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Oscar Daniel Alzate Pérez

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La revista Noise Armada no

se hace responsable por las opi-

niones de los columnistas, como

así tampoco por los conceptos

vertidos por los entrevistados y

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revista búscanos en

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Formada en 1989 en Simi Valley, California, desde sus ini-cios Strung Out se destacó por ser una banda con un particular estilo musical, combinando los sonidos del punk rock, el har-dcore melódico y el metal.

Originalmente fue conforma-da por el vocalista Jason Cruz y los guitarristas Jake Kiley y Rob Ramos, quienes actual-mente se mantienen como in-tegrantes activos de la banda. Junto a ellos iniciaron el bate-rista Adam Austin, reemplaza-do en 1993 por Jordan Burns, y Jim Cherry, bajista que dejó la banda en 1999 y que fue suce-dido por Chris Aiken. Con estos 2 últimos integrantes Strung Out se consolidó como una de las bandas más influyentes en el punk rock californiano y gra-dualmente su reconocimiento creció a nivel mundial.

En 1994 lanzaron su álbum debut titulado “Another Day In Paradise” con Fat Wreck Chords, convirtiéndose en una de las primeras bandas que hizo parte de esta disquera creada por Fat Mike, bajista y vocalista de la banda de punk rock NOFX. Con un total de 13 canciones en su primer traba-jo de estudio, los oriundos de california pisaron fuerte en la escena musical con un sonido rápido, técnico y agresivo en su parte instrumental, mientras

que en sus letras contrario al título del disco, Jason cantaba acerca de una sociedad en de-cadencia.

Después de ese primer tra-bajo, hasta la fecha Strung Out ha publicado 12 discos, mos-trando en cada uno de ellos una nueva faceta y reinventándose musicalmente. Yendo desde rit-mos rápidos, fuertes y potentes como se puede escuchar en el álbum “The Element Of Sonic Defiance”, pasando por sonidos más melódicos y suaves como en “The Agents Of The Under-ground”, hasta otros pesados y oscuros como el “Exile In Obli-vion”.

Lamentablemente, para quie-nes escuchamos su música des-de hace una década o más, aún queda el mal recuerdo de su gira latinoamericana en 2006, en la cual estaban incluidas 2 fechas en Colombia con presen-taciones en Bogotá y Medellín. Esta gira estuvo marcada por problemas y malos manejos, situaciones como la mercancía confiscada en Venezuela, el in-cumplimiento en los horarios de sus conciertos, vuelos atra-sados y otros inconvenientes, hicieron que la mayoría de sus presentaciones, incluidas las de Colombia, fueran canceladas.

Pero también hay una parte positiva para quienes disfruta-mos del estilo musical único de

Strung Out, y es que aún des-pués de 20 años la banda sigue vigente y cuenta con una es-tructura solida entre sus inte-grantes, manteniendo su iden-tidad como banda.

Durante los últimos días, la banda ha dado nuevas noticias para sus seguidores. El pasa-do 1 de marzo, por medio de su sitio web y redes sociales, dieron a conocer el video de “City Lights”, una de las nuevas canciones, junto con “Saturday Night” y “Here We Are”, que ha-cen parte de su última produc-ción musical “Top Contenders: The Best Of Strung Out”, una recopilación de sus mejores canciones y los 3 estrenos an-teriormente anunciados.

También, en febrero, a través de su cuenta oficial de Twitter “@StrungOutMusic”, subieron una fotografía de un ensayo de la banda en la que anunciaban “Band practice writing new ma-terial!!” Aunque no hay mucha información de lo que podría ser un nuevo álbum, da tran-quilidad ver qué después de dos décadas aún tengan las ganas para seguir componiendo e in-ventando música. Y da esperan-za para quienes disfrutamos de su música, que esos 12 discos se puedan convertir en 15 o tal vez en muchos más.

renovando el Punk Rock.

Strung Out:Más de 20 años

Carlos Andres Prieto Ruiz

Strung Out:

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Stereo Way es una banda de rock alternativo procedente de Bogota, Colom-bia, su sonido se encuentra in-

fluenciado principalmente por rock con toques pop y mucho beat. La banda está conforma-da por Andrés Ortega (guitarra rítmica y voces), Mateo Urbano (batería), Julián Rincón (guita-rra líder) y Andrés Castañeda (bajo).

Su EP titulado “Tus Marcas en Mi Piel” es un trabajo com-puesto por seis tracks, donde se recogen las influencias del so-nido de la banda, fusionándose en cada una de sus canciones para dar paso a melodías pe-gajosas y sencillas que hacen eco en el oído de quien las es-cucha, generando así, el deseo por escuchar mas; una formula fina de la cual hace gala Stereo Way para no dejar indiferente a nadie con respecto a su música.

“Déjame Mentir”, primer track, del disco es una canción de ritmos cambiantes con un sonido rockero, que pronto se transforma en la pista perfec-ta para danzar al ritmo de los beats y el pegajoso tono de la voz; y los constantes cambios durante la canción hacen de esta la pista perfecta para ha-

cerse a la idea de lo que sigue. “Marionetas Negras”, por su parte, es una canción más fre-nética y acelerada, con una ba-tería adictiva y unas guitarras desafiantes que combinan a la perfección con la voz. “Vola-ba”, tercer track del disco, nos muestra una vez más la pre-sencia de teclados que acom-pañan los golpes de la batería, que varían entre agresivos y suaves, para darle una atmos-fera propia a la canción; en la cual, una vez, más la voz juega un papel importante, haciendo de esta una de las canciones más pegajosas del disco. “Te Vas” es uno de los tracks des-tacados del disco, su melodía sigue la misma fórmula que en canciones anteriores, pero sin quitarle merito a esta. “Tus Marcas en Mi Piel” es el punto de inflexión del disco, canción que le da nombre al mismo, y nos presenta una variación res-pecto a las canciones anterio-res, siendo esta en la que más se nota la influencia pop de la banda. Por último está “Silen-cio”, bonus track, que cierra el disco dando fin a una experien-cia musical variada que recoge diversos sonidos del rock alter-nativo, para darle identidad a una banda polifacética como lo es Stereo Way.

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La jornada laboral ha

terminado, y muchas

de las personas que

han dedicado el día

a sus trabajos regresan a sus

hogares para poder descansar.

Pero es entonces cuando hay

una excepción, y cuando logran

salir de sus rutinas laborales 4

personas que decidieron, en-

tonces, crear un gran proyecto

musical mezclado entre el punk

británico y el pop punk, y que le

darían por nombre, en el año

2009, DISPAREN AL MUTANTE.

Luego de comenzar a afinar

a oído, tomándose unas cuan-

tas cervezas; David Giraldo, el

vocalista principal y guitarrista,

inicia los primeros acordes para

darle paso a Jorge Tabón, que

emprende a tocar su batería,

acompañado por Carlos Botero

en el bajo, y Mauro Ángel en la

guitarra líder. Es así como una

gran fuerza totalmente redun-

dante suena en la sala de ensa-

yo, donde decidieron reunirse

para demostrar la verdadera

esencia de Disparen.

“Una cruz en la espalda” es la

canción con la se comienza este

ensayo, probando lo mas nuevo

sacado en su primer disco “CI-

CATRICES”; un disco que, como

ellos mismos dicen, iba a ser

de hecho un EP, pero luego de

ganar el primer premio en un

concurso realizado por la sala

de estudio XTRAVAGANZA en

el 2010, comenzaron con ellos

en primera parte la grabación

de gran parte de su material,

y concluyeron su grabación en

una disquera aparte.

El ensayo continua pasando

por temas como “El Reveren-

do Culo”, en el cual se siente

la gran fuerza en la batería de

Jorge, junto con el completo

equilibrio en la banda, su ba-

jista, líder y compositor de casi

todas las letras, Carlos Botero;

que igual se logra notar en las

canciones como consigue ser

un gran puente entre la amplia

manera rítmica que tiene la ba-

tería, y las guitarras armónicas

que han en cada tema.

Junto a toda esta potencia

punk que maneja Disparen,

hay muchas cosas que resal-

tar. Entre ellas es la capacidad

musical que ha conseguido su

guitarrista líder (Mauro), en

donde a cada tema le introduce

una gran cantidad de amplios

acordes que parecieran lasti-

mar sus dedos, para conseguir

de extremo a extremo notas

que se adaptan perfectamen-

te a la rítmica de la banda. Y a

cada momento no puedes pa-

rar de prestar atención a las le-

tras de las canciones, que grita

con toda pasión posible David,

mientras acompaña el traba-

jo con su guitarra a sus demás

compañeros.

Disparen deciden dar por ter-

minado el ensayo. Es entonces

cuando le cuenta a la Noise

Armada que por el momento

la banda se mantiene en pro-

moción de su nuevo trabajo,

y esperan prontamente salir

a tocarlo en vivo. Eso mismo

espera, tanto la gente que ya

los conoce, como los que los

comienzan a conocer. La revis-

ta les desea las mejores de las

suertes a esta banda local que

lleva en sus manos la bandera

del punk para salir adelante.

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¿Qu es lo primero que se te viene a la mente al escuchar “Haggard”? La palabra “hag-gard” significa “consumido”, pero independientemente de su significado etimológico, cuando Escucho HAGGARD, lo primero que se me viene a la mente es un sinfín de notas musicales, y una excelente interpretación de las mismas. Ah, sin olvidar su oleada de ciencia y historia. Todo esto refugiado bajo una barrera de metal. Brutal y fuer-te metal.

La banda procedente de Mu-nich, Alemana; y que, en mi opi-nión, es la mejor exponente del metal sinfónico y orquestal, es-taba conformada solo por, Asis Nasseri, Claudio Quarta, Andi Nad, y Luz Marsen. En el año 1994 publicaron su primer ál-bum (un EP, de hecho), titulado “Progressive”; que cuenta con una propuesta muy diferente mostrada por la banda, final-mente. Su inclinaciones inicia-les son más hacia el death me-tal crudo, con unos toques un poco mas propios; y con álbum, se integran a la escena del me-tal undergraud. Después de un año lanzan otro EP titulado “Die Irae Dies Illa”, ahora con un es-tilo muy poco conectado con el de sus inicios. Este álbum es netamente sinfónico, donde cuentan con la participación de 16 mú-s i c o s ,

entre ellos Hans Wolf, el pia-nista con quien Assis se ayuda para la composición actual de las canciones del grupo. Tam-bién a este se incorporan: * Danny Klupp - guitarra acústica. * FlorianSchnellinger - bajo. * Michael Stapf - violín. * Judith Marschall - violín. * Steffi Hertz - viola. * KerstinKrainer - viola.

* Johannes Schleiermacher - violonchelo. * Kathrin Hertz - violonchelo. * IvicaKramhe-ller - contrabajo (Desde 2004) * Christoph V. Zastrow - flauta. * Andy Peschke - tenor y flau-ta * FiffiFuhrmann - tenor y cromorno. * Mark Pendry - cla-rinete. * Robert Müller - clari-nete. * KathrinPechlof - arpa. * SusanneEhlers - soprano. * Ve-ronikaKramheller - soprano. * Gaby Koss - soprano. * Michael Schumm - timbal y percusión.

Con estos componentes, en-tonces, crean una propuesta de música sinfónica y orquestal que sor-prende dema-siado. Y era de es-

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pe-rarse,

ya que Assi, el voca-

lista y creador de la banda, siempre tuvo

como inclinación principal la música clásica.Pasando así, hasta el Año

1997, fue una grata y maravi-llosa sorpresa cuando Haggard hacen el acople de los sonidos de sus primeros EPs, para así sacar su primer álbum de estu-dio; que desde mi punto de vista, y sé que concordare con muchas personas, logra hacer una mez-cla buena de los dos géneros musicales que conllevan mas trabajo.

La esencia de todo esto esta en su álbum “And Thou Shalt Trust... The Seer”. Este álbum realmente sí es el que lanza a Haggard a la tan anhelada fama, sin ser tan anhelada a la vez. Ba-sado en la vida Michel de Nôtre-Dame y en los días de la peste negra, este consta de una varie-dad de sonidos, incluyendo un tema de su anterior álbum, “Re-quiem in D-Monir”, un track que le da al álbum unos matices muy tétricos; pasando por “Origin of Cristal Soul”, donde se comienza a notar la combinación de estos dos géneros. Ah, y como olvidar

“In a

P a l e Moon’s Sha-

dow”, una can-ción que, sin importar

el pasar del tiempo y el peso de sus nuevos éxitos, no

deja de ser una de las mejores interpretaciones del grupo.

En el primer año de esta era, Haggard lanza su segundo ál-bum de estudio, el cual es toda una joya, ya que el acople de musicalidad ahora no es sólo bueno. Es, exagerando un poco, casi que perfecto. “Awaking The Centuries”, con un set de temas increíbles:

* Intro - Rachmaninov: Choir* Intro - Pestilencia* Chapter I - HeavenlyDamna-

tion* Chapter II - The Final Victory* Chapter II - Saltorella La Ma-

nuelina* Chapter III - Awaking the

Centuries* Chapter III - Statement zur

Lage der Musica* Chapter IV - In a Fullmoon

Procession* Chapter IV - Menuett* Chapter V - Prophecy Fulfi-

lled / And the Dark Night Ente-red

* Chapter V - Courante* Chapter V - Rachmaninov:

Choir* Bonus Track - Lost (Robin´s

song)Basadas todas en la vida de

Michel de Notre Dame, no se puede desmeritar ninguna can-ción de este álbum, pues todas son excelentes. Claro está, como en todo, que hay algunas que destacan sobre las demás, como

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“The Final VIctory”, “Awaking the Centuries” e “In Full Moon Procession”, canción de renom-bre para la banda Alemana.

Su tercer álbum titulado “Ep-pur Si Muove”, de 2004, es, en mi opinión, el disco con las mejo-res liricas de todo su repertorio. Este esta basado en la vida de el astrónomo Galileo Galilei, y todo lo que encierra la frase “Eppur Si Muove”, con canciones tan ex-quisitas como lo es un chocolate al paladar, que te transportan a aquellas épocas de oscuran-tismo. De ellas se destacan, de entre el tracklist, “Of a Might Di-vine”, “Eppur Si Mouve” y “Herr Manneling”. Esta última es una canción especialmente encanta-

dora, por sus sonidos pasivos y su letra, que es la de una bala-da medieval noruega de mismo nombre, y que relata la historia de un troll que tenia Infinitos de-seos de volverse humano.

Su último álbum, “Tales of Ithi-ria”, lanzado en 2008, es algo novedoso en sus letras, pues ha-bla de una leyenda épica en un país ficticio, transportándote a ese mismo lugar con unas voces de soprano mucho más fuertes y marcadas, y destacando mucho más la melodía dentro de cada tema, rescatando entre ellos a “Chapter ll – Upon Fallen Au-tumn Leaves”.

La banda alemana, que se pre-

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para para su siguiente álbum y se espera ser lanzado durante la primera mitad de este año (titulado “Grimm”); visito nues-tro país los pasados 28 y 29 de febrero, haciendo temblar y apaciguar todo a su paso. Traer a Haggard no fue fácil, ya que la banda consta de muchas perso-nas y esto complica las gestio-nes. Pero la empresa promoto-ra del evento, InnovaMotion, se dio a la tarea de regresarlos al país después de tantos años de aquella presentación en Rock al Parque. Lastimosamente, en Manizales, la asistencia no fue la esperada para una banda de esta talla, aunque diferentes factores dificultaron la misma; y allí mismo dieron final a su

gira latinoamericana. Creo que ninguno de los asistentes se puede quejar, pues la interpre-tación de Haggard es Impecable en escena; y esto parece ser solo un abre bocas para lo que se vie-ne, pues las palabras se quedan cortas para explicar la infinidad de sensaciones que ocasionan el escuchar sus melodías, leer sus liricas, y por qué no, intentar in-terpretar alguna de sus piezas musicales. Pero eso lo dejo a cri-terio de cada uno. Solo queda in-vitarlos a deleitar sus oídos con una excelente banda como esta.

Haggard prometió volver a Co-lombia después de las presenta-ciones en Bogotá y Manizales.

Cuando vas por tu primera guitarra o bajo, sólo tienes la imagen mental del instrumen-to de elección de tu ídolo; y por toda la tienda buscas, si no es ese, por lo menos el que más se le parezca. Es tu primer instru-mento. Quieres que, cuando te vean tocando, asemejen tu “es-tilo” al de tu músico preferido o tu banda favorita; crees que este instrumento te dará ese sonido, y no das mucha impor-tancia a los detalles del mismo. Pero un tiempo después, te das cuenta de que es más que el as-pecto del instrumento…

No quiero entrar en detalles muy técnicos (pues no soy un experto en ello), pero sí quiero darme a la tarea de hablar so-bre algunos tópicos básicos que podrían ser útiles en la búsque-da de tu propio tono, para aque-llos que somos guitarristas y/o bajistas (principiantes o exper-tos, y quienes estamos en me-dio) y que nos gusta saber cómo hacer que la mezcla de “x” y “y” suene como “z”, por decirlo de algún modo. En esta edición de la revista, quiero hablar un poco sobre las pastillas.

¿Qué son estas? Las pasti-llas, básicamente, son dispo-sitivos eléctricos cuya función es la de atrapar, mediante sus magnetos, las ondas sonoras producidas por las cuerdas del instrumento, y hacerlas pasar por circuito a través de un cable (o señal inalámbrica) hacia la señal del amplificador (o hacia un pedal o cadena de pedales, que de todos modos va a dar a la señal del amplificador). ¿Sen-cillo, no? En ecuación debe ser bien complicado de explicar, pero el proceso es fácil de ima-ginar. Además de las pastillas usuales, que vemos justo bajo las cuerdas en el cuerpo de

guitarras y bajos, también hay pastillas que son instaladas en el puente del instrumento. Es-tas últimas son más comunes en violines, cellos, contrabajos, y esporádicamente, en ciertos bajos eléctricos personaliza-dos (entre otros); o, en el caso de las guitarras semiacústicas, la función la hace un pequeño micrófono que es adherible a cualquier parte del cuerpo del instrumento.

En cuanto a las pastillas en guitarras y bajos eléctricos, dependiendo de los magnetos y materiales utilizados para fabricar la pastilla, la señal va-ría en tonalidades y claridad, y es esto lo que cada guitarrista y bajista debe saber sobre su instrumento al momento de de-cidir cómo quiere sonar. Esto, entonces, me lleva a distinguir entre los dos tipos de pastillas regularmente más utilizados: single coils (de una sola bobina, y una sola carga) y humbuckers (de doble bobinado, y dos car-gas, opuestas una a la otra).

Los single coils son, general-mente, pastillas sencillas que producen un sonido más bien agudo y brillante, por lo que son adeptos para tonos limpios y para el uso de efectos de delay o reverb; aunque el carácter de estos también puede variar. Los encontrados en Stratocasters o Strats (y modelos similares) suelen ser los más punzantes y claros, y los encontrados en Telecasters o Teles (y mode-los similares) tienden a ser un poco más simples y secos. Por otro lado, los P-90 o Soapbars (y derivados), que son utilizados en guitarras de cuerpos más gruesos, como Les Pauls y SGs (y similares, aunque también se usan en algunas Teles), semi-huecas o huecas , y los usados

Fotografía por Camilo Hernandez

por Fender para las Jazzmas-ters y Jaguars, poseen tonos ligeramente más graves. Exis-ten otras variaciones de single coils, como los Lipstick (encon-trados en modelos Danelectro, y llamados así porque tienen forma de lápiz labial); las pas-tillas estándar usadas para las guitarras Rickenbacker;

los Lace Sensor y Hot Rails, que son fabricados específica-mente para reducir la interfe-rencia de electricidad estática, de modo que la señal suene limpia y pueda lidiar con ma-yores volúmenes de distorsión; y los utilizados para los bajos, que poseen doble carga elec-tromagnética (aunque no son humbuckers) con el mismo ob-jetivo de reducir la interferen-cia estática, y que, igualmente, pueden tener variaciones de sonido, siendo los J pickups y P pickups más graves y más agudos en sus tonos, respecti-vamente. Entre otros.

Por su parte, los humbuckers son pastillas que producen to-nos significativamente más con-centrados, texturados y graves, además de ser fabricados para lidiar mejor con las interferen-cias de estática; lo que los hace inmejorables para el uso de dis-

torsión y efectos que alteren el timbre de notas y acordes. Las variaciones más comunes de los humbuckers son los PAFs (de una sola entrada por cuer-da) y los Fat Coils u Open Coils (de doble entrada por cuerda), los primeros concentrando más tonos graves que agudos, y los segundos teniendo una propor-ción más balanceada entre gra-ves y agudos, respectivamente. Suelen ser utilizados en casi to-dos los modelos de Gibson (Les Pauls, SGs, Explorers, Flying Vs), PRS, y sus derivados de otras marcas; la mayoría de guitarras y bajos de cuerpo semihueco y hueco, y las variaciones de las Strats fabricadas por com-pañías como Ibanez, Yamaha, Jackson, y Kramer; entre otras.

También existen otras va-riaciones de humbuckers, que son fabricadas con determina-das características para operar mejor dependiendo de los vo-lúmenes de distorsión y de las afinaciones. Generalmente son PAFs y Open Coils mejorados para estos usos, pero también están, por ejemplo, los EMG, tanto para guitarras como para bajos, que son hechos especial-mente para grandes cantida-des de distorsión sin sacrificar

la claridad de notas, acordes y señal (por lo que son muy po-pulares entre músicos de me-tal); los Wide Range de Fender, que son humbuckers hechos a la medida de las propiedades tonales de las Telecasters, ofre-ciendo notable balance entre tonos graves y agudos; los Mi-nibuckers, que son humbuckers de superficie completamente lisa, por lo que no captan indi-vidualmente las ondas de cada cuerda; y los FilterTron de las guitarras Gretsch, que son fa-bricados a modo de emular la brillantez que ofrecen los single coils con la concentración tonal de los humbuckers.

Mientras buscas el tono de-seado, puedes jugar con las posibilidades que ofrece cada pastilla, y por ende, puedes llegar a ese tono de varias ma-neras. Adicional a las pastillas, obviamente, también depende del amplificador y de los peda-les (si es el caso de que utilizas pedales) que usas; pero, en lo estrictamente limitado a tu ins-trumento, las pastillas son un detalle al que hay que prestarle suma atención. Así que, intenta. Prueba con las diferentes op-ciones…

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En la mañana salí a esperar el bus para llegar a la universi-dad. En el camino se sentía una atmosfera diferente, colorida, muy comercial a decir verdad. Como iba con media hora de retraso, seguí de largo a paso apresurado ante tendidos de cositas rojas, rosadas que me-dio percibí. No sabía la verdad a que se debía que hoy fuera una mañana diferente. Rato des-pués recordé que se debía a que hoy era 8 de Marzo, el llamado día internacional de la mujer. Claro, esa burda celebración a merced de la conmemoración de la muerte de 146 jóvenes mujeres que trabajaban en una fábrica de camisetas en Nueva York, que además provocaron se pensara en los derechos para la mujer trabajadora. Ahora se llena de rosas, ositos, chocola-tes y regalos obligados entre novios y familiares.

Aunque yo no celebre ésta aclamada fecha, no está de más recordar por estos días a nuestras mujeres musicales, rockeras, guerreras, fuertes por supuesto y que no se dejan de nada. El mundo del rock se llena de ser muy rebelde, sucio y masculino, palabras podrían decirse poco femeninas; pero

no es así. Ha sido hace un buen rato de las mujeres, mejores esposas, managers, directoras, productoras, músicos, fotógra-fas, en fin; un montón de pape-les que sin duda hacen del rock algo para todos y no solo para los hombres.

Mujeres que merecen admira-ción sin duda, managers incan-sables como la colombiana Lu-crecia Rotlewics que trabaja con la banda bogotana Koyi K Utho, o la famosa Sharon Osbourne, esposa de Ozzy Osbourne, ma-nager de toda la vida, además creadora y directora del festival Ozzfest; sin duda, responsables de carreras con éxito y recono-cimiento ganado a pulso. Por otro lado al frente del reflector tenemos a The Runaways, The Donnas, Those Dancing Days, The Iron Maidens o vocalistas como Janis Joplin, Shirley Man-son o Debbie Harry, entre mu-chas otras que, en conjunto o como líderes, han forjado una historia de éxitos y se apode-raron del rock, mostrando una cara diferente de él.

Por otro lado están las muje-res que hacen parte de la ima-gen del rock, mujeres que llevan

a otro nivel la música, la mues-tran, la hacen imagen, como Floria Sigismondi, fotógrafa y directora de video clips, entre sus trabajos más reconocidos esta el video de Beautiful Peo-ple de Marilyn Manson, o So-phie Muller directora del video Mr. Brightside de The Killers y muchos otros videos famosos del rock como, Run Baby Run de Garbage e In my place de Coldplay. Queda claro que son mujeres fuertes en un mundo, que se suponía duro y solo para hombres.

Aplica entonces que detrás o delante de grandes hazañas ro-canroleras, haya una mujer pre-sente o a cargo. Cada día hay más y son mujeres que quizá, gracias a la muerte de esas 146 almas trabajadoras, quisieron emprender caminos “solo para hombres”, y han abierto espa-cios que ahora muchas de no-sotras disfrutamos y utilizamos. Porque fuertes, sentimentales, trabajadoras, dramáticas, inte-ligentes o enojonas, hacemos de este un mundo mejor.

¡Aguante mujeres!

(Por Gloria Laverde)de la mujerEl dia

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- Madre, ayer intente conver-sar con Dios, y no respondió nada de lo que le preguntaba. ¿Acaso está allí, mamá?, ¿aca-so escucha?, ¿acaso existe?

- Mira, Joven, estoy realmen-te harta de tus estúpidas pre-guntas, mañana mismo iras a confesar tus pecados y sacrile-gios, te dejo totalmente prohi-bido siquiera pensar semejan-tes barbaridades. Y no creas que he dejado escapar tus poe-sías, esos libros realmente te están atrofiando el buen pen-sar. Además estas descuidando cosas realmente importantes, como ir a presentarte al ejérci-to, la patria necesita una mano firme, un joven dispuesto a dar la vida en la guerra, no uno que se pase la vida escribiendo ton-tos poemas, como si eso ayu-

dará a la economía nacional. Acaso... ¿no has escuchado en la escuela lo importante que es aceptar la autoridad del mayor, seguir la ley, vestir bien y orar? De ahora en adelante tendrás rotundamente prohibido agotar tu cabecita en locuras absur-das. Espero hallar en tu libreta de calificaciones menos quejas de tus maestros por tus críticas y tu inconformismo, y más álge-bra. Ahora baja conmigo a ce-nar, y ni se te ocurra levantarte de la mesa sin terminar tu plato como ayer, ¡solo para subir de nuevo a tocar esas canciones extrañas en la guitarra que has-ta satánicas deben ser! Además haces un ruido infernal, prende mejor la TV y mira el noticiero y las últimas tendencias de la moda, no vaya a ser que andes

por la calle. Espero haber sido lo suficientemente clara, ¿en-tendido?

- ¿Entendido?- ¡NO!Desde temprana edad nos

adoctrinan de manera radical, pautándonos estas y muchas más conductas que debemos seguir al pie de la letra para no ser tachados de anti-patriotas, inmorales o insurgentes. Todo esto no es más que un montón de ladrillos que varias perso-nas, a lo largo de nuestra vida, nos ayudan a cargar para cons-truir nuestro propio muro, lleno de prejuicios, miedos y absur-das reglas que nos han impues-to, volviéndose cada capítulo de nuestra vida en un ladrillo más.

Así es como, conservando la simbología del muro, nace en 1982 la película británica “The Wall”, musicalizada por la reco-nocida banda, ya extinta, Pink Floyd; e inspirada en la vida de algunos de los integrantes de esta, como Roger Waters y Syd Barrett, y contando con la ac-tuación de Bob Geldof y Kevin McKeon. Una película con esce-nas bastantes fuertes y contun-dentes, con toques surrealistas y sicodélicos; y que, además, trata algunos de los asuntos sicológicos que más agobian al ser. Esta cuenta con muy pocos diálogos, dándole la categoría de

musical; cada canción inter-pretada por Pink Floyd es una historia diferente, una poesía musicalizada. The Wall es posi-blemente la crítica más drásti-ca del orden social imperante hecha a través de lo audiovi-sual, al mejor estilo de las van-guardias del siglo pasado.

Ver The Wall es meterse en el mundo de un músico auto-destructivo, lleno de complejos, miedos y odios reprimidos que desahoga por medio de actos violentos y excéntricos. La obra

Por María Camila Bedoya Marroquín

El murocontinua de piedespués detreintaaños

Fotografía por Camilo Hernandez

Que corrala voz

está cargada de imágenes que difícilmente se le borran al es-pectador de la mente, como por ejemplo: El televisor siem-pre sintonizado películas de la segunda guerra mundial; la transformación de la bandera de Inglaterra hasta quedar con-vertida en una cruz roja desan-grándose; la rasurada de Pinky en medio de su desesperación y descontrol mental; la expre-sión del grito que se repite en algunas escenas como si quisie-ran evocar el cuadro de Munch; y, posiblemente la imagen más recordada, es la de la fila de estudiantes que marchan y al pasar por una maquina salen convertidos en salchichas.

Los recuerdos infantiles de Pinky invaden el de desarrollo de de la historia. Constante-mente, el protagonista trae a su memoria la guerra, ya que fue ella quien le arrebato a su pa-dre, dejándole como únicos re-cuerdos una fotografía, algunas balas y un traje militar; además del rol que fundamental que juega su madre sobreprotecto-ra, quien en su afán de mante-nerlo cómodo, se convertirá en su villana, ayudándole a cons-truir el muro de sus miedos, y siempre lo sostendrá para evi-tarle sufrimientos. Para com-pletar el cuadro, un maestro rudo que pretendía castrarle su espíritu de poeta.

Uno de los temas más polé-micos que toca este filme, y por el cual fue prohibido en varios países, es la crítica al sistema educativo inglés, y que lasti-mosamente, viene aplicando para muchos de los países de este lado del mundo, por lo que vale la pena hacer hincapié en la canción “Another Brick in the Wall”; y creo que es en este pun-

to donde muchos coincidimos en pedir a gritos “Hey teacher, leave them kids alone”, porque cierto es que no necesitamos una educación basada en la represión, no queremos repe-tir lo que un profesor nos diga que debemos hacer, porque no somos una fila de iguales, cada uno de nosotros tiene una his-toria, un carácter, y necesita-mos que nos ayuden a forjar nuestra personalidad, quere-mos que potencialicen nues-tras habilidades y nos briden apoyo en las cosas para las cuales no somos tan buenos. Recuerden que necesitamos un sistema no igualitario sino distributivo, queremos que nos enseñen a pensar por nosotros mismos, no lo que debemos pensar o repetir lo que otros ya han pensado. ¡Pedimos fi-losofía de verdad, no historia de la filosofía!, ¡religión, más no religión católica como única verdad!, ¡artes, no como asig-naturas de “relleno” sino como áreas de vital importancia! No queremos aprender a leer so-lamente, queremos compren-der lo que leemos y poderlo discutir con total tranquilidad. ¡No queremos

mediocridad!, ¡queremos educación íntegra y de calidad! ¡No queremos ser un ladrillo más del muro!

Para finalizar, la invitación querido lector es a que rompa los muros que lo mantienen agobiado, ya que es triste ver como el muro que rompieron hace 30 años con The Wall, sigue en pie; y al parecer, con bases más sólidas que nunca, debido a la alineación, a la ru-tina y a la indiferencia a la que nos vemos sometidos a diario. Derroquemos, entonces, de una vez por todas, esas absur-das fronteras tanto mentales como físicas.

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En las actuales épocas de vértigo, consumo y fugacidad, donde el instinto depredador del hombre busca acumular cantidades de materia envés de disfrutar experiencias de vida, la música se ha convertido para muchos artistas en una plata-forma de salto social donde la figuración y el reconocimiento desdibujan uno de los sentidos reales de hacer una canción: ¡bordear los límites del espíritu libre!

En esa búsqueda de caer y levantarse, tratando de conec-tarse con la naturaleza humana para transformar los mundos desde al amor, la denuncia, la reflexión y el equilibrio, DE BRUCES A MÍ, el grupo de reg-gae de Medellín nacido en 2009, logra trascender lo material para crear una estado místico en su música en el que público y banda se funden en una viven-cia donde las canciones logran clavarse en el alma.

Cuando su cantante, un per-sonaje de mirada fija y cálida canta sobre el escenario frases como: “Encontré un lugar don-de podemos huir/Y empezar a construir/Un lugar de verdad lejos de la

vanidad”, en ese momento su música se vale de ese va-lor sagrado que la nutre para convertirse en una ruta donde a manera de mensaje cifrado, sus letras y sonidos construyen su propio universo: ¡un paraje “más allá del mar de las angus-tias!”.

Luego de presentarse en múltiples recitales como el se-gundo Foro Mundial contra la Corrupción en Nairobi (Kenia, África), el Festival Internacio-nal Altavoz, Festival Reggae Colombia, Rock al Parque y Ma-nizales Grita Rock, además de

compartir escenario con grupos como Los Pericos (Argentina), Cultura Profética (Puerto Rico), Gondwana (Chile), Junior Reid (Jamaica), Fidel Nadal (Argenti-na) y Black Uhuru (Jamaica), DE BRUCES A MÍ asume un nuevo momento en su carrera con el lanzamiento de su cuarto disco: Elemento Sorpresa.

Antecedido por los álbumes DBAM (2003), Real (2006) y El poder tu alma (2008), Elemen-to Sorpresa es un disco que ubica al grupo en el contexto de los modelos actuales de dis-

tribución, entregando su disco libremente a través dewww.buenavibracolombia.com y pre-sentándolo en edición especial.

Mientras los días sigan pa-sando con una velocidad que ni siquiera presta fragmentos de tiempo que se puedan dedicar a la alegría, el baile o el pensa-miento, DE BRUCES A MÍ segui-rá cantando para ofrecer una posibilidad real: proponer con sus canciones un universo don-de aún es posible sorprenderse.

@santiagohagalau

DBAMUn grupocon alma:

Por: Santiago Arango N.

Fotografía por Camilo Hernandez

Gran diferencia hay entre sólo escuchar sonidos grabados y una grabación mu-sical, diciéndolo al

respecto de álbumes, sencillos, demos, y demás modos de co-leccionar grabaciones musica-les. Sí, técnicamente todos los sonidos son música, pero es muy obvio que es muy diferente la grabación de sonidos al azar, que la grabación de un arreglo o composición musical; y la ca-lidad de estos últimos, aunque no muchos le presten atención a ello, definitivamente puede influir en el modo en que la per-cibimos interiormente. Tampo-co es necesario ser un purista radical, como muchos los de-nominados “audiófilos”, pero sí considero que es necesario cierto estándar (por así decirlo) de calidad; y no sólo por cómo

las mentes perciben la música, sino también por la salud de los oídos, algo a lo que no le damos mucha importancia hasta que comenzamos a tener proble-mas auditivos.

Claro, eso depende de lo te-nido a disposición para hacerlo, y las grabaciones no contaban con la misma fidelidad hace 20 o 30 años que hoy día, por la misma tecnología existente en cada temporalidad. En ese contexto de tiempo, entonces, y dejando de lado el hecho de que son dos grupos completa-mente diferentes, creo que se puede decir que no es lo mismo escuchar, por ejemplo, “Lights and Sounds” de Yellowcard, que escuchar “Reptilectric” de Zoé. Ambos son contemporáneos, relativamente buenos álbumes (tomando en cuenta la subjeti-

vidad de los gustos musicales), sólo están separados por un par de años (lanzados en 2006 y 2008, respectivamente); y, sin embargo, la calidad del soni-do en el uno es increíblemen-te más saludable y disfrutable que la del otro, siendo “Repti-lectric” el favorecido. El princi-pal problema con “Lights and Sounds” es uno muy frecuente en las grabaciones de la últi-ma década, sobre todo en las provenientes de discográficas grandes, y es que el sonido está demasiado procesado y com-primido (la distorsión en las guitarras se asemeja más a un zumbido con reverberación que al sonido de un amplificador; el violín suena ahogado, casi in-audible en varias canciones; y los platos y hi hats de la batería se confunden entre los demás instrumentos), en últimas cau-sando que lo que escuchas en él, sea más manipulación digi-tal que música. Además de ello, el volumen de los tonos agudos llega a ser perjudicial luego de pasado un rato a lo largo del ál-bum (algo que también ocurre en, por ejemplo, y entre varias grabaciones, “Californication” de Red Hot Chili Peppers y “Songs for the Deaf” de Queens of the Stone Age”), causando un aturdimiento que se siente muy similar al sonido salido de un televisor al ser encendido, lo cual es muy dañino aunque así

no se sienta en un comienzo. Todo esto, diferenciándose significativamente de la gra-bación del “Reptilectric”; que, aunque exigía ser más bien texturada (por el mismo estilo característico del grupo), tiene un muy buen balance entre ba-jos y agudos, y logra mezclar distorsión con reverberación y eco sin sacrificar la claridad de la música.

Son muchísimos los ejem-plos que podría citar para hablar de esto, sin tener que limitarme a artistas o agrupa-ciones de gran reconocimien-to o que dispongan de mucho presupuesto para grabar. Con esto, el punto que quiero re-ferenciar es que, sin importar cuánto disfrutes la música de tu artista o grupo favorito, como seguidor de estos tam-bién tienes derecho a escuchar un producto de calidad al me-nos respetable, y que no perju-dique el sentido que te permite apreciar la obra de estos, que es el sentido de la escucha. Así que, si te encuentras con una grabación muy distorsionada, muy aguda, o muy estridente; aunque la canción o

composición te guste mucho y quieras ponerla a todo vo-lumen, ten en cuenta que no solo podría hacerte sentir sa-turado, sino que podría dañar tu escucha.

Fotografía por Camilo Hernandez

Por primera vez los músicos de la ciudad de Medellín po-drán ser testigos del talento y conocimiento de Mike Terrana y Christian Vidal, en las clíni-cas que realizarán en el mes de marzo.

El argentino Christian Vidal reconocido por ser el actual guitarrista de la banda sue-ca de Metal Sinfónico Therion, realizará la clínica el jueves 22 de marzo y el neoyorkino Mike Terrana ex baterista de Yngwie J Malmsteen y Tony Malcapine y baterista actual de Tarja, rea-lizará la clínica el viernes 23 de marzo.

Las dos clínicas se realizarán en el auditorio Héctor Ospina Botero de la Universidad de Medellín a las 6:30 de la noche, cada una de las clínicas tiene un valor de $100.000 que incluye memorias. Los alumnos de La

Escuela de Musik tienen un 50% de descuento.

Las personas interesadas en las clínicas deberán envira un correo electrónico a terrana-yvidalclinic2012 @gmail.com para la inscripción siendo muy específicos en cuál de las dos clínica se desea insccribir. De vuelta les llegara un correo con el número de la cuenta donde se debe consignar. La consignación se debe entregar en la sede de la Escuela de Mu-sik en Laureles Calle 35 # 80 A 2 o llevarla el día de la clínica y entregarla en la entrada.

Para mayor información pueden llamar al 3128754653

Organiza:La Escuela de MusikGELDETeatro de la Universidad de

Medellín.