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ladosDum Dum Girls, We Are Scientist, Pixies, Matthew E White, Elle Belga, Metronomy, Thievery Corporation, Mishima, L.E.V., Bombay Bicycle CLUB, Blood Red Shoes, St. Vincent.

Dum Dum GirlsWe Are ScientistPixiesMatthew E WhiteElle BelgaMetronomyThievery CorporationMishimaDiscosArteladosBombay Bicycle ClubBlood Red ShoesSt. VincentEspacio Km.0Moda

Índice

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unos minutos para charlar y dar for-ma escribiendo sobre su nuevo disco, Too TRUE (Sub Pop, 2014), el tercer largo de la banda que se completa con cuatro EPs sacados entre 2008 y 2012, formando así un imperio musical que ahora mismo está muy presente.Sin perder tiempo, me aventuro a preguntar por la composición de los temas de este disco y su metodo-logía de trabajo, pues Dee Dee ese encarga de todo dentro de la banda, ella es el centro de operaciones, des-de que se inicia la idea del disco has-ta que se termina, parece que no hay oportunidad de juicio para las demás componentes del grupo…

DEE DEE El disco está compuesto y grabado entero por mí, es algo que hago con todos mis discos excepto con oNLy IN DREAMS, que lo gra-bamos el grupo al completo dentro del estudio. Quitando esa excep-ción eso es algo que siempre hago con mis productores. Normalmente grabo todas las voces en Nueva york

y luego me lo llevo todo a Los An-geles con mi productor y allí grabo toda la parte instrumental. RAÚL La conversación sigue el sendero de las voces o más concretamente, nos centramos en la suya, su angelical y peculiar voz, esa que siempre te puede jugar una mala pasada y que a ella la abandono por un tiempo de-jándola desamparada en medio de la grabación de este nuevo trabajo, momento sin duda complicado… DEE

DEE Fue un gran problema, me fui a Los Ángeles a grabar el disco y lo que pasó es que sólo puede grabar la parte instrumental, así que se quedo a medias. Regrese a Nueva york y a los tres meses empecé a trabajar con un entrenador perso-nal para intentar recuperar la voz y poco a poco pude recuperarla y empezando a cantar. En esos tres meses quise dar una parada a mi voz para no forzarla hasta que empecé con el entrenador. La verdad es que fue un problema, para mí la voz es una forma de definirme y en ese tiempo no me permitía expresarme

hacia fuera. RAÚL Escuchando el dis-co con mucha atención, su duración es algo que sorprende, Too TRUE es un trabajo conciso y directo, casi no rebasa la media hora, salta a la vista que cada una de las canciones es diferente a la anterior en cuanto a genero se refiere. Una tira por el recto camino del pop mientras que otra puede tirar por el rock satinado y el siguiente tema dar un giro hacia una canción con el alma bañada por una electrónica demasiado volátil.

“Are you okay” es la oveja negra del conjunto, diferente de cabo a rabo, capaz de explorar un universo pa-ralelo con un pop caramelizado y pegajoso pero con una letra algo oscura. DEE DEE La escribí en Nueva york, durante una semana y media en la que escribía todos los días, era una canción que tenía pensado ceder a Don Spencer, hace años él y yo habíamos hablado de cola-borar con distinto material. En mi cabeza tenía pensado escribir esta canción para él, así que eso influen-cio la forma de escribir esa canción.

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La banda femenina de Estados Uni-dos Dum Dum Girls avanza imparable rompiendo moldes, sus canciones se escuchan en todas las radios univer-

sitarias proclamándose como uno de los totems dentro de los grupos femeninos de rock and roll, capaces de continuar el legado que dejaron The Runaways y Girls-chool, aunque en realidad ellas no sean del todo un grupo de rock and roll a la an-tigua usanza ya que los sintetizadores y ritmos electrónicos son su pan de cada día.Así con esa carta de presentación y en un impás dentro de su apretada agenda de promoción Dee Dee nos prestó su angelical voz durante

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La escribí de esa forma porque en un principio no iba a ser para mí, eso me ha permitido escribir algo dis-tinto. En cuanto al estilo, el tema es más bien pop aunque también tiene partes electrónicas, quería que este álbum tuviera algo representativo y esa canción es un claro ejemplo. RAUL La canción en si es un acierto aunque no esté en la zona de confort de ella. El disco en conjunto tiene una buena producción y un puñado de canciones que seguro funcionan en directo, aunque no sabemos si el resultado final se distancia mucho de lo que tenía pensado... DEE DEE No, es exactamente como pensaba que fuera a ser, cuando lo estaba escri-biendo sonaba al pasado, todo, se parece mucho a los discos anterio-res y se complementan, este disco es un paso más y suenan bastante bien. Es verdad que quería hacer un álbum más dinámico, la producción está muy bien y estoy muy contenta con el resultado, es mucho mejor de lo que pensaba en un principio. RAÚL Hablanos un poco sobre el futuro tour de presentación del disco, que comenzara en Estados Unidos… DEE

DEE Tenemos un tour por Estados

Unidos la primera semana de mar-zo, luego pasaremos por Canadá. Tocaremos por primera vez en los directos una canción que hemos grabado en California y estoy muy emocionada. Después de ese tour viajaremos a Europa y haremos lo mismo. RAÚL Dentro de los planes de futuro , nos aventuramos a pre-guntar sobre el proyecto musical con su marido Brandon Welchez.. DEE DEE Ahora mismo es un momen-to muy importante con Dum Dum Girls pero el último año nos tira-mos trabajando en los temas del nuevo disco de Haunted Hearts, en el que que mi marido y yo forma-mos parte de él. Vamos a sacar un disco bajo nuestro sello el próximo verano. RAÚL Hablando de colabora-ciones y personas paralelas a otros proyectos, el nombre de Andrew Miller cobra bastante fuerza, se in-corpora en los conciertos del grupo ahora en Marzo y la voz de Dee Dee transmite alegría cuando se habla de él… DEE DEE Cuando grabábamos

“Too True” la guitarra tiene un tra-bajo tremendo y vimos que el po-día llevar a cabo esas partes. Hay canciones que tienen demasiada

dificultad dentro del disco y quería encontrar a alguien que fuera ca-paz de llevarlas a cabo. Tenía varios amigos en mente para hacer eso pero no podían. Andrew estuvo en la primera etapa de Dum Dum Girls, el toco la guitarra en casi todas las canciones del primer disco. Un día hable con él y le pregunte si estaba interesado en entrar en el proyecto y me dijo que estaba encantado de hacerlo. RAÚL Dum Dum girls, ener-gía y vitalidad para asentar el es-pacio que por derecho le debemos otrogar dentro de la escena musical, esperamos que dentro de poco ven-gan a España pero hasta que ocurra eso tendremos que conformarnos con escuchar el disco.

www.wearedumdumgirls.com

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We Are Scientists

Desde su debut en 2002 con SAFETy, FUn, AnD LEARninG in ThAT ORDER y el álbum que

los situó en el panorama internacional WiTh LOvE AnD SqUALOS, los californianos We Are Scientists no han parado de crecer y cose-char seguidores alrededor de todo el mundo.Aprovechamos su paso por Europa en su gira presentado su nuevo disco para hablar con Chris Cain que nos contes-ta desde Munich. La conversación nos dará un repaso desde sus orígenes en California hasta su nuevo disco Tv On FRAnçAiS (Dine Alone Records, 2014).CHRIS CAIN nos conocimos en la universidad. La

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universidad nos ocupaba casi todo el tiem-po y buscábamos algo para distraernos por las tardes. Crear una banda fue una manera de matar el tiempo. Además yo nunca ha-bía tocado un instrumento antes. Keith me dijo de formar una banda, el ahora es muy buen guitarrista pero al principio no tenía ni idea, de hecho al principio tocaba la batería.

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Fue una forma de aprender a tocar algún instrumento y pasárnoslo bien. Después poco a poco fuimos ya tomándonoslo en serio pero no pensamos nunca en que el grupo pu-diese tener futuro. MIGUEL ZAMORANO Por eso mismo sorprende cuando se les nombra los orígenes de la banda. Quizás su sonido puede estar más relacionado con grupos de Reino Unido o de la Cosa Este. En 2001 se asentaron en Nueva york... CHRIS CAIN Nosotros ya habíamos vivido en Los Ángeles y San Francisco. Queríamos mudarnos a otros sitio y Nueva york era la única ciudad que iba a ser un escalón más para nuestra carrera; más grande y más emocionante. El ambiente de la ciudad, la gente y escuchar a muchos grupos es lo que ha terminado por determinar lo que somos. MIGUEL ZAMORANO Relaciona-dos siempre con grupos como The Strokes y Franz Ferdinand, podía-mos decir que han crecido juntos y a su vez los han influenciado… CHRIS

CAIN yo creo que nuestro primer ál-bum tiene un sonido influenciado por The Strokes y Fran Ferdinand, bandas que eran muy grandes en 2001. En el segundo éramos cons-cientes de que no queríamos sonar como ellos y si por ejemplo a gru-pos como David Bowie o los Rolling pero al final hemos estado buscando siempre nuestro propio sonido, sin ningún referente. Creo que eso con el nuevo disco hemos conseguido sonar ya como We Are Scientist, sin necesidad de sonar como otros. MI-

GUEL ZAMORANO Su nuevo disco TV oN FRANçAIS está siendo presentado en su gira el rededor del mundo y pa-rece que ha tenido una muy buena acogida tanto por el público como

por la crítica. Resultado de lo que suponemos ha sido un largo y com-plejo proceso por el que estamos interesados. CHRIS CAIN Empezamos a trabajar en el nuevo disco desde el 2011. Han sido dos años intensos de conciertos y estudio. Todo lo que queríamos era hacer un disco que sonase como siempre hemos que-rido sonar ahora que teníamos las herramientas para poder conseguir-lo, y afortunadamente, creo que así ha sido. MIGUEL ZAMORANO En su nuevo disco canciones como “Dumb Luck”, su video y su letra tiene una visión irónica de la vida. Además su activi-dad en las redes sociales demuestra que se ríen de todo, les preguntamos sobre esa faceta suya… CHRIS CAIN Esa parte de nosotros sale automática-mente en casi todos los videos, en las paginas webs y cosas así. Pero es algo que realmente no creemos que tenga valor en la música. Nosotros no pretendemos sacar música gra-ciosa y no tenemos realmente inte-rés en hacer funny music. MIGUEL ZA-

MORANO Por eso le preguntamos por si tiene alguna canción favorita en su nuevo disco y sus motivos… CHRIS

CAIN yo creo que una de mis favoritas es “overracting” los coros, la letra y la manera en que está hecha son increíbles. Fue extraño porque Keith Murray no estuvo de acuerdo en que estuviese en el álbum, si fuese por él quizás no estaría, aun así yo creo que es fantástica. MIGUEL ZAMORANO También comentamos con ellos la situación actual en España. La difícil situación en la que se encuentra la industria de la música y en general la industria de la cultura con medidas tan polémica como el famosos IVA cultural…

CHRIS CAIN yo no estoy de acuerdo con eso. yo creo que la cultura tiene que estar al alcance de todos, tengan di-nero o no, no puede ser un lujo. A la cultura básica tiene que poder acce-der todo el mundo; es lo que de ver-dad enriquece nuestras vidas. Sobre todo en situaciones malas y de crisis, la cultura puede ser algo poderoso. MIGUEL ZAMORANO Comentamos como ven su futuro próximo en cuanto a planes, festivales. CHRIS CAIN Esta-mos justo ahora hablando sobre los planes de verano. Me han contado que tocaremos en festivales de Italia, Alemania, UK…, de momento creo que ninguno en España. Esperemos que al final podemos ir a alguno en España porque uno de los mejores festivales en el que hemos tocado ha sido en 2006 en Benicassim; fue in-creíble. MIGUEL ZAMORANO Les pedimos como cierre que nos recomienden nuevos grupos emergentes que se-guramente darán que hablar dentro de poco y esto es lo que nos contes-tan... CHRIS CAIN Acabamos de estar con una banda británica Superfood que están trabajando para presentar y acabar su primer álbum completo, son tremendos. También el grupo con el que fuimos de gira por Espa-ña Paws muy buenos, me recuerdan a bandas tan grandes como Nirvana. Además el padre de uno era español así que va a ser la primera vez que vamos a España y podremos hablar algo de español.

We Are Scientists, un grupo que se ha terminado de consolidar con la salida de su nuevo álbum y que cada vez logran cumplir sus objetivos.

MARÍA MIERES Después de este largo y tormentoso parón, uno se pregunta qué ha suscitado a los americanos las ganas de componer nuevos te-mas y volver al mercado musical. PIXIES No es que estuviéramos preci-samente cansados de tocar siempre las mismas canciones, porque al fi-nal nuestro objetivo es entretener al público y seguíamos consiguiéndolo con los viejos temas, pero creíamos que era el momento oportuno para entretenernos también nosotros en el estudio. Queríamos sentirnos igual de excitados que alguien de nuestro público, pero en el estudio, creando música. Era nuestro turno. Hemos intentado hacer las cancio-nes lo mejor posible. Siempre he-mos tenido ese objetivo desde nues-tros comienzos y así sigue siendo. Realmente no han cambiado tantas cosas. Seguimos amando lo que ha-cemos. Con los años se ha perdido quizás esa inocencia del principio en la que sólo pensábamos en pasar-lo bien, en que nos pagaran algo de-cente y en pedir millones de pizzas

al acabar el show. Bueno, eso último seguimos haciéndolo. En esencia, seguimos queriendo impresionar a la gente con nuestra música y es lo que intentamos con este nuevo ál-bum. MARÍA MIERES Recalco y destaco lo de tormentoso parón, porque la relación de Black Francis y Kim Deal ha sido una de esas de amor-odio de culebrón televisivo. Las trifulcas en-tre Black y Kim comenzaron tras la salida de Doolittle, donde ésta recla-maba más espacio para sus propios temas y momento a partir del cual, Black se hizo con las riendas de la composición por completo... PIXIES Sí, echamos de menos a Kim. Pero intentamos no pensar mucho en ello. Hemos dado con la perfecta susti-tuta para esta gira. Lo único que debemos pararnos a preguntar es: ¿realmente esto sigue funcionan-do?, ¿la gente se lo pasa bien?, ¿aún seguimos encabezando carteles de festivales? Si la respuesta a todo esto es sí, no deberíamos preocupar-nos mucho más por el tema. Al final, cuando comienzas con el ajetreo de

la grabación y el tour, apenas tienes tiempo a echar de menos a ciertas personas. Además Paz ha encajado perfectamente con nuestro sonido y nuestro método de trabajo. Es muy inteligente y le gustan los mismos grupos que a nosotros, así que en-seguida capta la onda de las cancio-nes. Es la mejor bajista con la que he tocado nunca desde Kim Deal. MARÍA

MIERES Tras la reunión al completo de la banda en 2004, lo que les llevó de vuelta a los escenarios y cosechó in-tervenciones como en el Lollapaloo-za, Primavera Sound o Newport Folk Festival, el grupo nadaba en un mar de incertidumbres sobre la publica-ción de nuevo material. Finalmente, en 2013, Pixies decidió regalarnos un aperitivo con EP1 y EP2, presen-tándonos ocho controvertidos te-mas, que no contaron con el apoyo de Kim, y que generaron gran expec-tación y no muy buena acogida por parte de la prensa especializada… PIXIES oh, sinceramente me importa un carajo lo que diga la prensa. No leo esas cosas. No me importan. So-

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han pasado más de veinte años desde la publicación de su último

disco TROMpE LE MOnDE(4AD). Este año el nombre de pixies, ese gran reserva de la música alternativa, vuelve a estar en boca de todos con la salida de su nuevo álbum inDiE CinDy (pixiesmusic, 2014). Un traba-jo en el que todavía encontramos algún es-bozo de esos ácidos pixies que coronaron la cima “underground” de finales de los ochenta, pero en el que el paso del tiempo o la falta de Kim Deal entre sus filas ha he-cho mella en la falta de algún ingrediente en este denso cocido que es su música.

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mos lo que somos y hacemos lo que hacemos, si te gusta bien, y si no también. No vamos a cambiar por leer ciertas opiniones de la prensa. Si no te gusta, escoge a otra ban-da. Hay millones en este planeta. Lo que importa es que nosotros este-mos satisfechos con el trabajo he-cho. Cuando comenzamos con las grabaciones hicimos una promesa entre nosotros: si no estábamos se-guros de que el material realmente mereciera la pena, no lo sacaríamos, pero si nos gustaba y estábamos ple-namente satisfechos, seguiríamos hasta el final con él, costara lo que costara. Con EP1 y EP2 lo estamos y con INDIE CINDy, que al final es casi la consumación de EP1 y EP2, pues también. y al final siempre habrá gente que ame el disco y gente que lo odie. Pero eso es algo natural en cualquier aspecto de la vida. MARÍA

MIERES Su música ha sido referente para muchos otros artistas. Incluso Kurt Cobain declaraba con la salida de SMELLS LIKE TEEN SPIRIT, que

lo único que intentaba era supe-rar a los Pixies. otros tantos como Radiohead, Weezer o The Cure han nombrado a los americanos como una de sus grandes influencias. Pa-rece difícil superar ese acerbo y en-cabronado reto musical que marca-ron con su debut en 1987. Más aún después de veintitrés años y de ha-ber acariciado con los dedos el mito de la música independiente. PIXIES Nos encanta INDIE CINDy. Creo que es la perfecta interpretación de nuestro sonido veintitrés años después de TRoMPE LE MoNDE. Es la progresión natural a este último disco. Hemos estado más sueltos y relajados en términos de sonido y hemos intentado buscar algo más renovado. No queríamos quedarnos atrapados en la misma fórmula una y otra vez. ¿Cómo continuará la evo-lución en próximos trabajos? Pues ni idea. Nos dejaremos llevar. La graba-ción del disco ha sido muy excitan-te. Echábamos de menos el estudio y hemos trabajado en armonía y en

paz, sin ningún tipo de conflicto. Además el álbum ha sido grabado en un estudio genial Reino Unido, Rockfield Studios, donde Queen grabó BoHEMIAN RHAPSoDy. Es un sitio estupendo y estamos encanta-dos con el resultado. MARÍA MIERES La cuestión es: ¿hay Pixies para rato? Pues en principio, y si ningún fenó-meno extraño se cruza en sus cami-nos, la respuesta es afirmativa. PIXIES

¿Qué si me veo haciendo esto dentro de diez años? Sí, claro. Nos encanta tocar para la gente. Nos encanta en-tretener. Nos encanta crear música. Tenemos el mejor trabajo del mun-do y estamos tan ilusionados como el primer día. Si no, no seguiríamos aquí. Si no amas lo que haces, eres un desgraciado.

www.pixiesmusic.com

DANIEL MELLÖW Con apenas treinta años Matthew E. White ha consegui-do mucho más que otros artistas a lo largo de toda su carrera. Desde Richmond, Virginia, Matthew nos cuenta la historia de su carrera mu-sical que ya tiempo atrás comenzó y que parece va a durar largo y tendi-do. Sus inicios dentro de Fight the Big Bull, su apuesta en solitario con su primer largo BIG INNER (Domino Records) y su proyecto discográfico Atomic bomb Records componen un cuadro en el que uno ha de pararse para observar y reflexionar.

Comenzamos la lectura queriendo conocer el cómo y el por qué de este gran cambio y apuesta desde su par-ticipación con un papel cuasi prota-gonista en la banda de jazz Fight the Big Bull hasta su carrera en solita-rio. Principalmente vamos a encon-trar una notoria diferencia en tanto en cuanto al estilo musical que aun manteniendo un fondo común difie-re considerablemente en estilo. Pero qué es lo que más se destaca de este cambio… MATTHEW Cuando trabajas bajo tu nombre sin el respaldo de un grupo de músicos y artistas apa-recen sobre ti un sin fin de nuevas responsabilidades, preocupacio-nes y, por qué no decirlo, miedos. Trabajar en solitario es muy recon-fortante pero no compartir ciertas incertidumbres, cambia mucho la historia. DANIEL MELLÖW Continuamos conociendo a este artista exploran-do, el que hasta la fecha, ha sido su único álbum publicado, BIG INNER. En él podemos ver en líneas genera-les un dualismo que encaja en una fusión perfecta de ritmos tranqui-los y calmados, asociables al chill out, con otros cargados de energía, movimiento y felicidad, todo en una misma canción. Ese es el caso de “Big Love”, segunda canción del largo. MATTHEW Big Love tiene una pequeña historia, curiosa cuanto

menos. La compuse y cuando esta-ba decidiendo que temas elegir para el disco pensé en descartarla, pero no sé muy bien porque invertí una mañana en darle un pequeño vistazo y acabó siendo titular indiscutible.

DANIEL MELLÖW Cerrando la opera pri-ma del americano nos topamos con un tema cuyo nombre no nos es difí-cil de pronunciar, “Brazos”. Ante tal coincidencia no nos pudimos resis-tir a preguntar, la historia detrás de ella, os va a sorprender y gustar a partes iguales... MATTHEW Claro que sé lo que significa. Elegí nombrar así la canción porque me inspiré en un río que hay en Texas bautizado con el mismo nombre debido a que a falta de puente la gente hacía ca-denas para transportar las cosas, se llama “Brazos” por eso, es un icono de la libertad en el estado. DANIEL ME-

LLÖW Para ir terminado, y como se ha visto a lo largo del artículo, hay que hacer referencia a la aventura discográfica en la que el americano se ha embarcado. La creación de un estudio en su propio ático para grabar tanto sus trabajos como los de otros. Bautizado con Spacebomb Records, Matthew E. White se atre-

ve a subirse al carro de los que se autoproducen y además dan casa a los que, sin tener aun un nombre pero con muchas ganas, tienen in-tención de crear un disco, ya sea EP o LP. MATTHEW Dentro de toda mi experiencia musical y atendiendo a las últimas tendencias, crear un es-tudio de grabación “casero” es un proceso más que lógico y evidente. Además mi entorno tanto en el ám-bito personal como en el musical me animó a que llevara a cabo este proyecto. Estoy más que satisfecho con el resultado y los grupos y ban-das con los que he trabajado hasta la fecha también. DANIEL MELLÖW Por último le preguntamos acerca de alguna novedad, tanto en su faceta de productor como en su carrera en solitario. MATTHEW Ginger Lamark es un grupo que está creciendo mucho, van a llegar lejos, al menos esa es la impresión que yo tengo. En cuanto a mí, espero sacar algo nuevo para este año aunque no puedo decirte ninguna fecha en concreto ya que estoy trabajando con más grupos, pero sí, tengo en mente algo que, aunque seguirá sonando a Matthew E. White, sorprenderá.

Matthew E. White un joven con las cosas bien claras, con un gran espí-ritu cargado de planes y ganas de trabajar, de continuar por el cami-no correcto. ¿Estamos ante el naci-miento de un grande? El tiempo lo dirá, pero desde aquí se vaticina un sí como un castillo.

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hay ciertas almas que parecen predetermina-

das para un fin, para un propósito concreto. hoy conocemos a una de ellas, Matthew E. White. La música, el trabajo y el talento.

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Matthew E White

MARTA MARTÍN Tras aquel primer en-cuentro, Christian y Amelia han pasado cuatro años preparando el que ya es su álbum debut, SKy SWIMMING (Memphis-Industries, 2014). Doce pistas cargadas de pop envolvente, atmosférico, cálido, emocionante y (por qué no decirlo) altamente sensual en determinados momentos. Pueden recordar a gru-pos y artistas como Beach House o Lykke Li, pero a la vez exhiben un estilo propio, introspectivo, con mucho trabajo y en estado cons-tante de evolución. Estos chicos demuestran talento, y Memphis Industries, casa de grupos como Barbarossa, The Pipettes o The Go Team, lo ha sabido ver desde un primer momento. SKy SWIMMING funciona como diario personal de Elephant, y contiene algunas de las canciones compuestas en aquellos inicios. CHRISTIAN PINCHBECK “ToRN ToNGUES”, “ANTS” y una cara b llamada “ACToRS” que creo que es-taba en nuestro single Allured. ¡Ah! y el propio tema que da nombre al single “ALLURED”. Así que cuatro de las canciones de este álbum son

de aquel entonces. Era fácil escri-bir cuando estábamos juntos todo el tiempo”. MARTA MARTÍN Synth pop ochentero, lounge-jazz, downtem-po o soul. Estos son los géneros que aparecen en los más de cien temas compuestos por Elephant. CHRISTIAN

PINCHBECK Más recientemente nos hemos centrado en componer can-ciones con bases sampleadas es el caso de temas como “Shapeshifter”,

“Skyscraper” y “Tv Dinner”. Aunque también hay un montón de aventu-ras como “Golden”, que fue escrita tras una ruptura de la banda hace pocos años . MARTA MARTÍN y es que Christian Pinchbeck y Amelia Rivas no han sido solo compañeros de aventuras musicales, sino que du-rante un tiempo fueron también pa-reja sentimental. Tras romperse la relación, la banda se separó, pero las ganas de seguir componiendo conjuntamente hicieron que se volvieran a reunir, aunque ya solo en ámbitos musicales. CHRISTIAN PIN-

CHBECK Muchas de las letras escritas por Amelia me hacen alusión. Me di cuenta de que algunas cancio-nes hablaban sobre lo infeliz que

se sentía en nuestra relación, algo que fue doloroso de leer. otras can-ciones hablan sobre pesadillas que tiene, y uno de los principales te-mas es sobre la enfermedad de hue-sos que sufre, llamada Madelungs, una deformación de la médula ósea. MARTA MARTÍN Pinchbeck lleva com-poniendo desde su adolescencia, y confiesa que ya entonces tenía dos sueños: el primero era el llegar a firmar con una discográfica; el se-gundo, casarse con Bianca de Coco-rosie. CHRISTIAN PINCHBECK Por aque-lla época escribía canciones, pero nada que ver con lo de ahora. Fui cantante de un trío, e incluso for-mé un dueto con Lianne La Havas, a quien ahora le va muy bien. Compu-simos un álbum entero cuando te-níamos 18 años, algo así como Lo-Fi Folk Soul. Para mi Cocorosie han sido mi inspiración durante los últi-mos diez años, son jodida y aloca-damente buenas. Algo en todas las canciones que compongo está ins-pirado por Cocorosie, incluso si son unos bongos. MARTA MARTÍN No solo es ferviente fan de este dúo franco-estadounidense, Richard Hawley es

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Londres, hace cuatro años: chico conoce chica en una fiesta, congenian, van a casa

del chico, graban unas cuantas cancio-nes, las envían a un sello musical y a la semana siguiente ya han firmado su pri-mer contrato discográfico. Alocado, re-pentino, casi sin tiempo para escoger un nombre. Así se fraguó la unión de Chris-tian pinchbeck y Amelia Rivas, dos jóve-nes talentos británicos que se adentran en lo que ellos mismos denominan como nocturnal Lo-Fi Bedroom Dreamy Beach pop. Si no existe la etiqueta, se inventa.

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una de sus referencias actuales, y “Special K” de Placebo, su “dirty pleasure”. MARTA MARTÍN Andy Dra-gazis se encuentra tras las labores de producción de SKy SWIMMING, y también es la persona que ha ayu-dado en la reconciliación de esta banda CHRISTIAN PINCHBECK No creo que usemos jamás a otra persona más en la producción. Compusimos

“Skycraper” y “Shapeshifter” jun-to a Andy. Normalmente escribo y produzco maquetas en casa, y las rehago después con él, además de mezclarlas y masterizarlas juntos. MARTA MARTÍN La producción de este álbum debut está delicadamente cuidada, incluyendo siempre ins-trumentos reales tocados en vivo.

CHRISTIAN PINCHBECK No se consigue una historia tras un sintetizador, son fríos. Sin embargo, nunca digo que no a ningún instrumento, no importa de qué cultura o género provenga. Hacen falta unos buenos cascos para escuchar el disco, todo él está lleno de pequeños secretos. Usar papel de lija o conchas mari-nas fue divertido. MARTA MARTÍN Las primeras canciones estaban com-puestas por Amelia con el teclado, mientras que Christian terminaba

de construir la estructura. Actual-mente, es Christian quien se encar-ga de toda la labor de composición musical. CHRISTIAN PINCHBECK Con los temas nuevos ahora estoy com-poniendo y grabando las voces en cualquier sitio con mi iPhone, te-nemos la necesidad de grabar con cada oportunidad que surge. MARTA

MARTÍN Un intento de pintar y plas-mar imágenes es lo que pretende Elephant a la hora de crear música. La influencia del cine y de la tele-visión es fuerte a la hora de mol-dear melodías y armonías. CHRISTIAN

PINCHBECK Soy un gran fan de Twin Peaks. ¿Conoces la canción “Just you” que James canta en la segun-da temporada? Esa fue la base de

“Skycraper”. Las bandas sonoras de las películas son de lo que más me inspira. MARTA MARTÍN Bajo el crite-rio de Pinchbeck, si algunas de sus canciones fueran la representación de una película, “Allured” podría ser una comedia romántica como Nothing Hill, “Shapeshifter” sería Casablanca y “Assembly” una rave de zombies, al estilo de The Lost Boys. ¿Qué canción de otro artista le hubiera gustado componer? La respuesta se encuentra en el cine

otra vez. CHRISTIAN PINCHBECK “Song on The Beach” de owen Pallet para el film Her, que es una instrumental a piano tan hermosa, que me hace sentir plenamente sano.

28 de abril es la fecha de publica-ción de SKY SWIMMING. El Noctur-nal Lo-fi Bedroom Dreamy Beach Pop de Elephant ya ha llegado, y las tiene todas consigo para quedarse.

MARÍA MIERES Fany y Josele son pare-ja desde hace más de diez años. Él viene del Xixón Sound y ha tocado en bandas como Manta Ray y Viva las Vegas. Ella también se dejó em-papar por el mismo género en aquel Gijón post-industrial de principios de los noventa. ELLE BELGA Ambos hemos estado rodeados de música bajo diferentes proyectos antes de comenzar con Elle Belga. Bandas como Manta Ray, Viva las Vegas, yewllofinn o Fany y los Dandys son ejemplos de ello. Cuando convives con una persona y, para ambas la música es un factor muy importan-te en la vidas, es inevitable tender a crear algo juntos. Tras la disolución de Manta Ray, nuestras primeras in-quietudes se centran en la voz como referencia principal, acompañadas de una mínima instrumentalización. Entonces pensamos en las nanas como guía, las cuales recogen un poco este germen intimista y am-biental que no atraía. Nanas que no son al uso, ya que en nuestro caso tienen un carácter bastante más espectral. Nuestra música tiene un sustrato tradicional, que bebe del folclore y del cancionero popu-lar, y que en muchas ocasiones, sin darnos cuenta, aparece reflejado en nuestros temas. No se tratan de cuestiones educacionales, sino

vitales. Es algo que ha ido instilán-dose poco a poco dentro nosotros desde pequeños, como por ejemplo, escuchar a nuestras abuelas cantar romances. Esto último es folk y es algo que yacía en nuestro subcons-ciente y que ha germinado sin que-rer. MARÍA MIERES REFUGIo (Grand Derby Records, 2014) destila folclo-re y tradición. Un folclore de belle-za inquietante, aterido y sombrío, como cualquier escena invernal de la Asturias más profunda, que en esta ocasión se entremezcla con la metálica herencia post-rock de Fany y Josele. ELLE BELGA Nos gusta pen-sar en REFUGIo como una sola pie-za. Nos llevó unos tres años dar for-ma a este disco. Durante estos tres años ha habido puntos de inflexión que, lógicamente nos han afectado a la hora de componer, y lo que nos ha llevado a parir un puñado enor-me de canciones. Finalmente nos quedamos con las catorce que com-ponen REFUGIo. Catorce temas en los que la voz sigue siendo el punto principal, pero guiados hacia un es-pacio más incómodo e inquietante. Nuestro primer disco 1971 dejó la puerta abierta hacia dos vertientes: un lado más amable y otro menos amable. Nos decantamos por este último y así llegamos hasta REFU-GIo. MARÍA MIERES El álbum, siguien-

do la tónica de austeridad y mini-malismo que se encuentra bajo su envoltorio, ha sido grabado en su casa por ellos mismos. ELLE BELGA

Hemos grabado todo en nuestros refugios personales: una casa fami-liar que se encuentra en un pueblo, donde descubrimos una sonoridad que nos gustaba, y luego en nues-tra propia casa. En la primera graba-mos en directo las bases de percu-sión y las guitarras, posteriormente en nuestra casa perfilamos los últi-mos detalles. Grabar en casa te per-mite convertirte en alguien autóno-mo y totalmente responsable de la creación. Tanto para lo bueno como para lo malo. Nos dio una libertad tremenda en todos los sentidos. Ha sido un proceso largo y bonito en el que hemos aprendido muchas cosas, muchas de ellas a través del ensayo-error. y sobre todo hemos aprendido a través del tiempo y teniendo claro la línea de sonido a la que quieres llegar, sólo necesitas tiempo. El es-tudio es increíble en cuanto al gran abanico de sonidos que te permite utilizar, pero para un proyecto como el nuestro sólo necesitábamos de-dicación y no tener limitaciones de tiempo, siempre siguiendo el cami-no analógico, sin utilizar plugins y casi convirtiéndonos un poco en ar-tesanos respecto a este sentido.MA-

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Si las heridas hablasen, mu-chas lo harían al mismo tiem-po, al compás de las cancio-

nes de Elle Belga. Unas se abrirían más, se retorcerían, picarían para luego ir cerrán-dose después. porque como todo, antes de sanar ha de picar. y es que el minimalismo que envuelve el ambient-folk de la pareja asturiana, ese que se rodea de deliciosos juegos de voces, y que suena a tinieblas y contención, embalsama discos que no en-tienden de modas ni del paso del tiempo.

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Elle Belga

RÍA MIERES REFUGIo representa una evolución tangible respecto a sus dos primeros trabajos, 1971 y 1507 SEGUNDoS PRESTADoS, menos afilados, menos tormentosos, aun-que también vagabundos entre las tinieblas. El dúo vocal sigue siendo el plato fuerte del menú, pero esta vez acompañado de un entramado musical lleno de atmósferas de ca-rácter opresivo y ecos lejanos de un post-rock despojado, donde la maleabilidad de los silencios envuelve cada tema. ELLE BEL-

GA La intuición nos ha guiado hacia esta evolución. No fue nada premeditado. Nuestras experien-cias vitales, el día a día, todo lo que nos rodeaba fue un poco lo que nos llevó ha-cia esta dirección. Cuando eres músico y tienes cierta for-mación, siempre te guardas bajo la man-ga algunos trucos a la hora de componer. Sabes que sucesión de acordes puede encajar para una can-ción u otra. Pero si te guías simplemente por la intuición y te dejas llevar puedes llegar a disonancias que nunca antes hu-bieras utilizado. Di-sonancias que crean tensión y que susci-tan emociones, que al final es el objetivo de la música. En este disco intentamos ser más orgánicos. Nuestro primer dis-co está marcado por el uso de samplers y teclados. De-jamos esto atrás y pasamos a con-trolar todos los instrumentos que están sonando. Eso imprime otro ca-rácter al sonido de REFUGIo y lo di-ferencia de los anteriores. MARÍA MIE-

RES Llevar al directo un proyecto de caracteres tan complejos y delica-dos podría parecer toda una proeza, teniendo en cuenta que Fany y Jo-sele son los únicos músicos que se suben al escenario para defenderlo. Pero, lo cierto es que sobran las or-

namentaciones cuando su sosega-da crudeza comienza a hablar sobre las tablas. ELLE BELGA Llevar nuestra música al directo ha sido muy com-plicado y muy gratificante. Aunque suene a perogrullada, lo importan-te de la música son las canciones. Si hay canciones buenas, funciona bien tocadas por dos personas o por quince. Para hacer viable este proyecto en los directos era inevita-ble que estuviera formado por dos

personas. Primeramente nos llevó mucho trabajo convencernos de que lo que estábamos haciendo era realmente algo que podía resultar atractivo a la gente en general y a nosotros mismos en particular. Eso nos llevó muchas horas de trabajo y de ensayo. Saber cómo trabajar silencios, espacios muertos, diná-micas bajas y empaste de voces fue laborioso. En mi caso (comenta Josele) he tenido casi que volver a aprender a cantar. En mis proyectos

anteriores no compartía voces con nadie. Era un espíritu más libre y además la energía y la dinámica que tenía detrás me permitía desinhibir-me más con la voz. Ahora es todo lo contrario. Es un verdadero ejercicio de contención. He aprendido a tra-bajar más con el diafragma, a con-trolar la respiración y el volumen. En una palabra, es un ejercicio de contención. y ya no sólo en la voz, sino también en los instrumentos.

MARÍA MIERES El soni-do de Elle Belga es como un jardín, de terreno cuidadosa-mente labrado y for-mado por miles de sustratos que alber-gan sus experiencias e inquietudes, sin las que indudable-mente, su música no sería lo que es. ELLE

BELGA ¿Qué si hubié-ramos hecho este disco a los veinte años? Pues creo que no. Hemos aprendi-do miles de cosas a los veinticinco, a los treinta y ayer mismo, y todas esas cosas imprimen persona-lidad y carácter a lo que hacemos ahora. Además ahora tene-mos una paciencia que no teníamos con veinte años. Genera-lizando un poco, la edad temprana es equivalente a urgen-cia, a querer llegar a ciertas cosas muy temprano. Estilísti-camente podríamos estar haciendo dis-cos de punk, pero ahora mismo lo que

nos sobra es paciencia y sosiego y no tenemos prisa por llegar a nin-gún sitio. Eso supone una ventaja a la hora de plantear qué quieres ha-cer y cómo lo quieres hacer.

www.granderbyrecords.com

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productor, escritor, músico… Joseph Mount alma inquie-

ta y germen de Metronomy, corazón de la banda inglesa de electro indie que for-mase en 1999 a raíz de que su padre le

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JOE MOUNT Para este nuevo proyecto, LoVE LETTERS, intenté sacar pro-vecho a todo lo que he aprendido de nuestros anteriores álbumes. Man-teniéndola misma actitud, con una producción y un sonido mucho más preciso. Con este disco pretendemos mostrar algo más sencillo y extremo al mismo tiempo. DIEGO HIDALGO Pre-viamente, antes de publicar este nue-vo álbum LoVE LETTERS y ofrecerlo al público, nos dieron un pequeño adelanto a principios de año con su single I’M AQUIARIUS, título único, que intenta representar, cual buen anfitrión, este nuevo trabajo.Aperitivo que se muestra como in-suficiente, pues público y prensa de-mandamos más energía, más temas, más melodías. Así en estos días he-mos podido vivir con gran expecta-ción el estreno de su segundo single

y que da nombre al disco, LoVE LET-TERS, representado en un videoclip

“coloreado” por escenarios vintage que van surgiendo a lo largo del mismo, una canción que aporta di-versión y alegría al mismo tiempo. Porque, sin duda, la mejor carta de amor escrita, se dice con el corazón y no con la palabra... JOE MOUNT En realidad con I’M AQUIARIUS, no quería concretar nada en específico. La idea fundamental, como se apre-cia en el videoclip, es que fuera una referencia astrológica. Disponemos de una gran historia de canciones pop que hacen referencia a la as-trología, a las estrellas en general… esa idea de insignificancia humana respecto a la grandiosidad de las estrellas fue lo que me inspiró para esta canción. La historia que quiero reflejar en ella para nada es perso-

nal. Una pareja, que simplemente acaban con su relación. Cosas que están a la orden del día en nuestro mundo. Una historia intensa y arre-batadora al mismo tiempo. DIEGO

HIDALGO Por su parte“Upsetter“es la apertura de este cuarto álbum. observamos un solo de guitarra que te teletransporta hasta el final de la canción. A partir de ahí, entras en un mundo inimaginable de alternativas. Sientes la sensación de estar acom-pañándoles en cada momento den-tro de esta gran y larga historia… JOE

MOUNT A veces, me gusta la idea de tener o interpretar una canción, el que se pueda transmitir un estado de relajación. Previamente he creado canciones que pretenden transmitir este tipo de esencia, pero nunca an-tes han tenido letra. Mi intención, es escribir y componer canciones por

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vendiese un ordenador desfasado con el que empezó a producir canciones y que dio pie a Metronomy, banda que sin duda ha dado un giro pasando de ser un pro-yecto de un sólo hombre a una banda completa compuesta por el multi-instru-mentista Oscar Cash, Anna prior como baterista y el bajista Gbenga Adelekan.DIEGO HIDALGO nos metemos en profundidad en la mente de Joe Mount, líder de este carismático grupo, donde nos habla, con todo de detalle, sobre su nuevo disco LOvE LETTERS (Beacuse Music, 2014). Su cuarto trabajo desde su celebrado ThE EnGLiSh RiviERA (2011), con el que logró una nominación para el Mercury prize y nos trajo canciones tan inquie-tantes como, “The Look”, o “The Bay”…

18 música

el cual, la gente pueda participar y aprenderlas ellos mismos, lo que denominamos nosotros como un

“sing a long”, donde todo el mundo pueda unirse y estar, de alguna ma-nera, más cerca de nosotros. DIEGO

HIDALGO y es que en, LoVE LETTERS observamos diferentes influencias unidas entre sí, Funk-Electronico e Indie Rock, son sólo un par de bino-mios de entre muchos que aparecen en los temas que conforma este tra-bajo, y que son acompañados de le-tras sinceras con influencias de los 80’. Para luego darnos un paseo por temas como “Monstruos” y “Boy Ra-cers”, canciones donde apreciamos unas bases completamente inima-ginables, observamos en cada una de las canciones, un gran contraste entre felicidad y tristeza... JOE MOUNT Hay momentos en este álbum, que intento representar una gama de sonidos mucho más amplia, bajando y subiendo la intensidad en ciertos momentos, ya que hay muchísimas cosas que puedes lograr con simple sonido. Esta capacidad para moldear las sensaciones me llama mucho la atención y me fascina. DIEGO HIDALGO Dentro de LoVE LETTERS debo ha-cer mención de dos canciones que me llaman poderosamente la aten-ción ya que forman de alguna forma un subconjunto dentro del disco y al a vez completan este álbum, “Reser-voir” y “The Most Immaculate Hair-cut”. Sonidos reales mezclados con unas bases que te llevan a un estado de lo más bizarro… JOE MOUNT Sí, te entiendo, esa sensación la intento conseguir más con “Never Wanted”, que es la última canción de este ál-bum, la idea que intentamos es que, una vez que se escuche un álbum siempre tener una canción que real-mente te haga sentir que estas en di-ferentes sitios al mismo tiempo.Llevándolo al terreno del direc-to, sinceramente estoy disfrutan-do mucho con “Never Wanted” y

“Mounth of Sundays”. Son, creo, mis canciones favoritas para tocar en vivo, por el momento. Son cancio-nes que desprenden mucha energía donde intentamos acompañarlo con un sonido intenso, con diferentes elementos musicales que cuando las interpretas en el escenario, es increíble disfrutarlo. Se hace difícil describir la sensación que puedes sentir en ese momento.

Hay veces que quieres expresarte de una manera en que todo sea literal, que se intente representar lo que está pasando en la misma canción. En “The Most Immaculate Haircut” con los sonidos de la piscina de fon-do…, imagino que justo ese momen-to no es necesariamente un sonido reprentativo para la canción, pero sí para el álbum en su conjunto. Era un momento que queríamos represen-tar. Cuando estás creando un álbum hay momentos en que te dan ganas de acercarte a una piscina y simple-mente tirarte, de alguna manera, esa era la idea que queríamos repre-sentar. DIEGO HIDALGO De hecho, gra-cias al éxito de THE ENGLISH RIVIE-RA, Metronomy pasó la mayor parte de 2012 en la carretera, tocando una serie de shows en el Reino Unido, Europa y los EEUU. Sin mencionar docenas de festivales mundiales, incluyendo los famosos festival de Readingy Leeds, Latitud, Coachella, Sonar, y el Field Day.De la misma forma este año se plan-tea prácticamente igual para ellos. Comenzaron un show de apertura en Brighton a finales del mes de febrero acompañado días después por un concierto en exclusiva en Brooklyn, Nueva york, pistoletazo de salida para un marathon de direc-tos… JOE MOUNT Disfrute muchísimo el Show en Nueva york, fue brillante. Aunque sinceramente el tiempo no nos acompaño, pero me sentí muy respaldado, y eso que nosotros en teoría en EEUU no disponemos de tanto éxito como en nuestro país. Realmente estamos muy contentos de comenzar este nuevo tour, que comenzará en marzo de este año. El público podrá escuchar nuestro nue-vo trabajo y es algo que estamos es-perando con mucho deseo.Para nosotros es muy importante exponer nuestro trabajo en la ca-rretera. Lo considero como la esen-cia en el mundo de la música. Es completamente necesario. Aunque como he podido mencionar ante-riormente, a veces se hace difícil no disponer de la familia y de tu novia que no en ciertos momentos cuan-do estas fuera. Por es, cuando estas disfrutando al máximo, hay momen-tos en que te sientes algo culpable, pero se pasa nada más entrar en el escenario. DIEGO HIDALGO Pero el alma inquieta de Joseph Mount no se con-

forma sólo con la vitalidad de Me-tronomy y aparte de ser productor y fundador de este grupo, también ha dedicado parte de su carrera dis-cográfica, ha crear grandes remixes, como por ejemplo de Gorillaz “El Manana”, con Franz Ferdinand “Do you Want To” e incluso el famoso tema de “you & I” de Lady Gaga. Sin duda un artista completo que intenta establecer su propio sonido en este mundo tan sumamente am-plio… JOE MOUNT (Risas) Si la verdad es que me meto en muchos charcos, he creado un montón de remixes en estos años. Anteriormente hacia un montón de ellos, aunque sí que es cierto que actualmente no dispongo de demasiado tiempo. A lo largo de estos años destacaría un remix que hice no hace mucho que se llama Naked Smile del grupo Box Codax. Sinceramente, me encanta producir. Es algo que me llena completamen-te. Es casi la misma sensación que cuando escribo canciones. Pero este nuevo álbum lo considero como el mejor hasta ahora. Creo que hemos creado un álbum digno para que a la gente le llame la atención. DIEGO

HIDALGO Planes de futuro… JOE MOUNT Uff, futuro, no me interesa demasia-do la presión, a mi sólo me interesa conservar mi contrato discográfi-co para poder seguir creando nue-vos álbumes. Sin duda el resto es completamente difícil de anticipar, como todos sabemos. Pero, sincera-mente, espero que la gente los dis-frute como yo lo disfrute haciéndolo.

www.metronomy.co.uk

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Con motivo del lanzamiento de SAU-DADE (ESL Music label, 2014) ha-blamos con Rob Garza. MARÍA MIERES Echando la mirada al pasado, han pa-sado diecisiete años desde su debut con aquel disco de ácida y heterogé-nea esencia chill-out que irrumpió en el panorama de la electrónica más inde-pendiente…

ROB GARZA En los años 90 yo estaba muy metido en la onda de la música techno y electrónica. Después un amigo me presentó a Eric, que es un enamorado de es-tilos como el jazz o la bossa nova. Ambos producíamos música y enseguida nos dimos cuenta de que hubo una conexión, así que deci-dimos quedar un día en el estudio para ver si podíamos crear algo diferente, original. Grabamos un par de canciones y vimos que aquello verdaderamente funciona-ba. MARÍA MIERES Su música ha sido etiquetada por cientos de géneros: downtempo, dub, lounge o trip-hop, entre muchos otros, y lo cierto es que, ambos músicos se sienten muy cómodos dentro de este abigarrado rompecabezas. ROB GARZA Sí, estamos influenciados por miles de diferentes estilos. Todo depende del momento en el que nos encontremos y el disco que queramos hacer. La mayoría de esto se gesta en el estudio. Por ejem-plo, una de las grandes influencias para el nuevo álbum ha sido la bos-sa nova. Creo que una de las cosas que define Thievery Corporation es que podemos saltar de un género a otro cómodamente, sin importarnos realmente que exista una etiqueta o

cientos para nuestra música. MARÍA

MIERES Centrando la conversación sobre vuestro nuevo trabajo SAU-DADE bucea sensualmente en los mares de la bossa nova y la música tradicional brasileña, sin olvidar las

raíces downtempo de sus orígenes, las cuales quizás hayan pasado por un tamiz más descafeinado en este trabajo… ROB GARZA Este álbum bucea en la música brasileña de finales de los sesenta, principios de los setenta, como dices se adentra en los sonidos de la bossa nova. También tiene una gran influencia jazz, como en todos nuestros trabajos. Cuando Eric y yo nos conocíamos la bossa nova era un estilo que nos unía y nos inspiraba tremendamente, nos apetecía mucho escribir canciones que ahondaran en este estilo. Hace un par de años co-menzamos a componer algún tema, aunque realmente estábamos inmer-sos en la producción de otro álbum. Cada vez aparecían nuevas ideas y esquemas de canciones, y el amor por esta música nos hizo retomar el proyecto. MARÍA MIERES SAUDADE ha sido grabado en Washington y el gran

protagonista del mismo es la voz fe-menina, ya que todos los temas es-tán cantados por mujeres, destacan-do colaboraciones de artistas como LouLou Ghelichkhani, Karina Zeviani (Nouvelle Vague) o Natalia Clavier en-

tre muchas otras... ROB GAR-

ZA El álbum ha sido entera-mente producido y grabado por nosotros, como el resto de nuestros trabajos. He-mos sido responsables de cada detalle y eso nos en-canta. Durante el proceso de grabación hemos apren-dido que hay momentos en los que merece la pena echar la vista atrás y bu-cear en ciertos géneros que te permiten hacer discos tan hermosos como éste. El disco no fue concebido premeditadamente como

femenino. Simplemente fuimos viendo cómo encajaban las voces de estas diferentes artistas en cada canción. MARÍA MIERES y es que marca de la casa Thievery Corporation son las numerosas colaboraciones con las que aderezan sus trabajos y así este SAUDADE llega repleto de ellas, para la ocasión vienen firmadas por gente como U.N.K.L.E, el argentino Federico Aubele o el percusionista brasileño Roberto Santos, en defini-tiva SAUDADE supone una vuelta a los orígenes de una relación asenta-da en la piedra filosofal de unas melo-días cálidas y sensuales bañadas por las aguas del jazz para conferir a sus notas ese toque lounge pausado que casi siempre imprimen a sus trabajos.

www.thieverycorporation.com

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Tras tres años de silencio, el dúo americano Thievery Cor-poration vuelve al mercado

con SAUDADE, un álbum que se zambu-lle de lleno en los sonidos tradicionales de la música brasileña para revisitarlos des-de su estética lounge más característica.

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Mishima Todo comenzó en un bar en el que David Caraben trabajaba en oca-

siones de camarero y otras veces de Dj. por esa época el tenía varias canciones escritas y tenía la urgencia de buscar a alguien con quien interpretarlas. A esto hay que sumarle la aparición de una caja de ritmos y esas ga-nas latientes por formar un grupo, después de varios años y discos hoy en día podemos hablar de Mishima, un grupo que se mueve por el pop anglosajón y al que la crisis no le afecta en gran medida ya que pueden se-guir haciendo lo que más les gusta, música.

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Unos optan por esta decisión, otros sencillamente prefieren saltar al va-cío, sin saber muy bien que es lo que se encuentra en ese espacio inexplo-rado… DAVID CARABEN Lo que hemos ido a buscar en este disco, era más bien que los últimos tres álbumes los habíamos grabado en el estudio de Paco Loco y con Paco la primera vez que fuimos, fuimos sin cono-cerlo a él, conocíamos lo que había producido y nos gustaba, pero no lo conocíamos personalmente. Pero fuimos con miedo, respeto y tensión como banda, nos preparamos mu-chísimo para esa grabación. Lo que queríamos hacer esta vez era sentir-nos desafiados por el estudio, por el ingeniero y necesitábamos superar la grabación con la misma urgencia, con el mismo vértigo que nos había pasado al principio con Paco Loco. De vez en cuando un grupo necesita tener unos retos y volver a sentirse desafiado, porque ante ese riesgo te cuadras y te sientes más vivo, por eso L’àNSIA QUE CURA (Warner 2014) hablaba de esa zona de con-fort, una zona de seguridad que te puede atrapar para envolverte en un letargo creativo. L’àNSIA QUE CURA fue grabado en Francia en Black bos Studio de la mano de Peter Deimel, un ingeniero de sonido con el que hemos vuelto a sentir ese miedo que nos hace sentir vivos.RAÚL COVI-

SA Miedo que revitaliza, que te agita y te hace permanecer alerta, fuera de la zona de confort amenazados por lo nuevo de una relación, en este caso de la mano de Peter Deimel… El trabajo con Peter Deimel ha sido fantástico, buscábamos sonar como en los directos, que se entendieran todos los instrumentos, que se en-tendiera la voz sonando con la mis-ma contundencia que en un directo. Como productor es genial y sabe en cada momento lo que hace guián-dote y sacando todo tu potencial. RAÚL COVISA L’àNSIA QUE CURA es el nuevo trabajo de este grupo catalán en el que las letras muestran mucho más de lo que cuentan. Llenas de

una realidad camuflada por la fic-ción de las historias, aunque la ac-tualidad se deja ver de una forma un poco distorsionada… DAVID CARABEN Realidad que podemos encontrar en numerosas y variadas referencias en las letras. Pero son imágenes men-tales que están fuera del paraíso o de las cabezas de los personajes, es como un mundo exterior. Es como un paraíso que no tiene nada que ver con la situación actual. Porque aho-ra nos estamos cuestionando un mo-delo de sociedad, un modelo de país y un estado de bienestar. Por otro lado en Cataluña tenemos esa idea de una tierra prometida. En mi caso personal hace varios años que me dedico a la música y estoy viviendo de algún modo mi edad de oro, es un oficio muy precario y ves que es muy frágil, podríamos decir que es un paraíso puesto a prueba. RAÚL CO-

VISA Realidad cambiante, realidad que es acechada para desprotejer-nos de la libertad emocional… DAVID

CARABEN Podríamos decir que la mú-sica es un paraíso, aunque no sabes todavía muy bien si será dentro de unos años para todas las personas o si solo lo podrán disfrutar la gente con un estatus financiero alto. Por ahora lo utilizamos como una vía de escape, como un mundo imaginario en el que no podemos ser atacados y podemos mostrar nuestras emocio-nes, las alegrías y las tristezas. RAÚL

COVISA El arte en general funciona de muchas maneras y cada uno lo uti-liza como le gusta, puedes utilizar una película para evadir tu mente y puedes utilizarla también para en-trar en contacto con la realidad. Es otro punto de vista, la música fun-ciona en este sentido, la idea sería que pudiéramos hacer las dos cosas, por un lado pasar un buen rato y por otro lado dar pistas de cómo afron-tar la vida y sentirte fuerte para ata-car lo que odias. y es que esa última razón puede ser la que dio vida a la letra “ya No Cierra Los ojos”, una letra que cuenta una tétrica imagen pero sin quitar ese punto poético

y hasta filosófico, como es el paso previo a la vida eterna… DAVID CARA-

BEN La escribí porque hacía tiempo que quería escribir sobre un acci-dente de tráfico. Intente escribir a partir de grabaciones y de gente que había tenido accidentes. La letra se refiere a la manera de afrontar mo-mentos trágicos, pero las letras no renuncian a encontrar lo poético o evocador que pueda tener un acci-dente de tráfico y a la vez sacar lo más escabroso de ese fenómeno y lo que quería era encontrar esos dos extremos a la vez. Esta cogido desde un punto de vista también peculiar. Uno de los dos accidentados con los ojos cerrados está a punto de pasar a la muerte, es el paso previo a la reencarnación. Quería que la letra y la canción fuera como la foto de un accidente. Quería representar el momento álgido de una vida. RAÚL

COVISA y lo han conseguido, la sensa-ción de miedo y catástrofe se mete en tu mente a la vez que escuchas la canción. Los arreglos musicales y la gran producción que acompañan en silencio a cada uno de los cor-tes de este trabajo. Suenan fáciles, sin grandes arreglos, pero con ese toque mágico que hacen que los temas brillen por luz propia… DAVID

CARABEN Si, nos impusimos hacer un disco que sonara como los directos, no queríamos grabar más pistas de las que pudiéramos tocar en directo. Queríamos que tuviera pocas capas de complejidad y que pudiera sonar bien en directo. Arreglamos todos los temas dos semanas antes de ir a grabarlos. Trabajamos todo de gol-pe para que tuvieran personalidad y queríamos hacer algo que no diera tiempo a reelaborarlos, queríamos ir al grano. RAÚL COVISA Simple, com-pacto y lleno de vitalidad, ya pode-mos vivir tranquilos sabiendo que ellos estarán velando las letras de la música.

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La zona de confort de un grupo a la hora de componer discos puede ser la clave para que avancen o se queden estancados haciendo lo mismo año tras años. Texto

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MAy yoU MARRy RICHMEMPHIS-INDUSTRIES 2014

Mitad británica, mitad norteame-ricana Coulourmusic nace como un proyecto entre dos amigos allá por el 2005. El conjunto destaca por emplear un estilo psicodélico con tintes de varios estilos, entre los que vemos folk o rock. Em-peñados en hacer que el cerebro de un triple salto mortal buscan para sus seguidores provocar una sinestesia que haga que más que oír seamos capaces de ver las canciones. y créanme, lo acaban consiguiendo. Tras el lanzamiento de un par de Eps que sobre todo re-sonaron por Estados Unidos ahora nos presentan su largo, MAy yoU MARRy RICH. Aviso para navegantes: vienen curvas, giros inesperados, espira-les hacia dentro y lupins de luci-dez y confusión a partes iguales. Disfrutar el disco es lo que toca, ahora bien, lo que se recomienda es verlos en directo.

TV IN FRANçAIS 100% RECoRDS 2014

TV in Français es el quinto álbum de estudio de esta banda de indie rock neoyorquina. Han sufrido en los últimos años algunos cambios dentro de la formación, pero su sonido propio parece que sigue manteniéndose y evolucionando. Energía, mucha energía, esto es lo que han predicado We Are Scien-tists desde sus inicios, música que impacta, que potencia un estado de hiperactividad, de júbilo, pero que también sabe calmar y suavi-zar impulsos, una serie de idas y venidas, una de cal y otra de arena, algo adictivo. ¿Qué nos encontra-mos en este nuevo disco? Pues eso, por una parte ramalazos de potencia, guitarras que parecen enloquecer en temas como DUMB LUCK (inevitable comparar este corte con JoKER AND THE THIEF, de los grandes WoLFMoTHER) y también en SLoW DoWN. Pero

por otra parte, se han dedicado también a temas más apaciguados, más maduros en el sentido de que dejan de ir a lo fácil y a lo directo, que se aproximan a una música menos frenética y menos juvenil. MAKE IT EASy, CoURAGE o RE-TURN A FLAVoUR reflejan este paso adelante de un grupo que lle-va tocando ya más de una década. Probablemente este álbum sea me-nos dinámico y menos electrizan-te que otros trabajos como su fa-moso WITH LoVE AND SQUALoR (2005). Tampoco cabría esperar otra cosa, es algo natural que una banda evolucione y experimente con nuevos estilos e influencias, ya no son unos veinteañeros. Aun así, un muy buen disco, con can-ciones muy bien ejecutadas y que brinda ocasiones para desbarrar también, si se quiere.

RAVE TAPESSUB PoP 2014

Escocia quiere ser independiente y estos escoceses lo han conse-guido hace tiempo. Una vez más consiguen crear un ambiente místico y sobrecogedor alimenta-do por un ruido con sentido, con melodías que dan paso a la relaja-ción máxima dentro de la tensión. HEARD ABoUT yoU LAST NIGHT parece un sueño, REMURDERED tiene la esencia más personal, con más de seis minutos de can-ción en la que brilla un más que interesante toque electrónico. Por su parte MASTER CARD, tie-ne guitarreos más próximos a The Cure y BLUES HoUR continua con la esencia melodramática con la que Mogwai siempre se ha identificado.

WARPAINT RoUGH TRADE 2014

Ecos, transiciones, capas de soni-do. Adentrarse en un mundo crea-do por estas cuatro chicas de L.A. y dejarse balancear por canciones

que fluyen y rompen entre contras-tes que nos llevan de la oscuridad a la claridad, de la exaltación a la delicadeza. Así resulta un disco, cóctel de influencias y estilos que nos sorprende con cambios trans-portándonos a diferentes direccio-nes en una misma canción como en su single LoVE IS To DIE o en KEEP IT HEALTHy. Doce temas en los que se aprecia complejidad y que en algunas ocasiones requie-ren concentración para adentrar-nos en ellas y evitar que queden sonando como una lejana música ambiental.

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BELLA UNIoN, 2014

Nuevo trabajo de la banda cali-forniana inspirado en una pelí-cula erótica japonesa y que su propio sello ha calificado como difícil de digerir. Esta reciente entrega esta formada por cator-ce nuevos temas en los que gra-cias a sintetizadores analógicos, programadores rítmicos de los años setenta y un equipo de ba-tería consiguen atmósferas oscu-ras e inquietantes, cuyo discurso se centra entre gritos, sollozos y ruido, en el sexo racial, suicidios, dobles penetraciones o miedo al

daño físico. Un álbum tétrico cuyos máximos exponentes pu-dieran ser “A KNIFE IN THE SUN”,

“BLACK DICK”, “ARCHIE FADES” o la joya de la corona “STUPID IN THE DARK”. En conclusión, un álbum que después de ser es-cuchado puede pasar a formar parte de tu lista de reproducción preferida o bien parecerte una marcianada incomprensible, lo que si esta claro, es que no deja indiferente a nadie.

THE CLASSIC PIAS 2014

Madurez y experiencia se expo-nen en el cuarto álbum de Joan Wasser que con un sabor esen-cialmente americano nos lleva desde el soul hasta los ritmos de los grupos femeninos de los ‘60s. Un disco que se perfila con un comienzo fuerte y cargado de energía en canciones como HoLy CITy y WITNESS, pero que sin embargo se va desinflando en su desarrollo. y es que la seguridad y el dominio que muestra la esta-dounidense en lo que hace, puede haberle perjudicado en esta oca-sión dejando como un resultado un disco que por momentos sue-na demasiado controlado y poco emocional.

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NONE THE WISERCooking Vinyl 2014

The Rifles se mueven con soltura entre el rock, el indie, el pop y entre una masa de enloquecidas adoles-centes. El britpop se queda un poco alejado de estas diez canciones en las que navegan por el rock suave de HEBBIE JEBBIES y el pop caramelizado SHOOT FROM THE LIP. Esconden su parte gamberra dejando florecer las melodías afeminadas y ponen serenidad con algunos temas más serios. El disco es in-teresante pero si obviamos unos temas que mejor no destacamos en estas líneas, quedaría mucho mejor.

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DREAMSDARUP ASSoCIATES 2014

Quinto álbum de estudio de los da-neses WhoMadeWho, DREAMS. Un escalón más de la subida a lo más alto. Su pop psicodélico se relaja, pero no os preocupéis ni un poco, todas y cada una de las pistas de este nuevo proyecto siguen sacu-diéndote de arriba a bajo. Pues es una receta a la que ni le falta ni le sobra nada y que desde principios de siglo mantiene a los fans en vilo a espera de nuevas sensaciones. Esta vez, el conjunto ha optado por llevar una temática basada en la introspección personal, histo-rias bonitas y bien contadas que a todos nos dejan identificar algún escenario de nuestras existencias. Perfecto para escuchar en cual-quier lugar y momento. DREAMS se convertirá en parte de vuestra lista de reproducción. Sino me creéis, escuchad ‘THE MoRNING’ una sola vez y luego castigad vues-tra incredulidad con el resto del preciado tesoro llamado DREAMS.

BLooD RED SHoES MERCURY RECoRDS / V2 2014

Siete años y seis discos ha tarda-do el dúo de Brighton en sacar un álbum homónimo. Algo anormal pero que en este caso tiene toda la lógica, ya que es el trabajo que más representa su particular so-nido. Tras quitarse del medio la etiqueta de grupo tipo “The White Stripes” en IN TIME To VoICES (2012) y confirmar la evolución de sonido con el WATER (2013), ata-can ahora con estas doce pistas, en las que sobresale “AN ANIMAL”, posiblemente el himno que releve a “II WISH I WAS SoME oNE BET-TER” como canción más eléctrica en sus directos. El disco rompe a la vez que abre con la instrumen-tal y apropiada “WELCoME HoME” y continúa con la vorágine post-punk que siempre les ha caracte-rizado dejando al oasis más pop como “FAR AWAy” o “STRANGER”.

BRoTHERS AND SISTERSoF THE ETERNAL SoN

SECRETLY CANADIAN 2014

Tras diez entregas de larga du-ración y varios proyectos de música experimental a base de muestras de campo, la cada vez más vasta obra de Damien Jurado sigue enriqueciéndose paulatinamente hasta situarlo como uno de los cantautores de referencia de los últimos quince años. Este undécimo lanzamien-to no revolucionará la carrera del músico de Seattle, pero servirá para apuntalar y desarrollar un elegante discurso fraguado a través de años de trabajo, para deleite de una nutrida cohorte de seguidores en todos por rincones del mundo. La percusión, que co-bra un sutil y genial protagonis-mo, los tintes experimentales y las composiciones dispersas lo alejan de los tediosos clichés del

género y lo acercan al folk psi-codélico de Devendra Banhart o Jim James. Entre diez sugerentes cortes, SILVER TIMoTHy se eleva como brillante epítome y muy recomendable toma de contacto para neófitos.

IN THE SILENCE oNE LITTLE INDIAN 2014

Pensemos en la posible mezcla dentro de un mismo proyecto de la música de Bon Iver, Chet Faker, Sigur Rós, City and Colour, Bei-rut, o hasta Enya. Esto es lo que pasa cuando se escucha el disco debut del jovencísimo islandés de 21 años, Asgeir Trausti, que no se puede clasificar como puro folk, pura electrónica, o puro pop acústico, porque no es ninguna de esos estilos en concreto, sino la deliciosa mezcla de todos ellos a la vez. IN THE SILENCE, encontra-

mos calidad compositiva, melodías sensibles y una producción muy cuidada que permite que convivan guitarras acústicas, secciones de metal, ritmos de cajas y timbales auténticamente folk, con sinte-tizadores de aura psicodélica en temas como KING AND CRoSS o HIGHER. El ritmo general del disco es de medios tiempos o tiempos lentos. GoING HoME es de ese tipo de temas de base electrónica, altamente sensual que podríamos escuchar perfectamente de gente como Chet Faker. Pero IN THE SI-LENCE también contiene cortes como ToRRENT o IN HARMoNy, cargados de energía, imponentes arreglos vocales con coros envol-ventes y la inclusión de guitarras eléctricas. El peligro que corren los discos que se etiquetan dentro del gé-nero folk es que puedan resultar monótonos, por la repetición de determinados patrones rítmicos, melódicos, vocales… Sin embar-go, Asgeir ha conseguido que cada canción suene diferente al resto, con un hilo conductor, sí, pero cada cual con sus propias particularidades. Es destacable y se agradece lo bien que encaja la electrónica, adecuada, sutil, elegante, fruto de un gran trabajo de producción. Islandia sigue sor-prendiendo por la calidad de sus artistas, y Asgeir las tiene todas consigo para disfrutar de un futu-ro prometedor.

BLUE FILM4AD 2014

Aunque ante los primeros segun-dos de LooK AWAy pudiera pa-recerte que te encuentras frente a una réplica de Beach House (la canción que abre BLUE FILM lo hace igual que LAZULI), Lo-Fang se va por otros derroteros, más próximos al pop electrónico de hace tres décadas mezclado con bases de hip-hop y aderezado con reminiscencias a la música clási-ca, combinación que ahora parece estar en pleno auge (Lorde, Wo-odkid). Aquí Matthew Hemerlein lanza su proyecto en solitario ha-ciendo gala de su destreza como músico, tocando cada uno de los instrumentos que aparecen en el álbum. El preciosismo de su dis-co, inspirado por sus viajes a Bali o Camboya, se aprecia en temas como WHEN WE’RE FIRE o ANI-MAL URGES.

SKY SWIMMINGMemphis

Industries (2014)

El dúo londinense Elephant anuncia de-but en largo para el 28 de abril, y para los que hemos escuchado los adelantos que nos fueron mostrando a lo largo de 2013, SKYSCRAPER Y SHAPESHIFTER y el último STATUESQUE, es una fantástica noticia. Amelia Rivas y Chris-tian Pinchbeck han reflejado sus tres años de historia juntos ya, desde que lanzaron aquel ep “ASSEMBLY” hasta ahora, en un álbum que sigue la tónica de su predecesor en corto. Synth-pop melancólico con letras que hablan sobre sentimientos y relaciones personales, in-cluidas la suya propia, que se rompió durante la grabación. Un disco emocional sobre sueños truncados, recuerdos, angustias y desamores en el que la cálida voz de Amelia baila sobre las melancólicas melodías y los sintetizadores contagiándonos de su inquietud vital.

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Too MUCH INFoRMATIoN (DAYLIGHTING/PIAS, 2014)

La banda británica, diez años después de su impresionante debut, nos presenta un nuevo trabajo en el que podemos des-cubrir que sus temas más gui-tarreros y excitantes quedaron atrás. Cierto es que en el álbum encontramos temas como “GIVE, GIVE, TAKE”, “HER NAME AS AU-DRE” o “LIDyA, THE INK WILL NEVER DRy” que nos remiten a sus principios, pero a lo largo del disco descubrimos que con el paso del tiempo el post-punk que los hizo famosos se ha ido diluyendo, dando paso a un soni-do mucho más electrónico como en “BRIAN CELL”, “LEAVE THIS ISLAND” o “IS IT TRUE?”. En de-finitiva, un trabajo en el que en-contraremos buenas canciones y otras no tan buenas a partes iguales, lo que me lleva a pensar, que estos chicos de Newcastle están muy lejos de la magia que envolvió su debut y posiblemen-te nunca consigan o quieran vol-ver a encontrarla.

HoLLyINNoVATIVE LEISURE

RECoRDS / V2 2014.

El primer acercamiento con Ho-LLy te envía directamente a esos garitos llenos de humo y sudor de la Norteamérica de principios del siglo pasado. Nick Waterhouse, músico de San Francisco, presen-ta su segundo trabajo (debutó en 2012 con TIME’S ALL GoNE), una auténtica muestra de respeto al R&B. En treinta minutos se su-ceden diez canciones vibrantes, dinámicas, llenas de ritmo en las que Waterhouse evidencia su destreza con la guitarra, acom-pañando su cautivadora voz con vientos y coros femeninos. Des-taca la cuidada producción a car-go de Kevin Augunas (The Black Keys, Cold War Kids) y del propio Waterhouse.

Too TRUESUB PoP 2014

Dee Dee Penny, líder del cuarteto Dum Dum Girls, ha conseguido que con su tercer trabajo volva-mos la vista a los ‘80, al dream pop, a un sonido refrescante lleno de guitarras y teclados. La presencia de Sune Rose Wagner (The Raveo-nettes) como productor se nota en varios de los temas de Too TRUE, salpicados por la influencia de los daneses. Esta nueva entrega de las californianas es breve, pero inme-diata. Aunque mejora con las escu-chas, resulta un tanto superficial, la mayor parte de sus temas te acarician sin dejar huella. Eso sí, no se puede negar que Too TRUE contiene algunos regalos para los oídos como EVIL BLooMS o IN THE WAKE oF yoU.

TURNING RoCKS SECRET CITY RECoRDS 2014

El 8 de abril ha sido la fecha de lan-zamiento de Turning Rocks, el ter-cer trabajo del matrimonio forma-do por Erika y Simon Angell. Sus canciones mezclan la tradición oral y las historias tradicionales procedentes de la aldea de orust, la isla sueca donde se crió Erika, con la búsqueda de sonidos y la experimentación llevada a cabo en Canadá. La base musical se sostiene sobre la voz de Erika y guitarras profun-das, mucho órgano de aire “vin-tage” y baterías cargadas de re-dobles, timbales y muchos platos. Destaca la sencillez, delicadeza y simpleza con la que comienzan sus canciones, que poco a poco van creciendo, atrayendo nuevos sonidos y ganando en presencia y fuerza. El aire melancólico, que viene dado por las melodías y la voz principal, se combina con lo experimental de una forma muy correcta, que se mantiene dentro de unos límites bastante controla-dos. RoPES, CoULD I BUT DREAM THAT DREAM oNCE MoRE, TUR-

NING RoCKS o THIEFS son cortes que dan cuenta de esta intención por buscar nuevos sonidos. THIEFS precisamente cuenta con la cola-boración de Taylor Kik, creando una oscura y profunda pieza que da cierre al disco, y que bien po-dría encajar en la banda sonora de la reciente y exitosa serie True Detective. No es la única colabo-ración en el disco, ya que también participan nombres como Pietro Amato y Marie-Pierre Arthur.

BIG WHEEL AND oTHERS DoMINo RECoRDS, 2013

El juglar californiano ha vuelto y lo hace con un doble LP. Una especie de road-music, de casi hora y media, a lo largo y ancho de su país natal. Si Dylan es el maestro, McCombs es el alumno

aventajado y a lo largo de los vein-tidós cortes encontraremos todos y cada unos de los estilos que puedas imaginar, desde el blues de “BIG WHEEL”, “UNEARTHED”,

“SATAN IS My Toy”, pasando por el country de “ANGEL BLooD”, hasta el folk de “THERE CAN BE oNLy oNE”... y la mezcla perfec-ta de todo lo encontramos en la gran “BRIGTHER!”. Un trabajo con historias sugerentes, compuestas desde lo más íntimo y profundo de Mr. McCombs y envueltas en una melancolía desgarradora, que si no lo es ya, lo convertirá en un disco de culto.

HERE AN NoWHERE ELSECARPARK RECoRDS, 2014

Una vez escuchado este último ba-lazo de Power pop llegado desde

LIFE AMONGS THE SAVAGES

MemphisIndustries (2014)

Tras tres años de si-lencio, Papercuts pre-sentan nuevo trabajo en mayo. El Sr “Yomeloguisoyomelocomo” Jason Quever (composición, voz y produc-ción) vuelve a hacer derroche de buen hacer en este quinto disco, donde su conocido perfeccionismo musical debe haber rozado lo obsesivo. Es ya un experto en los adornos orquestales y el detallismo en los arreglos, que en este álbum son voluptuosos y afina-dos. Ya en su single de presentación STILL KNOCKING AT THE DOOR anunciaba maneras con un sonido de cuerdas rebo-santes y nos lo ha confirmado con el tema central LIFE AMONGS THE SAVAGES, llena de cadenas ornamentales. Bajo, gui-tarra, violín y piano acompañan a Quever en su camino por el dream pop barroco y luminoso. Recomendable para fans de Spi-ritualized y Zombies.

28 discos

Cleveland, te das cuenta de que es un continuo cambio en cada canción. Empezar con un ritmo cercano a Teenage Fan club para acabar con un frenético punk digno de NoFX es lo que nos proponen en PSyCHIC TRAUMA canción con un título más que apropiado. Poco a poco el disco va evolucionando por el noise rock dejando atrás el rock indie con el que nos tenían acostumbrados en TURNING oN (2009). Afortunada-mente, a finales de mayo despren-derán sudor y energía subidos al escenario del Primavera Sound.

ESSENTIAL TREMoRSATo RECoRDS 2014

Las atronadoras guitarras junto con los ritmos rápidos y huecos de la bateria se dan cita en este nuevo trabajo que lleva por títu-lo “ESSENTIAL TREMoRS”. Sin llegar al rock clásico encontra-mos un abanico bastante amplio de géneros dentro de este disco, desde rock hasta country pasan-do por el reggae en momentos puntuales. Si lo que buscas es pasar un buen rato, MARIGoLD, SAME DAyS y SWEAT SHoCK responden a ritmos fáciles y sin mucho truco.

SUN MARQUEEWESTERN VINYL, 2014

Como un dulce despertar, SUN MARQUEE de Abram Shook se presenta como una de las apues-tas más ambiciosas de esta pri-mavera. El álbum, que consta de nueve temazos se abre paso a través del subconsciente trans-portando a quién lo escucha a un lugar cálido y seguro. El norte-americano presenta una odisea espiritual donde letras de alto contenido romántico que pre-tenden integrar al conjunto de la humanidad en un todo. Un senti-miento y una emoción labrada a través sus viajes por Sudamérica

y por la Asia más exótica. Este hombre a viajado, ha visto y ha vuelto para contarlo, no despre-ciéis este regalo. Mención espe-cial para CoASTAL y DISTANCE que ya se posicionan como los grandes hits del largo.

REFUGIo GRAN DERBY RECoRDS, 2013

Este dúo asturiano nos presentan su tercer trabajo, el segundo en formato largo. Un disco de prime-ras tenebroso e inquietante, en el que la utilización de los samples como un instrumento más, las guitarras, los bajos y la percusión, combinados con la capacidad de emocionar y la melancolía de las voces de Fany Álvarez y José Luis García respectivamente, consi-guen crear unas atmósferas y me-lodías sombrías, emocionales y de una belleza turbadora. Un trabajo muy personal, en el que el recuer-do de Manta Ray, antigua forma-ción de José Luis, esta presente en la distancia y en el que con cada canción, “HE LUCHADo PoR TI”,

“SIETE PECADoS”, “MI INFANCIA”, “DE TUS oJoS”..., nos ofrece un abanico de emociones que, con seguridad, cada uno de nosotros a vivido y sentido.

FELICE STRANGERSDUALToNE RECoRDS, 2014

Hablemos de folk. Hablemos de Simon Felice. Un estilo que pa-rece nunca caducar, suponemos que es por su calmo ritmo y por sus letras acarameladas. En el caso que nos atañe hay que pa-rar un segundo para contar la his-toria de este cantautor que bien podría llamarse ave fénix, pues estuvo clínicamente muerto du-rante veinte minutos. El verano pasado, con el nacimiento de su hija decidió dar a conocer lo mu-cho que tenía que contar y con ayuda de Ben Lovett de Mumford & Sons ha lanzado STRANGERS.

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JOIN THE DOTSHeavenly

recordings 2014

Uno de los grupos del 2013 fue TOY y parece ser que quieren seguir en la cresta de la ola. Siguen en la línea de siempre, canciones largas, psicodelia abrumadora y sin-tetizadores en el momento justo. AS WE TURN es posiblemente el tema con un esqueleto más pop, siempre en la misma línea psicodélica a la que se han apuntado los de Brighton. En JOIN THE DOTS encontramos la paranoia más rít-mica que ha compuesto la banda, locura que se eleva a su máximo exponente en directo. En definitiva, misma línea que en disco debut pero nuevas sensaciones.

CLOSE TO THE GLASS Sub Pop 2014

Este grupo alemán empezó en 1989 y han tocado casi todos los palos. Se han acercado al grunge, al heavy metal y al indie-rock, y ahora experimentan con la electrónica. Sin embargo, la sensación que dan es que son capaces de todo y además de hacerlo con una gran calidad, algo verdaderamente único. Ya sólo con escuchar entero su nuevo disco CLOSE TO THE GLASS se puede apreciar esta característica de la banda, en el que nos encontramos tanto canciones tan primitiva-mente electrónicas como SIGNALS o CLO-SE TO THE GLASS, como otros temas más indie-rock con guitarras y una buena melodía caso de KONG, hasta otras más desarrolla-das a partir de una instrumentación como STEPPIN´N donde la cuerda tiene gran re-levancia, destacando el momento con el que el cello acompaña y dobla la melodía o LINE-RI donde juegan más a la distorsión en unos excelentes minutos. The Notwist, sin duda se atreven a todo y la verdad, lo consiguen.

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Un exquisito álbum que cuenta con innumerables influencias, entre ellas destacan: Nick Drake o Larry Keel. Siempre rodeado de grandes de la talla de Justin Ver-non, cabeza de Bon Iver, este tipo cuenta y canta a la vida.

A HERo’S LIEMoTIoN AUDIo 2014

Grey Reverend es el pseudónimo bajo el que se esconde L.D. Brown, cantautor de cautivadora voz e in-trigante sensibilidad. Este blues-man moderno, tal y como él mis-mo se define, comenzó su carrera musical en 2005, desde su sencillo estudio casero de Philadelphia, y perseveró en su tardío talento para la guitarra y la improvisación jazzística con Wes Montgomery y Grant Green en el horizonte hasta que, lamentablemente, una disto-nía focal de las manos lastró su incipiente carrera en ese ámbito y le llevó a centrarse en el aspecto vocal y arreglístico de sus com-posiciones con notable éxito. Con su segundo largo, L.D. se desen-vuelve en una lírica honesta, que encuentra el acomodo perfecto en una voz desnuda y en un ambiente susurrante, cercano e íntimo y en el que destacan PoSTCARD y el tema homónimo.

MooNBELLA UNIoN, 2014

Exquisito y delicado son los primeros adjetivos que se le vienen a una a la cabeza tras la escucha del álbum de debut de Stephanie Dosen y Simon Ray-monde. Ninguno de los dos son debutantes, ella ha puesto voz a grupos como Chemical Brothers o Massive Attack y él ya es un viejo conocido del pop mágico y atmosférico desde sus años en Cocteau Twins. En este proyecto han aunado intenciones y la an-gelical voz de Dason flota sobre el piano de Raymond en perfecta

armonía, creando un ambiente irreal, delicado y con un punto fantasmagórico. El precioso single PoRCELAIN, derroche de elegancia y arreglos vaporosos, es de esos que deberían apare-cer en un manual de cómo hacer dream pop del bueno. ¿Un pero? A veces tanto dulce puede llegar a empalagar.

JULy BELLA UNIoN, 2014

La frialdad de su voz se encap-sula por el acompañamiento de una segunda lírica dentro de cada una de las canciones de este nue-vo trabajo. JULy es minimalista, guitarra acústica a dos voces y en ocasiones un triste piano que puedes encontrar en 1923 o IVE GoT yoUR NAME. La sorpresa llega en DEAD CITy EMILy que se sale de su zona de confort. Si te quedaste desconcertado con el último disco de Russiand Red pásate a Marisa Nadler.

WILDWoMANPIAS 2014

Joess Wolfe y Holley Laessing son el nombre de las vocalistas de lucius. Un grupo, que afin-cado en Brooklyn, ya tiene sus seguidores en Nueva york y no para de acumular buenas críti-cas. Merecidas son, la verdad, si escuchamos su primer álbum WILWoMAN en el que destacan las voces de estas dos vocalis-tas como una funsión coherente y catártica; sin adornos. Sin em-bargo, el conjunto del disco va mucho más allá. Difíciles de en-casillar en algún estilo determi-nado, puedar moverse con soltu-ra entre el country, la new wave y el indie-rock. Destacan cancio-nes como por ejemplo Go HoME y su alucinante solo de guitarra, o las inspiradoras TWo oF US oN THE RUN y MoNSTERS. Muy re-comendable.

THE BRINKPIAS, 2014

Se ha dicho de ellos que tienen un estilo donde el power por y el indie rock se fusionan, lo cierto es que aunque suena a ambos la mezcla sienta bien, como una ráfaga de aire fresco y revitalizante. El cuar-teto de las antípodas presenta su segundo largo, THE BRINK, disco que sólo hace que consolidar su posición en el panorama interna-cional que ya desde PRISIoNER (2011) hizo un hueco más que me-recido. Ahora, el cuarteto sigue encandilando allá por donde va. Esa voz femenina de Hayley Mary que, en ocasiones, nos recuerda a los de Metric, no deja indiferente. Probad y veréis.

THE FUTURE´S VoIDCITY SLANG, 2014

Hace tres años Erika M. Anderson sorprendió a propios y extraños con su primer trabajo en solita-rio, bajo las siglas de EMA, PAST

LIFE MARTyRED SAINTS donde letras sobre automutilación, dro-gas o sexo bailaban al ritmo de un sonido inclasificable que a veces se acercaba al folk más intimista y a veces al noise más crudo. Así es ella. Este segundo álbum sigue siendo emocionalmente intenso, pero sus preocupaciones ahora parecen ser más la pérdida de la individualidad y la deshumaniza-ción de las nuevas tecnologías. En la balada 3JANE nos canta al final

“Pero la disociación, supongo, es sólo una enfermedad moderna”. El single que abre el disco, SATE-LLITES es industrial y sucio, un trallazo de guitarras ruidosas y es-tribillo contundente. Grunge pop, industrial, cyberpunk… a la ame-ricana le gusta experimentar con todo. Hay quienes la comparan con Pj Harvey o Nine Inch Nails. Ahí es nada.

FIFTHYEP RoC RECoRDS, 2014

Pat Sansone junto con John Sti-rratt, este último ya popular por desempeñar un papel fundamen-tal en grupos archiconocidos como Wilco o Uncle Tupelo, lle-van ya tiempo haciendo la músi-ca que a ellos gusta y a nosotros encanta. Este 2014 nos traen FIFTH, uno de esos discos don-de todas, absolutamente todas las canciones son un verdadero

30 discos

ANIMAL HEARTLojinx records 2014

Nada sería el pop elec-trónico sin una voz bonita y carismática. Tan carismática como la de Nina Persson, la cual queda muy bien dentro de un paraíso de sonidos electrónicos y llenos de vida como las canciones que forman parte de este “ANIMAL HEART”. Instrumentación exquisita adorna-da por matices electrónicos tan bien colocados que parece mentira que todo sea obra de esta mujer. Sin duda con este disco a Nina le ha tocado el gordo.

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regalo. Nadie pude renegar de la música bien hecha, del estilo y clase que resuena en la gris y que sin que te des cuenta andas canturreando más emocionado de lo que deberías. Por mencio-nar alguna ‘THINGS THAT I’VE FoUND’ y ‘AUGUT SoNG’, o bue-no también está ‘CALLING yoUR NAME’, y así podría uno seguir hasta doce.Un trabajo que empezó a dar sus frutos en 2002 y que ahora está tan dulce y maduro que resistir-se a saborearlo suena poco más que absurdo.RECoMENDABILÍSIMo!

WoRD oF MoUTHCooKING VINYL, 2013

Tras más de una década y siete discos en solitario a sus espaldas, los años de los Lakerman Brohers deben resultar lejanos para el bueno de Seth, que ha seguido explorando por su cuenta los bru-mosos caminos del folk británico. Con violín, banjo y guitarra tenor como armas fundamentales, los doce cortes de su séptima entre-ga suenan a bailes campesinos y a encuentros entre elfos y extra-ños caminantes, pero todo ello con un marcado regusto a mer-cado medieval y tienda de souve-nirs. Seth Lakerman pretende con este trabajo rebuscar en lo an-cestral y alimentar la evocación a partir del imaginario mágico de las islas, pero el resultado es superficial y cansino, como una suerte de cruce entre un John Mayer aún más autocomplacien-te y adulto con un Ian Anderson despojado de talento y sentido del ridículo. Aquí ya tenemos lo nuestro, gracias.

LETS Go EXTINCTNEW WoRLD RECoRDS, 2014

El nuevo disco del conjunto bri-tánico LETS Go EXTINCT sigue por el camino que ya abrieron

en sus dos discos anteriores. Mucho indie y folk como desde sus comienzos pero con una combinación sensata de los dos estilos. Sintetizadores que enca-jan con vientos madera y metal como ocurre en LIFE IN THE SKy o canciones con influencias más clásicas y de la new wave como en A DISTANCE, hasta una más disco y bailable como es LAN-DLoCKED. Sin duda todas las canciones del disco tienen su personalidad propia pero no por ello pierde coherencia el conjun-to. Un disco que parece juntar lo mejor de su primer álbum RE-SERVoIR(2009) y el anterior Ro-oMS FILLED WITH LIGHTS(2012). Sin duda han sabido aprovechar todo lo aprendido anteriormen-te y sorprender con su nuevo trabajo.

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UNDERGRoUND RECoRDS, 2014

Holy Mountain toma su nombre de una película de Alejandro Jo-dorowski y reúne a tres miembros destacados de la escena de Glas-gow, que ya pasaron anteriormen-te por otras bandas de sonido dispar como Idlewild o De Salvo. Su segundo trabajo es un notable

ejercicio de estilo, en el que no esconden su inconfundible simi-litud con otras bandas británicas de hard rock, stoner o space rock como Hawkwind, Gong o Black Sa-bbath, mostrando una mayor pre-dilección por sonidos crudos y los medios tiempos que otros conjun-tos equiparables. El tratamiento de las voces, que aparecen conti-nuamente en un oscuro y distor-sionado segundo plano, aportan un sentido mántrico al conjunto, cuya producción y composición resultan a la larga lineales y poco imaginativas.

PRESENT TENSEDoMINo RECoRDS, 2014

Domino Records apostó sobre seguro y cuando una empresa sale rentable, pues no se deja es-capar. PRESENT TENSE es lo más nuevo y contundente que hasta ahora se nos ha mostrado del conjunto de Kendal. Ritmos re-pletos de electricidad con temas agitados y tranquilos que con-forman un mejunje poco menos que espectacular. Algunos dicen que suenan como Hot Chip, y no van muy desencaminados, lo que pasa es que existe una diferencia bien notoria, estos no tiran tanto de sintetizador, además son más tranquilos y no se dejan llevar por la emoción, sino es la emo-ción la que te lleva a ti. PRESENT TENSE no se deja ni un as bajo la manga, toda la carne en el asa-dor, y claro, el éxito se prevé a ciencia cierta.

UNDRESSBMG CHRYSALIS

/ CURUjA SoNGS, 2014

Apenas hace un año que lanzó un álbum con versiones acústicas de su disco de debut KISMET (2007), en ellas mantuvo el mismo brillo que las originales pero se sentían completamente nuevas. Bajo ese mismo espíritu surge este

32 discos

SYLVAN ESSOPartisan

Records, 2014

Amaelia Meath es vo-calista en un peculiar grupo de folk a cape-lla llamado Mountain Man, por su parte Nick Sanborn proviene del sintetizador y la electrónica, mas cono-cido por ser miembro de Megafaun. Esta aparentemente antagónica pareja musi-cal ha encontrado punto de unión en su experimento conjunto que han bautizado como Sylvan Esso, donde logran fusionar folk-pop y electrónica en una simbiosis muy efectiva. El centro absoluto es la potente voz de Meath, que contrasta en calidez con la frialdad de los sonidos metalizados. En 2013 colaboraron en lo que iba a ser única ocasión en la potente PLAY IT RIGHT y la conexión fue tan buena que decidieron divertirse un poco más. El single de pre-sentación COFFEE es obsesivo, de bajos pesados y atmosfera onírica donde el ca-lor de las voces parece guiarnos hacia la salida. La indescriptible HEY MAMA es un experimento que comienza con sonidos a capella y que termina bailando a ritmo de sintetizadores oscuros y tambores metálicos. Una agradable y atrevida sorpresa, que falta nos hacen.

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trabajo en el que la californiana desnuda los cortes de HAUNTING My DRESS (2010), sin seguir un formato acústico como tal, la producción es más minimalista que la de las canciones origina-les. Tampoco es una reinvención, más bien capta esas composicio-nes de una manera más íntima y personal, con la instrumentación reducida a casi cero.

DoT To DoTSANT MARIE RECoRDS, 2014

En su tercer largo, Lisa Masia y Marina Crisofalo nos transpor-tan al folk psicodélico de los sesenta con estilo pop y shoega-ze brumoso. El álbum toma un sonido más maduro gracias a la batería acústica de Valentina Magaletti. El conjunto impulsa las pistas hacia un espacio que alcanza lo onírico y que descu-bre paisajes sonoros caprichosos e hipnóticos. Los sintetizadores, el órgano vintage y la gran varie-dad en la percusión esconden un tierno encanto, sensación cine-matográfica en general. El resul-tado se aproxima a bandas como Au Revoir Simone o Beach House. Satisfacciones románticas de ciencia ficción como No WAy y DREAM oF BEES son caviar para el paladar.

SAUDADEESL MUSIC, 2014

Rob Garza y Eric Hilton vuelven a sus inicios con su octavo disco, SAUDADE. La bossa nova reina entre tema y tema pero a la vez se diluye hacia el jazz, con temas sensuales como la gran CLARIDAD o la fugaz SoLA IN CITTA. Una pro-ducción de estrella se agrupa en estos trece temas que como digo se mueven entre la bossa nova y el jazz de forma muy peculiar y llena de pasión. Un largo afable y lleno de magia.

DREAM CAVEINFECTIoUS RECoRDS, 2013

El cuarteto australiano Cloud Control ha lanzado hace algunos meses lo que es su segundo álbum DREAM CAVE. Estos tres años pa-rece que le han servido para madu-rar y saber a donde querían llegar

y el resultado es más que satisfac-torio. El disco en sí es un viaje que te va llevando perfectamente de un lado a otro. Con su dream pop ca-racterístico en algunas canciones como THE SMoKE,THE FEELING. Destaca DoJo RISING, un him-no de movimiento constante que engancha y la canción con la que cierran el disco DREAM CAVE que es una progresiva introspección-por lo del goteo de la cueva kárs-tica- hasta el punto culminante del disco que se cierra de una forma muy eficaz.

Lo-FANTASyPAPER BAG, 2014

Aunque conocidos en Canadá, el quinteto de Montreal no tiene mu-chos seguidores al sur de la fron-tera. Lo nuevo de Sam Roberts pudiera alcanzar la tierra prome-tida pero no podrá perpetuarse. El álbum se puede calificar como un paso hacia la izquierda, algo me-nos conservador, más sintético pero nada excepcional. Se echa en falta equilibrio entre sus raíces rockeras y el funky primaveral de su nueva propuesta. Si bien la le-tra es indistinta y su mensaje de-masiado convencional, deficien-cias del pop bastante comunes, la frescura de temas como METAL SKIN o las guitarras afro-pop de Too FAR le dan para llegar al aprobado, raspadito.

DARLINGSARTS & CRAFTS, 2014

Kevin Drew es un músico y com-positor de Toronto que ya lleva tiempo en la música. Ha trabajado en Broken Social Scene y ante-riormente en KF Accidental. Su último disco en solitario, SPIRIT IF… (2007), no tuvo mucho eco en nuestro país. Una constante en sus trabajos son el sexo, las drogas y la polí-tica que se mantiene en su nuevo disco DARLINGS. En el disco la

guitarra funciona casi únicamen-te como un elemento de soporte y los toques electrónicos más de lo mismo, aunque su estilo esté cerca de synth pop. Destaca su gran habilidad para las letras que tienen una visión crítica, irónica y directa de la realidad. Canciones como GooD SEX BUTTER, BoDy MEXICAN, AFTERSHoW PARTy y BULLSHIT BALLAD son realmente aconsejables por su austeridad y virtuosa sencillez.

CUPID DELUXEDoMINo, 2013

Dev Hynes cantante, compositor, letrista y productor saca su segun-do disco como Blood orange des-pués de que el primero CoASTAL GRooVES pasara casi desapercibi-do. El disco es un acierto desde el minuto uno. Quizás por su estilo retro y la gran cantidad de influen-cias y colaboraciones que el disco encierra. Destaca el single CHA-MAKAy que entra poco a poco con un sonido exótico y yoU ARE NoT ENoUGH con una melodía muy trabajada y sorprendente.

33 discos

ENGLISH OCEANATO Records, 2014

¿Qué ocurre si juntas a Dylan, Cash, Los Sto-nes y Tom Petty? Que te sale este disco y es que el nuevo trabajo de Drive By Tuckers se queda en una simple imitación de algunos grupos conocidos por todos. Aprueban por los pelos, aburriendo en momentos clave del disco sin ubicar muy bien ciertos instrumentos que dejan a la canción desamparada. SHIT SHOTS COUNT remarca ese rock añejo que tanto adoramos mientras que las demás se quedan a medio camino.

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Sr. Bermúdez es el álter ego de Igor Arregi (San Sebastián 1975). Su trayectoria le a llevado a tra-bajar en sus primeros pasos como fotógrafo y di-señador junior en el estudio de la diseñadora de moda Mónica Lavandera. Época febril en la que mientras realizaba los patrones para su primera colección en el estudio, le llamo un amigo encar-gándole un cartel.

Después de un par de años alternando la moda con el diseño de cartelería de manera informal y viendo la gran acogida que tenían sus carteles, decide dedicarse única y exclusivamente al tra-bajo como diseñador freelance.

Sus trabajos, minimalistas, juegan con la duali-dad de los objetos y hacen referencia a reflexio-nes personales, música, series, cine. Trabajos que respiran sencillez pero que ocultan la mayoría de

las veces detrás de cada imagen, la intersección de dos conceptos. Ideas que se entrecruzan para dar lugar a imágenes que pueden transformarse en carteles alternativos de películas, imágenes cargadas de fuerza que simplemente nos trans-miten algún pensamiento inspirador o evocador de esos que nunca vienen mal.

La idea para Artelados era reflejar el compromi-so del proyecto con el mundo del diseño, la mú-sica y el vino. Así la colocación de las botellas de vino boca abajo, nos recuerda instintivamente la vista cenital de un piano, idea sencilla la de unas botellas que a su vez al vaciarse, simulan los be-moles y sostenidos de un teclado. Vino, música y arte, consiguiendo así con tres elementos, aunar y dar forma al proyecto Artelados.

www.senorbermudez.com

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arteladosSr. Bermúdez

de ofrecer una visión panorámica, ecléctica y cualitativa del amplio espectro de ramas presentes en la creación ligada a la música electró-nica y las artes visuales. El L.E.V. es uno de esos festivales que arrancó su andadura hace ocho años de forma discreta, paso a paso, centrado en la vertiente más experimental tanto de la música electrónica como de las artes visuales. Asumiendo de ante-mano que el L.E.V. no será, ni puede ser un evento multitudinario, pero lo que sí es y siempre será es la calidad como santo y seña del festival.

y así es como han llegado a esta octava edición que tendrá lugar del 1 al 3 de mayo en tres espacios de la ciudad de Gijón: a los ya conocidos en anteriores ediciones La-boral Ciudad de la Cultura y Jardín Botánico Atlántico se le suma el Teatro Jovella-nos que en esta edición es el encargado de dar conti-nente el jueves 1 de mayo a una de las primeras de las actividades de L.E.V. 2014: el espectáculo TRINITy, una pieza de danza interactiva concebida por oscar Sol e Iris Heitzinger con música del compositor asturiano Ramón Prada aka Vittus.

Para esta octava edición, el L.E.V. volverá a contar con una programación centra-da en destacar impactantes proyectos audiovisuales y artistas que transcienden géneros y etiquetas. Así Robert Henke estará pre-sentando el impresionante show de lasers LUMIèRE, los míticos Esplendor Geomé-trico que volverán al norte

de España veinticinco años después de su última actuación,AToM™: y su directo audiovisual HD, Koreless, Douglas Dare, Vatican Shadow, Vessel, Fasenuova, Aoki Takamasa o Luke Abbott son algunos de los artistas confirmados.

El Festival tiene muchos puntos fuertes, uno de los principales es sin duda el acercarnos trabajos de artistas contemporáneos que se mueven en los límites de la in-dustria musical. Un acercamiento a pie de escenario que supone el contacto directo entre el público y los artistas; una comunión en la

que la audiencia se entrega com-pletamente, vibrando con cada beat hasta estallar en una euforia de sensaciones.

y para muestra que mejor mane-ra de poner en valor a un festival como el L.E.V. que analizando dos partes y contextos diferentes del festival, como es la participación de dos grandes nombres como son Fasenouva y Atom™: Dos entrevis-tas que completan nuestra inquie-tud y amor por un festival como el L.E.V., una propuesta que trata de ofrecer una visión panorámica, ecléctica y cualitativa del amplio

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L.E.V. viii FESTivAL inTERnACiOnAL DE CREACiÓn AUDiOviSUAL DE GiJÓn

L.E.v. o Laboratorio de Electrónica visual es desde el año 2007, un innovador pun-to de vista de la electrónica en el más am-plio sentido, un punto de vista que trata

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espectro de ramas presentes en la creación ligada a la música electró-nica y las artes visuales.

Dos entrevistas que nos proporcio-nan dos puntos de vistas diferentes, el internacional con Atom TM que nos presentara su directo audiovi-sual HD y el punto de vista nacional, reflejado y representado perfecta-mente por Fasenouva, propuesta que a crecido a la par que el festival y con la que destacamos la implicación del colectivo de personas que está de-trás del L.E.V., que siempre a tenido una especial dedicación con la parti-cipación de artistas asturianos en el festival, propuesta que ha sido una constante desde la primera edición. Demos paso a la primera de ellas…

H D D e A t o m ™

PoP, PsicoAcústicA y lA

fisicA De otros ruiDos

Por luis f. sAAveDrA

LUIS F. SAAVEDRA originario de Frankfurt, Uwe Schmidt, desde que diera sus primeros pasos en la música alre-dedor del año 1985 ha ido afirmán-dose como uno de los más grandes compositores, alcanzado una gran notoriedad internacional gracias a sus numerosos proyectos, trabajos publicados y estilos musicales explo-rados. Su obra incluye trabajos con y para artistas como Depeche Mode, Air, Bill Laswell o la yellow Magic or-chestra entre muchos otros.

Su último trabajo, HD (Raster Noton, 2013), es una obra maestra que pue-de ser descrita como la quintaesen-cia electrónica de AToM™: una mez-cla perfecta de pop, abstracción y groove poderoso.

HD, es un planteamiento audaz que supone el acercamiento a la canción de Uwe Schmidt, con apariciones de Jamie Lidell, Jorge González o Alva Noto.

Uwe Schmidt nos revela en estas lí-neas la historia que hay detrás de HD, reflexionando sobre el pop imperia-lista, aventurándose sobre futuros posibles.

Si bien Uwe Schmidt atesora desde 1990 más de doscientas publicacio-nes entre colaboraciones con otros músicos y ediciones bajo innumera-

bles alias como; Atom™, Atom Heart, Señor Coconut, LB. La que nos ocupa en estas líneas es su último trabajo HD, lanzado por la etiqueta alema-na de electrónica de avanzada Ras-ter-Noton. Propuesta rápidamente apreciada tanto por consumidores habituales como por la crítica espe-cializada, despuntando así como un hito relevante dentro de su ingente producción, repartida, a grandes ras-gos, entre acid y techno para la pista, electrolatino, abstracciones ruidis-tas y algo parecido al pop.

Aunque, si hablamos de pop, para Schmidt el término significa mucho más que canciones de extensiones radiales, coros pegajosos y referen-cias al pasado. En HD hay todo eso, pero las piezas de gestos funk, r&b, rock o electro aquí son capturadas por su particular imaginación sonora, compuesta de clichés, electricidad estática y espacios vacíos. Atom™ propone en este trabajo una intensa experiencia auditiva, que con la aten-ción debida va desvelando las ideas e intenciones que su autor ha ido ma-durando los últimos años.

“HD es una especie de re-sumen conceptual de la producción reciente del multifacético Schmidt”.

LUIS F. SAAVEDRA Concebido en 2005 como HARD DISC RoCK, el disco ha tardado casi nueve años en materia-lizarse en HD. y es que cuesta creer que un tipo tan metódico como Uwe Schmidt haya perdido no una, sino dos veces todas las mezclas que eran el alma de este trabajo, (la pri-mera por un error suyo y la segunda por la incompatibilidad de una ac-tualización del sistema operativo de Mac)… UWE SCHMIDT Fue desesperan-te, perdí completamente la motiva-ción con este proyecto, tuve que hacerla dos veces… Así que dije

“adiós, con este disco LUIS F. SAAVEDRA

nos revela Schmidt, en un español con acento alemán. y a continua-ción concreta… UWE SCHMIDT Pasaron siete años, mi actitud, mi interés ha-bían cambiado. Hard disc rock tenía mucho que ver con el rock, con la ac-titud del rock, con grabaciones de guitarras y amplificaciones. ya no me interesaba la idea inicial, pero sí al-gunos momentos concretos y algu-nas sensaciones y energías asocia-

das a esos momentos. De las nueve canciones que hay en HD, tres vienen de los temas de HARD DISC RoCK. LUIS F. SAAVEDRA Sorprende sin duda un trabajo como HD dentro del catálogo de Raster-Noton, HD es, probable-mente, el disco más pop del catálogo de Raster Noton…. UWE SCHMIDT Sí su-pongo que sí, de todas maneras. Lo que siempre me gustó de Raster-No-ton, desde que me invitaron la prime-ra vez para LIEDGUT (2009), fue que me dijeron “queremos un disco tuyo, pero que no sea un disco pensando en Raster-Noton como los que hace-mos nosotros, sino que seas tú. Pue-des hacer lo que quieras”. Eso es lo que me gustó de ellos, que confiaron en que no iba a hacer algo, no sé, flo-rido y naif, pero tampoco algo que me comprometiera hacia su formato. Ellos son muy conscientes no sola-mente de su obra, sino también de su sello y la línea que están creando. LUIS F. SAAVEDRA: Para un sello tan radi-calmente experimental, acercarse al pop sí que es un riesgo… UWE SCHMIDT No son gente inexperta que han teni-do suerte, no se han encontrado por casualidad con algo. Como le pasa a muchos sellos, que nunca han pensa-do en algo especial y han terminado encasillados en un estilo concreto porque les gusta y son incapaces de avanzar y de proyectarse hacia otros terrenos, Raster-Noton busca crecer y encontrar nuevos caminos, la idea de la gente de Raster-Noton es factu-rar una música y un arte mucho más tecnológico que tiene que ver con el avance, puede ser un poco peligroso quedarse anclado en un estilo del 2001. Ellos son muy conscientes de eso y por eso siempre hacen cosas raras, que tienen algún punto de co-nexión con lo que han hecho, pero que a la vez también progresan. LUIS

F. SAAVEDRA HD es un disco compuesto, programado y arreglado por Atom™, pero para el cual recurrió a colabora-dores, así Alva Noto aportó beats y ruidos en el crescendo techno “ich bin meine maschine”, Jorge González hizo coros y tocó el bajo en la versión ciberpunk de “my generation” de los Who, el fundador de Holden Domini-que Dépret grabó las guitarras en el oscuro blues digital “the sound of decay” y Jamie Lidell puso su voz soul en “i love u (like a love my drum machine)”…. UWE SCHMIDT Tenía ideas muy claras de lo que quería para cada tema, así que fue más sencillo

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de lo que a primera vista parece, sim-plemente buscaba los músicos que encajaban para cada tema. Por ejem-plo, en “Pop HD” quería una canción en francés (canta el bajista de Señor Coconut, Jean-Charles Vandermyns-brugge), porque el HD me gustó mu-cho en ese idioma. La palabra HD suena bien y funciona en todos los idiomas, por eso me gustó el título del disco, porque HD es atrevido, grande, es en mayúsculas y uno a simple vista ya cree que entiende de qué se trata. LUIS F. SAAVEDRA La sigla HD la vemos todo el día en multitud de aparatos tecnológicos… UWE SCHMI-

DT Bueno esa es tu percepción (Risas), para ti HD puede ser High Definition y para mí Hard Disc, pero da lo mismo. La cosa es que funciona como icono, más que como mensaje. y lo otro que me gusta es que, como es una abre-viación, se puede decir en todos los idiomas. LUIS F. SAAVEDRA Muchos nom-bres propios en este trabajo, pero sin duda destaca actualmente Jamie Li-dell… UWE SCHMIDT Hace algunos años hice una remezcla para Jamie, y le pedí que no me pagara económica-mente, que prefería un trueque, que él cantara en una canción mía. Sin bajos, sin teclados: drum machine y él. Sin su colaboración no hubiese sa-cado esa canción, así nace I LoVE U (LIKE A LoVE My DRUM MACHINE), el corte r&b con guiños a Prince que interpreta el productor y cantante in-glés. Este tema fue la última graba-ción de HD, pero la que más costó concretar. Lidell mandó su parte de voces, 28 pistas nada menos, al filo de la entrega del disco. LUIS F. SAAVEDRA HD significa Hard Disc para Atom™, porque las canciones provienen del original Hard disc rock y pasaron de un disco duro a otro durante años hasta editarse, pero si consideramos el exquisito sonido tridimensional y las meditaciones psicoacústicas de cortes como “riding the void” o

“strom”, donde la electricidad estática se manifiesta de manera rotunda en el espacio y en los oídos, la idea de High Definition también cobra cohe-rencia…. UWE SCHMIDT Hay muchas co-sas en HD que tienen que ver con el espacio, por eso no es compatible con sistemas mono, ni con el vinilo. Tenía muchas ideas definidas relacio-nadas con la física del sonido que ha-bía experimentado todos estos años y que quería concentrar en ciertos mensajes, no solamente que sean jue-

gos técnicos, sino que fueran utiliza-dos para ciertos mensajes, como “Ri-ding the void”, donde juego con las fases. LUIS F. SAAVEDRA Pregunta inme-diata… ¿Por qué dejar fuera a un so-porte tan vinculado a la electrónica como es el vinilo? UWE SCHMIDT Cuando haces un corte para vinilo el bajo siempre es mono, porque la aguja no puede computar mecánicamente el lado izquierdo y el lado derecho de manera diferente, se salta, tiene que ser idéntico, es una cosa de fase. En este disco hice muchas cosas que mis amigos ingenieros me decían “eso no se hace”. Por ejemplo, desfasar el bajo, que tiene el efecto de que si es-tás en el medio se anula la onda, en cierto punto de tus altavoces desapa-rece, no hay bajo. Lo que me gusta mucho de este efecto es que si te mueves en el espacio de tu sala, estás más en el sonido, los elementos que desfasé se empiezan a mover en la sala. ¿Dónde está el sonido? El soni-do está en tu cabeza, no solamente en el aire sino en todo el proceso de la música. LUIS F. SAAVEDRA Entonces, ¿cómo recomiendas escuchar HD?

UWE SCHMIDT En el disco dice que no es compatible con formas de reproduc-ción inferiores. Creo que la música funciona como mensaje en lo básico en tu iPhone, pero no es la idea. Can-ciones como “riding the void” y

“strom” y muchas otras tienen mucho que ver con lo que viví en el Labyrinth. La gracia de ese encuentro de música electrónica avanzada es que el soni-do, a diferencia de la mayoría de los festivales, es lo más importante, la obsesión de sus organizadores. ¿Cómo logran el mejor sonido del mundo? Con el sistema Funktion one, el más potente y puro equipo de soni-do de la actualidad Es, para mí, la apertura de un posible camino de la música, electrónica sobre todo. LUIS F.

SAAVEDRA HD tiene elementos de pop, de códigos reconocibles, pero lleno de fricciones, de subversión. Hay gui-ños a Kraftwerk, a Prince y a muchas otras cosas si uno se quiere fijar. UWE

SCHMIDT yo lo veo como un disco pop en el sentido de que maneja códigos del pop, maneja citas, lenguajes y re-ferencias. Me pasó algo muy curioso: una vez estaba dando una entrevista, una sesión de fotos de Señor Coco-nut en San Francisco, y con el fotó-grafo fuimos a uno de esos cerros de San Francisco y mientras lo espero que instale sus cosas miro alrededor

y de repente pienso – yo he estado aquí, todo me parece familiar – y era porque de niño vi (la serie) The streets of San Francisco, y habían implanta-do San Francisco en mi mente. Para mí era diversión, eso mismo ocurre con HD, el mensaje era compatible a otras facetas o campos de la vida. LUIS F. SAAVEDRA ¿A eso te refieres cuan-do dices “sonic invation / from nation to nation / Gaga, Gomez, Timberlake / give us a fucking break” en SToP (IM-PERIALIST PoP)? UWE SCHMIDT Cuando nombro a esas personas no me refie-ro a esas personas en sí, pueden ser válidas como artistas, pueden querer expresar sus cosas, pero si miras la historia son intercambiables. Lo im-portante es que estén reproduciendo un way of life. Quería una canción un poco polémica, sabiendo que es inco-herente filosóficamente o sociológi-camente, pero tenía que ser incohe-rente. Lo que me interesaba, más que el mensaje en sí, era una canción que crease cierta fricción. Nietzsche una vez –uno elige su público a través de su contenido– , lo que me parece completamente válido. Quería una canción política cruda y de alguna manera simplista, que pusiera un tema de una manera muy pop. Tiene ciertos giros que no son muy lógicos, como “fascist control thanks to rock and roll”, y uno se pregunta qué tiene que ver el rock and roll con el fascis-mo, pero yo veo la cultura pop… LUIS

F. SAAVEDRA Temas como “stop (impe-rialist pop)” o “empty” (“internet ki-lled the video stars / mtv, empty-v / mp3 killed mtv”) son críticas claras al pop como instrumento del imperio, pero el cover de The Who, “my gene-ration”, con Jorge González en los co-ros y un final ruidista, no es tan claro. UWE SCHMIDT Nunca he hecho música con esta idea de Sting o Bono, en que compongo unos acordes, codifico algo, lo mando al mundo y espero que lo decodifique. En mi opinión eso es naif, es muy aburrido, para mí no es arte. El arte es perturbar, básicamen-te, es su gran poder, lo que distingue la pintura del diseño gráfico. El dise-ño gráfico reconforta, un buen pintor te pone incómodo de alguna manera. LUIS F. SAAVEDRA Con más de veinte años grabando incontables discos, ¿te sientes en total dominio de las máquinas, son para ti como una ex-tensión de tu cuerpo? UWE SCHMIDT Ma-nejo cierto lenguaje que tiene que ver con determinadas herramientas. Lo

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que me interesa es la rutina del trabajo, es decir apren-der cosas y convertir este lenguaje artificial en algo natural. Nietzsche lo llama así: hacer lo artificial de uno o del mundo en natural, como andar en bicicleta, que es una cosa artificial, porque uno se sube a una cosa de metal que no sabe qué es. Para mí hacer músi-ca tiene mucho que ver con eso, con convertir experien-cias nuevas, ajenas, artifi-ciales, al lenguaje natural tuyo, y para mí siempre ha sido importante ampliar este lenguaje. LUIS F. SAAVEDRA De HD dices que es “espiri-tual, musical y científico”.

UWE SCHMIDT Sí, yo puse esas tres palabras porque a cier-tas personas le podrían inte-resar y pueden conectar con estos tres puntos, quizás no. Para mí es una sola cosa. Lo espiritual, en este caso, no tiene que ver con religión. Para mí hacer música es una cosa muy rara. Cómo apare-ce una canción, cómo se ma-nifiesta, dónde está ubicada, en este caso en un disco duro y ahí la co-nexión con lo tecnológico. y lo más fascinante de todo es que en la músi-ca electrónica uno usa corriente que viene del enchufe, que en sí es una cosa rarísima porque nadie tiene una idea cierta de lo que es aunque lo ma-nejemos y funcione. Para mí la elec-tricidad es como el aura de Dios. LUIS

F. SAAVEDRA ¿Sientes que has hecho algo muy especial en HD? ¿Qué espe-ras de él? UWE SCHMIDT (Risas) Trato de no proyectarme ni tener esperanzas de los conciertos o discos. Me subo a un escenario y trato de hacerlo lo me-jor posible, que sea un buen momen-to. Con los discos es lo mismo: la can-tidad de trabajo que está dentro de un disco como HD es tan grande y no es proporcional a cualquier expecta-tiva que podría tener. Sería una estu-pidez tener mucha esperanza en un disco porque trabajé un año en él. ob-viamente uno trata de que pasen las cosas, con promoción y muchas ins-tancias que existen, pero al final uno nunca sabe. LUIS F. SAAVEDRA Para ir ter-minando, ¿puede haber música nue-va? Hay muchos que piensan que hoy todo es una vuelta al pasado y a las

reinterpretaciones, que llegamos al fin de la historia. UWE SCHMIDT Estamos más allá del fin de la historia. Ese con-cepto del fin de la historia tiene una connotación negativa, porque se aca-bó algo que encontramos de alguna manera bueno o útil. LUIS F. SAAVEDRA Entonces, ¿en qué punto estamos ahora? UWE SCHMIDT La omnipresencia de todo. ¿Qué es la falta de historia? Es la falta de línea de tiempo, que no haya causalidad, que no haya mo-mento en el tiempo en que cierta cosa sea ubicable. Se pierde el origen, se pierde relación con lo que venía, de dónde venía y a dónde iba.

Boragine que debora y consume cualquier propuesta cultural con la celeridad de la combustión, pero, no por ello dejamos a un lado aquellas propuestas que nacen cerca de no-sotros, despreocupandonos por lo inmediato, sino todo lo contrario nos ratificamos en el esfuerzo de la cali-dad como argumento. Esta extendi-da a un entorno cercano. y es que la participación de artistas asturianos en el festival ha sido una constante desde la primera edición, preservan-do siempre especial atención en ser-

vir de plataforma a la escena de crea-dores locales, acercando un espacio donde puedan mostrar su trabajo, junto a propuestas internacionales de primer nivel. Este año la presencia asturiana es, como siempre, muy im-portante: arrancamos con dos cola-boraciones entre artistas asturianos de audio (Komatsu y Vittus) y artistas visuales internacionales (MFo y Paul Prudence); Las CasiCasiotone, muy jóvenes y con muchísima proyección por delante, o Normaa, que estarán mostrando su trabajo visual junto a Prefuse73. y como no, Fasenuova, que durante el último año han estado en boca de todos los medios especia-lizados y son objeto principal de la siguiente entrevista, esta vez redac-tada y argumentada.

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rAbiA electrónicA

Por sergio vAlbuenA

El dúo asturiano Fasenuova ha provo-cado una catarsis en nuestra escena musical con la salida de su último trabajo SALSA DE CUERVo un pode-roso trabajo que mezcla electrónica con sonidos industriales aderezado

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con una actitud que irradia senti-mientos de rabia. Surgidos de Mie-res, epicentro de la cuenca minera del Caudal, una localización en la que el estilo predominante nunca ha sido la electrónica pero donde los Fa-senuova han conseguido lograr que su sonido se convierta en un distinti-vo. Seña que sale de unas barriadas cada vez más dejadas de la mano de dios gracias a una situación laboral inexistente en la minería asturiana.

Una situación general y sobre todo la particular que no es ajena en su manera de componer, las cuencas asturianas sufren de una manera agravante los efectos del cierre de las minas y en ciudades como Mie-res o Langreo se siente ese senti-miento de desarraigo y desencanto ante la carencia de perspectivas de futuro. De ahí que si nos atenemos a su particular estilo podemos apre-ciar en muchas de sus canciones re-presentaciones de gente que segu-ramente se verá reflejada y donde la decadencia general desemboca en decadencia personal y escapismo ante el vacío latente. Con todo este armazón social Fasenuova han crea-do uno sonoro en el que pi-san un terreno inexistente en su entorno revelándose a base de maquinas y rabia industrial.Formados en 2006 por Er-nesto Avelino y Roberto Lobo se dieron a conocer a mayor escala cuando edi-taron junto a Angel Dust un “split” en el que empe-zaban a emerger como una de las bandas mas novedo-sas de cuantas han surgi-do en nuestro país en este principio de siglo. Su os-cura electrónica industrial alcanzó cotas altas con la edición en 2011 de A LA QUINTA HoGUERA un tra-bajo donde domestican el uso de las cajas de ritmos y dan mas forma a sus can-ciones.

Con SALSA DE CUERVo (Discos Humeantes, 2013) abren un poco mas la mano y su oscura atmósfera se acerca a un pequeño cla-ro en el que tienen cabida temas mas accesibles para

un público, el suyo, que ya de por si había ido creciendo con el paso del tiempo.

Desde su aparición la crítica siem-pre ha estado de su lado y es que en su caso se trata de un grupo cuya particularidad reside en su fuerte personalidad para defender una pro-puesta con escasas comparaciones y la sensación que uno tiene mientras los escucha es la de estar pisando un terreno inexplorado y donde la capa-cidad de sorpresa es mayor.

En SALSA DE CUERVo encontramos las señas de identidad caracterís-ticas de los asturianos aderezadas con unos claroscuros que extienden su gama sonora abrazando melodías muy cercanas el pop. En temas como

“la selva” o “quemando suelo” apre-ciamos esa oscuridad inherente en su estilo y que en esta ocasión abra-za territorios urbanos para contarnos sobre una jungla de asfalto historias que transmiten sordidez lisérgica sobre pistas de baile. A esto le uni-mos temas que atraerán a oídos más domesticados, temazos como “agua helada” donde abrazan la sutileza de

la electrónica con una dulce melodía y que en muchos casos ha servido de canción introductora a los que no co-nocían la banda.

Su accesibilidad le ha abierto la puerta a público algo más timorato a nuevos estilos y eso ha provocado que en los conciertos el número de público ascienda de manera consi-derable convirtiendo sus directos en una liturgia digna de ver y escuchar. Hablamos de experiencias sonoras en las que se erigen como unos ver-daderos francotiradores de escena-rio y donde no queda el lugar para el aburrimiento ni para la indiferencia

SERGIO VALBUENA SALSA DE CUERVo es un salto cualitativo que refrenda las buenas sensaciones que habían dejado vuestro debut, sin duda fruto de un proceso de trabajo intenso en la elaboración de las canciones y que puede suponer un proceso evolutivo dentro del duo… ERNESTO AVELINO Des-de que salió A LA QUINTA HoGUERA hasta que terminamos de mezclar y masterizar SALSA DE CUERVo he-mos acumulado mucho más tiempo de trabajo juntos, además de la dedi-

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cación especial que Enrique Guisaso-la ha invertido en toda la producción. Se trata de una trabajo muy pensado, muy trabajado en el estudio duran-te un periodo de tiempo muy largo. Pensamos que la crítica valora bien nuestro trabajo porque hasta ahora hemos sido muy valientes. Hemos transitado espacios poco comunes. La música es algo tan necesario para nosotros que hacerla está por enci-ma de todas las condiciones vitales previas. La hemos hecho viviendo de muchas maneras distintas. Nunca hemos dejado de ensayar juntos ni de seguir buscando esos momentos imposibles de describir en los que creamos las canciones o los paisajes, se pueden llamar de muchas formas. SERGIO VALBUENA Con origen en Mieres, Fasenuova nace desde un pueblo de la cuenca minera, que históricamen-te ha estado muy ligado al panorama metal, hardcore y punk, ecosistema extraño ya no sólo en vuestro entor-no sino desde el punto de vista de una provincia ligada a otros sonidos.. ROBERTO LOBO Por aquí siempre hemos tenido una relación especial y algo rara con nuestro entorno. Hemos vis-to nacer, crecer y, desgraciadamen-te, morir muchas bandas. Nacimos dándole descaradamente la espalda al rock más típico, al punk rock, a la música de los mod, al rockabilly, al heavy, todo lo que abundaba por aquí y no nos llenaba, sobre todo a la hora de componer. Como oyentes y como público sí asistíamos a todo tipo de conciertos. La mayoría no nos gus-taban. La gente pasaba ampliamente de nosotros, cuando no se reía sin cortarse. La testosterona del punk rock era aplastante, con esa actitud tan insoportable ante lo “supuesta-mente cañero” y “rockero”. Muchos amigos eran y son de esta opinión y no por ello dejamos de andar juntos. Ahora bien, hemos escogido nuestro camino de manera consciente y en él hay mucha carga de rechazo contra la música que nos rodeaba y nos si-gue rodeando todavía. Digamos que había y hay cierta cordialidad pero en el aspecto creativo siempre he-mos sido beligerantes. SERGIO VALBUE-

NA :SALSA DE CUERVo es momen-to de recoger los frutos de vuestra perseverancia, frutos que podemos ver en un publico creciente que pa-rece no tocar fin… ROBERTO LOBO Para nosotros todo es alucinante. Nos pasamos horas y horas ensayando,

diseñando nuestros repertorios, que son muy variados, para que cuando nos ponemos a tocar todo suceda de manera única. Somos los prime-ros espectadores de nuestra propia música cuando nos subimos a un es-cenario. Es algo muy especial lo que sucede. Sinceramente, y esperamos que esto se entienda bien, no nos extraña nada que venga mucha gen-te a vernos y se genere algo que es imposible de describir bien del todo, porque nosotros mismos nos vemos transportados a otra dimensión. SER-

GIO VALBUENA Vuestras canciones pese a tener ese esqueleto electrónico desprenden mucha rabia, un expre-sionismo, me imagino que buscado ya no sólo en lo vocal sino que tam-bién en el uso de las cajas de ritmos, que nos transportan a un paraje os-curo que nos hace dudar si hablamos de una realidad ficticia o es influen-cia del entorno decadente que sufre Asturias, o más en concreto las cuen-cas… ERNESTO AVELINO El entorno nos ha hecho, nos ha construido, luego están nuestras dos mentes, asimilan-do la cultura humana, las vicisitudes de cada una de nuestras vidas, la his-toria de la música, la música que nos ha hecho sentir tantas cosas. Es una mezcla enorme del todo aquello que nos impulsa a cantar y a bailar así. SERGIO VALBUENA Habladnos de “agua helada” la canción quizás más pre-ciosista y “dulce” del disco… ERNESTO

AVELINO Surge de la búsqueda de una grabación de larga duración, de un LP, que iba a ser SALSA DE CUERVo. AGUA HELADA se buscó, no se en-contró. Se buscó para que tuviera su papel y su lugar en el tiempo dentro de la composición de todo el disco. Con ella dejamos que fluyera todo el sentimiento del amor, tan sólo tuvi-mos que poner una alfombra de soni-do. SERGIO VALBUENA Después de todo el camino recorrido, de todo el viaje

, parece que los caminos confluyen para dar como resultado la posibili-dad de descubrir los sonidos intrínse-cos a Fasenuova en los márgenes de un festival tan conceptual como el LEV dotado de un escenario tan em-blemático e impactante como la La-boral… ROBERTO LOBO Tocar en el L.E.V. es algo inolvidable, ir a vivirlo como público, lo que hacemos tantas ve-ces, también. Los elogios para algo como el LEV podrían ser inacabables. Por muchas razones, por la calidad con la que todo está hecho, por la

elección de las propuestas, por el lugar, por lo difícil que es encontrar algo parecido por aquí, un largo etcé-tera que no tendía fin. SERGIO VALBUENA

despedimos estas líneas , no sin an-tes hablar de proyectos futuros… ER-

NESTO AVELINO Estamos enfrascados en un montón de cosas distintas que se están desarrollando paralelamente, Muchas de ellas están en fase de diseño. Trabajamos en algo que nos tiene totalmente concentrados es-tos días, absortos y hasta nerviosos. Preferimos no hablar mucho de ello pero sospechamos que dará mucho que hablar.

L.E.V.; un espacio conceptual, pensa-do para el desarrollo de la sinergia natural entre imagen y sonido, me-diante la acción en directo, la ex-perimentación y por las continuas mutaciones e hibridaciones entre géneros y estilos que ponen de relie-ve la importancia de la música y las artes visuales como manifestaciones artísticas en constante evolución y transformación.

laboratorio electrónica visual

Este grupo londinense, con sus recien-tes veinte “añitos”, lanza su cuarto álbum en cinco años. Mientras tanto BBC nos regalan el anticipo de lo que puede considerarse este nuevo proyec-to, el single, CARRy ME, un temazo que sin duda nos deja una sensación incen-diaria de lo que puede ser este nuevo álbum.Después de grandes éxitos como

“Always Like This” o “Shuffle”, todos ellos de sus anteriores discos, sin con-tar con su disco más acústico (Flaws, 2010), donde decidieron cambiar com-pletamente su estilo de música, nos muestran las verdaderas influencias por la que este grupo ha afinado sus pi-lares. Esas bases de electro inspiradas del primer disco y la mezcla de ese es-tilo tan instrumental y melódico como es el folk.Entre actuaciones y promo, con su ál-bum a la espera de salir del horno, nos encontramos con ellos de una manera fugaz en una pequeña y rapida visita por Madrid. No sabía con quien me iba a encontrar al principio hasta que una manera repentina acabe en una sala con Jack Steadman, líder del grupo. No sólo es el vocalista, si no quien compone todas las canciones y en este caso ha producido, en el estu-dio del grupo, este último disco. Su aspecto y presencia otorgan la sensación de estar ante una persona madura, con un bagaje y carga que nos hace dudar y re-plantearnos nuestros principios de cómo enfocar este difícil mundo de la música, los directos y la vida en general. Aprovecho para mencionar su nuevo disco…

JACK STEADMAN Estamos súper excita-dos precisamente hoy será el día que, por primera vez, tocamos este nuevo single, así que sin duda este momen-to es muy importante para nosotros ya que nunca antes hemos tocado en España. Nos alegramos de que sea en Madrid, ya que siempre nos ha dado pena no tocar aquí antes… DIEGO HI-

DALGO ”Carry Me” es vuestro single de presentación… JACK STEADMAN Lo pusi-mos como primer single porque pensá-bamos que realmente iba a sorprender a la gente, te llevas una gran impresión

con esta canción. No queríamos volver de una manera lenta o silen-ciosa queríamos dar esa primera gran impresión desde el principio, así que pensamos que de las diez canciones “Carry Me” es la que

cuando las escuchas por primera vez te deja impresionado, con su sonido so-lido, contundente, es el tema perfec-to para abrir el apetito. DIEGO HIDALGO

Mientras tanto, estamos tan metidos en la conversación que ninguno de los dos nos damos cuenta de que tanto Ed Nash, bajista del grupo como Surem De Saram (baterista) corretean de arri-ba abajo por la sala con una sonrisa de oreja a oreja, sin duda, disfrutando del momento, permitiendo relajar el tono de la entrevista acercandose a una conversación entre amigos. y es que a pesar de la madurez de la experiencia la vitalidad de sus veinte añitos queda patente tanto dentro como fuera del escenario. Así a lo largo de esta breve etapa artística pero sin duda intensa de BBC, nos puede asaltar la duda del nue-vo camino que nos podremos encontar en So LoNG, SEE yoU ToMoRRoW

(Vagrant, 2014)… JACK STEADMAN Es electro sin duda, lo que pasa es que cuando hicimos el álbum acústico co-menzamos todos a cantar en armonías, porque ya de por si la música folk, tradicionalmente tiene una parte vo-cal muy marcada mezclandose con armonías y donde todo el mundo can-ta a la vez. En So LoNG, SEE yoU To-MoRRoW esta forma de plantear los temas sigue patente en este nuevo trabajo en canciones como “Come To” o ” So Long See you Tomorrow. DIEGO

HIDALGO Destaca en este So LoNG, SEE yoU ToMoRRoW la mano de Mark Rankin quien colaboró con Alu-naGeorge en su disco BoDy MUSIC y que también ayudó y mezcló este últi-mo álbum de los chicos de Bombay, y es que en cuanto mencionas a Jack el nombre de Mark Rankin no puede evi-tar una gran sonrisa de admiración… JACK STEADMAN No creo que lo hayamos podido hacer sin él, porque al estar yo sólo produciendo el disco, digamos que sé qué tipo de sonido quiero conse-guir, pero a veces l a

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BombayBicycle Club

tecnología es algo difícil de poder adaptar a tu sonido, así que Mark era para nosotros el más talentoso para guiarnos a donde queríamos llegar y mezcló todo el álbum para nosotros. Con Mark conseguimos que la perso-na que nos mezclase se involucrará y lo hiciera de una manera emocional y casi personal, porque a veces puedes escribir un álbum y lo envías a alguien que nunca has conocido para mezclar-lo, pero sin ninguna emoción, sin que si quiera te conozca… Con Mark estu-vimos trabajando tres meses antes de que empezará él a mezclar So LoNG, SEE yoU ToMoRRoW, estaba involu-crado, sabía las canciones y tenía la misma pasión que nosotros desde el principio. DIEGO HIDALGO En este nuevo álbum podemos observar grandes in-fluencias sacadas de Bollywood e in-cluso instrumentos exóticos como la marimba , que podemos apreciarla per-fectamente en varias canciones. Jack

aprovecha y nos deja una pequeña exclusi-

va de lo que va a ser

su si-

guiente trabajo… JACK STEADMAN Hay una canción “Feel” que será el nuevo single y el principio de esa canción es un sample sacado de una antigua pe-lícula de Bollywood de 1954. Fui a In-dia, Mumbai… y grabe esa canción ahí. Sólo sentía que cuando escuchaba esa pieza me invadia la idea de “esa músi-ca hace que me mueva”, quiero llevár-melo y enseñárselo de alguna manera diferente a la gente. Además tuvimos la suerte de que los autores de la canción nos cedieran el tema para adaptarlo a nuestro sonido. DIEGO HIDALGO Nuestra conversación fluía de una manera muy natural, es interesante ver a un chico tan sumamente joven poder expresar-se con tanta versatilidad, hecho que de alguna manera también se plasma en sus canciones, alcanzando un nivel ín-timo y muy personal. Así en una de las canciones del disco “eyes off you”(el título lo dice todo) me confiesa que la escribió a la tres de la mañana enfren-te de su piano simplemente dejandose llevar por el momento, y en sólo cin-co minutos… JACK STEADMAN Creo que cuando eres joven tienes menos ver-

güenza de escribir sobre lo que sien-tes y cuando te vas haciendo mayor te vuelves mucho más sentimental y cuando estás en esta edad… Sólo es-pero que nunca se me quite esta sen-sación, es en este momento es cuando siento que realmente no tengo nada que esconder. Para mí siempre fue difícil expresarme con palabras y con-versación así que con la música, sin duda, era para mí la mejor manera para ello, es así como me gusta expresarme. DIEGO HIDALGO A lo largo de So LoNG, SEE yoU ToMoRRoW, podemos obser-var sonidos armoniosos, muy detalla-dos que se incrementan a más con el acompañamiento de unos coros com-pletamente sublimes. Siendo un álbum simétrico en el que cada canción tiene su propio espacio pero a su vez acaban interrelacionándose, como podemos observar en la primera canción del ál-bum ”overdone” en el que el principio de su melodía acaban siendo el final de su última canción “so long see you to-morrow” y con la que Jack nos recalca la importancia de esta última canción. JACK STEADMAN Esa canción la considero como un viaje, cosa que anteriormen-te nunca habíamos hecho .Nuestro

grupo está más acostumbrado a que la canción empiece, todo ocurra, y

simplemente finalice, esta can-ción (So LoNG SEE yoU ToMo-

RRoW) pienso que hace que te teletransportes a diferentes lugares y al final simplemen-te es una locura, realmente

siento que es algo que nunca antes habíamos hecho y es por ello nos

resulta tan excitante. DIE-

GO HIDALGO So LoNG SEE yoU ToMoRRoW supone un viaje en el que cada es-tación nos ofrece diferen-

tes sensaciones y momen-tos de la vida de estos chicos

veinteañeros cargados de vitali-dad y experiencia, una experien-cia que sin duda les llevara muy lejos a la hora de ser uno de los máximos exponentes de la mú-sica británica, y es que disco a disco, paso a paso Bombay Bicycle Club es un revulsivo del actual panorama musical compartiendo actualidad con grupos tan potentes como Disclosure, Aluna-George, Jake Bugg…

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Blood Red Shoes

Blood Red Shoes, el duo de Brighton, regresan con un tercer trabajo con el que poco a poco van

ganado adeptos y es que como suele ser habi-tual , nadie es profeta en su tierra, y los Brighton

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sin ser la excepción que confirme la regla soportan un mayor tirón fuera de su querida Inglaterra.

Su maratoniana gira, que en breve nos abrazará en España y que pasa-rá por toda Europa y Estados Unidos, se presenta casi como un mantra que golpea nuestro oídos nota tras nota para hacernos suyos y rendir-nos a lo que es su tercer lago y ho-mónimo disco, con la implicación que esto suele tener.

BLooD RED SHoES (V2 Records, 2014) destila lo que ellos son y siem-pre han querido ser. Un sonido agre-sivo, sin restricciones, con una gran cantidad de energía, pero que no quiere decir que no esconda letras y momentos en los que la agresivi-dad queda a un lado y su parte más

“vulnerable” e “insegura” surja a flo-te, así nos lo confirma STEVEN ANSELL Este disco somos nosotros comple-tamente desnudos. En nuestro an-terior álbum teníamos sólo cuatro canciones que pudiésemos tocar y hacernos sentir plenamente noso-tros, para este trabajo queríamos darle la vuelta a esa situación, eso lo queríamos cambiar a toda costa y creo que lo hemos conseguido con los temas de este trabajo. ALBERTO

VILLAVERDE Cuando alguien toca rock de forma tan frenética y explosiva como ellos hacen, atreviéndose a mezclar y jugar con sonidos punk rock y con nuevas tendencias só-nicas podemos suponer que ese ál-bum está aquí para definirlos como el propio nombre del mismo indica, grabando las canciones conforme eran germinadas, para captar la esencia más profunda y natural de los temas, sin dar lugar a que pase nada de tiempo entre que nacen y se graban, nacer y ser. Nos declara STEVEN ANSELL (Risas)… Es nuestro

“fucking best álbum” y nos define al ciento por ciento, así lo quere-mos indicar y no sólo en el título del mismo, es en vivo donde nuestras interpretaciones no dejan lugar a duda. ALBERTO VILLAVERDE y es que el grado de personalización de este BLooD RED SHoES es total, ellos han escrito, cantado, tocado, edita-do y grabado la totalidad del disco por sí mismos, la ciudad escogida para el caso Berlín, aunque dudaron entre París y Bruselas, dejando una sola mezcla final confiada con celo a

las manos del genio americano John Agnello, un proceso largo y arduo, provocado supuestamente por falta de interés de sellos y discográficas, nos ratifica LAURA MARIE Sí, realmen-te no sabiamos como afrontar la si-tuación, al final nos decidimos por Berlín que es más nuestro tipo de ciudad. ALBERTO VILLAVERDE Si algo queda claro en nuestra conversa-ción es que este es SU álbum en ma-yúsculas y es por el que querrían ser conocidos, y lo serán sin duda. Ste-ven Ansell y Laura-Mary Carter se atreven con un estilo que a primeras luces puede ser relacionado con The White Stripes, más que nada, por la formación y la poca competencia en este sector que por cualquier otro motivo que les defina o les identifi-que. Valedores de un Punk-rock que no te dejará indiferente, fuerte, mo-derno y bien tocado en el que voz femenina y masculina se entrelazan a la perfección para ser aderezadas con alguna nota moderna que rom-pe con lo habitual. Un cuarto álbum en el que se ve el nuevo rumbo de la banda, donde se hace patente el cambio de temática y la forma de afrontar los temas y las letras, más positivo y con ganas de hacerte saltar hacia adelante y no al abismo, nos cuenta LAURA MARY Toco la guitarra y siempre me ha gusta-do la música en el que la presencia de las guitarras son bien potentes, me encantan que suenen J******* Fuertes. Esto ha hecho que me to-que experimentar y aprender para trabajar con este tipo de sonidos y riffs. Jugando con las distorsiones y efectos para conseguir algo que sue-ne de manera brutal, lo mismo con las voces, pienso que eso es algo que puedes enseñarte a mejorar a ti misma, nunca seré Adele pero he descubierto que cantando en tonos más graves sueno más a lo que yo quiero realmente sonar y eso ha sido una revelación en este nuevo disco. ALBERTO VILLAVERDE Blood Red Shoes son contundentes en su sonido y polémico en sus declaraciones a la prensa, si buceamos un poco a la caza de anécdotas del pasado ha-brá que andarse con cuidado. Se les atribuyen frases como: “Lo que que-remos es ser famosos y ricos e inclu-so posar en una caja desnuda para atraer público” frase polémica que ni confirma ni desmiente, simple-mente no es capaz de contener una

sonora carcajada cuando es pregun-tado por ello... STEVEN ANSELL Cuando alguien te pregunta estupideces no te queda más que contestar con sarcasmo e ironía y que algún entre-vistador no ha sido capaz de pillar. Dicho entrevistador no sólo hizo la pregunta sino que además publicó la respuesta: “Lo que nosotros que-remos es fama y dinero” ALBERTO VI-

LLAVERDE así que lo de crecer como grupo y personas parece ser que les importaba, más bien poco. Aunque a pesar de eso lo han conseguido y en este disco lo denotan. Cuando preguntamos a Steven Ansell acer-ca de los ingresos como banda y que piensa de las ventas de los discos, del dinero y de temas como Spotify es bien claro. STEVEN ANSELL Empeza-mos nuestra banda con internet y sabemos lo que hay, no esperamos hacernos ricos con nuestra música, lo que queremos es tocar, viajar y llegar a nuestra gente de la mejor forma, eso es lo que queremos, to-car nuestra música de la mejor ma-nera para “ellos” y en vivo. ALBERTO

VILLAVERDE Para ambos el cambio que la nueva tecnología va a dar a la música está todavía por suceder en este sentido y spotify o similar será la manera de hacerlo.

BLooD RED SHoES (V2 Records, 2014) contiene temas como “The Animal” que con su correspondien-te video nos da idea de lo que el disco es y la banda quiere que sea, una explosión directa que permitirá apreciar la intensidad que quieren que sintamos cuando lo escuche-mos. Quitarte el traje y ser tú mis-mo, ser lo que quieres ser y serlo sin tapujos y sin disfraces. Steven Ansell sentencia: “Si quieres saber que es BLooD RED SHoES, este es el álbum”.

Blood Red Shoes van a estar de gira por todo Estados unidos no sin antes visitarnos en marzo en Barcelona y Madrid y tocar en el Low Festival en-tre nosotros. Aunque preguntado por sus preferencias, desearían tocar en el Primavera Sound donde asisten sin participar y donde espero encontrár-melos para tomar algo juntos y cele-brar su buen hacer.

www.bloodredshoes.co.uk

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Annie Clark, cantante y compo-sitora americana con las ideas

muy claras, edita su cuarto álbum como “ST. vinCEnT S/T” (Loma vista, 2014), un trabajo vestido de un carácter festivo pero que esconde la belleza desnuda y fría pro-pia de un funeral, un disco íntimo y perso-nal preparado para escuchar bajo el edre-dón y llorar, pero también capaz de dibujar al final de la catarsis emocional una amplia sonrisa con su carga de ritmo y energía.PAULA DOLCET inquieta, acudo a la cita con An-nie Clark Discuss, St. vincent, o como la gran mayoría la conocemos “la Rei-na del indie” lanza su último trabajo.

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lcet y José M

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Miles de dudas y nervios se agarran a la boca del estómago, una, quieras o no, no está acostumbrada a estar tan cerca de una estrella tan mediática como Annie Clark y es que después de su disco colaboración con David Byrne y su aclamado trabajo en so-litario STRANGE MERCy (2011), esta cantante de menudas proporciones pero de ojos azul infinito vuelve a la carretera con unas ganas desgarra-doras, las siguientes líneas así nos lo demuestran… ANNIE CLARK Cada día que empieza tengo un único propó-sito, hacer música, me hace sentir viva, generandome un subidón de adrenalina, corriendo por dentro de mi miles de emociones, me siento súper viva al conectar con la gente a través de mi música. St. Vincent, una de las grandes esperas de este 2014. PAULA DOLCET Aunque Annie se considera “una niña de suburbio que ha crecido en una ciudad”. Esta neoyorkina de adopción ha vuelto a su lugar de origen, oklahoma, para darle vida a su último y más íntimo disco. Para ello Annie ha necesitado perderse en lo más profundo de la naturaleza y caminar desnuda entre serpientes para darle forma y sen-timiento a lo que será su quinto y más esperado disco. En palabras de Annie Clark ST. VINCENT S/T nos habla… ANNIE CLARK cosas norma-les, cosas que hacemos cada día pero que han nacido desde lo más profundo de mi intimidad. Cada uno de los temas supone una ex-periencia personal, es el fiel reflejo de un determinado instante de mi vida. ST. VINCENT S/T es como me sentía en ese momento de mi vida. PAULA DOLCET Actitud discreta y voz tranquila, calmada, nos dibuja una Annie Clark próxima a su música, autora de unas composiciones de carácter audaz, multi instrumental, multi capa, temas que son dotados de varias lecturas: donde los sinte-tizadores recrudecen los temas de forma dramática, donde la batería contundente y la distorsión de las guitarras encumbran la voz de An-nie para brillar como si no hubiese un mañana. Las canciones de Annie son ásperas y poéticas: “Prefiero tu amor a jesús”, canta en una de las canciones más conmovedora de su cuarto álbum homónimo… ANNIE

CLARK Ese tema es muy especial, es un tema compuesto pensando en mi madre, que a superado una grave

enfermedad. No, quiero hablar del tema, pero ahora está mejor.Iba caminando sola, de noche, desnu-da, con todos mis sentidos muy aler-tados para poder sentir los sonidos de la naturaleza…, al poco tiempo me di cuenta que los sonidos que estaba apreciando no eran del viento, sino de un grupo de serpientes que me ro-deaban. PAULA DOLCET Así nació “Ratt-lesnake” tema que abre la puerta de este complejo y sorprendente nuevo trabajo.Un álbum influenciado por la música heavy y grunge. ANNIE CLARK

Cuando tenía diez años NEVER MIND de Nirvana salió a la venta, fue sin duda un cambio radical en todo el mundo, un giro que afectó a todo, desde lo externo de la forma de vestir a lo más interno como es la forma de pensar. Todo ese movimiento fue una sacudidad muy fuerte, así que todo este tipo de música ha influenciado mucho en mi y en mi trabajo desde entonces PAULA DOLCET pero para An-nie las influencias van un poco más allá así la obra de artistas como Ryan Trecartin, videoartista que participó en la última Vienal de Venecia y que estubo presente en el MoMA de Nue-va york con su controvertida obra so-bre la sociedad estadounidense, tam-bién encuentra su reflejo en los temas del presente trabajo como en HUEy NEWToN. Bandas como Sonic youth y Pearl Jam se convirtieron en favoritos de adolescencia de Clark. ANNIE CLARK Recuerdo que mi madre nos dejaba en la tienda de CDs y yo trataba de juzgar por el nombre del grupo o por la portada del disco sin mirar si realmente merecía la pena o si era algo fresco o no. El dependien-te en realidad me decía, “debes pro-bar esto”. Así Annie Clark descubrió el gusanillo de la música, de una for-ma casi compulsiva. ¿Acaso mi ma-dre se preocupa por el deseo de con-vertirme en un músico? No, el hermano de mi madre era un músico. Vieron que tenía una inclinación por la música, y querían mostrar las reali-dades de la vida en la carretera, así que me enviaron de gira con mi tío. JOSÉ MARTÍN ST VINCENT S/T es un tra-bajo que puede considerarse el hábi-tat perfecto para la dualidad, para la contradicción de sentimientos y emo-ciones, la fina línea divisoria, ST VIN-CENT S/T es un disco con el que la gente puede bailar pero a la vez de-gustarlo en los momentos más priva-dos. ANNIE CLARK He querido hacer un

disco que se construye en la intersec-ción de lo accesible y lo lunático, que puede pasar de “psychopath” a

“every tear disappears”. PAULA DOLCET

Temas que demuestran la capacidad de Annie para poner un mayor énfasis en los beats, un trabajo cargado de más ritmos que cualquiera de sus dis-cos anteriores... ANNIE CLARK Después de la gira de STRANGE MERCy me di cuenta de cómo las canciones duran-te la gira tomaban casi vida propia, volviéndose más pesadas y más vis-cerales. Después de esta gira, hice la gira con David donde tocamos juntos las canciones de LoVE THIS GIANT, fue muy emocionante porque las per-sonas se levantaban y bailaban los temas del disco, yo nunca había to-cado delante de un público que real-mente se pusiera a bailar mis cancio-nes. Así que cuando me puse a componer este trabajo, quería traer ese tipo de energía al nuevo disco. Lo que quiero decir con esto es que bus-caba un disco con suficiente vitalidad y energía para que la gente pueda po-nerse a bailar, pero con el corazón necesario para los momentos más vulnerables y horribles. JOSÉ MARTÍN

Hablando de LoVE THIS GIANT y Da-vid Byrne, sin duda una magnífica experiencia… ANNIE CLARK El trabajo con David fue muy inspirador, David Byrne es una persona muy valiente, rodeado de gente verdaderamente valiente. Como te decía en este traba-jo he tratado de tomar un poco de esa energía, llevándola a mis composicio-nes, sentía que era más libre y que no tenía que demostrar nada en estos temas. Cuando empiezas una carrera musical parece que siempre quieres o tienes que demostrar algo…”Tengo que demostrarle a la gente que soy un músico o cualquier otra obsesión que uno pueda tener”. En este trabajo yo sólo quería escribir grandes cancio-nes y hacer las cosas tal como las sin-tiese, sobrepasando los límites de lo que la música pop podría ser. PAULA

DOLCET Después de cuatro discos en el mercado MARRy ME (2007), ACToR (2009), STRANGE MERCy (2011) y su disco colaboración con David Byrne, Annie no toma descanso alguno y ya está sumergida en los ensayos para su próximas giras en Europa y Esta-dos Unidos… ANNIE CLARK Nunca he vivido como una persona normal, em-pecé a escribir el nuevo disco justo un día después de llegar de Japón donde finalizó mi última gira, que

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duró más de un año y medio. La músi-ca sale de dentro de mi por sí sola. JOSÉ MARTÍN Una vez más, John Con-gleton ha producido el álbum, de nue-vo aporta su toque a los temas, no hay nada mejor que trabajar con al-guien que te conoce a la perfección y sabes sacar todo lo que llevas den-tro… ANNIE CLARK John y yo somos de Dallas, Texas. Conectamos muy bien, hay una energía específica de la gen-te que crecieron en los suburbios de Dallas. John Congleton es el catali-zador perfecto para dar forma a mis composiciones, es una persona que tiene los pies en la tierra, pero que a la vez puede entender mi forma de ver las cosas, supongo que el que sea de Texas, ayuda para que nos en-tendamos y nos compenetremos. JOSÉ MARTÍN Hablemos de los temas que conforma tu trabajo…, en una primer y rápida escucha me llaman la atención temas como “Bring Me your Loves”, “Huey Newton“ y “Ratt-lesnake”, ANNIE CLARK (risas) ¡oh! te gustan los temas más particulares. JOSÉ MARTÍN Sin duda, pero la pregun-ta concreta es, ¿cómo puede uno siquiera soñar con una canción como “bring me your loves”? ¿Qué puede escuchar Annie cuando com-pone sus temas?… ANNIE CLARK Escu-cho mucha música mientras estoy escribiendo, aunque no necesaria-mente escucho cosas que me gus-ten realmente. Simplemente me en-cuentro con partes o melodías que me gustan y a partir de ese momen-to voy explorando a donde me lleva en mis canciones. Con “Bring Me your Loves” estaba escuchando mú-sica tradicional turca y a Pantera. Uff… (risas) Eso podría explicar mu-cho. JOSÉ MARTÍN En DIGITAL WITNESS exploras el impacto psicológico en una generación de personas que po-demos decir que cuentan su vida a través de las redes sociales… ANNIE

CLARK Todo el que sabe que está sien-do observado cambia su comporta-miento. Ahora estamos tan acos-tumbrados a contar lo que sentimos, lo que pensamos y lo que nos ocurre en cada momento a través de las re-des sociales que hace que careca-mos de intimida. No nos damos cuenta que estamos siendo vigila-dos y creo que psicológicamente eso nos puede pasar factura, una factura que poco a poco somos conscientes de que estamos pagan-do, cada vez más a medida que avan-

zamos. Pensamos que estamos to-dos interconectados, pero si no tenemos cuidado en realidad nos puede desconectar, dejándonos más aislados de lo que podamos imaginar. JOSÉ MARTÍN Annie Clark con ST VINCENT S/T recorre varias fases emocionales autobiográficas, así “Psychopath”, trata de una cita que tuvo una vez con alguien que ahora es un amigo; otros temas como “Regret”, “Severed Crossed Fingers”, “Bring Me your Loves” o

“Every Tear Disappears” suponene otras experiencias que buscan ex-presar arrepentimiento, anhelos, as-piraciones y lágrimas. Contradiccio-nes y altibajos emocionales y sonoros que después de conocer a Annie Clark un poco más, nos viene a la cabeza la idea que los temas que integran este trabajo son menos agónicas que etéreas, aunque siem-pre hay una parte oscura dentro de todo lo bello. ANNIE CLARK Tengo la sospecha de que todo el mundo tie-ne pensamientos oscuros, pero tal vez no les dice, afirma Annie. JOSÉ

MARTÍN “Rattlesnake”, nos cuenta una historia real… ANNIE CLARK fue aterrador. Me encontré a menos de dos metros de una serpiente. La can-ción es en realidad muy literal, no es ninguna fábula. Esto es lo que pasó: estaba caminando por el desierto de Texas y decidí quitarme la ropa por-que se sentía realmente libre, no ha-bía nadie alrededor, de repente oí un ruido y pude ver por el rabillo del ojo a una serpiente. Fue un susto tre-mendo, volví corriendo a la casa. JOSÉ MARTÍN Como comenté anterior-mente otro tema que también me encanta es “Huey Newton”. Supongo que te refiere a Huey Newton el que fuese miembro fundador de los Pan-teras Negras… ANNIE CLARK Con la gira del anterior disco STRANGE MERCy viajaba mucho y me receta-ron Ambien (zolpidem) para superar el jet lag. Cuando estuve en Helsinki como no tocaba hasta el día siguien-te decidí tomar un Ambien. Necesi-taba dormir. Pero con ese medica-mento, si vas a la cama y te duermes, lo haces como un bebé. Pero, si lo tomas y por alguna razón no te duer-me puede llegar a tener extrañas alucinaciones, tu mente te puede juagar una mala pasada y llevarte a ese estado entre la vigilia y el sueño. Así que tuve esta experiencia en la que yo estaba en mi habitación de

hotel, volando muy, muy alto como una cometa con el Ambien, y me sentí como Huey Newton, sentí que estaba allí y tuvimos este momento de entendimiento entre nosotros. Me di cuenta de que tenía que escri-bir en una canción. Así que lo hice. PAULA DOLCET En Europa sus fans pu-dieron verla en directo durante el mes de febrero con una gira que le llevó por ciudades como Berlín, Amsterdam, Bruselas, París, Lon-dres, Manchester y en Dublín. Una gira con la que Annie lleva al límite los temas de este nuevo trabajo. AN-

NIE CLARK Mis fans se van a encontrar en mis conciertos con algo mucho más intenso y dramático que en el disco. En directo todo va a ser mu-cho más agresivo y a la vez mucho más emocional. PAULA DOLCET Muy probable es que St Vincent sea uno de los nombres más sonados en los próximos festivales de verano tanto españoles como internacionales… ANNIE CLARK Mi festival preferido es Primavera Sound sin ninguna duda. El Primavera fue el primer festival donde toque con una banda. Me trae muchísimos buenos recuerdos y los fans españoles son los mejores.

Nosotros seguiremos con los dedos cruzados para que St Vincent sí sea confirmación en algún festival en Es-paña y poder tener la oportunidad de disfrutar de sin duda alguna la

“Reina del indie”

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Miami siempre ha sido una ciudad donde se suelen encontrar buenos restaurantes. La mayoría duran pocos años pues el cliente local, por regla general es bastante “snob” y le gusta ir a sitios para “ver y ser visto”…, por lo que el interés por encontrar siem-pre sitios de moda nuevos hace que cuando se abre un restaurante nuevo casi se olviden rápidamente del anterior… Pero este no es el caso del PUBBE-LLY STEAK en la Avenida Purdy. Este restaurante tiene todos los ingredientes para ser novedoso du-rante muchos años, y eso es así gracias a sus tres puntos fuertes: buena comida, buen servicio y buen ambiente. Tiene todo lo importante. Y gran parte de ello se debe a los dos motores del Restaurante: por una parte Jose Mendin en la Cocina y por otra An-dreas Schreiner en la sala, saben perfectamente “lo que tienen entre las manos” y se han adaptado muy bien a estos tiempos llegando a la fórmula casi per-fecta. Su juventud no refleja su mucha experiencia para su corta edad en estas lides… son jóvenes y a la vez sabios de la gastronomía. La noche que pasé allí, fue la de un día cu-rioso para estar en Miami, ya que por el tiempo pa-recía estar en Canadá y no en Miami Beach…, por suerte llevábamos abrigos en este viaje, pero claro,

no pensando en utilizarlos en esa parte del viaje. Pero todo cambió al entrar por la puerta del Res-taurante, nada más abrirla ya se notaba el calor del ambiente y de sus anfitriones, José y Andreas, apo-yados en todo momento por Monique, la manager. Y, sin desmerecer por supuesto lo anterior, el elemen-to central de nuestra buena sensación fue la comi-da (que es por lo que se suele ir fundamentalmente a un restaurante). Pero si además a la experiencia gastronómica se une un buen trato personal, no se puede pedir más. Ese día no reservé y aparecí de repente, con lo que pasó lo que tenía que pasar: no había ninguna mesa libre. Y además la barra también estaba reple-ta de gente cenando o tomándose un coctel, pero por suerte en ella había un rinconcito “salvador” que nos estaba esperando… En Miami los restaurantes tienen algo envi-diable que no es habitual encontrar en España y que los amantes de la gastronomía echamos de menos: y es un buen “bartender” (como se dice por allí) un ca-marero de bar especializado en cócteles cuya destre-za, rapidez y experiencia hace que sea un atractivo más para empezar bien la cena. Y así comenzamos a cenar con un Bloody Mary, pero un Bloody Mary de verdad, y no un

“Viajar, Vivir, Degustar”

RESTAURANTEPUBBELLY STEAK

jesús ramiro99

zumo de tomate y poco más, como muchas veces se suele preparar en esta orilla del Atlántico. Allí fue zumo de tomate, apio natural, salsa perrins, tabasco, sal, pimienta y vodka (y no vino de jerez). Lo acom-pañamos con unas Ostras y el arranque fue perfecto. Después probamos con un Tartare de Atún Rojo con un vino Chardonnay, continuamos con un Royal de Foie con un Pinot Noire, para seguir con un Chuletón de Carne Americana que saben cómo cuidarla madurándola bien para que esté tierna y con buen sabor. En este punto pedimos un gran vino español y aunque no tenían una gran selección de vinos del Viejo Mundo, los que tenían sí eran per-fectos para acompañar la carne. Y viendo las me-sas del Restaurante se veía que el vino que pedimos gustaba mucho, pues estaba en varias de ellas…, me refiero a Mauro, uno de los mejores vinos de España. Para terminar nos pusieron una Esponja de Frambuesas muy divertida para el paladar y los de-más sentidos. Este postre nos lo llevó el motor de la cocina José Mendin, cuyos inicios de aprendizaje culinario fueron en Valladolid para luego formarse en la cocina del Nobu entre otras, siendo en este mo-mento uno de los mejores cocineros de la Florida. En fin…, se dice que Hernán Cortés descu-brió Florida buscando la fuente de la juventud. Pues nosotros ¡encontramos en el Pubelly la fuente de la mejor gastronomía de Miami!

REPoNSABLE DE CoCINAJose Mendin

RESPoNSABLE DE SALAAndreas Schreiner

DAToS DE CoNTACTo Restaurante Pubbelly 1787 Purdy Avenue

Miami Beach FL. 33139 USA(305) 6959580

www.pbsteak.cominfo@pubbelly.com

EVALUACIoN (sobre 10)Comida

9Servicio

8,5Vino

8Ambiente

8,5Media

8,5

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Comienza su carrera artística a principios de los años noventa pintando sobre las paredes de su pueblo natal. Tras varios años centrado ex-clusivamente en la pintura mural trabajando de forma plenamente como autodidacta, en 1997 decide formarse cursando Bachiller artístico en la ciudad de Cáceres. En 2000 se traslada a Madrid para co-menzar sus estudios en la facultad de Bellas Ar-tes de la Universidad Complutense. Durante sus primeros años en Madrid realiza sus primeras exposiciones e intervenciones murales en nume-rosas ciudades de España y Europa. Momento a partir del cual se produce una evolución plás-tica en su obra estableciendo el dibujo como herramienta base de su lenguaje, herramienta de expresión que ha sido de alguna forma pieza clave para comprender la obra de Daniel Muñoz. Desde sus comienzos la obra de Daniel Muñoz ha sido marcadamente figurativa, con-secuencia del empleo del espacio público como

soporte: generando así un lenguaje formado por símbolos y códigos que suscitan una lectura cui-dada, entre la narrativa de la pintura clásica y los discursos sociológicos del arte contemporá-neo, consiguiendo un mensaje fácilmente reco-nocible por el mayor número de personas posi-bles, sin discriminaciones socio-culturales. Y es que la estructura y fondo de las obras de Daniel Muñoz nos conducen a caer en interpretaciones diversas y confusas, a pesar de narrar hechos y anécdotas cotidianas, basadas en los tópicos más mundanos. Daniel Muñoz durante los últimos años ha realizado numerosas exposiciones e inter-venciones en el espacio público alrededor de varios países de Europa, Norteamérica, Suda-mérica, Asia, Rusia y Oriente medio. Cabe destacar algunos espacios expositivos como la galería Luis Adelantado de Valencia, Le Pilori (Niort),CEART (Fuenlabrada) o la Galería Na-cional de Arte de Ammán (Jordania).

Daniel Muñoz. “SAN”. (Moraleja, Cáceres 1980)

espacio km.0

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Las situaciones que se representan son tan extremas que rozan lo cómico. En relación al contenido, existe un choque sorpresivo entre la belleza y armonía del escenario fotografiado y lo terrible desde el punto de vista sentimental que representa, de ahí que el impacto visual dé fruto a una obra de un alto contenido poético.

“Las matemáticas de Dios no son exactas” es una colección de imágenes en las que se encuentran vivos

y muertos y la muerte convive de forma pe-culiar dentro de la vida. Todas las imáge-nes de la serie comparten una exaltada ma-nifestación de apego a la vida y una rabiosa incomprensión y negación de la muerte.

El proyecto pretende poner de manifiesto un catálogo de emociones y miedos uni-versalmente compartidos ante la incierta existencia de la promesa cristiana de la vida eterna, que en definitiva se traducen en el terror que nos produce pensar que todo acaba aquí. Este horrible sentimiento aparece como la impotencia que genera el no poder sobrepasar los límites de la dis-continuidad del ser.

Todas las escenas se construyen en base a si-tuaciones reales reinterpretadas, que resul-tan más peculiares e inverosímiles por estar situadas en la contemporaneidad y ser prác-ticas que no se reproducen en nuestros días, (o al menos habitualmente), a pesar de que el fondo emocional sigue estando presente.

FESTIVAL MIRADASDE MUJERES 2014Exposición Individualde Rocío Verdejo

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01 — Cojín de huesos, 2011 impresión con tintas pigmen-tadas en papel baritado perla 100x135cm. montada sobre dibond con moldura de ma-dera. Ed. 5 + p/A 02 — Magdalena, 2011 impresión con tintas pigmentadas en papel baritado perla 100x135cm. montada sobre dibond con mol-dura de madera. Ed. 5 + p/A 03 — un hoMbre libre, 2011 impresión con tintas pigmentadas en papel baritado perla 100x145cm. montada sobre dibond con moldura de madera. Ed. 5 + p/A 04 — Piedad invertida, 2011 impresión con tintas pigmen-tadas en papel baritado perla 100x150cm. montada sobre dibond con moldura de ma-dera. Ed. 5 + p/A 05 — jugando Con PaPá, 2011 impresión con tintas pigmentadas en papel baritado per-la 100x135cm. montada sobre dibond con mol-dura de madera. Ed. 5 + p/A 06 — Merienda Post MorteM,

2011 impresión con tintas pigmentadas en pa-pel baritado perla 100x150cm. montada so-bre dibond con moldura de madera. Ed.5+p/A 07 — in artiCulo Mortis, 2011 impresión con tintas pig-mentadas en papel baritado perla 100x13 cms. montada sobre dibond con moldura de made-ra. Ed. 5 + p/A 08 — Con sus Cenizas, 2011 impresión con tintas pigmentadas en papel baritado perla 80x150 cms. montada sobre dibond con mol-dura de madera. Ed. 5 + p/A

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Rubenimichi

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La exposición “Sobre-natural”, que durante la

primavera de 2014 ha poblado las pare-des de la galería valenciana EspaiTac-

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Rubén, Michi, y Luisjo o cómo hacer fluir la pintura con la magia, el azar y la naturaleza. Paloma Palazuelos Nada más abrirme la puerta, los dos perritos de este atípico y veterano triunvirato, ladran y corretean conmigo el pasillo que sirve de preludio al salón y área de trabajo de Rubenimichi. Junto a una ventana abierta a esta zona de Madrid, que parece ha-ber creado un silencioso valle entre las gran-des arterias de Diego de León, empezamos la entrevista disparando por el origen de este proyecto artístico. Michi explica mI-

CHI yo solía empezar los cua-dros y Rubén los acababa. Fue la unión perfecta. Más tarde, conocimos a Luisjo, Paloma Palazuelos a lo que este último añade luIsJo tenían todos los cuadros acabados, pero no los movían, estaban en casa, y yo decía ¿pero todos estos cuadros qué…? Entonces yo empecé con eso y luego con el tema de las ideas, en la época en la que hacíamos los toys de peluche. Ha sido siempre muy natural. Ha ido surgiendo y, de ahí, has-ta ahora. Paloma Palazuelos Al escuchar cómo se dan paso entre ellos y se van completando las respuestas, parece sintomático. Esta asocia-ción funciona. A continuación, indago acerca del proceso creativo y el método de trabajo entre los tres, así Michi nos comenta … mICHI todo empieza siempre en esta mesa (apoya la mano encima para señalarla, entre risas). Traemos nuestras ideas, lo llevamos al papel, creando una historia que es la que desarrolla-mos. luIsJo Cuando ya tienen claro por dónde van a ir los tiros, empiezan a bocetar, a hacer fotografías y procuramos tener dos o tres cua-dros a la vez para que uno no se quede para-do. mICHI En realidad es una forma de trabajar como si fuéramos uno solo. Nosotros trabaja-mos como si fuese una sola cabeza. Paloma Pala-

zuelos El más reciente,”Sobrenatural”, cuenta, como todos sus proyectos colectivos, con in-fluencias del Low Brow (Pop Surrealista) y de la pintura flamenca de los siglos XV y XVI. La naturaleza, otra constante en su obra, fue el despegue definitivo de estos últimos cuadros por algunas experiencias que vivieron en la sierra. Al preguntarles, reconocen su pasión por el bosque. Michi comenta que tienen una casa en el campo. mICHI “Sobrenatural” surgió

un poco ahí. Una vez está-bamos haciendo un agujero para plantar un árbol y nos encontramos con un trozo de cerámica y dijimos, “¿qué hará aquí?” “¿Desde cuándo?” Y empezamos a imaginarnos de quién sería. Paloma Palazue-

los A lo que agregan que co-incidió también con una eta-pa en la que vieron la serie Twin Peaks. Así empezó este proyecto:“paseando por el campo y viendo Twin Peaks”. Al respecto, dice Rubén: “los temas que abordan reflejan lo que están viviendo en ese momento, lo que les atrae,

que no parten de algo muy meditado”. Cie-rran esta pregunta, afirmando que… “cual-quier día, por la calle, puede que vean algo que aparentemente no es una influencia clara, pero que les llega. Entonces, ven la manera de incorporarlo”. La entrevista transita entre los dos perritos es-tirados en un cojín que yace en el suelo, cua-dros que no dejan libre un centímetro de pa-red, los cánticos de un pajarillo desde su jaula, las piezas de cerámica repartidas por los es-tantes, las plantas sobre la mesa baja. Una vez que conocemos cómo fluyó, les pedimos que ahonden en la historia de los personajes de

“Sobrenatural”, de la que nos acaban dando alguna pista, pero siempre partiendo de una premisa. RuBeNImICHI Queremos que el especta-dor de la obra saque sus propias conclusiones

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tel, nos ha servido de excusa para meternos una tarde en la casa-estudio de Rubenimi-chi: un proyecto colectivo que triangula gracias a tres bandas con nombre propio.

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de porqué es así todo lo que está viendo, que se monte su película. De hecho, les encanta escuchar lo que se imagina la gente. Alguna ocasión, han alucinado también. Recuerda Rubén una anécdota muy simpática. RuBÉN Estaba en una exposición, se me acercó una chica y me pidió que le interpretara el cuadro. Se lo conté y me dijo “no, eso no es así…” (ri-sas). En el fondo me gustó. Tenía su película montada. Paloma Palazuelos Justo lo que quieren. Alimentar la magia, que los cuadros tengan ese punto inquietante. Y que el espectador, invente la historia que hay detrás, como si el cuadro, dice Michi, fuera un “fotograma”. Li-bre interpretación. Paloma Palazuelos Aunque la consigna es no condicionarnos, queriendo o sin querer, Michi deja entrever alguna pista sobre este proyecto… mICHI Hay cosas que son evidentes, por ejemplo, el tronco, digamos que es el Dios, el tema central de la exposi-ción. “Sobrenatural” es un bosque, donde viven unos personajes y donde hay una flora y una fauna. Se ve, por ejemplo, a una señora con un leño en el brazo, con un hacha, que es como la Ma-dre Naturaleza. O una flor de azahar que significa lo efímero.Cada cosa que me-temos en los cuadros tiene una simbología. Todo tiene un por qué. Paloma Palazuelos en este sentido, Rubén pun-tualiza que el significado de los símbolos está ligado con la cultura. RuBÉN Por ejemplo, el cuervo en Europa se su-pone que es mal augurio y en Asia es buena-ventura…. Paloma Palazuelos Eso, y que un sím-bolo, según en qué cuadro, puede tener un significado diferente, alimenta más la idea si cabe. Rubenimichi proponen un final abierto. En este proyecto en particular, he visto que la naturaleza, muy recurrente en otros cuadros anteriores a “Sobrenatural”, florecía. Al pre-guntarles, Luisjo nos apunta… luIsJo Anterior-mente era más la naturaleza en cambio o en metamorfosis y ahora es un poco el renacer y eso que cada vez los cuadros son más oscuros, pero lo que va implícito ahí es todo lo con-trario: es como un renacer y Rubén, coincide. RuBÉN Es como cuando en un bosque profundo de pronto ves una flor pequeña, pero súper luminosa. Está a lo mejor más estudiada, más cuidada, como a lo mejor en esta exposición.

Paloma Palazuelos Saliéndome de los personajes, me voy al bestiario, a los híbridos que han ideado, junto con el dado que hay colocado en esas obras. Al interesarme por saber de dónde han salido, Rubén cuenta… RuBÉN Ha sido jugando con el azar, con el capricho de la naturaleza. La evolución de las especies no deja de ser una casualidad tras otra. Sería, entonces, el azar de la teoría evolutiva. mICHI Detrás de la creación, se esconde una mano mágica. ¿Por qué no podía haber existido un pájaro con cuerpo de mono? ¿O un mono con pico de pájaro? Si cada ser somos así es por puro azar. Paloma Palazuelos Rubenimichi han trabajado otros materiales como la cerámi-ca. Les pregunto, si tienen ganas de explorar más por ahí, a lo que Luisjo resuelve luIsJo Somos esencialmente pintores, la cerámica o la obra gráfica siempre son un complemento, porque todo gira en torno a los cuadros. mICHI

Las piezas de cerámica las veo como una síntesis de la exposición. Por ejemplo, en

“Sobrenatural” hicimos la del leño con el ojo, que es un poco como el símbolo o un logo, pero hecho en cerámi-ca. Paloma Palazuelos Rubeni-michi exploran libremente con otros materiales, mues-tra de su espíritu libre, que como no podía ser de otra forma, se abre a cualquier tipo de colaboración. “Si surge, surge. Antes hacían linóleo, serigrafía y ahora estamos con la cerámica, al igual que otros artistas con-

temporáneos como Aitor Saraiba. La próxi-ma, igual el textil”, avanzan. Para ir poniendo un punto y seguido, cuan-do me intereso sobre qué tienen entre manos, vuelta al principio de la entrevista. Michi se-ñala de nuevo la mesa en la que estamos y dice que están ahora mismo. mICHI Es ese estado, el de la mesa. Todo en el aire. Luisjo asegura… luIsJo La idea es, ya no cambiar, sino evolucio-nar: dejar un poco la temática que hemos tra-tado en la exposición “Sobrenatural”, cerrar esa etapa y buscar otras vias, otros caminos. Paloma Palazuelos Rubenimichi, con paso firme quieren dejar un final abierto, un final con el mismo halo de misterio que su “Sobrenatu-ral”. A principios del año que viene, Rubeni-michi tienen otra exposición en Madrid. Ya estoy expectante.

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Annie Clark, cantante y compositora ame-ricana con las ideas muy claras, edita su cuarto álbum como “ST. VINCENT S/T” (Loma Vista, 2014), un trabajo vestido de un carácter festivo pero que esconde la belleza desnuda y fría propia de un fune-ral, un disco íntimo y personal preparado para escuchar bajo el edredón y llorar, pero también capaz de dibujar al final de la catarsis emocional una amplia sonrisa con su carga de ritmo y energía.PAULA DOLCET Inquieta, acudo a la cita con Annie Clark Discuss, ST Vincent, o como la gran mayoría la conocemos “la Reina del indie” lanza su último trabajo. Miles de dudas y nervios se agarran a la boca del estómago, una, quieras o no, no está acostumbrada a estar tan cerca de una estrella tan mediática como Annie Clark y es que después de su disco colaboración don David Byrne y su aclamado trabajo en solitario STRANGE MERCY (2011), esta cantante de menudas proporciones pero de ojos azul infinito vuelve a la carretera con unas ganas desgarradoras, las siguientes líneas así nos lo demuestran…

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