to  them.  Opener  ‘Plastic  Paperbacks’  is  expertly  judged,  and  enough  by  itself  to  assure  you  that  this  is  a  band  (having  been  recording  since  the  late  80s)  in  full  command  of  their  talents.  The  subtle  mood-­‐swings  of  ‘Cleopatra  Street’  are  further  proof  that  The  Posies  are  capable  of  pretty  much  anything  they  turn  their  mind  to,  and  the  three  and  half  minutes  of  ‘For  The  Ashes’  prove  it,  crafting  something  heartbreaking  and  huge-­‐seeming  out  of  very  little.    

   

18.      Flying Lotus – Cosmogramma        I  remember  seeing  a  lot  of  positive  things  written  about  the  previous  Flying  Lotus  album—2008’s  Los  Angeles—but  for  whatever  reason  I  never  got  around  to  picking  it  up.  When  Cosmogramma  dropped  in  early  summer  I  was  sure  to  get  in  on  the  ground  floor,  and  I  discovered  an  album  of  dense,  vital  electronica  brimming  with  energy  and  ideas.    

My  touchstone  for  this  genre  remains  Keiran  Hebden’s  Four  Tet,  and  what  Flying  Lotus  is  doing  here  is  a  little  messier  and,  I  would  guess,  more  aimed  at  the  headphones  than  Kieran  Hebden’s  recent  output,  which  has  been  more  club-­‐oriented.       The  Thom  Yorke  cameo  on  ‘…And  the  World  Laughs  with  You’  is  an  easy  highlight,  but  in  some  ways  (e.g.  it  features  vocals)  it’s  an  outlier.  This  is  a  really  interesting,  layered  record  that  I  returned  to  a  lot  when  zoning  out  during  commutes.    

   

17.      Four Tet – There is Love in You    My  relationship  with  Four  Tet  is  rooted  in  2003’s  Rounds  and  2005’s  Everything  Ecstatic,  and  it  seems  a  long  time  since  anything  new  has  been  released.  That’s  slightly  misleading  in  that  Kieran  Hebden  is  a  prolific  remixer  of  everyone  from  Death  From  Above  1979  to  Radiohead,  and  has,  in  the  intervening  five  years,  put  out  two  EPs  and  two  very  strong  albums  of  material  with  jazz  drummer  Steve  Reid.       Still,  it’s  nice  to  have  a  new,  full-­‐length  release  from  Four  Tet.  I’ve  played  the  2008  EP  Ringer  quite  a  bit,  but  somehow  it  felt  like  something  of  a  stop-­‐gap,  and  this  album  shows  why.  Hebden  has  been  hosting  nights  at  Shoreditch’s  Plastic  People  for  a  while  now,  and  has  talked  in  several  interviews  about  how  the  experience  has  affected  his  music.  What  separates  this  album  from  its  predecessors  is  that  it  was  built  to  be  played  to  a  live  audience  whereas  the  previous  LPs  fall  into  what  I  would  categorise  as  headphone  listening.  That’s  not  to  say  that  they  wouldn’t  work  the  other  way  round,  but  the  shift  is  noticeable  here  on  tracks  like  ‘Sing’  which  loops  and  swings  with  a  very  singular  purpose.  I  would  guess  that  I’ll  return  to  Everything  Ecstatic  more,  but  this  is  still  wonderful  stuff.        

16.      Loscil – Endless Falls This  was  a  discovery  via  Bleep.com,  which  has  been  good  to  me  over  the  last  couple  of  years  when  it  comes  to  electronic  music.  On  the  mental  list  of  artists  in  this  genre,  which  I  keep  arranged  by  pace  and  tone,  Loscil  sits  towards  the  slower,  calmer  end  of  the  spectrum  and  has  served  as  perfect  reading  music,  winding  down  music,  and  getting-­‐started  music  in  roughly  equal  measure.    

The  album’s  cover  photograph  of  blurry  street  furniture  seen  through  a  rain-­‐splashed  window  sets  the  mood  quite  well.  The  album  starts  with  what  feels  like  almost  a  full  minute  of  rain  noise  (which  I’ve  always  been  a  sucker  for  anyway)  and  the  pace  doesn’t  pick  up  a  whole  lot  from  there.  It’s  hard  to  put  on  paper  what  works  so  well  about  the  music  here.  It  develops  at  a  glacial  pace  and  all  exists  within  the  same  tonal  colour  pallet  of  greys  and  blues,  but  this  is  expertly  and  subtly  constructed  stuff  with  genuine  weight  behind  it.    

  Of  the  instrumental  music  I’ve  played  a  lot  this  year  Endless  Falls  has  leant  itself  least  to  being  used  as  background  music.  Something  about  its  intricate  shadows  and  textures  insists  upon  attention  and  patience,  which  it  rewards  with  great  depth.      

15.      She & Him – Volume Two        Having  this  album  sat  next  to  Loscil  highlights  the  absurdity  of  drawing  comparisons  between  much  of  this  year’s  listening  material.  All  I  can  say  is  that  I  listened  to  Volume  Two  a  lot  and,  despite  its  seeming  simplicity,  it  didn’t  even  begin  to  get  old.       Perhaps  the  most  apt  adjective  for  this  album  is  “charming”.  The  record  is  immensely  and  instantly  likable,  thanks  in  part  to  Deschanel’s  voice—which  resembles  a  slightly  softer  Jenny  Lewis—and  also  to  the  quirky,  poppy  arrangements  of  many  of  the  songs.  Sometimes  it  sounds  like  1950s  bubblegum  (‘Gonna  Get  Along  Without  You  Now’  could  be  a  Chordettes  cover),  sometimes  like  the  Beach  Boys  (‘Don’t  Look  Back’),  but  regardless  the  quality  never  lets  up  and  it’s  impossible  not  to  be  swept  up  in  its  enthusiasm.      

14.      Joanna Newsom – Have One on Me  Unique  doesn’t  begin  to  cover  Joanna  Newsom.  Placing  her  in  the  folk  category  seems  dismissive  of  her  sound’s  expansiveness  and  her  penchant  for  theatricality.  The  lyrics  are  certainly  folky  in  that  they  often  convey  stories  woven  out  of  pastoral  themes,  but—just  as  with  Laura  Marling—there’s  a  lot  more  going  on  here.     On  2006’s  Ys,  Newsom  really  embraced  the  drama  of  her  songwriting,  bringing  in  Van  Dyke  Parks  to  add  flourishes  and  even  more  colour  to  her  songs.  Arguably  this  led  to  the  album  feeling  a  little  too  dense  and  claustrophobic,  an  impression  not  helped  by  its  composition:  five  tracks  with  an  average  length  somewhere  north  of  10  minutes.       By  contrast,  though  it  exhibits  a  markedly  longer  running  time,  Have  One  On  Me  seems  less  weighty,  airier,  possessed  of  more  space  and  sunlight.  Many  songs  are  stripped  back  simply  to  Newsom’s  voice  and  harp,  which  have  always  been  the  core  of  her  art  and  have  never  been  better  than  here.  To  a  greater  extent  than  any  other  record  I  listened  to  this  year,  Newsom’s  album  offers  you  a  chance  to  put  on  headphones  and  drift  away  to  a  different  place  entirely.  She  remains  quite  unique.      

13.      Laura Marling – I Speak Because I Can  Laura  Marling’s  2008  debut  was  that  rare  thing  in  the  world  of  the  modern  music  press:  an  unexpected  delight;  a  surprise.  That  voice,  the  very  English-­‐ness  of  her  sensibility,  her  ability  to  seem  and  sound  simultaneous  fragile  and  formidable.  It  was  immediately  clear  that  Marling  was  a  prodigious  talent  and  the  purveyor  of  a  quite  unique  sound,  and  that  album  was  by  far  and  away  my  favourite  of  the  year.       Since  then  it  seems  that  a  number  of  acts  have  attempted  to  peddle  a  faux-­‐folksy  kitsch  in  Marling’s  wake,  and  it  has  more  often  than  not  rang  a  little  false  to  my  ears.  Marling’s  sincerity  is  palpable  and  her  ability  to  tell  a  story  in  each  beautiful  song  is  unparalleled  among  her  peers.  I  Speak  Because  I  Can  is  a  more  assured  album,  and  a  mesmerising  one.  The  swinging  melody  of  ‘Alpha  Shallows’,  the  heart-­‐wrenching  beauty  of  ‘Goodbye  England  (Covered  in  Snow)’,  the  barefoot  do-­‐si-­‐do  of  album  closer  ‘Nature  of  Dust’…  everything  here  is  masterfully  accomplished  and  infused  with  limitless  warmth  and  charm.  If  it  falls  short  of  its  predecessor  it  is  perhaps  only  because  it  comes  as  no  surprise.      

12.    Olafur Arnalds - �And They Have Escaped the Weight of Darkness  Arnalds  is  a  24  year-­‐old  Icelandic  multi-­‐instrumentalist  making  stunningly  beautiful  avant-­‐garde  orchestral  electronica.  This  has  been  on  rotation  right  alongside  the  Loscil  album  as  perfect  examples  of  simple  music  displaying  almost  limitless  depths.  Listened  to  on  headphones  it  reveals  itself  to  be  utterly  compelling  and  endlessly  beautiful,  as  well  as  quite  a  draining  listening  experience.  The  way  the  simple  melody  of  ‘Hægt,  kemur  ljósi›’  blossoms,  for  example  is  masterful,  and  the  introduction  of  the  cymbals  at  the  three-­‐minute  mark  is  one  of  the  most  raw  emotional  moments  I  heard  this  year.         The  album’s  tone  shares  some  similarities  with  Arnalds’  more  famous  countrymen  Sigur  Rós,  and  the  fact  that  he  has  duplicated  their  sheer  expansiveness  of  sound,  and  retained  their  balance  of  complexity  and  simplicity  whilst  playing  and  constructing  everything  himself  is,  frankly,  astounding.      

11.      Christian Scott – Yesterday You Said Tomorrow  When  I  started  getting  into  hip-­‐hop  in  the  late  ‘90s,  I  started  digging  for  those  “important”  and  “classic”  LPs  from  a  jumping  off  point  of  Run  DMC,  Public  Enemy  and  R.A.T.M.’s  Renegades.  But  I  didn’t  feel  properly  engaged  in  the  genre  until  I  stumbled  across  a  contemporary  artist  who  blew  my  mind:  Buck  65’s  Square  (2002)  completely  changed  my  thinking  about  hip-­‐hop  and  made  the  music  feel  really  alive  to  me.    

So,  when  I  started  to  get  serious  about  jazz  a  few  years  back  I  tried  from  the  outset  to  make  it  an  equal  part  of  my  self-­‐education  in  the  genre  to  find  contemporary  artists.  Jason  Moran  and  Robert  Glasper  have  both  appeared  on  previous  lists,  but  this  year  Christian  Scott  re-­‐defined  my  ideas  about  what’s  possible  in  jazz  with  this  astounding  record.    

  Listening  back  through  Scott’s  catalogue  this  isn’t  a  fluke:  both  2006’s  Rewind  That  and  the  following  year’s  Anthem  are  enormously  assured  and  overflowing  with  brilliance.  One  listen  to  the  latter’s  opener  ‘Litany  Against  Fear’  is  all  the  evidence  required  for  jazz’s  contemporary  vitality.    

Yesterday…  however,  is  probably  my  favourite  of  the  three,  with  album  highlight,  the  achingly  plaintive  ‘Isadora’,  standing  as  the  most  beautiful  song  I  heard  in  2010.      

10.      Keith Jarrett & Charlie Haden – Jasmine  Jarrett  took  14th  place  on  last  year’s  list  with  Yesterdays,  a  record  I  described  at  the  time  as  “not  my  favourite  Jarrett  album”,  and  this  year  he  takes  10th  with  absolutely  my  favourite  of  his  recordings  that  I’ve  heard.       Jarrett’s  collaboration  with  bassist  Charlie  Haden  stretches  back  to  1967  and  now  numbers  eight  albums1.  Listening  to  Jasmine  it’s  easy  to  see  why  the  two  keep  returning  to  this  partnership.  Jarrett’s  playful,  light  piano  swims  effortlessly  atop  the  subtle  thrum  of  Haden’s  double-­‐bass  undertow,  knowing  exactly  when  to  allow  the  latter  time  to  rise  to  the  surface  momentarily.  The  connection  (as  I  said  last  year  of  The  Mars  Volta’s  Omar  &  Cedric)  must  be  near  psychic  to  produce  something  so  effortlessly  unified.  It’s  a  joy  to  listen  to  and  endlessly  relaxing.      

                                                                                                               1  Incidentally,  Charlie  Haden  is  father  of  That  Dog  twins  Petra  &  Rachel  Haden!  

9.      Deftones – Diamond Eyes  It’s  fifteen  years  since  I  fell  under  Deftones’  spell  with  the  visceral  post-­‐punk  thunder-­‐dirge  of  Adrenaline,  and  a  decade  since  they  hit  their  peak  with  the  heavenly  White  Pony,  which  remains  on  my  list  should  I  have  to  pack  five  albums  for  a  desert  island.       2005’s  eponymous  album,  whilst  still  solid,  felt  a  little  lacking,  but  they  really  hit  their  stride  again  with  2006’s  Saturday  Night  Wrist.  And  then  the  worst  happened.  During  recording  for  what  was  to  be  a  back-­‐to-­‐basics  rock  record  titled  Eros,  bassist  Chi  Cheng  was  hit  by  a  car.  Eros  was  shelved  indefinitely  and  it  looked  for  a  while  like  Deftones  had  come  to  an  end.       Cheng  remains  in  a  coma,  and  with  Diamond  Eyes  his  bandmates  set  out  explicitly  to  make  an  album  that  would  honour  him.  And  what  a  fantastic  tribute  they  have  paid.  By  turns  angry,  beautiful,  contemplative  and  celebratory  this  is  their  finest  album  in  ten  years  and  sounds  not  unlike  White  Pony  in  terms  of  breadth  of  tone  and  dusky,  humid  production  style.  Deftones  remain  a  singular  band,  devoid  of  genre,  possessed  of  limitless  talent  and  still  capable  of  surprising  me.    

8.      Broken Bells – Broken Bells      I  only  really  got  into  The  Shins  with  2007’s  Wincing  the  Night  Away,  and  it  seems  cruel  to  have  made  me  wait  so  long  for  a  follow-­‐up  to  an  album  I  enjoyed  so  much.  With  no  sign  of  James  Mercer  getting  back  in  the  studio  with  the  rest  of  his  band,  this  will  have  to  do  for  now,  so  it’s  a  good  job  it’s  terrific.       Mercer  has  a  very  expressive  voice,  which,  alongside  his  brilliant  lyrics,  is  my  favourite  aspect  of  The  Shins.  It’s  just  as  well  served  here  by  Danger  Mouse’s  beats,  which  are  more  melodic  than  some  of  his  work  (e.g.  with  Jemini,  or  arguably  Gnarls  Barkley);  it’s  perhaps  closer  to  his  production  of  the  Sparklehorse  albums  and  Beck’s  Modern  Guilt  a  couple  of  years  ago.  The  lyrics  and  vocal  performance  remain  the  highlight  for  me,  but  the  dreamy  bedding  of  ‘Your  Head  is  on  Fire’  or  the  hazy  synth  strings  of  ‘Citizen’  are  what  hold  this  odd,  lovable  album  together.    

7.      Vampire Weekend – Contra    Where  did  Vampire  Weekend  come  from?  Who  told  them  it  was  okay  to  make  this  twice-­‐concentrated  infectious  indie-­‐intellectual-­‐pop  with  afro  influences?       After  the  35  minutes  of  V.W.’s  debut  dominated  my  stereo  almost  exclusively  for  months,  I  remained  unsure  that  a  second  album  of  the  same  kind  of  material  would  be  as  satisfying.  What  Contra  proves  is  that  this  isn’t  a  gimmick,  and  that  if  you  have  it  in  you  to  produce  more  of  this  ultra-­‐catchy  pop  music  it  should  be  mandatory  that  you  do  so.       Vampire  Weekend  are  doing  many  of  the  same  things  here  as  they  seemingly  invented  on  their  debut,  but  the  trick  isn’t  worn  out,  it’s  just  as  energising  and  refreshing  as  first  time  around.  Absolutely  devoid  of  cynicism  and  full  to  the  brim  with  enthusiasm  for  life  and  music,  this  is  another  summer  album  that  has  proven  to  be  great  listening  throughout  the  year.      

6.      Surfer Blood – Astro Coast  It  can’t  be  easy  being  an  indie  buzz  band.  For  all  of  the  hype-­‐fed  blog  hysteria,  there  is—just  as  inevitably—the  backlash.  The  hipsters  have  this  down  so  well  now  that,  to  the  average  observer,  the  two  seem  almost  simultaneous,  leaving  one  unsure  whether  it’s  cool  to  like  Surfer  Blood  this  week  or  not.       But  who  cares  when  the  music  is  this  good?  I’ll  admit  that—perhaps  as  a  result  of  buying  into  some  of  that  hype—the  first  time  I  heard  Astro  Coast,  I  made  unfriendly  comparisons  to  Vampire  Weekend.  Unfriendly  in  that  they  were  tainted  with  a  pinch  of  copycat  accusation,  but  the  more  I  listened  to  Astro  Coast  the  weaker  that  connection  seemed,  until  I  now  almost  can’t  understand  how  I  made  it  in  the  first  place.       Astro  Coast  is  a  killer  mix  of  debut  album  Weezer  and  Pet  Sounds-­‐era  Beach  Boys,  with  a  little  So-­‐Cal  punk  stirred  in  there  for  good  measure.  The  result  is  sunny  and  infectious,  and  if  there  is  a  Vampire  Weekend  comparison  it’s  perhaps  in  the  music  seeming  completely  familiar  very  quickly.  These  songs  feel  as  though  you  always  knew  them,  and  any  time  you  play  them  it’s  summer.          

                               

5.

Charlotte Gainsbourg I.R.M.

 

I  didn’t  think  much  of  Gainsbourg’s  previous  solo  album,  5:55  

(2006),  but  when  I  heard  the  single  ‘Heaven  Can  Wait’  which  

preceded  this  album  I  knew  I  had  to  at  least  give  the  record  a  try.  

And  it’s  a  revelation.    

  The  only  explanation  I  can  find  for  the  chasm  of  

difference  in  quality  between  the  two  albums  is  that  Gainsbourg,  

like  a  crystal,  seemingly  absorbs  the  characteristics  of  those  

around  her.  5:55  had  Jarvis  Cocker  and  Air  all  over  it,  and,  not  

enjoying  the  work  of  either  of  those  artists,  I  was  put  off  by  its  

euro-­‐poppy  production  and  coy  foppishness.    

  I.R.M.  is  a  different  beast.  It’s  tonally  a  little  darker  and  

packed  full  of  the  kind  of  tunes  that  the  first  album  was  missing.  

Gainsbourg  has  a  strong,  melodic  voice,  and  Beck—as  her  

producer  here—knows  just  how  to  use  it.  In  fact  the  album  

exhibits  Beck’s  influence  in  myriad  interesting,  non-­‐obtrusive  

ways;  so  much  so  that  it  almost  feels  like  a  collaboration.  It’s  

quirky  and  knowing  and  unafraid  to  explore  itself,  and  as  a  

result  it’s  quite  unlike  anything  else  I’ve  heard  in  2010.  

   

   

4.  

Robyn Body Talk

 

Full  disclosure:  Whizz  has  been  into  Robyn  for  some  time,  and  if  

it  wasn’t  for  her  I  don’t  know  how  long  it  would  have  taken  me  

to  overcome  my  impression  of  Robyn  (based  on  very  little  

evidence)  as  just  another  dance  starlet  with  little  else  to  offer.  

Body  Talk  was  originally  released  as  a  set  of  three  EPs  

throughout  the  year,  but  Robyn  helped  me  out  by  collating  them  

into  a  single  release  that  stands  as  the  most  energetic  and  fun  

album  to  occupy  my  headphones  all  year.  Full  of  colossal  

glowing  synth,  the  kind  of  bass  that  pulls  you  in  two  directions  

at  once  and  some  deliciously  funny  and  caustic  lyricism,  this  is  

ridiculously  catchy,  grade-­‐A,  thoroughbred  dance-­‐pop.    

  In  a  sea  of  indie  and  rock  albums  that  come  freighted  

with  issues  of  credibility  and  hipness,  it  was  a  pleasure  to  have  

something  that  did  its  job  unquestionably  by  making  me  dance  

whilst  I  vacuumed,  sing  whilst  I  walked  and  smile  each  and  

every  time  it  came  on.    

   

   

3.  

Buck 65 20 Odd Years

 

Much  like  Robyn’s  Body  Talk,  this  was  released  as  a  series  of  four  

EPs  throughout  the  year,  but  alas  no  collated  album  has  been  

forthcoming.  20  Odd  Years,  however,  necessitates  the  bending  of  

List  rules,  as  to  omit  it  on  the  grounds  that  it  was  released  in  

parts  would  be  nothing  short  of  a  colossal  tragedy.    

  The  project  marks  the  20th  year  of  Buck’s  hip-­‐hop  career,  

and  its  material  is  suitably  eclectic,  taking  in  Buck’s  various  

guises  as  romantic,  goofball,  virtuoso  etc.  etc.  There’s  very  little  

Buck  can’t  do  and  do  well,  and  the  mix  of  styles  here  is  

somewhat  dizzying.  Replete  with  multiple  guest  vocalists  and  

DJs  this  is  a  riotous  celebration  of  a  unique  talent,  never  less  

than  absolutely  riveting  and  almost  dangerously  entertaining  –  

just  like  the  man  himself.    

  Here’s  to  the  next  20  years.  

2.

My chemical romance danger days: the true lives of

the fabulous killjoys

It’s  been  a  long,  almost  unbearable  wait  since  2006’s  The  Black  Parade.  

Four  years  in  which  MCR  have  broken  themselves  down  and  built  

themselves  back  up  again  (less  one  member),  taken  off  the  black  

clothes  and  swapped  them  for  the  most  colourful  things  they  could  

find.    

  Danger  Days  sounds  very  little  like  its  predecessor;  in  places  it  

resembles  a  neon-­‐infused  version  of  2004’s  Three  Cheers  for  Sweet  

Revenge.  Like  that  album  the  overarching  concept  has  the  protagonists  

on  the  run,  and  the  music  is  infused  with  a  dynamism  arguably  lacking  

from  the  majority  of  the  more  meditative  Black  Parade.    

  Perhaps  the  key  to  the  differences  between  the  albums  is  in  

the  music  out  of  which  they  are  grown.  If  The  Black  Parade  was  a  

distorted  gothic  version  of  Queen,  the  soil  in  which  Danger  Days  is  

planted  is  pure  Springsteen-­‐esque  Americana  as  seen  through  a  

caffeinated  hurricane  of  comic  book  images,  muscle  cars  and  toy  laser  

guns.    

  Frank  Iero  has  called  the  album  “the  soundtrack  to  raging  

against  the  death  of  the  creative  spark”,  echoing  Gerard  Way’s  

concerns  about  what  entering  his  30s  meant  for  his  art.  And  this  does  

sound  like  a  band  who  feel  as  though  they  have  something  to  prove.  

Unquestionably  they  succeed  in  doing  so.      

What’s  the  strongest  run  of  three  studio  albums  you  can  think  

of?  The  Bends,  OK  Computer  and  Kid  A?  Off  the  Wall,  Thriller  and  

Bad?  Master  of  Puppets,  …And  Justice  for  All  and  Metallica?    

Which  band  /  artist  has  the  best  set  of  three  studio  

albums  to  start  their  career?  Nirvana?  Bjork?  Deftones?  Bloc  

Party?  Foo  Fighters?  

 

Arcade  Fire  are  undoubtedly  something  special.  In  an  era  that  

has  seen  the  decline  of  the  physical  format  and  where  “shuffle”  

has  become  the  predominant  listening  experience,  they  are  a  

quintessential  album  band.  They  are  forthright  and  outspoken  in  

their  political  convictions;  indefatigable  in  their  touring  

schedule;  meticulous  in  their  standards  of  quality.  In  the  44  

tracks  that  make  up  their  three  albums  and  one  EP  to  date  there  

is  not  one  weak  song.    

  The  Suburbs  is  a  remarkable  achievement  in  and  of  itself:  

a  beautiful,  thoughtful  record  of  songs  full  of  longing  and  loss,  

love  and  loneliness  and  a  pursuit  of  meaning.  Its  influences—as  

with  the  band’s  previous  albums—come  from  the  middle  of  the  

North  American  radio  dial,  and  no  band  is  able  to  make  that  

music  seem  so  shiningly  vital  as  Arcade  Fire  do  on  track  after  

track.    

  The  most  insightful  commentary  I’ve  seen  on  the  album  

reads  it  as  part  of  a  trilogy.  The  feeling  of  longing  to  leave  home,  

which  is  present  on  Funeral  (particularly  the  ‘Neighborhood’  

tracks)  is  mirrored  in  the  return  here  of  an  older  and  wiser  

narrative  voice  to  the  place  of  its  youth.  Neon  Bible,  which  sits  in  

the  middle  as  the  record  of  worldly  experience  is  noticeably  

darker  and  more  preoccupied  with  menacing  themes.  The  

Suburbs  sounds  more  comfortable  and  reflective  by  comparison,  

but  is  just  as  emotionally  wrought  in  its  own  way.    

  It’s  a  stunning  collection  of  songs,  somehow  living  up  to  

the  astronomical  expectations  with  which  I  awaited  it;  it  also  

stands  as  further  confirmation  that  Arcade  Fire  are  the  most  

consistently  inspired  and  inspiring  band  recording  today.  Thom  

and  Jonny,  the  ball  is  in  your  court.      

Appendices  

Putting  this  thing  together  was  harder  this  year  than  maybe  any  

year  I  can  remember.  A  lot  of  great  music  missed  out  on  a  

coveted  top  20  spot  and  it’s  only  right  that  I  make  room  for  a  

couple  of  honourable  mentions:  

 

First  and  foremost,  Glassjaw  have  been  drip-­‐feeding  new  

material  through  one  at  a  time  YouTube  videos  and  digital  

downloads  and  it’s  mindblowing  –  a  full  album  must  follow  in  

2011  for  the  sake  of  my  sanity.  

 

Liars’  Sisterworld  should  by  all  rights  have  made  The  List.  Along  

with  Battles,  who  sadly  split  with  Tyondai  Braxton  this  year,  

they’re  one  of  the  most  consistently  innovative  bands  on  my  

radar.    

 

Polar  Bear’s  Peepers  was  another  contemporary  jazz  find  that  

got  quite  a  lot  of  play  –  super  funky  and  very  playful.    

The  Monitor  by  Titus  Andronicus  missed  out  by  virtue  of  being  

more  admirable  than  enjoyable,  but  still  certainly  warrants  a  

mention.    

 

As  does  Wolf  Parade  who,  in  Expo  86,  made  perhaps  their  most  

accessible  LP  to  date.    

 

The  return  of  Far  was  cause  for  much  celebration  by  me,  but  in  

the  end,  despite  having  one  of  the  year’s  best  opening  tracks  in  

‘Deafening’,  At  Night  We  Live  didn’t  quite  manage  to  live  up  to  

the  expectation.  

 

Pure  Reason  Revolution’s  Hammer  &  Anvil  somehow  failed  to  

grab  me,  perhaps  because  it  came  out  relatively  late  in  the  year,  

and  the  same  can  be  said  for  Warpaint’s  debut  The  Fool  and  The  

Mynabirds’  What  We  Lose  in  the  Fire  we  Gain  in  the  Flood,  both  of  

which  I  only  recently  discovered  and  have  been  playing  a  lot  –  

these  may  sneak  onto  The  List  if  the  year  was  a  month  longer.    

 

Even  in  the  best  of  musical  years  there  have  to  be  a  couple  of  

disappointments  and  it  feels  worth  noting  a  few  here:    

 

The  continued  decline  of  Weezer  is  a  source  of  great  dismay,  

thrown  into  even  greater  contrast  by  bands  like  Surfer  Blood  

making  the  sort  of  music  Weezer  used  to  be  capable  of.    

The  M.I.A.  record  was  a  similar  disappointment  after  much  

anticipation,  and  Jimmy  Eat  World  turned  in  a  pretty  lackluster  

effort  –  outdone  at  their  own  game  by  The  Posies.  

  There  were  a  number  of  interesting  release  strategies  

this  year.  As  well  as  Robyn  and  Buck  65  choosing  multiple  EPs  

over  the  album  format,  there  was  Ash  releasing  one  song  every  

two  weeks  (the  standard  was  pretty  high  too),  Girl  Talk  and  

Gorillaz  giving  music  away,  and  Smashing  Pumpkins  putting  out  

a  song  every  now  and  again  from  what  Mr.  Corgan  promises  will  

be  a  44  track  collection!    

Off  the  top  of  my  head  and  resisting  the  urge  to  overthink,  these  

are  my  songs  of  the  year  in  no  particular  order:  

 

Robyn  ‘Fembot’  My  Chemical  Romance  ‘Na  Na  Na  (Na  Na  Na  Na  Na  Na)’  Far  ‘Deafening’  Charlotte  Gainsbourg  ‘Heaven  Can  Wait’  Laura  Marling  ‘Goodbye  England  (Covered  in  Snow)’  Arcade  Fire  ‘City  With  No  Children’  The  Mynabirds  ‘What  We  Gained  in  the  Fire’  The  Posies  ‘For  The  Ashes’  Christian  Scott  ‘Isadora’  Deftones  ‘Rocket  Skates’  Ólafur  Arnalds  ‘Hægt,  kemur  ljósi›’      And  looking  forward  to  the  new  year  the  albums  which  immediately  come  to  mind  as  my  most  anticipated  are  by  Glassjaw,  Cold  War  Kids,  Radiohead,  Silverchair,  Metallica,  The  Decemberists,  Foo  Fighters  (?),  Laura  Marling  and  Beastie  Boys.      Bring  on  2011.