This is a very special edition of the magazine “Obradoiro de Artesanía”, a new issue in which, as usual, we try to disseminate the richness and quality of our craft sector, in which traditional trades coexist with new ways of creating handicrafts and with the implementation of design and new technologies. Besides, it comprises professionals from different generations: from great masters who have the experience and knowledge of a whole life devoted to their trade to younger artisans who give the sector a new fresh and contem-porary look.

We would like to remember in this magazine two great masters who passed away this year, and who were very important for this sector for many years. One of them was the silversmith Eloy Gesto, from Santiago de Compostela, on whom an extensive article was published in the fourth issue of this maga-zine and whose pieces were displayed in the exhibition “Tesouros Privados” in Santiago de Compostela and Vigo. The other one was the potter Indalecio Lombao from Bonxe, one of the artisans thanks to whom this parish in the mu-nicipality of Outeiro de Rei (Lugo) is one of the four current traditional pottery centres in Galicia, with Buño, Gundivós and Niñodaguia.

We also wanted to talk about the pottery from Bonxe in an extensive article on the work of Pepa Lombao, Indalecio’s daughter, and on the recently ope-ned Museo da Olería, which this craftswoman runs with the aim of creating a space for the promotion and preservation of this tradition.

Regarding the rest of the contents, there is an article in this issue on Media Lúa, leather artisans who have a brand new shop-workshop in Compostela, and another one on the textile artisans from Belategui Regueiro. We also present the project “Interweaving, Handicraft at School,” an initiative which we started with the aim of introducing children to handicraft. We also wanted to cover a trade which is unknown in Galicia, the craft of feather-making, with the prestigious French artisan Nelly Saunier, who came to teach a course of the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño at the end of 2010. And, finally, we also include in this new issue different proposals for incorporating handicrafts into fashion design, with the ideas of the teacher Silvia García González and an article on a meeting between designers and bobbin lacemakers, which we organised during the last Camariñas Lace Exhibition. It was directed by the Galician designer José Castro with the aim of opening new perspectives for the creation of contemporary craft pieces, as well as boosting the collaboration of the craft sector with other disciplines.

Os presentamos una edición muy especial de la revista “Obradoiro de Artesanía”, un nuevo número en el que, como siempre, tratamos de dar a conocer la riqueza y calidad que caracterizan a nuestro sector artesano, en el que conviven oficios tradicionales con nuevas formas de hacer artesanía, la incorporación del diseño y las nuevas tecnologías, a la vez que conviven profesionales de generaciones muy diversas: desde grandes maestros que cuentan con la experiencia y el saber de toda una vida de oficio hasta artesanos más jóve-nes que dan al sector una nueva mirada fresca y contemporánea.

Y en un lugar muy destacado de este sector se han encontrado durante años dos grandes maestros que nos han dejado este año 2011 y que nos gustaría recordar en esta revista: el orfebre compostelano Eloy Gesto, a quien ya se le dedicó un amplio reportaje en el número 4 de esta publicación y cuyas piezas expusimos en Santiago de Compostela y Vigo a través de la muestra Tesouros Privados, y el alfa-rero Indalecio Lombao de Bonxe, uno de los artesanos a los que debemos que hoy en día esta parroquia del ayuntamiento de Outeiro de Rei (Lugo) sea uno de los cuatro centros alfareros tradicionales en activo de Galicia, junto con Buño, Gundivós y Niñodaguia.

Hemos querido acercarnos también a la alfarería de Bonxe a través de un amplio reportaje sobre el trabajo de Pepa Lombao, hija de Indalecio, y el recientemente estrenado Museo da Olería, gestionado también por esta artesana con el objetivo de crear un espacio de promoción y conservación de esta tradición alfarera.

En cuanto al resto de contenidos, contamos en este número con reportajes sobre el taller de cuero Media lúa, que estrena tienda taller en Compostela, o los artesanos textiles de Belategui Regueiro, presentamos el proyecto Enredando, artesanía na Escola, una iniciati-va que hemos puesto en marcha con el objetivo de acercar el sector de la artesanía a los más jóvenes. Nos hemos querido acercar también a un oficio muy desconocido en Galicia, la plumería, a través de la reconocida artesana francesa Nelly Saunier, que vino a impartir un curso de la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño a finales del año pasado. Y, por último, incluimos también en esta nueva edición varias propuestas de incorporación de la artesanía al diseño de moda, a través de las reflexiones de la profesora Silvia García González así como un reportaje sobre el encuentro entre diseñadores y encajeras que organizamos durante la celebra-ción de la Mostra do Encaixe de Camariñas, dirigido por el diseñador gallego José Castro con el objetivo de abrir nuevas perspectivas en la creación de piezas de artesanía contemporánea, así como la colaboración de la artesanía con otras disciplinas.

Javier Guerra FernándezEconomics and Industry Regional Ministry Conselleiro de Economía e Industria

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Published byXunta de Galicia

Consellería de Economía e IndustriaDirección Xeral de Comercio

Coordinated byMaría Guerreiro

Fundación Centro Galego da Artesanía e do DeseñoL25MN Área Central 15707 Santiago de Compostela

Tel.: 881 999 523 Fax 881 999 170e-mail: prensa.artesania@xunta.es

www.artesaniadegalicia.org

Design and productionDARDO

dardo@dardo-ds.com

Editorial staff María Guerreiro, Eliana Martins, (DARDO)

PhotographyEduardo Armada, Miguel Calvo, Cenlitrosmetrocadrado,

Manuel G. Vicente e contribucións dos artesáns

D.L.: C-4788-2008

summary - SuMARIO

2 Greets You: Javier Guerra, Economics and Industry Regional Ministry /Saluda: Javier Guerra Fernández, Conselleiro de Economía e Industria

4 Bonxe, Wisdom on Clay / Bonxe, la sabiduría del barro

14 The Music of Weaving / La música del tejido

22 New moon / Luna nueva

28 Nelly Saunier Master of Art, a Plumassière in Galicia /Nelly Saunier maestra de arte. una plumassière en Galicia

36 On&Off Spaces in the City of Culture / Espacios On&Off de la Cidade da Cultura

44 The Memory of Textures / La memoria de las texturas

52 Interweaving, Handicraft at School / Enredando, artesanía en la escuela

58 José Castro, Internationalising Lace / José Castro, internacionalizando el encaje

Pepa, or Pepita, like her neighbours call her, is not the last potter in Bonxe, although it seems so. According to her, she is the only potter for now but she is confident that the trade will not die with her. Besides, she had already heard other people saying that they were the last potters, her father among them; however, the work of Pepa Lombao proves that pottery will be present for a long time in this village in Lugo.

BONXE, WISDOM ON clayBONXE, LA SABIDuRíA DEL BARRO

Pepa, o Pepita, como la llaman sus vecinos, no es la última alfarera de Bonxe, aunque así lo pa-rezca. De momento es la que está, como dice ella, pero mantiene la confianza en que el oficio no morirá con ella, y ya había oído muchas veces a otros, entre ellos a su propio padre, asegurar que eran los últimos alfareros, y Pepa Lombao es la confirmación de que los cacharros de este pueblo lucense aún tienen mucho recorrido.

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Bonxe has always been a land of potters but its future is now at risk. Pepa Lombao has the only traditional pot-tery workshop in this village in the municipality of Outeiro de Rei (Lugo), a trade which she inherited from his father and history. There are documents which prove that pottery has been present in Bonxe for more than three hundred years, registers where payments for the extraction of clay in the area of San Lourenzo were recorded. It was used to produce clayware for practical purposes, since it was commonplace in daily housework. Most of the neighbours of the area threw pottery for a living, an activity which was combined with others, such as agriculture or stock-breeding.

“Music too, children were taught to sol-fa to play in the bands,” Pepa says. And the Lombaos were one of those families in Bonxe who passed on the trade which Pepa took on thirty years ago. In the second half of the 20th cen-tury, new materials, such as plastic, started to being used – this was the beginning of the decline of pottery. In Bonxe, only one neigh-bour, Manuel de María, continued to turn the wheel, and he fired once a year. In 1973, after he retired, Indalecio, Pepa’s father,

Bonxe ha sido una tierra de alfareros, aunque hoy su futuro está más compro-metido. Pepa Lombao man-tiene el único taller de al-farería tradicional en este pueblo situado en el ayun-tamiento de Outeiro de Rei (Lugo), un oficio que le llegó de manos de su padre y de la propia historia. Consta en la documentación que la alfarería tiene una antigüedad de más de trescientos años en Bonxe, gracias a registros en los que se recogían los cobros por la extracción de ba-rro en la zona de San Lourenzo. Con él se hacían unos ca-charros que tenían una finalidad eminentemente práctica, ya que eran utilizados en el día a día para los quehaceres domésticos. Casi la totalidad de los vecinos de la zona se dedicaba al torneado, actividad que compaginaban con otras, como la agricultura y la ganadería.

“Y la música, también se preocupaban de enseñarle sol-feo a los niños para tener músicos en sus bandas”, apunta Pepa. Y entre las familias de Bonxe estaban los Lombao, que fueron transmitiendo el oficio que hace treinta años recogía Pepa. Con la llegada de nuevos materiales como el plástico en la segunda mitad del siglo XX, la alfarería empieza su declive, y en Bonxe únicamente un vecino, Manuel de María, continuó dándole vueltas al torno,

“I can’t wait for people to come and say that they want to be potters in Bonxe, people who preserve the trade, who steep themselves in traditional pottery and then create. I think that it’s natural to want to add something personal to your work.”

“Estoy deseando que alguien llegue y diga que quiere hacer alfarería en Bonxe, que conserve el oficio, que se empape de la alfarería tradicional y que a partir de ahí, él cree, porque me parece lógico que cada uno quiera aportar algo personal a su trabajo”

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continued with this trade, coinciding with a period when people started to be interested in pottery again. In those days Pepa came back to Bonxe at the age of 22, and she found herself in a situation very similar to that one in her childhood. “It was like reviving everything, and I got the potter’s wheel bug because here women never threw pot-tery, it was only for men.” And she learnt from his father, and she also specialised in pottery in the Arts and Crafts School in Lugo.

“Little by little you start to get hooked on this job but you also have to be responsible with what your ancestors left you.” For this very reason she is willing to teach whoever wants to learn this trade. In fact, she mentions that this summer a girl from Bonxe is going to learn with her the trade of pottery, so she thinks that it is not going to die with her. “I can’t wait for people to come and say that they want to be potters in Bonxe, people who preserve the trade, who steep themselves in traditional pottery and then create. I think that it’s natural to want to add something personal to one’s work.” An evolution which, according to Pepa, must be based on tradition.

cociendo una vez al año. En 1973, tras la jubilación, Indalecio, el padre de Pepa, retomó la rueda, coincidien-do con una época en la que se empezaba a recuperar el interés por la alfarería. En aquel momento, Pepa regresa-ba a Bonxe con veintidós años, y encontró esta situación similar a la de cuando era pequeña. “Fue como volver a encontrarme con todo, con el oficio, y me entró el gusani-llo del torno, porque aquí las mujeres nunca torneaban, eso era cosa de hombres”, y fue aprendiendo de su padre además de cursar la especialidad de cerámica en la Es-cuela de Artes y Oficios de Lugo.

“Te vas enganchando a este trabajo, pero también es un poco de responsabilidad con lo que han dejado tus an-tepasados”, por eso también se muestra plenamente dis-puesta a transmitir ese oficio a quien lo quiera aprender. De hecho, comenta que este verano una chica de Bonxe va a aprovechar para conocer de las manos de la propia Pepa el trabajo de la alfarería, así que no piensa que con ella vaya a extinguirse este oficio. “Estoy deseando que alguien llegue y diga que quiere hacer alfarería en Bonxe, que conserve el oficio, que se empape de la alfa-rería tradicional y que a partir de ahí, él cree, porque me parece lógico que cada uno quiera aportar algo personal a su trabajo”, una evolución que para Pepa tiene las ba-ses en el dominio de la tradición.

“I defend the trade, making the pieces

individually, because that’s what makes them special,

being unique.”

“Yo defiendo el oficio, hacer pieza a pieza,

porque eso es lo que da singularidad, la pieza

única”

“I always say that it’s very important to evolve but that evolution has to be noticeable; we can’t lose identity in such a way that people can’t identify where a piece is from. I would like that evolution to start from tradition. This is the only way to preserve the different pottery styles, otherwise they will end up being just work centres, and they won’t have that pottery identity.” This does not mean that one cannot be modern or create contemporary pie-ces but quite the opposite. For Pepa, pottery needs to be useful, so she had to research on the uses which clayware could have nowadays, and she came up with coffee sets, bases for plasma televisions and corporate gifts. Being handmade is a distinguishing factor which makes handi-crafts more valuable. “We must learn to like what we do, to like what we have. Once we learn that, we can proudly present a pot, a butter churn or an evolved piece which preserves the style, the quality of clay, the tonalities… I defend the trade, making the pieces individually, because that’s what makes them special, being unique.”

In fact, pieces have changed with the passage of time be-cause when new materials went on the market potters had to take more care over their products. Hence the decora-tion in pottery, which, according to Pepa, is quite recent. In the past, production was so high that there was not time to decorate or fix the bottom of the pieces. “When the pieces began to be useless, potters realised that they had to make them more attractive to be more successful.”

“Yo siempre digo que hay que evolucionar, pero que esa evolución tiene que ser reconocible, no podemos perder la identidad y que no se reconozca que la pieza es de un sitio. Me gustaría una evolución partiendo de esas formas tradicionales. Es la única manera de conservar las alfa-rerías, sino acaban siendo centros de trabajo, dejan de tener esa identidad alfarera”. Esto no significa renunciar a la modernidad, a la creación de artículos contemporá-neos, sino todo lo contrario. Para Pepa, la alfarería está unida a su utilidad, y como tal, tuvo que buscar cuáles son esos usos que hoy puede tener la pieza de barro, y así va desde los juegos de café hasta bases para panta-llas de plasma, o los regalos de empresa. Parte del valor de la pieza artesana está en el propio valor de lo hecho a mano como factor diferencial, “tenemos que aprender a querernos nosotros, a querer lo que tenemos; a partir de ahí puedes ir con orgullo con una olla, una natera o una pieza evolucionada, pero que conserva esa manera de hacer, esa calidad del barro, esas tonalidades… Yo defiendo el oficio, hacer pieza a pieza, porque eso es lo que da singularidad, la pieza única”.

De hecho, las propias piezas han ido cambiando con el tiempo, ya que una vez que los nuevos materiales fueron entrando en el mercado, los alfareros tuvieron que cuidar más sus productos. Así, Pepa señala que la decoración de los cacharros es bastante reciente, porque antigua-mente se realizaban tantos que no había tiempo para decorar ni para arreglar las piezas por debajo. “A medi-da que fue dejando de ser tan útil, los alfareros se dieron cuenta de que la pieza tenía que ser más atractiva para que gustara más”.

Josefa Lombao Bonxe 17, Outeiro de Rei Tel.: +34 982 393 399pepabonxe@gmail.comhttp://pepabonxe.blogspot.comCraftsman card / Carta de artesana nº 307Craft workshop / Taller artesano nº 359

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SHOWING THE PROCESS

In the fairs which this craftswoman attends something odd happens: people often say that her pieces are ex-pensive. However, when she sells them in her works-hop, people think totally the opposite. Pepa Lombao can show everything there, the two kinds of clay which she works with, the mixtures, the throwing, the firing… “And they aren’t considered expensive anymore,” she says. “One needs to show people the value of each piece in a very didactic way.” For this reason she com-bines her work as artisan with the task of spreading the trade – she is the one in charge of the Museo da Olería in Bonxe, which opened on March and shares the space with her workshop. A tour of pieces made by different potters in different periods – some of them are over 300 years old – with display panels which give information about pottery and the traditional pieces. Pieces which were used for specific purposes and help us to have a better understanding of a period which is not very distant in time but which has changed a lot. Nowadays, we do not need a pot to measure 16 litres of wine, churns to make butter or breast pumps for wo-men to extract milk from their breasts. “I love it when school trips visit my workshop because, when I explain the uses of the pieces to them, they realise that their sha-pe is important, that they were made that way because it was necessary for their use. So we are transmitting our way of living and our traditional culture.”

“I would like that the evolution started from

tradition. This is the only way to preserve the

different pottery styles”

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ENSEñAR EL PROCESO

En las ferias a las que asiste esta artesana, se produce una situación curiosa: a menudo, hay gente que opina que las piezas son caras. Esta opinión se invierte en el momento en el que la venta se produce en el taller. Allí, Pepa Lombao puede enseñar todo lo que hay detrás, los dos barros con los que trabaja, las mezclas, el torneado, la cocción… “Y ya no es caro”, apunta, “hay que ense-ñar a la gente ese valor que tiene de una manera muy didáctica”. Por eso combina la actividad productiva con la de la divulgación, gestionando ella misma el Museo da Olería de Bonxe, que comparte sede con el taller, y que fue inaugurado en marzo de este año. un recorrido en el que se encuentran piezas de distintos alfareros y épocas, algunas con más de tres siglos a cuestas, y con paneles explicativos que ilustran acerca del oficio y las piezas tra-dicionales. Piezas que tenían usos muy específicos y que sirven para conocer mejor una época no muy distante en el tiempo, pero que ha cambiado mucho. Hoy en día, no es necesario contar con una olla para medir los dieciséis litros de vino, nateras para hacer mantequilla, o pezo-neras con las que las mujeres extraían leche del pecho. “Cuando vienen excursiones de niños me gusta mucho, porque cuando les explicas la utilidad de las piezas se dan cuenta de que las formas no son por capricho, de que eran así porque era necesario para su utilidad. Y así estamos transmitiendo nuestra forma de vivir y nuestra cultura tradicional”.

“Me gustaría una evolución partiendo de

esas formas tradicionales. Es la única manera de

conservar las alfarerías”

THE POTTERY FROM BONXE

Pottery in this village in Lugo is over 300 years old, and in almost every house somebody knew how to throw. For this reason it has well-defined characte-ristics, like the kind of clay used. This is the result of mixing two different quality clays, one from Bonxe and the other a variation from the nearby parish of San Lourenzo. Pepa Lombao extracts it every eight years and she stores it in the open air. They are mixed to get the appropriate texture – hence its spe-cial quality to store liquids.

The next step is throwing it on the potter’s wheel, which, in this case has a high shaft. It consists of the wheels, a shaft, a seat (sentadoiro) where potters position themselves, and a tranqueiro, a wooden crosspiece on which the right foot leans while the left foot spins the lower wheel. The tools for throwing are on the front board. These are: the canaveira (a half-moon scraper with a straight part for decorating and a curved side for shaping the neck), the wheel isope (a brush for decorating), the cut-off wire (for removing the piece from the wheel) and the cup or cunca (a container for the water or the decorating slip). It is in this stage when pieces are decorated with white clay and motifs such as half-moons or spots; some of them are glazed too.

Once the pieces are modelled they have to be fired. Although gas kilns are very common now, the old wood kiln is also used in this process. In fact, at the end of May when the students of the course in the Handicraft Centre in Lugo finished their training in the workshop in Bonxe, they could fire their pieces in this kiln, although Pepa had not used it for a long time. The traditional kiln has the shape of a horses-hoe and it has inside two arches which rise from a part of the ground; the fire is under them. The pieces are placed inside, the strongest ones in the lower part and the most fragile pieces in the upper part. It usually was the work of several weeks or even months, hence the importance of a correct layout to avoid the pieces breaking during the firing. Finally, they are covered with flat pieces of broken ware so as to keep the heat in and have a regular tempera-ture inside the kiln. In this case, some neighbours came to help, like in the past, and they brought their own pieces to fire, which could be distinguished thanks to the marks that potters made on them.

TOOLS FOR EXTRACTING AND PREPARING CLAY / HERRAMIENTAS PARA EXTRAER Y PRE-PARAR EL BARRO

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1> STICK / ESPETO · 2> MALLET / MACICO3> HAND HOE / EIXADA PEQuENA · 4> PICKAX / EIXAL5> SHOVEL / PÁ · 6> BASKET /CESTA

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LA ALFARERíA DE BONXE

La alfarería de este pueblo lucense cuenta con más de tres siglos de antigüedad, y prácticamente en cada casa se sabía tornear. Por eso cuenta con unas características bien definidas, empezando por el propio barro. Procede de la mezcla de dos calidades diferentes, una de Bonxe y otra variante que se obtiene en la parroquia cercana de San Lourenzo. Pepa Lombao realiza extracciones cada ocho años y lo almacena al aire libre. Después se van mezclando, para que tenga la textura adecuada y de ahí que tenga esa especial cualidad para guardar líquidos.

El paso siguiente es el modelado en el torno de eje alto. Está constituido por las ruedas, el eje, el asiento o sen-tadoiro donde se sitúa el alfarero y el tranqueiro, una traviesa de madera en la que apoya el pie derecho mien-tras que con el izquierdo impulsa la rueda baja. En el tablero frontal se sitúan las herramientas que utilizan en el torneado, que son la canaveira (en forma de media luna, se empleaba la parte recta para decorar y la curva para dar forma al cuello); el isope de la rueda (un pincel para decorar), el alambre de raer (con el que se despegaba la pieza del torno); y la taza o cunca (recipientes para con-tener el agua o el engobe para decorar). En este momento también se decoran las piezas, con un barro blanco y utilizando motivos como las medias lunas o las pintas, y algunas también se vitrifican.

una vez que las piezas están modeladas, toca cocerlas. Aunque ahora ya se suele utilizar el horno de gas, en esta ocasión también se emplea el antiguo horno de leña. De hecho, los alumnos del curso del Centro de Artesanía de Lugo pudieron realizar a finales de mayo una hornada como cierre de la formación que obtuvieron en el taller de Bonxe, aunque ya hacía varios años que Pepa no lo empleaba. El horno tradicional tiene forma de herradura, y en su interior cuenta con dos arcos que se elevan sobre una parte del suelo, debajo de los cuales se sitúa el fuego. Las piezas van cargándose en el interior, desde las más resistentes en la parte inferior a las más delicadas en la superior, y por lo general era la producción de varias semanas e incluso meses, de ahí la importancia de una correcta disposición para minimizar la rotura de piezas en la cocción. Finalmente, se cubre con pedazos planos de piezas rotas, para conservar el calor y que sea regular en el interior del horno. En esta ocasión, varios vecinos vinieron ayudar como se hacía antiguamente, y trajeron piezas propias para cocer, que se distinguían gracias a las marcas que cada alfarero imprimía en sus piezas.

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THE PIECES, A REFLECTION OF A PERIOD

The vessels from Bonxe, like those from other traditional pottery styles in Galicia, were essentially made for practical purposes. Each piece had a specific use, and knowing each of them makes possible to discover a pe-riod, a way of life which is quite recent but seems lost in time. Many of the pieces which were used in cooking had three feet to be placed directly over the fire; otherwise they would need a stand. Regarding morphology, they usually had the shape of an inverted pear: high and closed vessels with a narrow neck, wide shoulders, and a quite narrow base. These are some of the shapes:

OLA: One of the most traditional pieces in Bonxe, a container which usually had a capacity of 16 litres. It had a very wide cen-tre and a very narrow base. It was used to store wine or water.

CHURN: Milk was shaken in this vessel to make butter. Its mouth was covered with a clay lid with a hole through which a paddle was inserted. This was turned manually to produce butter.

PORRÓN: A jar with a long spout for drinking from. In Bonxe they were made with two handles, one on top of the other.

CACHELEIRA: This vessel was used to strain the boiled potatoes (cachelos) and people helped themselves directly from it. It was placed on top of the pan which had been used to boil the pota-toes, so steam kept them hot.

ROASTING PAN: For oven roasting.

WATER JUG: It was bigger and slimmer than the wine jug and it was used to hold water.

WINE JUG: Smaller and more bellied than the water jug; it was used to serve wine.

HONEYPOT: This vessel was used to store honey. It was extrac-ted through a spout near the base which was usually blocked with a corncob. Water was placed in a part of the shoulder to avoid ants in.

PUCHEIRO: In different sizes, for storing water or milk. It was also used in cow milking too.

PUCHEIRO ALMORCEIRO AND GORRETE: The first one is bigger than the second one; they were used in summer to bring to the fields the farmers’ food.

CASSEROLE: A quite low and round vessel for cooking.

OIL LAMP: It did not have a standard shape since it was produ-ced for a specific use, not for sale.

CHOCOLATE POT: They usually had a handle in the shape of a tail in the belly and they were used to make chocolate.

BUCKET: These pieces have different shapes and decorations and they are similar to the wooden ones. They were used to carry water, although in Bonxe the ola was more popular for this purpose.

STRAW JUG: A jug for wine or orujo (liquor distilled from grape remains) which owes its name to its long and prominent spout. One could drink directly from it, as if it was a porrón. In fact, some potters modelled this spout with animal shapes, such as dogs.

BARREñÓN: This vessel was used to prepare the zorza (sea-soned pig mince used in chorizos) during the pig slaughter. It is one of the few pieces which could be decorated with a rim in the neck and a cord which surrounded the surface and worked as reinforcement.

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LAS PIEzAS, REFLEJO DE UNA éPOCA

Las vasijas de la alfarería de Bonxe, como las de otras tradicionales de Galicia, tienen en su base un carácter eminentemente utilitario. Cada pieza contaba con un uso específico y conocerlas permite des-cubrir una época, una forma de vida bastante reciente, pero que parece perdida en el tiempo. Muchas de estas piezas que estaban destinadas a la cocina ya contaban con tres pies para utilizarlas directamente sobre el fuego, si no necesitaban un soporte. En lo re-lativo a la morfología, generalmente tenían forma de pera invertida: las vasijas altas y cerradas tienen un cuello estrecho y unos hombros anchos, con una base bastante estrecha. Recorremos algunas de es-tas formas:

OLLA: una de las más tradicionales de Bonxe, con una capacidad por lo general de dieciséis litros, muy ancha en la parte central y con la base muy estrecha, para guardar vino o agua.

NATERA: En esta vasija se mazaba la leche y se obtenía manteca. Se cubría la boca con un plato de barro con un orificio, por el que sobresalía la vara del mazo, que se hacía girar con las manos para producir la manteca.

PORRÓN: Como característica diferenciada, el de Bonxe lleva dos asas superpuestas.

CACHELEIRA: En ella se ponían a escurrir los cachelos o patatas cocidas, y se iban cogiendo para comer. Al situarla sobre la cazuela de agua en la que se habían coci-do, el vapor mantenía las patatas calientes.

ASADOR: Se utilizaba para asar al horno.

JARRA: De mayor tamaño y más estilizada que el jarro, se utilizaba para contener agua.

JARRO: Más pequeño y barrigón, se empleaba para servir el vino.

MIELERO: En esta vasija se contenía la miel, y el pitorro cerca de la base por el que se extraía solía taparse con un carozo de maíz. Tenía un canal en el hombro donde se ponía agua para que no entrasen las hormigas.

PUCHERO: De varios tamaños, para guardar agua y leche, también se utilizaba para ordeñar a las vacas.

PUCHERO ALMORCEIRO Y GORRETE: el primero de mayor tamaño que el segun-do, se usaban en verano para llevar la comida a los agricultores al lugar del trabajo.

CAzUELA: Tienen una forma bastante baja y barriguda, se utilizaban para cocinar.

CANDIL DE ACEITE: No tenían una forma estándar, ya que no se pensaban para la venta sino para el uso particular.

CHOCOLATERA: Habitualmente tenían un asa en forma de rabo que salía de la barriga, y servía para hacer chocolate.

SELLA: Son piezas con formas y adornos muy variados, parecidas a las de madera. Se empleaban para transportar agua, aunque en Bonxe era más popular la olla para este uso.

JARRA DE CAñA: Se empleaba para el vino o el orujo, y debe su nombre al pitorro, de forma alargada y prominente, por el que se podía beber de ella directamente, como si fuese un porrón. De hecho algunos alfareros modelaban formas animales, como perros, en este pitorro.

BARREñÓN: En esta vasija se preparaba la zorza (preparado de carne de cerdo pi-cada y adobada para hacer chorizos) durante la matanza del cerdo. Es de las pocas piezas que podían ir decoradas con un borde en el cuello y un cordón que rodeaba la superficie y que actuaban como refuerzo.

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A constant and rhythmical sound echoes in the Be-lategui Regueiro workshop. It is the sound of the threads moving, guided by the loom shuttles, while they form beautiful and original compositions. A mu-sic which was kept for years in the privacy of the ho-mes of those women who wove cloths for household use, and which is now intensifying with avant-garde clothes and accessories which aim to be versatile and elegant in order to satisfy the future customer as much as possible. In fact, nowadays what mat-ters the most to artisans is that their pieces are not forgotten or kept in a wardrobe, and handicraft be-comes a commonplace in our lives.

The shelves in the Belategui Regueiro workshop, in Cam-bre, are covered with thread reels, a symphony of colours and materials which are combined in the looms to produ-ce unique and different weaves. This is the identity of a textile workshop which was founded seven years ago, a place where Luísa Estévez and Óscar Montero work, two people who love weaving and who look every day for new compositions to create unique pieces.

Although it could be said that their workshop is new, this trade has been always present in their lives, although it was a hobby at first. After having taken some courses and worked in other workshops, they decided to develop their own project, and it was such a personal project that they

The Music of WeavingLA MúSICA DEL TEJIDO

Un sonido constante y rítmico resuena en el taller Belategui Regueiro. Es el sonido de los hilos que vie-nen y van guiados por las lanzaderas de los telares mientras van dando lugar a hermosas y originales composiciones. Una música que durante muchos años estuvo guardada en la intimidad del hogar de las mujeres que tejían los lienzos de la ropa del ho-gar, y que ahora cobra fuerza con prendas y com-plementos de vanguardia, que buscan la versatilidad y la elegancia para satisfacer lo máximo posible al futuro cliente. Y es que para el artesano hoy en día lo más importante es que sus piezas no queden olvi-dadas y guardadas en un armario y que la artesanía tome las calles como algo cotidiano.

Las bobinas de hilos recubren las estanterías del taller Belategui Regueiro, en Cambre, una sinfonía de colores y materias que van combinando en los telares para produ-cir tejidos únicos y diferentes. Esta es la identidad de un taller textil que nacía hace siete años y en el que traba-jan Luísa Estévez y Óscar Montero, dos apasionados del tejido que día a día buscan nuevas composiciones para crear piezas únicas.

Aunque se podría decir que el taller es reciente, desde siempre han estado vinculados al oficio, aunque empezó como una afición. A través de cursos y trabajando en otros talleres, decidieron dar el paso y formar un proyecto

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combined the two second surnames of their mothers in their brand name. “This means that our products must be good because our surnames go with them,” so this guaran-tees the quality of the product, Óscar explains. They pay homage to their mothers in a trade which has been always carried out by women. “That’s more or less what happens in cookery, women are usually the ones who cook but the famous chefs are always men,” the craftsman says.

Óscar was the one who believed the most in becoming professional weavers – he insisted on the fact that they had the necessary skills and he looked for specialised tra-ining. Something which, as Luísa admits, is not easy. “To learn you need one loom just for yourself; you can’t only have two needles or assemble and dismantle a loom each time you use it.” Little by little Belategui Regueiro began to

propio, tan propio que su marca son los segundos ape-llidos de las madres de cada uno de ellos. “Eso implica que no puedes vender cualquier cosa, porque tu apellido va por delante”, actuando como garantía de la calidad del producto, indica Óscar. un homenaje a sus madres a través de un oficio fundamentalmente femenino, “como sucede un poco en la cocina, las que cocinan son las mujeres pero los grandes nombres son hombres”, apunta al artesano.

Y fue Óscar el que más tiró por dar ese paso de lo ama-teur a lo profesional, insistiendo en que tenían habilidad y buscando formación especializada. Algo que como reco-noce Luísa, no es fácil, “para aprender necesitas un telar para ti sola, no puedes llegar con dos agujas, o montar y desmontar de cada vez”. Poco a poco, Belategui Regueiro iba cobrando forma y fueron comprando los primeros te-lares hasta la actualidad, cuando han conseguido hacer un espacio propio con unos productos únicos.

“You sit in front of the loom and, since it’s not a

machine, you can change, try… And some things are

the result of a mistake; we end up with something

different but very good”

“Tú te sientas delante del telar y, como no es una máquina, puedes cambiar, probar, y hay cosas que son producto de la equivocación y sale algo diferente, pero que está muy bien”

work and they bought their first looms, until today, when they have managed to have their own space with their unique products.

According to these artisans, their workshop is via-ble thanks to their distinctive pieces. “Here weaving is identified with linen, burlap… However, we use silk, alpaca; we mix materials that weren’t very common or that were used in a different way,” Luísa explains. In this way, they combine linen or alpaca with silk to produce different fabrics, with new tex-tures and hangs, which they use in shawls, scarves and bags, and these are very successful with the pu-blic. They also want their garments to be versatile, so they can be adapted to different ages and styles. For example, a shawl which can be worn with an elegant outfit or in a ceremony, and with a more casual outfit too.

Corporate gifts is another of their lines of business, although they admit that in this case there is less room for improvisation because people usually ask for a more classical style. The discovery of the Roman site in the village of Cambre during some building works in 1998 gave rise to an idea for an institutional gift. With the technique of the traditional bedspreads, the gorullo (using balls of linen or wool), they made linen towels with the drawing of the octopus which was found in that site, and it became one of their most famous symbols. This is an idea for an institutional gift which shows the possibilities that the local handi-craft can offer, and their ability to create something unique and special.

La viabilidad de este taller, de acuerdo con los arte-sanos que lo llevan, es gracias a que han logrado crear unas piezas diferenciadas. ”Aquí se identifica la tejeduría con el lino, la estopa…, y nosotros en lo que nos hemos metido ha sido en la utilización de la seda, la alpaca, en las mezclas de materiales que no se utilizaban tanto o que se empleaban pero de otra forma”, explica Luísa. Así, a través de com-binaciones de lino con seda o de alpaca con seda producen tejidos diferentes, dando lugar a nuevas texturas y caídas que aplican a chales, bufandas y bolsos, y que son muy bien acogidos entre el pú-blico. También intentan dar una mayor versatilidad a las prendas que confeccionan, que se puedan adaptar a diferentes edades y estilos, que un mismo chal pueda combinar con un conjunto muy elegante o para una ceremonia, y que se pueda llevar con un estilo más casual sin ningún problema.

El regalo de empresa es otra de las vías de nego-cio, aunque en este caso reconocen que está menos abierto a la improvisación, ya que suelen solicitar un estilo más clásico. La aparición del yacimiento roma-no en el pueblo de Cambre durante unos trabajos en el año 1998 dio lugar a una idea como regalo insti-tucional. Mediante la técnica de las colchas tradicio-nales, el gorullo, elaboraron unas toallas en lino con el dibujo del pulpo encontrado en estas ruinas y que se convirtió en uno de sus símbolos más identificati-vos. una propuesta como presente institucional para demostrar las posibilidades que la artesanía local puede ofrecer y crear algo único y especial.

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INNOvATION AND TRADITION

On the floor of their workshop there are some prototypes of rugs made of wool from La Maragatería and cotton; they are testing them to see if these can be a new range of products. They also have a wool lamp which was un-successful; it reminds them that they must try. “We have it there as mockery,” Óscar jokes but he maintains that they always try to innovate. They always look for different weaves, “silk is cold and slippery, and alpaca is hairier and rougher. When we combine them we obtain a very fine weave because it’s very thin but incredibly warm, and it has a gorgeous hang,” Luísa says. And they show a shawl which alternates colours according to the golden ratio – designs which are started in a way and end in a different one. “You sit in front of the loom and, since it’s not a machine, you can change, try… And some things are the result of a mistake; we end up with something different but very good. In this case we try it, we go for that product although it may not be a success,” the craftsman explains. They have also experimented with materials such as milk protein or corn but they usually work with linen, alpaca and silk.

What they value the most is that customers use their pro-ducts. Luísa believes that there is nothing better than hea-ring that somebody uses a lot a garment made in their

INNOvACIÓN Y TRADICIÓN

En el suelo del taller hay unos prototipos de alfombras en lana maragata y algodón que están probando para ver si pueden ser una nueva tipología de productos que ofrecer. También queda colgada una lámpara en lana que fracasó finalmente, pero que les recuerda que hay que intentarlo. “La tenemos como escarnio”, bromea Óscar, pero asegu-ra que en su trabajo siempre están intentando innovar. Buscan tejidos diferentes, “la seda es fría y resbala, la al-paca tiene más pelo y es más rugosa, al combinarlas con-seguimos un tejido finísimo, porque es muy delgadito pero tiene una capacidad de abrigo impresionante y una caí-da preciosa”, apunta Luísa. Y enseñan un chal que alter-na los colores tomando como base la proporción áurea, unos diseños que comienzan de una forma y terminan de otra. “Tú te sientas delante del telar y, como no es una máquina, puedes cambiar, probar, y hay cosas que son producto de la equivocación y sale algo diferente, pero que está muy bien. En este caso pruebas, apuestas por eso, aunque no vaya a llegar a mucha gente”, comenta el artesano. También experimentaron con materiales como la proteína de leche o el maíz, pero sobre todo trabajan con el lino, la alpaca y la seda.

Lo más importante, en cualquier caso, es la satisfacción por el uso de sus productos. Para Luísa no hay nada mejor que el hecho de que alguien le comente que usa mucho

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workshop. “Although our work is based on tradition, we have to make useful garments, not garments for being kept in a wardrobe,” she says. Besides, they emphasise that weaving is highly regarded in Galicia and, in general, in the Cantabrian coast. “When we take the loom out of the workshop and we give live demonstrations, we feel the affection of the public; kids are amazed and they are the ones who ask the best questions. Adults remember their mothers or aunts having one but they associate it with sheets or cloths for home.” Even so, Luísa admits that it is a very complicated hobby because it demands training and an important investment. There are people who are interested in learning how to weave but, once they disco-ver all the process behind, they see it is more work than just pumping a treadle.

For Óscar and Luísa, the ideal would be that handicraft was valued. For this reason they are not interested in se-lling their products in the Internet because they consider that people need to touch them and know the process be-hind to appreciate them, and this is not possible in the Net. For them, the best way to reach their customers is to sell their products in their workshop, in other shops or in professional fairs. And this is working so far because they do not want their workshop to grow much more. “I wouldn’t like to grow to such an extent that I would have to give up weaving and focus on running the business, that’s what happens in many companies,” Luísa says. “What we defend is to continue doing this, to be valued.”

una prenda elaborada en su taller. «Aunque mantengas una base en la tradición, tienes que hacer prendas útiles, no para guardarlas en un armario», comenta. Pero en todo caso, siempre destacan el aprecio por el tejido en Galicia y en general en la cornisa cantábrica. “Cuando llevamos el telar y hacemos exhibiciones, percibimos mu-cho el cariño de la gente, los niños alucinan y son los que nos hacen las preguntas más acertadas. Las personas ma-yores lo recuerdan de casa, de una madre o una tía, pero lo asocian a las sábanas o lienzos de la casa”; aun así Luísa reconoce que como afición es complicado, ya que requiere un aprendizaje y una inversión. Hay personas que llegan interesadas en aprender a tejer, pero una vez que descubren todo el proceso que hay detrás, ven que es mucho más trabajo que el simple pedaleo.

Para Óscar y Luísa lo ideal sería la puesta en valor del trabajo artesano. Por eso no están interesados en la ven-ta de sus productos por internet, porque consideran que para poder apreciarlos realmente es necesario tocarlos y conocer el proceso que hay detrás, y para ellos la red no le ofrece esa posibilidad. La venta en el taller, en otras tiendas o en ferias profesionales son para ellos las mejo-res vías para llegar a su cliente. Y de momento funciona, porque su intención no es que el taller crezca mucho más. “No me gustaría crecer tanto que dejase de ser tejedora para ser gestora, que es lo que pasa en muchas empre-sas”, comenta Luísa, “nosotros lo que defendemos es se-guir haciendo esto, que te valoren”.

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“I wouldn’t like to grow to such an extent that I would have to give up weaving and focus on running the

business, that’s what happens in many companies. What we defend is to continue doing this, to be valued”

Belategui Regueiro Lugar de Outeiro 15, Cambre

Tel.: +34 981 674 557obradoiro@belateguiregueiro.com

www.belateguiregueiro.comCraftsman card / Carta de artesana nº 2.502 (Luísa)

Craftsman card / Carta de artesano nº 2.499 (Óscar)Craft workshop / Obradoiro artesán nº 586

LOW-WARP WEAvING

In the Belategui Regueiro workshop products such as shawls, scarves and bags are usually made in low-warp looms. unlike high-warp looms, in which the warp is sus-pended vertically, weaving is done horizontally. Before starting to weave there is a lot of work to do, like deciding the piece, the materials and the colours.

The selected threads are prepared in the warper, all with the same distance and tension. Distances are calculated by turning the warper. Once the threads are ready, the re-sult is a plait which will be placed in the loom to make the warp yarn, a process known as warping, and they pass through a reed to be spaced evenly. They must be kept in order to wind the warp. The position of the warp yarn depends on the stitches which will be used: each stitch de-pends on how the threads are placed, and a thread which has been placed in the wrong warp will cause a longitu-dinal defect. This is why this process is so important, a mistake conditions the quality of the product. Finally, the warps are connected to the treadles and the loom is ready to start weaving.

The kind of stitch depends on the movement combination of the treadles. Tension and strength must be uniform. So-metimes one can try to obtain a controlled irregularity; however, what is usually sought is a uniform result. Once it is woven, the piece is cut and finished with the fringes.

EL TEJIDO EN BAJO LIzO

En el taller Belategui Regueiro se elaboran productos como chales, bufandas o bolsos, principalmente en tela-res de bajo lizo. A diferencia del de alto lizo, que trabaja con un bastidor en vertical, en este caso el tejido va ha-ciéndose en horizontal. Antes de empezar a tejer hay un amplio trabajo, que arranca con la decisión de la pieza, los materiales y los colores a emplear.

En el urdidor se preparan los hilos que se van a utilizar, todos con la misma distancia y tensión. Mediante las vuel-tas al urdidor se calculan las distancias. una vez que se tienen los hilos preparados, se consigue una trenza, que es lo que se colocará en el telar. Los hilos se colocan en el telar para formar la urdimbre, proceso conocido como urdido, van distribuyéndose en un peine para que la colo-cación sea homogénea. Es necesario que se coloquen en orden, sin cruzar, y se enhebran los lizos. La urdimbre se traza según los puntos que se van a realizar: una determi-nada colocación de los hilos permite una serie de puntos; mientras que un hilo no colocado en el lizo adecuado im-plica una tara longitudinal. Por eso es muy importante la realización de este proceso, ya que un error condiciona la calidad del producto. Finalmente, se conectan los lizos a los pedales, y entonces es cuando se puede comenzar a tejer.

Según la combinación del movimiento de los pedales, se permite un tipo de punto u otro. Es necesario que la ten-sión sea homogénea, al igual que la fuerza con la que se abatana el tejido. En algunos casos puede procurarse una irregularidad controlada, pero lo habitual es buscar un resultado uniforme. una vez que está tejido, hace falta cortar y terminar la pieza y hacer los flecos, para tener la pieza finalizada.

“No me gustaría crecer tanto que dejase de ser tejedora para ser gestora, que es lo que pasa en

muchas empresas, nosotros lo que defendemos es seguir haciendo

esto, que te valoren”

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She feels as if she was wearing for the first time a new pair of shoes. About six months ago Media Lúa (Half Moon) moved to its new premises, after more than twelve years working in the city, and the result has been very positive. A wonderful space in the old quarter, where pieces made by the artisans of this shop-workshop and other craftspeople have a better presentation and reach the public in all their splendo-ur. Ana Serra, the artisan who founded Media Lúa, knows that this is mostly due to the way in which she tries to reach the customer, since a quality product as hers deserves a special and careful presentation.

Handicrafts entail a special bond with the consumer. The customer wants to know how a handmade piece is made, its context. The intense relationship between the workshop and the customer might be the key for the success of Me-dia Lúa. This shop-workshop specialised in leather goods was founded twelve years ago in Santiago de Composte-la. Ana Serra, the artisan who is behind this brand, thinks that this is the ideal recipe for reaching the customer in the best possible way.

And she might be right because she opened a new and bigger space in the current economic situation, and the first results make her be optimistic. Ana and the two peo-ple who work with her had considered for a long time the necessity of moving to a new place. Although she did it out of obligation – the previous space she rented was put on the market by the owner – it is obvious that Media Lúa won with this change. In this new space, there is a spe-cific area for the workshop, which can be seen through a small window inside the shop, where the pieces have more space for their exhibition.

“In my opinion, the workshop is the attraction of the shop,” Ana Serra explains, and she thinks that one could not work without the other. For this reason, she left a space in the shop for a workbench, which the public can see, “so that

Como si estrenase zapatos nuevos. Hace casi seis me-ses que Media Lúa ha cambiado de local en Santiago de Compostela, tras más de doce años trabajando en la ciudad, y el balance no puede ser más positivo. Un magnífico espacio en el casco histórico, donde las piezas tanto de los artesanos que trabajan en esta tienda-taller como de otros creadores, ganan en pre-sencia y llegan al público en todo su esplendor. Ana Serra, la artesana que fundó Media Lúa, sabe que este resultado se debe en gran medida a la forma en que busca llegar al cliente, ya que un producto de calidad como el que ella elabora merece una presen-tación cuidada y especial.

El producto artesano exige un vínculo especial con el con-sumidor. El cliente quiere conocer cómo es su elabora-ción, el contexto de esa pieza hecha a mano. La intensa relación entre el taller y el cliente puede que esté tras el éxito de Media Lúa. Van doce años desde que nacía en Santiago de Compostela esta tienda-taller especializada en marroquinería. Ana Serra, la artesana que está tras la marca, cree que esta es la fórmula ideal para que su producto llegue lo mejor posible al cliente.

Y no debe de ir muy desencaminada, porque en medio de una coyuntura económica como la actual, estrena es-pacio, mucho más amplio, y con unos primeros resultados que empujan hacia el optimismo. Hacía tiempo que Ana y las dos personas que trabajan con ella barajaban la necesidad de cambiar de local, y aunque fuese por obli-gación –el anterior espacio en el que estaban fue puesto a la venta por su propietaria– queda claro que Media Lúa ha ganado con el cambio. En este nuevo espacio, una

New MoonLuNA NuEVA

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there is always life in the workshop.” These are two parts of her business which complement and help each other but which demand a greater effort. On the one hand, all the duties of a workshop must be fulfilled, like dealing with the suppliers, the design or the manufacturing; and on the other, the commercialisation of the products, their display, the packaging, the promotion…

“They are two different businesses,” Ana says. This is why in her shop Media Lúa products coexist with other pieces from other leather artisans, which are by no means the competition. Actually, she knows for a fact that offering a variety of pieces is more appealing to customers; she chooses artisans with products very different to hers to have a greater selection.

According to Ana, separating the workshop and the shop is as complicated as running a shop-workshop. Nowa-days, in her opinion, it is impossible to avoid marketing. “The market is a jungle,” no matter the way you do it; and nowadays this is one of the hardest challenges for artisans as creators. Besides, she admits that running a shop is a time-consuming job, so she has organised the work in shifts; she alternates a week in the workshop with another in the shop. The other shift is covered by Lola, another artisan who has been working with Ana in Media Lúa for more than ten years. “If I don’t do this, I can’t be in the workshop,” where the third pillar of Media Lúa, Rober, works.

parte se encuentra dedicada al taller en exclusiva, visi-ble a través de una pequeña ventana en el interior de la tienda, donde las piezas cuentan con mucho más espacio para la exposición.

“Para mí, el taller es el gancho que tiene la tienda”, ex-plica Ana Serra, que no cree que una cosa funcionase sin la otra. Es por eso que ha dejado un espacio de la tienda para ubicar una mesa de trabajo, a la vista del público, “para que el taller siempre esté vivo”. Son las dos vertientes de su negocio, que se complementan, que se aportan mutuamente, pero que también suponen una mayor exigencia. Por una parte, atender a todas las ne-cesidades que un taller implica, como la negociación con los proveedores, el diseño o la fabricación; y por otra, la puesta en el mercado de su producto, el modo de expo-nerlo, empaquetarlo, promocionarlo…

“Son dos negocios”, asegura Ana. Por eso en la tienda no hay exclusivamente productos de Media Lúa, sino que estos conviven con piezas de otros artesanos del cuero que en absoluto son competencia. De hecho, tiene más que comprobado que la variedad de piezas que ofrece supone un mayor atractivo para los clientes, ya que se-lecciona a artesanos con productos muy diferentes a los suyos propios, para poder ampliar su oferta.

Ana no considera que la fórmula de separar taller de arte-sanía y punto de venta sea menos compleja que la gestión de la tienda-taller. Hoy en día, en su opinión, es imposible no pensar en el marketing, “el mercado es una jungla”, da lo mismo qué fórmula se emplee, y ese es uno de los retos más duros que como creadores tienen los artesanos en la actualidad. Aun así, reconoce que la gestión de una tienda es absorbente, con lo que ha adoptado un siste-ma de turnos de trabajo y alterna una semana de taller con otra de atención al público, tareas que comparte con Lola, otra artesana que lleva más de diez años trabajan-do con Ana en Media Lúa. “De no ser así, no podría tocar el taller”, una parte a la que se dedica casi íntegramente la tercera pata de Media Lúa, Rober.

“There is a public who wants a personal gift, a tailored piece, something different, and we do that”

CUSTOMER LOYALTY

Despite its location, Ana points out that tour-ists are not their main customers; it is the peo-ple from Santiago and its surroundings who support this workshop. “My idea was to have a stable workshop where people could order things. So, in time, thanks to word of mouth, you start to be known, and when people need to do something they know where you are. This worked for me,” this craftswoman says. “I think it’s a cycle because of course there is a public who like shopping centres; however, other people don’t, they want a personal gift, a tailored piece, something different, and we do that.” The target customers of Media Lúa want a unique and quality piece, and this business has proudly fostered consumer loy-

EL CLIENTE FIEL

A pesar de su emplazamiento, Ana señala que no tiene al turismo como uno de sus principales públicos, sino que es la gente de Santiago de Compostela y comarca la que sostiene al taller. “Mi idea era tener un taller estable en el que la gente pudiese encargar cosas. Así, con el tiempo, con el boca a boca, te van conociendo y cuando necesitan hacer algo saben dónde estás; para mí eso ha funcionado”, asegura la artesana. “Creo que esto es algo cíclico, porque efectivamente, sí que hay un público de centro comercial, pero hay otro público que no quiere eso, que quiere un regalo personalizado, poder encargar algo a medida, cosas diferentes, y ahí estamos nosotros”. un consumidor

“Hay un público que quiere un regalo personalizado, poder encargar algo a medida, cosas diferentes, y ahí estamos nosotros”

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Media Lúa Ana Serra GarcíaRúa Algalia de Arriba, 2715704 Santiago de Compostela Tel.: 981 582 389info@medialua.eshttp://www.medialua.esCraftsman card / Carta de artesana nº 220Craft workshop / Taller artesano nº 241

que quiere una pieza única y de calidad es el público objetivo de Media Lúa, que con orgullo ha conseguido ir fidelizando gracias al aval que suponen sus creaciones. Pero también empresas que desean hacer un regalo especial y diferenciado, o restaurantes que encuentran en la piel el soporte ideal para presentar sus menús con elegancia y un estilo único. “Solo por la relación calidad-precio, ya vale la pena comprar productos de artesanía”, aunque para Ana el precio de sus piezas debería ser más elevado, dado todo el trabajo que hay detrás. “La costura que nosotros hacemos es manual, con lo cual es mucho más duradera, y además es reparable”, garantizando de este modo un producto de alta calidad durante muchos años.

Puede que este aval de calidad sea lo que haga que doce años después Media Lúa continúe con más fuerza que nunca. “En los últimos dos o tres años, el bajón econó-mico ha sido tremendo. Muchas veces, me asombro de poder mantenernos en pie, pero si aguantamos ahora, significa que nos podemos mantener, que queda un públi-co que valora esto, por suerte, y que nos hace estar aquí”. A esto hay que añadir el placer de trabajar en aquello con lo que más disfruta, ya que para Ana, el cuero “en-gancha”. “Empecé muy joven, es una rama que siempre me ha atraído. Llevo veinticinco años en este oficio y me sigue encantando. Me siento una privilegiada”, concluye.

alty with their great creations. Other customers are com-panies which want to give a special and distinctive gift or restaurants which find in leather the ideal way of present-ing their menus in an elegant and a unique style. “The great quality/price ratio of handicrafts is a good reason to buy.” However, Ana believes that the price of her pieces should be higher because there is a lot of work behind. “We sew our products by hand, so they last longer and they are easier to repair,” in this way, high quality is guar-anteed for many years.

Perhaps this guarantee of quality is the reason why, after twelve years, Media Lúa is still working, with more energy than ever. “In the last two or three years our sales have fallen sharply. I usually wonder how we can continue here but if we manage to survive with the cur-rent situation, it means that we can continue, that there is still a public who values our work and makes possible to carry on.” In addition, having a satisfying job is very important for her, and, according to Ana, leather gets you “hooked.” “I started when I was very young; it’s a field that I always liked. I’ve been working in this trade for twenty-five years and I still love it. I’m a privileged person,” she says.

“The great quality/price ratio of handicrafts is a good reason to buy”

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“Solo por la relación calidad-precio, ya vale la pena comprar productos de artesanía”

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UNA vENTANA AL CLIENTE

El escaparatismo es, sin duda, uno de los puntos fuertes de Media Lúa. Si bien la calidad de sus productos es su garantía, el medio para llegar al potencial comprador no puede descuidarse. Así, ya han sido varias ocasiones en las que han sido reconocidos por las creativas composicio-nes de sus escaparates. En 2007 el Concello de Santiago los galardonó con el premio SCQ Shopping, destacando “la economía de medios con la que organiza su escapa-rate, construyendo una armoniosa y minimalista presenta-ción de sus productos”. En la edición de primavera signifi-caron una composición de inspiración gastronómica, “un expositor que evoca la deliciosa presencia de productos pasteleros para llamar la atención sobre los productos artesanales”, recogía el fallo del jurado. En la Navidad de 2009, nuevamente recibieron el primer premio SCQ Shopping, en esta ocasión con una original propuesta que convertía al escaparate en una prolongación de la calle, donde podía verse la réplica de dos personas con bolsos de cuero, mirando hacia el interior de la tienda.

La gastronomía fue otro acierto en la convocatoria del Concurso de Escaparatismo Fórum Gastronómico 2010, donde de nuevo llevó un primer premio. El jurado resaltó la calidad estética de la composición, la integración de la temática gastronómica, ya que incluían sus productos de cuero como atractivo “menú”; y finalmente la eficacia del mensaje publicitario, dado que habían introducido carteles en los que recordaban que confeccionan produc-tos para la hostelería y la restauración. Para Ana Serra, este tipo de reconocimientos son muy importantes, ya que suponen una promoción muy intensa y al mismo tiempo un impulso para seguir innovando. Así, muchas personas se han interesado por la tienda a raíz del fallo de estos premios, y cada nueva composición es un aliciente para descubrir qué original propuesta será la próxima. una ex-celente mise en scène para unos productos de alta cocina que primero tienen que entrar por la vista.

A WINDOW FOR CUSTOMERS

Window dressing is, without any doubt, one of Media Lúa strong points. Although the quality of their products is their guarantee, they cannot neglect the way of reaching the potential buyer. Actually, they have been given many prizes for the creative layouts of their shop window. In 2007 they won the SCQ Shopping Award of the San-tiago City Council, which stressed “the way they make the most of their resources to organise their shop window and create a harmonious and minimalist presentation of their products.” In the spring award, the jury appreciated their gastronomy-inspired layout, “a shop window which evokes the delightful presence of cakes to attract the atten-tion of the public to their handicrafts.” In Christmas 2009, they won the SCQ Shopping Award again, in this case with an original layout which made their shop window an extension of the street – there were two figures of two people who carried leather handbags and were looking at the shop.

Gastronomy proved to be a good choice again because Media Lúa also won the first prize of the Window Dress-ing Competition of the Gastronomic Forum 2010. The jury stressed the aesthetic quality of the layout, the way in which the theme of gastronomy was integrated, since the leather products were offered as an appealing “menu;” and finally the effectiveness of the advertising message, since they included signs reminding that they had products for the restaurant industry. According to Ana Serra, these awards are very important because they mean a good promotion and they encourage them to keep on innovat-ing. These awards make a lot of people have an interest in the shop, and each layout is an incentive to go and see their next original proposal. An excellent mise-en-scène for haute cuisine products which have to make a good impres-sion first.

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The Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño invited me for the first time to teach a handicraft course which took place in Gondomar in October 2010, with the aim of passing on my peculiar knowledge to a group of fifteen people.

In my first visit to Galicia I was warmly welcomed by a fa-mily of handicraft lovers. Albino Quinteiro, weaver and coordinator of this training project, was among them, and he had been in charge of selecting the participants.

I was introduced to the group after a quick tour of the region, which is delightfully located between the sea and the mountain. They were people from different regions, mostly women of very different ages and with different careers. I met my students in the heart of the atelier whe-

NElly SaUNIER MaSTER OF aRT, a PlUMaSSIÈRE IN GalIcIaNELLY SAuNIER MAESTRA DE ARTE. uNA PLuMASSIÈRE EN GALICIA

La Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño me acogió por primera vez como docente de un curso de formación artesanal celebrado en Gondomar en octubre de 2010, con el fin de transmitir mis conocimientos tan particulares a un grupo de quince personas.

En esta primera estancia en Galicia, fui calurosamente acogida por una familia apasionada por los oficios del arte, entre los cuales estaba Albino Quinteiro, tejedor y coordinador de este proyecto de formación y quien, entre tanto, había seleccionado a los participantes.

El grupo, llegado de diferentes regiones y compuesto prin-cipalmente por mujeres, de edades y trayectorias muy di-ferentes, me fue presentado tras una rápida visita por la región, deliciosamente ubicada entre el mar y la montaña.

Nelly Saunier was the teacher of the course “Trades in Fashion. Feather-Making” which the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño organised between the 25th and 31st October 2010 in Gondo-mar. She describes in this text her experience during this training activity with Galician artisans. Saunier is a plumassière who enjoys great prestige in inter-national catwalks for her real skill to use plumes in fashion.

Nelly Saunier, docente del curso “Oficios de moda. Plumería”, impartido en Gondomar entre el 25 y el 31 de octubre de 2010, relata en este texto sus expe-riencias durante esta actividad formativa con artesa-nos gallegos organizada por la Fundación Centro Ga-lego da Artesanía e do Deseño. Saunier es una artista plumassière, una profesional de reconocido prestigio en las pasarelas internacionales gracias a su maes-tría en la aplicación de la plumería a la moda.

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re we spent a week learning the basic feather-making techniques, and I discovered a rich mix of passionate amateurs, professionals and even students, like a girl who came to learn the practice rather than the theory to apply it in her training in fashion designing.

With the special collaboration of Aurea Di Carlo, who was responsible for the translation between the group and me during my stay, the first contact was very amia-ble, so I could go straight to the heart of the matter. As soon as the first boxes of feathers where opened I could feel the effect of the magic of this material, and this fe-eling did not disappear during the whole course. Step by step, exercise after exercise, I could feel the growing interest and desire of the group, the motivation and sen-sibility of each of them in their discovery of the peculiar world of feather-making, and even their fascination for their own creations.

Their way of listening and their attention also contributed to the success of this project. The whole course was de-veloped in richness, mixed with the simple pleasure of a meeting of handicraft lovers.

During my stay, which was too short to fully understand the importance of handicraft in this beautiful place, I could grasp the real will of the group to learn and to do it well. I truly thank my “one day students” for their great courtesy, their respect for the beautiful work, their attention, their capacity for adaptation and their will. I also stress the manual skills of each of them and I will not forget their gorgeous personalities.

Exchanging creates richness; the dynamism we shared made possible to value such a prized and fragile art,

Así, en el corazón del taller donde pasamos una semana recorriendo las técnicas básicas de la plumería, conocí al alumnado y descubrí una rica mezcla de aficionados apasionados, profesionales, e incluso estudiantes como una chica que vino a buscar, en el marco de su formación como estilista de moda, la práctica más que la teoría.

Con la preciada colaboración de Aurea Di Carlo, quien se encargó de la traducción entre el grupo y yo misma a lo largo de mi estancia, el primer contacto fue muy caluroso y permitió rápidamente entrar en el meollo del tema. Apenas se abrieron las primeras cajas de plumas, sentí inmedia-tamente actuar la magia del material y esa sensación no desapareció durante todo del curso. Paso a paso, ejercicio tras ejercicio, pude sentir el interés y el deseo creciente en el conjunto del grupo, la motivación y seriedad de cada uno en el descubrimiento de este mundo tan particular de la pluma e incluso su fascinación ante sus propias creaciones.

La calidad de la escucha y de la atención que me pres-taron contribuyó ampliamente al éxito de este proyecto. Etapa tras etapa, el curso se desarrolló en la riqueza, mezclada con el simple placer de un encuentro entre apa-sionados del “saber” hecho a mano.

Durante esta estancia, después de todo demasiado corta para abarcar por completo la dimensión del lugar que puede ocupar la artesanía en este bello lugar, pude apre-hender muy positivamente la voluntad real del grupo para aprender y hacerlo bien. Agradezco muy sinceramente a mis “alumnos de un día” su gran cortesía, su respeto por la hermosa labor, su atención, su capacidad de adapta-ción y su voluntad. Destaco también las calidades manua-les de cada uno y guardo el recuerdo de sus hermosas personalidades.

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which goes far beyond our differences. A committed ar-tisan protects values without borders.

I have lived an enriching and unexpected experience, since my first motivation is to make this trade known, a passion which I have been promoting for the last 25 years through creative collaborations and the transmis-sion of my knowledge.

I would also like to thank the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño and all the people involved in this project, without whom this beautiful gathering would not have been possible.

El intercambio crea la riqueza; nuestro dinamismo puesto en común permite poner en valor un arte tan preciado como frágil y que se inscribe mucho más allá de nuestras diferencias. El artesano implicado protege valores que no tienen fronteras.

He vivido una experiencia enriquecedora e inesperada para la artista que soy, ya que mi motivación primera es hacer reconocer este oficio, una pasión que no dejo de promover a través de la colaboración creativa y de la transmisión del conocimiento desde hace veinticinco años.

Agradezco igualmente a la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño y a todos los actores implicados en este proyecto sin los cuales este hermoso encuentro no hubiese sido posible.

NELLY SAUNIER, FASHION AND HANDICRAFT

Jean Paul Gautier is one of the most important names in fashion, and every time he shows his collections on the catwalks he raises expectation and surprise, and he captivates his audience with unique and spectacular garments. And this was the case of that famous “parrot bolero” which he created in 1991 and which is part of the history of the haute couture. This garment, which was entirely covered in plumes of eccentric colours, was designed by this fashion enfant terrible and made by the skilful hands of Nelly Saunier, an expert on the craft of feather-making.

Dior, Chanel, Paco Rabanne or Givenchy are other in-ternational haute couture houses which have entrusted Saunier with some of their designs. This Parisian artist, who is one of the “Masters of Art,” an exclusive title, has continued on her own with an old craft, the feather making, which is only practiced by four or five people in France today. She has been doing this for more than thirty years, and she still finds fascinating the material – feathers – and the endless possibilities it offers. These artists usually remain anonymous but they play a key role in the fashion world, especially in haute couture, in this case. They create unique and special ornaments which make a dress stand out in a different way and become a real work of art, full of beauty and aesthetic force.

NELLY SAUNIER, MODA Y ARTESANíA

Jean Paul Gaultier es uno de los nombres indiscutibles de la moda, que cada vez que sube sus colecciones a la pasarela suscita expectación, sorpresa y embelesa a su público con prendas únicas y espectaculares. Como aquel inolvidable “bolero-loro”, una creación de 1991 y que forma parte de la historia de la alta costura: una prenda cubierta por fantásticas plumas de excéntricos colores di-señado por este enfant terrible de la moda y que contó con unas manos muy habilidosas y conocedoras del oficio de la plumería, Nelly Saunier.

Dior, Chanel, Paco Rabanne o Givenchy son otras de las casas internacionales de alta costura que se han puesto en las manos de Saunier para dar forma a sus diseños. Esta creadora parisina, del selecto club de los “maestros del arte”, ha conservado en solitario un antiguo oficio, el de la plumería, que en la actualidad ejercen apenas cuatro o cinco artesanos en Francia. un compromiso que mantiene desde hace más de treinta años, fascinada por el material, la pluma, y por sus inmensas posibilidades. Son manos que habitualmente permanecen anónimas pero que desarrollan un papel clave en el mundo de la moda, y principalmente de la alta costura en este caso, componiendo esos adornos únicos y especiales que ha-cen que un vestido brille de forma diferente y se convierta en una verdadera obra de arte, cargada de belleza y de fuerza estética.

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The art of feather making is quite old, it dates from the Middle Ages and especially the Early Modern History, when monarchs threw parties and wanted to dazzle with their costumes. To do so they used all the available means, and feathers were obviously one of these. In the 13th century, plumassiers were known as the “peacock hatters,” while in 1581 they were called “plumed plu-massiers.” It was not until 1692 when they were included in the list of trades and they became “master plumassiers, florists and decorators.” At that time, their training lasted six years and after that they had a four year period of practice which was necessary to become a Master.

However, if we talk about plumassiers as the creators of ornaments for subliming a garment, then the trade of feather-making only dates back to over a century ago. In the 18th century feathers started to be used as ornaments in fashion – in a quite spectacular way – when Rose Ber-tin created huge hairstyles with plumes for Queen Marie Antoinette. Nevertheless, the golden age of feathers in France was between 1860 and 1870, and it reached its apex at the beginning of the 20th century. In 1820 the-re were 51 plumassiers, while in 1929 they were more than 400, a number which decreased to 68 after World War II. Nowadays there are only five professional fea-ther makers.

El origen del oficio de artista plumassière es relativamen-te antiguo, de cuando los monarcas de la Edad Media y principalmente en la Edad Moderna ofrecían fiestas en palacio y pretendían deslumbrar con sus vestidos, re-curriendo para ello a cuantos lujos hubiese, entre ellos, evidentemente, estaban las plumas. En el siglo XIII, el plumassier era conocido como el “sombrerero del pavo real”, mientras que en 1581 se le llamaba “plumassier de penacho”. No fue hasta 1692 cuando fue finalmente reconocido en la lista de oficios y se convirtió en “maestro penachista, plumassier, florista y adornista”. La duración del aprendizaje era en aquel entonces de seis años, a los que seguía un período de cuatro años de práctica, nece-sario para alcanzar el estatus de Maestro.

Aun así, el oficio de plumassier no se remonta mucho más de un siglo atrás, si nos referimos al creador de adornos destinados a sublimar una prenda. uno de los momen-tos en el que las plumas empiezan a introducirse como adornos de moda, con cierta espectacularidad en su uso como ornamento, es en el siglo XVIII, cuando Rose Bertin confeccionaba peinados monumentales adornados con penachos de plumas para la reina María Antonieta. En todo caso, en Francia, la edad de oro de la pluma se sitúa entre los años 1860 y 1870, y alcanza su apogeo a principios del siglo XX. En 1820 se contaban cincuenta y un plumassiers, llegando a superar los cuatrocientos en

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In 1858 the English designer Charles Frederick Worth founded in Paris the first fashion house, where he offered different and original made-to-measure fashion collec-tions. He was soon patronised by the upper class, who was interested in his garments as if they were works of art. The key to his success lay in his collaboration with craftsmen who applied their knowledge and their mas-tery of the technique and trade to his fashion creations, to the luxury and creativity of the haute couture which was emerging in those days. They were embroiderers, braid makers, hatters, jewellers…, who immediately went from only producing to creating and collaborating with designers. They were responsible for the “ornamented woman,” a popular trend during the belle époque. Great designers, such as Coco Chanel, made these artisans their key partners to make the most of their imagination and creativity.

Nelly Saunier is a living example of these artisans who worked in the glamorous world of fashion. She also tea-ches feather-making at the Octave Feuillet vocational school in Paris, where she wants to pass on her knowled-ge to perpetuate this trade. Besides, as designer and plastic artist too, she creates her own works and she collaborates with other designers, couturiers and deco-rators.

THE TRADE

Nowadays the craft of feather making has fallen on hard times compared to the number of plumassiers at the be-ginning of the 20th century. To know the origin of this trade it is necessary to almost go back to the origin of the human race, and it is not surprising since feathers were one the easiest materials to get in nature. They remain as little childhood treasures in our memory, treasures which we found in our walks in nature, in the beach or even in the city. It is one of the simplest forms in fauna, a natural resource which invites us to discover it and keep it.

Feathers, the essential elements in the art of feather ma-king, are a very symbolic material which has been used as ornament by different civilizations. It has been a sign of distinction for mankind because it was the easiest way to show off the trophies. It implied a certain social status and it made possible to show that situation or reinforce personality. It has been a symbol of wealth, like the hun-ter who wore a feather in his hair when he had hunted a bird. This was a way of distinguishing himself. This simple origin has become consolidated in ornamentation and it exists now in many different ways, with different rituals throughout the world and history which share the base of the ornament being a sign of status.

The key element of this craft, the feather, is a living mat-ter and, in theory, there is plenty of it in nature. In fact, as it has been mentioned before, they have always been

1929, para caer a sesenta y ocho tras la Segunda Guerra Mundial. Hoy en día no superan los cinco profesionales del arte de la plumería.

El inglés Charles Frederick Worth funda en 1858 en París la primera casa de moda, en la que ofrece colecciones de moda diferentes y originales, confeccionados a medida. Enseguida atrae a un público de clase social alta que se interesa por sus prendas como si se tratase de obras de arte. Así, la clave del éxito de Worth está en su colabora-ción con artesanos que aplican su sabiduría y el dominio de la técnica y el oficio a sus creaciones de moda, al lujo y a la creatividad de la alta costura que nacía en aquel momento. Son bordadores, pasamaneros, sombrereros, joyeros…, que rápidamente dejan de ser meros ejecuto-res para asumir el papel de creadores y colaboradores de los propios modistos. Ellos dan lugar a la “mujer or-namentada”, una tendencia popular en la belle époque. Grandes diseñadores, como la mismísima Coco Chanel, harán de estos artesanos los socios indispensables para desarrollar al máximo su inventiva y creatividad.

Nelly Saunier es el vivo ejemplo de esos artesanos vincu-lados al glamuroso mundo de la moda, pero también es profesora de plumería en el parisino instituto Octave Feui-llet, donde pretende transmitir sus conocimientos y así per-petuar este oficio. Además, tanto como diseñadora como también en su faceta de artista plástica, crea numerosas obras propias y colabora con otros diseñadores, modistos o decoradores.

EL OFICIO

Hoy en día, el oficio de la plumería ha disminuido en com-paración con la cantidad de artesanos que se dedicaban a él a principios del siglo XX. Para hallar el origen de este oficio es necesario remontarse casi al origen de la huma-nidad, y no debe sorprendernos, ya que la pluma es de las materias más fácilmente asequibles en la naturaleza. En nuestra memoria figura como un pequeño tesoro de la infancia que aparecía en nuestros paseos por la natu-raleza, en las jornadas de playa o incluso en la ciudad. Se trata de una de las formas más sencillas que ofrece la fauna, un recurso que ofrece la naturaleza y que invita a descubrirlo y apropiarse de él.

La pluma, elemento central del arte de la plumería, es una materia con una fuerte carga simbólica, que siempre ha sido utilizado como ornamento en diferentes civiliza-ciones. Ha servido como material de distinción para el ser humano, al ser utilizado como adorno, siendo esta la forma más sencilla de exhibir los trofeos. Implicaba un cierto estatus social, y permitía exteriorizar esa situación o afirmar la personalidad. Ha sido un símbolo de riqueza, como el cazador que lucía una pluma en su pelo una vez que había capturado a algún ave. Era un reconocimiento hacia sí mismo y también hacia los demás. un origen

used as body ornaments, in fashion, or in warm clothes. More or less exotic birds are the best providers of this raw material but we must bear in mind that we need to establish some limits in its use. In 1975 restrictions were agreed in the Conventional on International Trade in En-dangered Species of Wild Fauna and Flora. Nowadays only feathers from birds which have been bred for meat consumption can be used. For this reason, old feathers are considered real treasures but, even so, nature offers many possibilities with species such as the rooster, the pheasant, the ostrich, the partridge, the guineafowl or the turkey.

sencillo que se ha ido asentando en la ornamentación y que llega hasta nuestros días de la forma más variada posible, con rituales diferenciados a lo largo del planeta y del tiempo, pero que comparten esa base del adorno como un estatus precioso.

El material elemental de este oficio, la pluma, es una mate-ria viva y en principio se encuentra de manera abundante en la naturaleza. De hecho y como hemos visto, siempre han sido utilizadas como ornamento del cuerpo, en la moda y como abrigo, en ropa de hogar. Las aves, ya sean más o menos exóticas, son los mejores proveedores de materia prima, pero hay que tener en cuenta que es necesario situar ciertos límites a la hora de su utilización. Desde 1975 se ha impuesto una restricción debido a la convención de Washington sobre el comercio internacio-nal de especies de flora y fauna salvaje en peligro de extinción. En la actualidad, solo pueden utilizarse plumas que provengan de aves que hayan sido criadas y destina-das al consumo de carne. De ahí que las existencias de plumas antiguas tengan la consideración de verdaderos tesoros, pero aun así, la naturaleza ofrece amplias posibi-lidades, con especies como el gallo, el faisán, la avestruz, la perdiz, la pintada o el pavo.

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The City of Culture of Galicia takes its first steps, and one of the attractions of this complex are two spaces where handicraft and design merge, where avant-garde and tradition are combined, as it is expected in such a place. These are the ON/OFF spaces, two integrated recreation areas for the visitors. The artisans Arturo Álvarez and Idoia Cuesta, as well as the furniture retailer Martínez Otero, all of them from Galicia, gave shape to this project of Martín Azúa, one of the most prestigious Spanish designers nowadays. A unique way of discovering the cultural and design potential of handicrafts.

La Cidade da Cultura de Galicia da sus primeros pa-sos y uno de los atractivos con los que cuenta el com-plejo son dos espacios en los que artesanía y dise-ño se dan la mano, uniendo vanguardia y tradición, como debe exigirse en un entorno de estas caracte-rísticas. Se trata de los espacios ON/OFF, dos zonas integradas concebidas para el esparcimiento de los visitantes. Desde Galicia, los artesanos Arturo Álva-rez e Idoia Cuesta, así como la empresa de mobiliario Martínez Otero, han dado forma a este proyecto de Martín Azúa, uno de los más prestigiosos diseñado-res españoles en la actualidad. Una vía única para descubrir el potencial tanto cultural como a nivel de diseño del producto hecho a mano.

On-Off Spaces in the city of cultureESPACIOS ON&OFF DE LA CIDADE DA CuLTuRA

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The City of Culture is meant to be the centre of cultural creation in Galicia, and one of its first initiatives was to combine design with handicraft. This is a project of Martín Azúa, designer and teacher at the Elisava Design School (Barcelona) who studied Fine Arts, specialising in Design at the university of Barcelona, and who has a postgraduate degree in Architecture and Ephemeral Installations from the Polytechnic university of the same city. He was commissioned to design in this complex in the Mount Gaias two integrated spaces, one for activities and the other one for resting. This is how the ON/OFF spaces were created, two areas which are one of the first attractions of the Mount Gaias – the first one for recharging and the second one for relaxing.

Está llamado a ser el polo de la creación cultural en Ga-licia, y una de las primeras iniciativas de la Cidade da Cultura ha sido unir diseño y artesanía. Se trata de un proyecto de Martín Azúa, diseñador y profesor en la Es-cuela Superior de Diseño Elisava (Barcelona). Este licen-ciado en Bellas Artes en la especialidad de Diseño por la universidad de Barcelona y posgraduado en Arquitectura y Diseño de Montajes Efímeros por la universidad Poli-técnica de la misma ciudad, recibió el encargo de idear en el macrocomplejo del Gaiás dos espacios integrados, uno con mayor carga de actividad y otro destinado al descanso. Así nacieron los espacios ON/OFF, el primero destinado a reponer energía y el segundo de estética re-lajada, que constituyen uno de los primeros atractivos del Monte Gaiás.

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Azúa stamped in these spaces his characteristic way of understanding design as something useful and basic. In fact, his creations won him the AD Designer of the Year Award 2010, and he is one of the few national artists whose work is part of the permanent collection of MoMA in New York. In addition, he also has pieces in the collections of Vitra Design Museum, Museum of Decorative Arts in Barcelona and in La Panera Art Centre in Lleida. Although he lives in Barcelona, he was born in the Basque Country, a fact which, according to the artist himself, conditions his works to be related to nature and somehow connected to the country. He collaborates with different companies, such as Nanimarquina, Cosmic, unión Suiza or Camper, and he has also developed more experimental projects which were presented in solo and group exhibitions in Barcelona, Milan, London, Berlin, Paris, Vienna, New York, Tokyo or Beijing, among others.

Azúa imprimió en estos espacios su concepción del diseño como algo útil y básico, que caracteriza sus creaciones. De hecho, su obra le ha valido el premio AD “Mejor Dise-ñador 2010” y es uno de los pocos artistas nacionales con obra fija en el MoMA de Nueva York. Además, también tiene piezas en la colección del Vitra Design Museum, en el Museo de Artes Decorativas de Barcelona y en el Centro de Artes La Panera de Lleida. Aunque está asentado en Barcelona, es natural del País Vasco, un hecho que condi-ciona, según él mismo, que sus trabajos se acerquen a la naturaleza y mantengan un vínculo con lo rural. Mantiene una colaboración con diferentes empresas, como Nani-marquina, Cosmic, unión Suiza o Camper, además de realizar proyectos de carácter más experimental que han sido mostrados en exposiciones individuales y colectivas en Barcelona, Milán, Londres, Berlín, París, Viena, Nueva York, Tokio o Pekín, entre otras.

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In this project he collaborated with different Galician artisans who represented the most innovative lines in basketry and lightning. Their work is in the OFF space, which was conceived as a relaxing and calm area, an “island for rest” for the visitors, with subtle and organic shapes. On the one hand, Idoia Cuesta proposed a conceptual revision of poufs through traditional basketry techniques, and she worked with a group of six basket weavers. Cuesta and her team made eighteen poufs in different materials, techniques and sizes. They used natural species such as wicker, chestnut or purple willow and different traditional basketry techniques from Galicia, such as coiling, pairing, wailing, checker plaiting and the simple and double French randing.

Idoia Cuesta made these poufs together with the basket weavers Antonio Suárez Dávila, Rubén Berto Covelo, Aurora Orge and Iago Pérez Lago from Vigo; Carliños González Martínez from Lugo; and Enrique Táboas Padín from Sanxenxo. It was a quite complex task, since some of the seats measured more than one metre in diameter, an unusual size in baskets. In consequence, they were not very easy to work with, so they had to adapt their techniques to those dimensions.

On the other hand, based on the design by Azúa, Arturo Álvarez, one of the most famous creators of lightning products worldwide, developed a project which feeds directly on nature. It consists of three 2.20-2.40 metres high sculptural lamps with organic shapes – slender and amazing white flowers which are subtle and elegant too. They are made of a material which has been very successful at an international level with other models which the firm sells – a silicone mesh. In white, this

En este proyecto han colaborado varios artesanos galle-gos, representantes de las líneas más innovadoras en los ámbitos de la cestería y de la iluminación. Están situados en el espacio OFF, concebido como una zona de calma, de relax, una “isla de descanso” para el visitante, con for-mas sutiles y orgánicas. Por un lado, Idoia Cuesta ha pro-puesto una revisión conceptual de los asientos tipo puf a través de las técnicas de cestería tradicionales, que contó para su realización con un grupo de seis artesanos ceste-ros. Cuesta y su equipo confeccionaron dieciocho pufs con diferentes materiales, técnicas y tamaños. Así, el mimbre, el castaño o el sauce púrpura son las especies naturales que se han empleado, recurriendo a técnicas tradicionales de la cestería gallega, como las “teladas”, el tejido o cor-dón doble y tejido triple, el tejido en damero y el remate francés simple y doble.

En la confección, además de Idoia Cuesta trabajaron los cesteros Antonio Suárez Dávila, Rubén Berto Covelo, Au-rora Orge e Iago Pérez Lago de Vigo; Carliños González Martínez de Lugo; y Enrique Táboas Padín de Sanxenxo. Se trataba de una producción bastante compleja, dado que algunos asientos superaban el metro en su diámetro, un tamaño poco habitual en los cestos, por lo que resulta-ron poco manejables y tuvieron que adaptar las técnicas a esas dimensiones.

También a partir del diseño de Azúa, Arturo Álvarez, uno de los nombres más relevantes a nivel internacional en la creación de productos de iluminación, realiza una pro-puesta que bebe directamente de la naturaleza. Se trata de tres lámparas esculturales de entre 2,20 y 2,40 metros de altitud, con formas orgánicas; unas esbeltas e impre-sionantes flores blancas, al tiempo que sutiles y elegantes.

material provides a soft and warming light that is diffused by its weave, which plays with lights and shades in a mysterious and evocative combination. Finally, in this space there are birch tables with a natural finish and white HPL plywood, which are placed on top of grey steel bases. These were made by Martínez Otero, a furniture retailer from A Estrada.

The ON space was planned as a more dynamic area for activities, a space for recharging and connecting. The tables and folding screens were made by the well-known firm Martínez Otero, and the chairs were created by Konstantin Grcic. There are also vending machines, and a WiFi connection is available in this area. The folding screens are made of birch and they combine a white matt lacquer finish on one of their sides – this is the dominant colour in both spaces – with the natural finish on the other side and in the edges. These are the elements which organise the space and give light and a sort of visual rhythm to the room, as the designer Martín Azúa had planned. The Information Point of the City is in this room, a place where one can check the programme of events and exhibitions, and where the guided tours start.

Están hechas en un material que le ha dado muy buenos resultados y reconocimientos a nivel internacional en su aplicación sobre otros modelos que comercializa la firma, una malla de silicona. En color blanco, reproduce una luz suave y acogedora, tamizada por el tejido empleado que juega con las luces y las sombras en una combinación evo-cadora y misteriosa. Finalmente, a lo largo de la sala se disponen varias mesas en madera de abedul en acabado natural y terminadas en rechapado HPL en color blanco, montadas sobre bases de acero gris, que son obra de la fábrica de muebles estradense Martínez Otero.

La zona ON, por su parte, está pensada como una zona de actividad y mayor dinamismo, para reponer energía y como espacio para la conexión. Las mesas y los biombos han sido realizados por la empresa Martínez Otero, y las sillas son una creación de Konstantin Grcic. Cuenta con máquinas expendedoras y da cobertura de internet WIFI. El biombo está hecho en madera de abedul y combina el lacado en blanco mate en una de sus caras -color domi-nante en ambos espacios- con el acabado natural en la otra y en los cantos. Se trata del elemento que articula el espacio, dando luz y una especie de ritmo visual a la sala, de acuerdo con las intenciones del diseñador Martín Azúa. En este espacio está situado el Punto de Información de la Ciudad, donde se puede consultar la programación de actos y exposiciones, y desde donde parten las visitas guiadas.

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In short, this is an excellent example of how handicraft can play a key role in contemporary fields as design and architecture by combining tradition with the modernity which is expected from this kind of projects. In addition, it is also a great showcase for the expertise and the great possibilities which handicraft offers today. New uses for old techniques through which the trades are reinvented, and an important sample of the heritage of this community is displayed in the City of Culture of Galicia.

Se trata, en definitiva, de un excelente ejemplo de cómo la artesanía puede tener un papel clave en ámbitos tan contemporáneos como el diseño y la arquitectura, combinando la tradición y la modernidad que se exige en proyectos de este perfil, y al mismo tiempo, un gran escaparate del buen hacer y las amplias posibilidades que ofre-ce hoy en día el producto hecho a mano. Nuevos usos para técnicas antiguas, con las que reinven-tar los oficios y llevar a la Cidade da Cultura de Galicia una importante muestra del patrimonio de la comunidad.

Martín Azúawww.martinazua.com

Idoia CuestaCestería contemporánea

Hortas nº7, Cela. Outeiro de ReiTel.: +34 982 390 666idoiacuesta@yahoo.es

http://idoiacuesta.comCraftsman card / Carta de artesana nº 1.164

Craft workshop / Taller artesano nº 525

Arturo ÁlvarezSan Miguel de Sarandón, 9, vedra

Tel.: +34 981 814 600calor-color@arturo-alvarez.com

www.arturo-alvarez.comCraftsman card / Carta de artesano nº 196

Craft workshop / Obradoiro artesán nº 257

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Los espacios ON/OFF se encuentran en el complejo de la Cidade da Cultura de Galicia, en una zona intermedia entre los dos primeros edificios ya inaugurados en enero de este año: el Archivo y la Biblioteca.

Forman parte de un conjunto ideado por el arquitecto nor-teamericano Peter Eisenman, que quiso trasladar a la cum-bre del Monte Gaiás una prolongación de la topografía gallega, de líneas curvas suaves, a la vez que superponía el trazado del casco antiguo de la capital compostelana y las ondulaciones de la vieira, símbolo del Camino de Santiago por excelencia. Estas líneas generales fueron asumidas por el equipo que trabajó en la creación de es-tos dos espacios que acogen a los visitantes, en los que se fusionan las referencias naturales, la tradición y la más absoluta vanguardia y contemporaneidad.

The ON/OFF spaces are in the City of Culture of Galicia, in an area which is between the two first buildings which were opened in January: the Archive and the Library.

They are part of a complex which was designed by the American architect Peter Eisenman, who wanted to extend the gentle curves of the Galician topography to the Mount Gaias, and to place on top of it the layout of the old quarter of Santiago de Compostela and the undulations of the scallop shell, the symbol of the Way of St. James par excellence. And these general lines were taken into account by the team who created these two spaces for visitors, where natural references, tradition and the greatest exponent of avant-garde and contemporaneity merge.

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La profesora de la Universidade de vigo, Silvia García González, nos presenta sus reflexiones sobre la aplicación de la artesanía al caso con-creto de la moda y las oportunidades que para el producto artesano suponen las nuevas tenden-cias de consumo de moda, entre las que comien-za a aparecer un grupo de clientes que buscan y aprecian la diferencia, la calidad y lo hecho a mano. Una forma de lujo en el que la artesanía encaja a la perfección, aportando un valor aña-dido a los diseños de moda y convirtiendo cada pieza en exclusiva. La artesanía permite ofre-cer piezas con personalidad, historia y carácter, productos elaborados a mano con materiales de calidad que buscan perdurar y formar parte de la vida de las personas.

Silvia García González, who teaches at the University of vigo, presents her observations on the application of handicraft to the specific case of fashion. She also reflects on the new opportunities which appear for handicraft thanks to the current trends in clothing consumption. A new group of customers who appreciate and want a different, quality and handmade product is now emerging. A luxury in which handicraft fits in perfectly, since it provides an added value to fashion creations and it makes each piece unique. Handicraft makes possible to offer pieces with personality, with a story and a style; handmade products in quality materials which aim to last and be a part of people’s lives.

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Conservamos la memoria de los olores, de las risas, y también de los tejidos. un vestido suave de verano, un jersey que picaba, unos calcetines abrigosos.La memoria se nutre de nuestro inmenso bagaje visual, y también del tacto, del olor y del sabor (incluso). No es fácil trasmitir la importancia de toda esta informa-ción que acompaña a los objetos.Sabemos que somos hoy en día veloces consumidores de objetos, imágenes, eslóganes; por lo tanto tomar conciencia de la configuración de los objetos, del lar-go proceso que ha llevado a su consecución forma parte del horizonte que pretendemos crear a la hora de formar diseñadores. Cada vez más la artesanía se revela como una posibilidad también para el futuro de los estudiantes de diseño, parece como si ante la satu-ración de productos industriales de bajo coste, algunos consumidores recuperaran el espíritu crítico a la hora de elegir un producto, escogiendo por ejemplo aquella prenda que destaca por su factura cuidada, la selec-ción de la materia prima (cada vez se tiene más en cuenta la postura de la empresa ante la sostenibilidad y el origen de los materiales) y la textura que visibiliza la calidad de las prendas.

THE MEMORy OF TEXTURESLA MEMORIA DE LAS TEXTuRAS

Silvia García González

We remember smells, laughs, and fabrics too.A soft summer dress, an itchy sweater, a pair of warm socks.Our memory feeds on our vast cultural background, and on the senses of touch, smell or even taste. It isn’t easy to explain the importance of all this information in objects. We know that we consume objects, images and slogans at an amazing pace; so when we train designers we want them to be aware of the configuration of objects, of the long process which these entail. Handicraft is now turning out to be an option for the future of those who study design. It seems as if, tired of a market that is saturated with low cost industrial products, some consumers recover their critical ability when they buy a product. So they choose for example a garment which stands out for a careful manufacturing; they pay attention to materials (people is increasingly taking into account the policies of a company on sustainability and the origin of materials) and textures, which are a sign of the garment quality.

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ELSA DIEz MERCEDES CASTRO

07April

Abril

Podemos pensar también que la artesanía plantea una recuperación del tacto. Lo orgánico, lo reciclado, ya no es tosco, pero en cierto modo la recuperación de este sentido nos acerca a productos sofisticados en los que apreciamos la textura “tosca” de la lana en una prenda “hecha a mano” (o todo lo contrario, la delicadeza de un encaje o un tejido que fue creado en un telar arte-sano). Eso buscamos. En los estudios de diseño textil y moda de la universidad de Vigo tratamos de vincular la formación y la investigación en moda con la conciencia de que el patrimonio “inmaterial” que atesoran los arte-sanos es de gran importancia para formar parte del ba-gaje intelectual que formará a los futuros diseñadores. Por eso confiamos en experiencias que ofrezcan nue-vas vías de experimentación en el espacio que conecta la artesanía y el diseño. una actitud más pausada a la hora de analizar los fenómenos sociales implicados en la moda, sin dejarse llevar (en la medida de lo posible) por las prisas del mercado que consume las imágenes antes de que las colecciones lleguen a las tiendas.

We can also think that handicraft involves recovering the sense of touch. Organic and recycled things aren’t rough anymore. In a way, recovering this sense makes us like sophisticated products and appreciate the “rough” texture of wool in a “handmade” garment (or all the opposite, the delicacy of a lace or a fabric which was made by an artisan in a loom). This is what we look for. At the textile and fashion design studies at the university of Vigo, we train the students in fashion and we want them to do research into this field. However, we also want them to be aware of how important the “immaterial” heritage of artisans is for the general knowledge of future designers. For this reason we trust experiences that provide new ways of experimenting on the space which links handicraft and design. A more deliberate attitude in the analysis of the fashion social phenomena, without being influenced (as far as possible) by the rush of a market that consumes the images before the collections get to the shops.

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IDOIA CuESTA

11April

Abril

Actividades como los talleres conducidos por artesa-nos y diseñadores que en este mes de julio tendrán lugar en las aulas de Esdemga y la Facultad de Bellas Artes para que los estudiantes de ambas titulaciones junto con artesanos y otros profesionales interesados puedan proyectar productos, objetos, prendas que amplíen nuestra capacidad crítica, la capacidad de apreciar las posibilidades de construcción de los ob-jetos que nos rodean, aunque sean ideas germinales, intentos de pensar posibilidades, merece la pena in-tentarlo y para ello dirigirán los talleres los diseñado-res American Pérez junto con la artesana textil Anna Champeney, el artesano Carlos Fontales junto con el diseñador Carlos Díez, y la artesana Idoia Cuesta jun-to con Nando Cornejo de Potipoti.Formar, tutorizar, acompañar en el descubrimiento, en investigaciones que tratan de buscar la conexión existente en la actualidad entre el amplio repertorio de formas de nuestro pasado y las propuestas creativas de los diseñadores actuales, promoviendo el trabajo interdisciplinar.

Workshops directed by artisans and designers will take place in July at the Esdemga school and at the Faculty of Fine Arts. Students from both degrees, as well as artisans and other interested professionals, will design products, objects, garments which increase our critical ability, our ability to appreciate the potentials of the objects that surround us, although these are just a start, just attempts to think about new possibilities. It’s worth trying. These workshops will be directed by the designers American Pérez and the textile craftswoman Anna Champeney, the artisan Carlos Fontales and the designer Carlos Díez, the artisan Idoia Cuesta and Nando Cornejo from Potipoti.Training, tutoring, being present during their discovery process, during their researches, which try to find the existing connection between the wide range of forms in our past and the creative proposals of the current designers, always encouraging interdisciplinary work…

We go through the works of the students with the idea of organising an exhibition that shows their experiments with knitwear, which is usually chosen by a minority group but has unexpected results, especially with the macrostructures of garments that work by accumulation and seem to colonise the person who wears these organic “sculptures.” These experiments prove the great creativity that can still be shown in a catwalk. Projects, exercises which increase the formal repertoire and propose new channels in the academic context, although we are aware that the industrial context of these future designers will restrict their experiments for the sake of productive efficiency.

Revisamos el archivo con el trabajo de los alumnos, pensando en una exposición que refleje la experimen-tación en punto, que suele ser una opción minoritaria entre el alumnado pero que suele producir resultados inesperados, sobre todo en el trabajo con macroes-tructuras de prendas que funcionan por acumulación y parecen colonizar al portador de estas “esculturas” orgánicas. Son experimentos que muestran la enorme creatividad que todavía es posible mostrar en la pasarela. Proyec-tos, ejercicios que amplían el repertorio formal y que contextualizados en el ámbito académico proponen vías, a sabiendas que el contexto industrial de estos futuros diseñadores limitará los experimentos en aras de la eficacia productiva.

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PAuLA MONTOTO

18April

Abril

I’m on my way to Poland to try to sign academic agreements, and I think about the commercial offer in airports. I remember that you can find Marimekko objects at Helsinki airport, and at Munich airport there is an Italian shop specialised in Fabriano stationary. Is it possible to offer something else than charms and souvenirs made in China? Or perhaps finding design at the airports depends on the number of travellers?

14May

Mayo

16May

Mayo

The Akademia in Lodz surprised me, it has very big workshops, many (and huge) looms, jewellery works-hops, shoemaking workshops, and fine arts classes, such as painting, engraving, sculpture or multimedia, as well as screen printing classes, all available for the textile and fashion design students. They tell me about their future; they want to collaborate with the enginee-ring degrees, and they are trying to create a school to connect training with the industry. They try to restore their past because the most important textile industry in Poland was in this city. We can see ourselves in that future, creating a link among training, industry and handicraft. Exploring new ways, looking for synergies.

Everything tastes like old, or that’s what it seems to me. In the catwalk Debut, where the ESDEMGA students show their projects, we can see sometimes knitwear with huge dimensions, scale and texture experiments, “macroknots” which reveal the building process. Be-ing aware of the possibilities of experimenting doesn’t distance them from the industry, quite the opposite, the industry needs the risk of new creators to increase its offer, to keep on innovating.

22May

Mayo

Voy camino de Polonia para intentar establecer acuer-dos académicos y pienso en las ofertas comerciales de los aeropuertos. Recuerdo que en el aeropuerto de Helsinki puedes encontrar objetos de Marimekko, y en el aeropuerto de Munich hay una tienda italiana espe-cializada en objetos de papelería Fabriano. ¿Es posi-ble ofrecer algo más que amuletos, o recuerdos made in china? ¿o quizás depende del número de viajeros el poder encontrar la cultura del diseño también en los aeropuertos?

La Akademia de Lodz me sorprende por sus inmensos talleres, hay numerosos (y gigantescos) telares, talleres de joyería, talleres de zapatos, y aulas más ligadas a las bellas artes, aulas de pintura, grabado, escultura o multimedia pero también talleres de serigrafía a dis-posición de los alumnos de diseño textil y moda. Me cuentan el futuro porque quieren trabajar junto con las ingenierías y están tratando de crear un instituto que sea el nexo de unión entre la formación y la industria. Tratan de recuperar su pasado porque Lodz fue la ciu-dad con la industria textil más importante de Polonia. En ese futuro nos veo también reflejados, creando una buena comunicación entre formación, industria y arte-sanía. Explorando vías, buscando sinergias.

Todo sabe a antiguo, o eso me parece, en ocasiones en la pasarela Debut en la que los estudiantes de ES-DEMGA muestran sus proyectos, podemos apreciar prendas en las que el punto alcanza proporciones gi-gantescas, exploración de la escala, las texturas, “ma-cronudos” que desvelan el proceso de construcción. Ser conscientes de las posibilidades de experimenta-ción no los aleja de la industria, al contrario, la indus-tria necesita del riesgo de los nuevos creadores para ampliar su repertorio, para seguir innovando.

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MERCEDES CASTRO PAuLA MONTOTO

Veo de nuevo fotografías de las instalaciones de Louise Bourgeois y creo que necesitamos recuperar el tacto de ciertas texturas, la implicación y la honestidad para proponer nuevos objetos. Entiendo la nostalgia que mostraba Yamamoto en el documental que hizo Wim Wenders “Notebook on Cities and Clothes”. En él hablaba de la ropa que vestían los alemanes retratados por August Sander, el abrigo que cumplía su función, que abrigaba, el abrigo necesario para el cuerpo. Sentía nostalgia también al hablar de su madre modista construyendo ropa para la gente de su barrio tras la segunda guerra Mundial. Necesitamos valorar de nuevo los objetos, quizás tener menos, no sólo porque debemos pensar que el consumo actual es insostenible, sino porque es necesario que apreciemos el mundo que nos rodea con una mirada más atenta, más respetuosa, más honesta.

I look again at the pictures of Louise Borgeois’ insta-llations and I think that to propose new objects we need to recover the feel of some textures, as well as commitment and honesty. I understand the Yamamoto’s nostalgia in Wim Wenders’ documentary Notebook on Cities and Clothes.He talked about the clothes which Germans portrayed by August Sander wore, like the coat which kept them warm, the necessary heat for the body. He was nostal-gic too when he talked about his mother, a dressmaker who made clothes for people in her neighbourhood after World War II. We need to value objects again; perhaps we should have less, not only because we have to think that the current consumption levels are unsustainable but because it’s necessary to appreciate the world around us with a more careful, respectful and honest look.

A sector of the industry seems to be avoiding price competition in their products, as if it was aware of the limits that have been reached and that can’t be crossed. A sector that tries to create unique (or limi-ted) products which make the consumer understand the idea of luxury, which isn’t just wearing a unique product. The kind of luxury which is traditionally as-sociated to brand loyalty is now beginning to restore the idea of haute couture as top quality handicraft; a tailored product that is exclusive for more reasons than just its logo.

Parece que un sector de la industria evita competir en el precio de sus productos consciente de que se ha llegado a límites que ya no pueden traspasar, y buscan crear productos únicos (o series limitadas) que acerquen al consumidor a la idea de lujo, no a través de la sensación de vestir un producto único. El lujo tradicionalmente asociado a la fidelidad a una mar-ca, empieza ahora a recuperar la idea de alta costura como artesanía de altísima calidad, un producto hecho a medida, mostrando exclusividad en el producto, no sólo en el logo.

25May

Mayo

28May

Mayo

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PAuLA MONTOTO LAuRA DE LAS HERAS

Sargadelos is an example of how the cultural indus-try contributes to show the economic possibilities of restoring the past without being nostalgic, always bearing in mind the future. When our kitchen is full of plastic of different colours, we need to revive the weight of a ceramics plate in our hands, the beautiful texture of glaze which sometimes I found similar to Japanese ceramics.

04June

Junio

Tenemos en Sargadelos el ejemplo de como la indus-tria cultural contribuye a hacer visible las posibilidades económicas de la recuperación del pasado sin nostal-gias y con la clara conciencia de la proyección al futu-ro. Después de llenar la cocina de plástico de colores necesitamos otra vez recuperar el peso de un plato de cerámica en nuestras manos la hermosa textura del esmalte que a veces me parece emparentado con la cerámica japonesa.

06June

Junio

Sometimes it seems as if the efficient international in-dustry separates us from objects. With fast consump-tion, products are created and introduced in our lives in shorter and shorter cycles. Buying a garment is getting cheaper and cheaper, so the decision is usually taken lightly (I see teenagers who go to a shop where they can buy a t-shirt for 8 euros, half the price of a book). Despite this reality that bring us closer to the globaliza-tion of the textile industry, we can find limited products, limited editions of an artist’s book, limited series of an industrial object, a piece of furniture, a lamp, a screen printed t-shirt by a graffiti artist from Vigo.

A veces parece que la eficiente industria a nivel global nos distancia de los objetos. Con el consumo rápido los productos se crean y se incorporan a nuestras vidas en ciclos cada vez más cortos. Cada vez es más barato comprar una pieza de ropa, por lo que la decisión se toma muchas veces con ligereza (veo a las adolescentes acudir a una tienda donde pueden comprar una camise-ta por 8 euros, la mitad de lo que vale un libro). Frente a esta realidad que nos acerca a la globalización de la industria textil, nos encontramos con la recuperación de las producciones limitadas, las series numeradas de un libro de artista, ediciones también de un objeto indus-trial, un mueble, una lámpara, una camiseta con una serigrafía de un grafitero hecha en Vigo.

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PAuLA MONTOTO PAuLA MONTOTO

Entender el sentido mismo de la construcción del obje-to implica otro acercamiento a la realidad, participar de la dificultad de crear un objeto, hacer partícipe al espectador del proceso, ayuda a mejorar el espí-ritu crítico, aquel que hace que como consumidores sepamos apreciar el uso de buenos materiales, la procedencia del producto, la lentitud a la hora de relacionarnos con nuestro entorno (como la moderna práctica del slow food).La conciencia ecológica y el reciclaje están relaciona-dos con esta apreciación de nuestra responsabilidad como consumidores, ayudar a reflotar el comercio local y nutrir la red de productores, intermediarios y consu-midores, a la vez que nos hace participar en la buena marcha de la economía que tenemos a las puertas de casa. Curiosamente, la posibilidad real de hacernos con cualquier producto producido en cualquier lugar del globo, coincide con la posibilidad de asistir a la maestría en el oficio, ver en un pequeño taller la recu-peración de los modos de construir, tejer, modelar…

understanding the sense of the production of an object means getting closer to reality. Participating in the diffi-culty of creating an object, sharing the process with the spectators, helps to improve our critical ability, which, as consumers, helps us to appreciate the use of good materials, the origin of the product, our slowness in our relationships with the environment (like the modern movement of slow food). Environmental awareness and recycling have to do with understanding our responsibility as consumers. Helping to relaunch the local commerce and to increa-se the number of producers, intermediaries and con-sumers will help to improve the economic situation of those who surround us. Curiously, the real possibility of buying any product produced anywhere in the world coexists with the possibilities of being trained in a tra-de, finding a small workshop that restores the manufac-turing, weaving or modelling techniques…

08June

Junio

The magazines Wallpaper and Neo2 mention the re-trospective exhibition in the ICA in Philadelphia of 100 works made by Sheila Hicks in the last 50 years. This American artist used fibres and fabrics to create pieces which are sculptures with textures, and they seem to be part of an organic minimalism in which pieces speak through the texture of a material that connects us with a tradition that exists in all the cultures. Works with textile materials are again in fashion trend magazines. It might be a coincidence but it’s great to think that the reality is very plural and that there are so many possibilities…

Me encuentro en las revistas Wallpaper y Neo2 rese-ñas de la exposición retrospectiva en el Ica de Filadel-fia dedicada a la americana Sheila Hicks en la que se muestran 100 piezas de los últimos 50 años en los que esta artista trabajó con fibras y textiles creando piezas que son esculturas con texturas que nos acercan a una idea de minimalismo orgánico donde las piezas ha-blan a través de la textura de un material que nos co-necta con una tradición presente en todas las culturas.De nuevo el trabajo con la materia textil en las revistas de tendencias, podría ser casualidad pero es hermoso que la realidad sea tan plural y tengamos por delante tantas posibilidades…

11June

Junio

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ELSA DIEz ELSA DIEz

Achegarlle a artesanía aos máis pequenos é o obxec-tivo da iniciativa posta en funcionamento pola Fun-dación Centro Galego da Artesanía e do Deseño. Co título “Enredando, artesanía na escola”, este proxec-to promove a integración dos nenos e das nenas no sector artesán, para o que organiza diversas activi-dades tanto nos propios colexios como en obradoiros. Unha medida que se inicia descubrindo o fascinante mundo da seda pero que vén con vontade de futuro para inculcar desde a nenez o valor do produto feito á man. Un contacto directo coa artesanía que, quen sabe, pode descubrir novos talentos e vocacións ar-tesás.

Interweaving, Handicraft at SchoolENREDANDO, ARTESANíA EN LA ESCuELA

Acercar la artesanía a los más pequeños es el obje-tivo de la iniciativa puesta en funcionamiento por la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño. Con el título “Enredando, artesanía en la escuela”, este proyecto promueve la integración de los niños y niñas en el sector artesano, para lo que organiza di-versas actividades tanto en los propios colegios como en talleres. Una medida que se inicia descubriendo el fascinante mundo de la seda pero que viene con vo-luntad de futuro para inculcar desde la niñez el valor del producto hecho a mano. Un contacto directo con la artesanía que, quien sabe, puede descubrir nuevos talentos y vocaciones artesanas.

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“Interweaving, Handicraft at School” is the project which the Consellería de Economía e Industria, through the Fun-dación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, in colla-boration with the Consellería de Educación e Ordenación universitaria, has set in motion this year with the aim of introducing children to handicraft. This initiative was devi-sed to popularise the craft trades among children, so they could appreciate the value of handicrafts by discovering all the work behind these pieces and the old techniques which passed on from generation to generation until to-day.

The first unit of work was “The Trade of Silk,” which tries to explain in a practical way the production process of this fabric through some activities which require the participa-tion of the children, who were pre-school, primary and secondary school students.

Several classes received the material which the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño prepared, and thanks to these tools the students could reproduce the who-le silk production process, from the raising and evolution of silkworms to the extraction of silk for the thread and the manufacturing of the fabric with looms. These activities were supervised by an artisan who also showed them how she works.

“Enredando, artesanía en la escuela” es el proyecto que la Consellería de Economía e Industria, a través de la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, en colaboración con la Consellería de Educación e Ordena-ción universitaria, acaba de poner en marcha este año con la intención de aproximar la artesanía a los más pe-queños. una iniciativa con la que se pretende divulgar los oficios artesanos entre los más jóvenes, y que así puedan apreciar el valor que tienen los productos hechos a mano, descubriendo todo el trabajo que hay detrás de estas pie-zas y conociendo técnicas antiguas que pasaron de gene-ración en generación hasta nuestros días.

La primera unidad didáctica con la que se empezó a tra-bajar es “el gremio de la seda”, en la que se pretende comunicar de manera práctica cómo es el proceso de ob-tención de este tejido, con una serie de actividades que requieren la participación de los chicos, de edades com-prendidas en educación infantil primaria y secundaria.

Son varias las aulas que han recibido los materiales que elaboró la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, y gracias a estas herramientas el alumnado pudo reproducir todo el proceso de producción de la seda, des-de la cría y la evolución de los gusanos hasta la extrac-ción para la confección del hilo y la elaboración de tejido

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The aim of “Interweaving, Handicraft at School” is to show the value of handicrafts to society, and to present some professions which can be good options for their working future. So, it is possible to solve a problem which affects some of the most traditional crafts – the lack of a new ge-neration to take over the trade – and contribute to a better development of the Galician handicraft by training future artisans. Finally, its main purpose is to show society the added value of handicraft in creativity, as cultural heritage and a tradition.

During this academic year which has just finished, twenty-one schools from twenty different councils in the four pro-vinces of Galicia took part in this pilot project: A Coruña, Ferrol, Santiago de Compostela, Lugo, Barreiros, Cervo, Sober, Ourense, Celanova, Maside, Verín, Gondomar, Ponteareas, Tomiño, and Vigo. Therefore, 1,100 students participated in this project, and they could see first-hand how silk is produced. The Consellería intends to carry on with this project in the future in order to pass on to the chil-dren other trades which are developed in Galicia today.

empleando los telares. En estas actividades contaron con la colaboración de una artesana que actuaba como su-pervisora del proceso y que también realizaba demostra-ciones de su trabajo.

A través de “Enredando artesanía en la escuela”, se bus-ca concienciar a la sociedad del valor del producto hecho a mano, al tiempo que se presentan una serie de oficios como una buena alternativa para su futuro laboral. De esta manera, es posible solucionar un problema que ata-ñe a cierto sectores de la artesanía más tradicional, como es la falta de relevo generacional, mientras que también puede colaborar en el mejor desarrollo de la artesanía gallega, formando futuro artesanos creadores. Finalmen-te, lo que se intenta conseguir es demostrarle a nuestra sociedad el valor añadido de la artesanía en lo relativo a la creatividad, como patrimonio cultural y como tradición.

A lo largo de este curso que acaba de terminar, partici-paron en este proyecto piloto uno total de veintiún centros educativos de veinte ayuntamientos gallegos repartidos por las cuatro provincias: A Coruña, Ferrol, Santiago de Compostela, Lugo, Barreiros, Cervo, Sober, Ourense, Ce-lanova, Maside, Verín, Gondomar, Ponteareas, Tomiño y Vigo. Así, llegó a un total de 1.100 chicos que entraron en contacto con el proyecto y que pudieron comprobar de primera mano como se produce la seda. La intención es que este proyecto continúe desarrollándose en el futuro, y así consiguiendo transmitirle a los más jóvenes otros oficios artesanales que se están desarrollando en Galicia en la actualidad.

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Y TODO COMIENzA ASí…María José Martínez Pérez, coordinadora del proyecto “Os vermes da seda”

Y todo comienza así… partiendo de una semillita grisá-cea en forma de lenteja. Primero saldrá una pequeña larva que apenas se ve, y se alimentará de lo que ha quedado de su huevo, y después seréis vosotros los que os encargaréis de alimentarlos. Debemos saber que son tantos los años que llevan domesticados por el ser huma-no, que ellos no solo no saben buscar su comida, sino que están indefensos ante cualquier enfermedad, insecticida o incluso ante cualquier hormiguita con aspecto inofensivo que se presente por casualidad, y para la que podrían ser un maravilloso manjar. ¡Sí! ¡Pues claro que las hormigas se los pueden comer!

Esto y mucho más les cuento a los niños sobre los gusanos de la seda. Todo esto por medio de una “maleta viajera” que se está llevando a 20 colegios de toda Galicia repar-tidos en 40 unidades didácticas.

Que tan solo comen hojas de un árbol llamado morera, bien lavadas y secas, y que a pesar de ser tan diminutos cuando nacen, si se les alimenta bien, se convertirán en enormes y glotones gusanos. Que cuando alcancen la medida aproximada de 8 centrímetros, buscarán un rin-concito en la caja de madera donde los guardan y cons-

AND THIS IS HOW IT ALL BEGINS…María José Martínez Pérez, coordinator of this project.“Silkworms”

And this is how it all begins… With a greyish seed in the shape of a lentil. First, a very very tiny larva will be born from it, and it will eat the remains of its egg; then you will have to feed it. You must know that they have been domesticated by the human being for so long that they don’t know how to get food. Besides, they are defenceless against any disease, insecticide or even any tiny ant that seems inoffensive and could consider them an appetising delicacy. Yes! Of course ants can eat them!

This and many other things is what I tell to children about silkworms. And I do it with a “travelling suitcase” which is sent to 20 schools all over Galicia, distributed in 40 units of work.

I also tell them that silkworms only eat white mulber-ry leaves, which must be washed and dried, and that, despite being so small when they are born, if they are well nourished, they can become huge and very greedy worms. Besides, when they measure about 8 centimetres, they will look for a spot in the wooden box where they are kept and build their house (generally, a small yellow oval), and they do it very quickly thanks to the contact of their saliva with air.

truirán su casita (un pequeño óvalo de color amarillo en la mayoría de los casos) que logran hacer en muy poco tiempo por medio de su “baba” en contacto con el aire.

Se encierran dentro de su casita porque algo maravilloso y mágico les va a suceder… durante días, allí escondidi-tos, se producirá la llamada metamorfosis… se converti-rán en otro bichito muy diferente.

Transcurridos unos días los niños y profesores ven con gran asombro cómo se abre un pequeño agujerito en el capullo que deja paso al gusano, convertido ahora en una elegante mariposa.

Pero la mariposa no es como las que ya conocemos. Esta es de color marfil y… ¡¡Oh!! ¡¡Pero si no sabe volar!!

¡No!!!!!!! La mariposa de la seda no vuela. Hará una graciosa danza moviendo sus alas a una tremenda ve-locidad y moviéndose constantemente alrededor de las otras mariposas, con la intención de buscar pareja para aparearse y, después de hecho esto, hará la puesta de huevos, asegurando de esta forma la continuidad de su especie, y se morirá.

Así es el ciclo vital de este animal, gusano primero y ma-riposa después. un ciclo que dura apenas dos meses y que hemos vivido juntos, profesores, alumnos y yo. una experiencia que puede parecer triste a simple vista pero,

They shut themselves in their little house because some-thing amazing and magic is going to happen to them… For days, while they are hidden there, the so-called meta-morphosis will take place… They will turn into a very dif-ferent bug.

After some days the children and the teachers will wit-ness with astonishment how a small hole is opened in the cocoon and the worm, now an elegant butterfly, comes out of it.

But this butterfly isn’t like those we know. This is ivory-coloured and… Oh!! It doesn’t know how to fly!!

No!!!!!!! Silk butterflies can’t fly. It will dance in a funny way, flapping its wings very fast and moving around the other butterflies to find a couple to mate. Once it does this, it will lay the eggs, guaranteeing the continuity of the spe-cies, and then it will die.

This is the life cycle of this animal, first a worm and then a butterfly. Teachers, students and I witnessed this cycle

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which only took about two months. An experience which might seem sad but it plays a key role in raising aware-ness of nature, and life too, which is inevitably linked to death.

What has been described before gives rise to moments of surprise and happiness but also to some moments of frus-tration for the children, when they not only see that the but-terfly can’t fly but they realise that it has a sad end when its time has come. However, this suitcase has a second part which makes them think again that something magic is taking place. It happens when they are shown how to extract the silk from the cocoon, and when they are told the story of a princess from China who discovered the silk thread in a tea cup, or the story of a group of monks who brought from the East some silk cocoons hidden in a walk-ing stick, and how this meant the introduction of silkworms in the West.

They also discover that each worm can produce a silk thread from 500 to 1,500 metres long, and this thread is used for a lot of purposes; for example, doctors can stitch wounds with it or manufacturers use it in the textile industry.

I know what the children experienced thanks to their excla-mations of surprise or sadness, and thanks to their wonder-ful drawings too. And since this is the way I experienced it with them, this is how I want to tell it.

desde luego, tiene una parte muy importante de sensi-bilización con la naturaleza, y con la propia vida que irremediablemente va unida a la muerte.

Todo lo anteriormente descrito crea momentos de sorpresa y felicidad, pero también algún momento de frustración en los niños cuando no sólo ven que la mariposa no vuela, sino que además tiene un triste final cuando le llega la hora de sucumbir. Pero la maleta tiene una segunda parte que les devuelve esa sensación de que algo mágico suce-de. Esto se produce cuando se les hace la demostración de la extracción de la seda del capullo, al mismo tiempo que se les cuenta la historia de cómo una princesa de la China descubre en su taza de té el hilo de seda, o de como unos monjes trajeron escondidos dentro de un bastón, unos ca-pullos de gusanos del lejano Oriente, introduciendo de esta forma los gusanos de la seda en Occidente.

También descubren que cada gusano es capaz de ela-borar entre 500 y 1.500 metros de hilo de seda en hilo continuo, y que este hilo es utilizado para múltiples fines, puesto que lo utilizan tanto los médicos para coser las heridas, como los fabricantes de la industria textil.

Los niños me han hecho llegar todas estas cosas que han vivido, no sólo por medio de sus exclamaciones de sorpre-sa o tristeza, sino también por medio de sus maravillosos dibujos. Y como así lo vivo yo por medio de ellos también así lo quiero contar.

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The specialist in fashion and trends, Román Padín Otero, talked to the Galician designer José Castro, who was in charge of the workshop “The Art of Bob-bins and Their Application: Handicraft, Creativity and Innovation,” which was organised by the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño to mix tra-ditional lace and fashion design. This workshop took place from 21st to 23rd April in Camariñas, on the occasion of the Lace Exhibition 2011, and 16 people, both designers and bobbin lacemakers, participated in this event.

José castro, Internationalising laceJOSé CASTRO, INTERNACIONALIzANDO EL ENCAJE

ROMÁN PADíN OTERO

El especialista en moda y tendencias, Román Padín Otero, conversa con el diseñador gallego José Castro, encargado de dirigir el taller “El arte del bolillo y su aplicación: artesanía creatividad e innovación”, im-pulsado por la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño con el objetivo de poner en relación la ar-tesanía tradicional del encaje con el diseño de moda. El taller se celebró del 21 al 23 de abril en Camariñas, en el marco de la edición 2011 de la Mostra do En-caixe, y en él participaron 16 personas entre las que se encontraban tanto diseñadores como encajeras.

The fashion designer José Castro directed a workshop on bobbin lacemaking in Camariñas in order to deal with the new possibilities that this centenarian technique offers in its dialogue with contemporaneity.

His work as fashion designer has been acclaimed in di-fferent international catwalks, such as in Madrid Fashion Week. In that catwalk, he has presented several collec-tions which were the result of his extreme care for mate-rials and his creativity in inventing new silhouettes. This designer is applauded for his ability to combine different plastic techniques to develop a creative line which cha-racterises his style.

In his designs for women, he explores the eternal femi-nine with silhouettes which oscillate between a sidereal style and the sweetest romanticism. He is inspired by the future and the past, and his creative intelligence achieves surprising levels, where the continuity of his style prevails over the evanescent futility of fashion.

El diseñador de moda José Castro ha dirigido un works-hop sobre encaje de bolillos en Camariñas para tratar los nuevos aspectos que la centenaria técnica permite, en su dialéctica con la contemporaneidad.

El trabajo de José Castro como diseñador de moda ha sido celebrado en diversas pasarelas internacionales, como la Madrid Fashion Week. En ese catwalk, ha presentado co-lecciones donde el preciosismo en el tratamiento de los materiales corría parejo a la creatividad en la invención de nuevas siluetas. El diseñador es aplaudido por su ca-pacidad de mímesis de diversos discursos plásticos para desarrollar una línea creativa identificativa de su estilo.

En sus diseños de mujer, ahonda en lo eterno femenino, con siluetas que oscilan entre el estilo sideral y el roman-ticismo más dulce. Inspirándose en el futuro o en el pasa-do, la inteligencia creativa del diseñador alcanza niveles novedosos, donde consigue que la permanencia del estilo vaya por delante de la propia futilidad evanescente de la moda.

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In addition, José Castro teaches master classes for profes-sionals from sectors related to the world of manufacturing and creativity, as well as classes for students who are lear-ning any of different fields of the 21st century aesthetics. Examples of this are his works for the leather sector in the South of Spain or his collaboration with the school Esde-mga in Galicia.

For all these professional reasons, and for his great kind-heartedness and his talent for speaking and teaching, José Castro seems the right person to do an analysis and to up-date the universe of the Camariñas lace. To do so, he was invited to direct that workshop where traditional workers of this craft shared the classroom with people of different professional and training profiles who were interested in learning more about lace and its possibilities.

During this workshop which took place on the occasion of the Camariñas Lace Exhibition, the designer dealt with different issues such as the new qualities of lace, the rea-lity of boosting a quality manufacturing for the world of luxury and excellence, the universalisation of the artistic techniques, and relocation as an argument for creation and marketing.

From a conversation with this designer one can get many lucid perspectives and stances on the current reality of handicraft.

Además José Castro desarrolla una labor docente, tanto en clases magistrales dirigidas a profesionales de secto-res relacionados con el universo de la manufactura y la creatividad, como con estudiantes en vías de formarse en algunos de los ámbitos de la estética del siglo XXI. Así constan sus trabajos con el sector del cuero y la piel en el sur de España o su colaboración con la escuela Esdemga en Galicia.

Por todos estos motivos profesionales, y por su gran bon-homía y agudeza como contertulio y profesor, José Castro parece la persona idónea para llevar a cabo un análisis y puesta al día del universo del encaje de Camariñas. Y para hacerlo fue invitado a dirigir este taller en el que las trabajadoras tradicionales de este oficio artesano com-partieron aulas con personas de diverso perfil profesional y formativo, interesados en aprender más del encaje y sus posibilidades.

Las nuevas cualidades del encaje, la realidad de la pues-ta en valor de la manufactura de calidad relacionada con el universo del lujo y la excelencia, la universalización de los discursos artísticos y la deslocalización como ar-gumento de creación y marketing, fueron algunas de las cuestiones que el diseñador trató en las mencionadas jor-nadas de taller o workshop que se celebraron con motivo de la Mostra do Encaixe de Camariñas.

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His interest in updating lace is based on the idea of de-contextualising the traditional work to make it seem new. Therefore, if the old tradition of bobbin lacemaking – with its geometrical patterns and its rigorous and syncopated shapes – is used for new purposes, it can become a no-vum. So, for example, covering unexpected objects with lace, using oversized threads or creating unusual objects with it may give rise to new avant-garde possibilities in a field which is in itself traditional.

Therefore, the idea of covering a bottle of a cola drink with lace or an emblematic building in Camariñas with big ropes made in the bobbin style, or creating tridimen-

De la conversación con el creador se sacan muchas lúci-das perspectivas y posicionamientos sobre la realidad de las manufacturas artesanas en la actualidad.

Su interés por la puesta al día del encaje pasa por la idea del trabajo tradicional descontextualizado para que resulte nuevo. Así, la centenaria forma de trabajar el bo-lillo, con sus dibujos geométricos y sus formas rigurosas y sincopadas, puede resultar un novum, si es utilizado para nuevas utilidades. Así el recubrimiento de objetos inesperados con encaje o el uso de los hilos sobredimen-sionados de tamaño, o creando objetos inauditos con él, pueden propiciar nuevas visiones de vanguardia de un medio por sí tradicional.

Methods such as hand dyeing, hardening, the

application of weakeners, spray, degrading or printing are some of

the possibilities which this designer thinks

that should be applied in lace. And to turn the

beautiful bobbin lace into an infinite novum, it

must be decontextualised, deconstructed and

modified.

El teñido a mano, el endurecimiento, la

aplicación de ácidos debilitadores, el

sprayado, el degradado o el estampado, son sólo algunas de las

posibilidades que aprecia el creador para ser aplicadas al encaje

y descontextualizar, deconstruir y modificar

hacia a un novum infinito el muy hermoso encaje de

bolillos.

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sional objects like small cars or figures, may provide a totally different view of this traditional system for making handkerchiefs.

On the other hand, according to José Castro, the idea of deconstructing or modifying the actual lace can be a good way to make this traditional technique very contemporary. By combining handicraft with the concept of applied arts, one can deconstruct classical pieces of lace; for example, by dyeing the classical off-white lace in new colours. In addition, nowadays, another plastic possibility in lace is to use different colour shades or tones to give the work a more alternative look.

Even the application of hardening techniques – technolo-gies which are known by basket weavers or hatters – can give lace a new, tridimensional, unique and unpreceden-ted look. So the option of reusing old pieces which had fallen into oblivion or creating new pieces according to the aesthetics of the 21st century is now explored.

José Castro mentions that an interesting way of exhibiting these and other new lines of working with the Camariñas lace would be to bring this craft to the field of international

Así, pensar en el recubrimiento de una botella de bebida de cola con encaje o el recubrimiento de un edificio emble-mático de Camariñas con grandes cuerdas tratadas con la técnica del bolillo, o la creación tridimensional de objetos como pequeños autos o figuritas, puede dar una visión inaudita del tradicional sistema de invención de paños.

Por otro lado, comenta José Castro, la idea de decons-trucción o intervención sobre el propio encaje, puede ser también una adecuada forma de llevar a la contempo-raneidad más sobresaliente el tradicional medio. Conec-tando la artesanía con el concepto de artes aplicadas, se pueden deconstruir clásicas piezas de encaje tiñendo con colores nuevos el clásicamente blanco roto trabajo artesanal. También las posibilidades de los degradados o escaleras de tono en un color para otorgar un aspecto más alternativo al trabajo, es otra posibilidad plástica del encaje hoy.

O incluso en fin, la aplicación de técnicas de endureci-miento de materiales, tecnologías conocidas en cestería o por los sombrereros, puede dar al encaje un aspecto nuevo, tridimensional, único y nunca antes pensado. Así se ahonda en la idea de reutilizar quizás viejas piezas guardadas en el recuerdo, o en realizar nuevas piezas con una calidad estética propia del siglo XXI.

art. This could be done through an international art exhi-bition to explore within a context of contemporary artistic creation the new possibilities which art, applied arts and the intervention or site specific may offer to the work with bobbins.

Contemporaneity itself has relied on the culture of specta-cle and, as José Castro explains, following this philosophi-cal line, perhaps it would be interesting to carry out a de-constructive intervention in which, for example, the metal fence of an estate was reproduced, with its style shaped with the passage of time, that is, something “ruined” but made with bobbins.

Or even a pop or mass show in which an emblematic buil-ding of the city was covered with huge bobbins in order to break a Guinness record and take part in that mass culture

Expone José Castro que un modo interesante para exhi-bir estas y otras nuevas líneas de trabajo con el encaje de Camariñas, podría ser llevando el trabajo artesanal incluso al ámbito del arte internacional. Podría ser una muestra de arte internacional, donde se miraran nuevas potencialidades de arte, arte aplicado e intervención o site specific, en el trabajo con bolillos dentro de un con-texto de creación artística contemporánea.

La propia contemporaneidad se ha apoyado en la cultura del espectáculo y, explica José Castro, que dentro de esta línea filosófica, podría quizás ser interesante una interven-ción de naturaleza deconstructiva en la que, por ejemplo, se reprodujese un cierre metálico de una finca, con el mis-mo estilo modelado por el paso del tiempo, es decir, algo deshecho pero realizando la intervención con bolillos.

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of mass media which has several advantages for the art-manufacturing-market relationship.

Regarding the experiments on colour alteration, José Cas-tro thinks that lace has many technological possibilities which can give a new air to such a traditional technique. Methods such as hand dyeing, hardening, the application of weakeners, spray, degrading or printing are some of the possibilities which this designer thinks that should be applied in lace. And to turn the beautiful bobbin lace into an infinite novum, it must be decontextualised, deconstruc-ted and modified.

Thanks to José Castro’s analysis and interpretations on bobbin lace, new possibilities appear in the twists and qualities of a technique which is so easy to disseminate and update. These ideas of intertextual connections and metamaterial interpretations on the work with lace make possible to open a window to new business and aesthetic possibilities for one of the emblems of the Galician han-dicraft. And in this way, this tiny work which is carried out with extraordinary expertise will make the “made in Galicia” a tool to gain the status of country.

Thanks to José Castro’s analysis and interpretations on bobbin lace, new possibilities appear

in the twists and qualities of a technique which is so easy

to disseminate and update. These ideas of intertextual

connections and metamaterial interpretations on the work

with lace make possible to open a window to new business and

aesthetic possibilities for one of the emblems of the Galician

handicraft.

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O incluso se podría hacer también espectáculo pop o de masas al cubrir un edificio emblemático de la ciudad con bolillos de tamaño hipertrofiado para acceder al libro Guiness y participar de esa cultura masiva de medios de comunicación, que produce no pocos beneficios para las relaciones de arte-manufacturas-mercado.

En cuanto a las experiencias propias de alteración del co-lor, en el encaje encuentra José Castro no pocas potencia-lidades tecnológicas para poner nuevos aires en la muy tradicional técnica. El teñido a mano, el endurecimiento, la aplicación de ácidos debilitadores, el sprayado, el de-gradado o el estampado, son sólo algunas de las posi-bilidades que aprecia el creador para ser aplicadas al encaje y descontextualizar, deconstruir y modificar hacia un novum infinito el muy hermoso encaje de bolillos.

Con los análisis e interpretaciones de José Castro sobre el encaje de bolillos se llega a nuevas potencialidades en las torsiones y cualidades de una técnica tan difundible como actualizable. Esas ideas de conexiones intertexua-les y lecturas metamatéricas del trabajo con encaje, per-miten abrir una ventana a nuevas potencialidades tanto comerciales como estéticas de una de las señas de identi-dad de la cultura artesanal gallega. una forma de hacer del made in Galicia un activo para alcanzar la excelencia de país a través del trabajo menudo hecho con pericia insuperable.

Con los análisis e interpretaciones de José Castro sobre el encaje de bolillos se llega a nuevas potencialidades en las torsiones y cualidades de una técnica tan difundible como actualizable. Esas ideas de conexiones intertexuales y lecturas metamatéricas del trabajo con encaje, permiten abrir una ventana a nuevas potencialidades tanto comerciales como estéticas de una de las señas de identidad de la cultura artesanal gallega.

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Feira de Artesanía de Outeiro de Rei Feira de Bóveda

Visits to workshops, Fernando Porto, A Estrada. Fundación Castrolandín, Cuntis / Visitas a talleres Fernando Porto, A Estrada. Fundación Castrolandín, Cuntis

Comida da Fía, Baio Inauguration of the Niñodaguia Museo Taller de Olería / Inauguración Museo Taller de Olería de Niñodaguia

Inauguration of the Camariñas Lace Exhibition / Inauguración Mostra de encaixe de Camariñas Turexpogalicia, Silleda

Workshop of / Taller Pepa Lombao, Bonxe, Outeiro de Rei Presentation of Interweaving at School. Module “Silkworms,” / Presentación Enredando na Escola. Módulo Os vermes da seda, Ponteareas

Winners of / Gañadores Concurso Murales Suministros Lar, Cee Inauguration of the 30th Feira do Viño de Amandi, Sober / Inauguración XXX Feira do Viño de Amandi, Sober

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Actualidadede Artesanía de Galicia

ACTuALIDADDE ARTESANíA DE GALICIA

“Design a Jewel for Your Mother.” Official Association of Jewellers of Galicia Visit to the workshop of Elena Ferro / Visita taller Elena Ferro, Merza

Rueiro de Consumo. Área Central, Santiago de Compostela Inauguration of / Inauguración Tesouros Privados, Vigo

Feria Inhorgenta, Munich / Inhorgenta Fair, Munich Xantar 2011, Ourense

Inauguration of the Encontro de Embarcacións Tradicionais, Carril, Vilagarcía de Arousa / Inauguración Encontro de Embarcacións Tradicionais, Carril, Vilagarcía de Arousa

Maison&Objet Fair, Paris / Feria Maison&Objet, París

Inauguration of the Feria de Artesanía, Ourense / Inauguración Feria de Artesanía, Ourense

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TESOUROS PRIvADOS ARRIvES TO vIGO

In April and May 2011, the Fundación Centro Galego da Ar-tesanía e do Deseño brought “Tesouros Privados. A xoiería en Galicia” to Vigo, after the success of the first exhibition, which took place in Santiago de Compostela at the end of last year. Through 200 pieces made by 38 professionals, this exhibition explores the contemporary Galician jewellery and its evolu-tion, from traditional jewellery to the most innovative collections which are characterised by the introduction of new materials and the latest design techniques. It was opened to the public from 13th April to 30th May in the Estación Marítima in Vigo (the ferry terminal).

In order to show the diversity and richness of this sector, this exhibition was divided in four different spaces: one for high jewellery, another for traditional jewellery, a third one for con-temporary pieces which are based on tradition, and the last one for pieces made of new materials, such as ceramics, paper or glass.

The Consellería de Economía e Industria considers this kind of initiatives an efficient way of showing the added value of Gali-cian handicrafts to society and boosting the commercialisation of these pieces. The Galician professionals which participated in this exhibition were Adonis, AI Joyas de autor, Aldo de Ma-

TESOUROS PRIvADOS LLEGA A vIGO

Entre los meses de abril y mayo de este año, la Fundación Cen-tro Galego da Artesanía e do Deseño llevó a Vigo la muestra “Tesouros Privados. La joyería en Galicia”, tras el éxito de la primera muestra, que tuvo lugar en Santiago de Compostela a finales del pasado año. A través de 200 piezas elaboradas por 38 autores, la exposición aborda en profundidad la joyería ga-llega contemporánea y su evolución desde la joyería tradicional hasta las colecciones más innovadoras caracterizadas por la introducción de nuevos materiales y las últimas tendencias del diseño. La muestra estuvo abierta al público entre el 13 de abril y el 30 de mayo en la Estación Marítima de Vigo.

Con el objetivo de representar la diversidad y riqueza del sec-tor, la muestra se dividía en cuatro espacios diferenciados: uno dedicado a la alta joyería, otro a la joyería tradicional, otro a las piezas de diseño contemporáneo que parten de lo tra-dicional y otro a las piezas elaboradas en nuevos materiales aplicados a la joyería, como es el caso de la cerámica, el papel o el vidrio.

La Consellería de Economía e Industria considera que este tipo de iniciativas suponen un canal eficaz para transmitir a la so-ciedad el alto valor añadido del producto artesano gallego a la vez que permite impulsar la comercialización de estas piezas. Los profesionales gallegos que participaron en la muestra son

rinis, Ana Martínez, Ángel Porto, Ardentia, AreladeFe, Artesanía Pampín, Atípika Galería de Joyas, Banjoy, Baraka, Candame, Clavo Metal Joyas, Cristina T, Druída, Eduardo Iglesias Artesán, Eloy Gesto Orfebre, Fink Or-febres, Joyería Mayer, Marta Armada, Mayer Joyeros, Maysil, Obradoiro Joyeros, Orfega, Óscar Rodríguez, Plata Nativa, Platería Alfonso Iglesias, Ramón González Orfebres, Rosa Higuero, Rosa Méndez, Sánchez-Cano Orfebres, Sargadelos Compostela, Silvereira, Soledad Mato, Sonia Ares, unión Joyera de Bergondo, Xabier de Sousa and zimzelatum.

One of the aims of this exhibition is to link Galician jewellery and the Ar-tesanía de Galicia brand, as well as to make society aware of the value of Galician handicraft, and show the different options which Galician jewellery offer, not only as pieces for exhibition but also as products for sale.

Adonis, AI Joyas de autor, Aldo de Marinis, Ana Martínez, Ángel Porto, Ardentia, AreladeFe, Artesanía Pampín, Atípika Galería de Joyas, Banjoy, Baraka, Candame, Clavo Metal Joyas, Cristina T, Druída, Eduardo Iglesias Artesán, Eloy Gesto Orfebre, Fink Orfebres, Joyería Mayer, Marta Armada, Mayer Joyeros, Maysil, Obradoiro Joyeros, Orfega, Óscar Rodríguez, Plata Nativa, Platería Alfonso Iglesias, Ramón González Orfebres, Rosa Higuero, Rosa Méndez, Sánchez-Cano Orfebres, Sargadelos Compostela, Silvereira, Soledad Mato, Sonia Ares, unión Joyera de Bergondo, Xabier de Sousa y zimzelatum.

Entre los objetivos de la exposición se encuentra la puesta en relación de la joyería gallega con la marca Artesanía de Galicia, concienciar a la so-ciedad del valor artesanal de la joyería hecha en Galicia, así como dar a conocer las diferentes opciones que ofrece la joyería gallega, no sólo como piezas de exposición sino también con el objetivo de facilitar su comercia-lización.

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ARTESANíA DE GALICIA GETS INTO THE MARKET OF GIFTS

In order to boost the commercialisation of the Galician handicrafts in different markets, the Consellería de Economía e Industria has created a catalogue of craft products for institutional and corporate gifts, all with the Artesanía de Galicia brand name. This will contribute to open new markets which artisans cannot always enter.

This catalogue was developed by the Dirección Xeral de Comercio and the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, and it consists of 65 pieces from different trades, such as ceramics, jewellery, glass, pottery, wood, textile, leather or bookbinding. These were made in 51 different workshops, and they will be presented in the usual Artesanía de Galicia packaging. This is a selection of products which will be increased in time, and it is open to the requests and specific necessities of each entity, so pieces which are not included in the catalogue can be ordered to the artisans listed in it.

The field of corporate and institutional gifts means an interesting opportunity for the development of the craft sector, which is rich and heterogeneous, an obvious advantage for the entities which decide to go for this kind of pieces. This new initiative of the Consellería de Economía e Industria means a step further in supporting the commercialisation of the Galician handicrafts, and it will contribute without any doubt to turn Artesanía de Galicia into a prestigious brand and a reference for quality in all the markets.

ARTESANíA DE GALICIA SE INTRODUCE EN EL MERCADO DEL REGALO

En su objetivo por impulsar la comercialización del produc-to artesano gallego en diferentes mercados, la Consellería de Economía e Industria ha puesto en marcha un catálogo de piezas artesanales, presentadas bajo el distintivo de la marca Artesanía de Galicia y orientadas al regalo institu-cional o corporativo, que contribuirá a abrir nuevas líneas de mercado no siempre accesibles para los artesanos.

A través de la Dirección Xeral de Comercio y la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, se ha realizado un catálogo compuesto por 65 propuestas relacionadas con la cerámica, la joyería, el vidrio, la alfarería, la made-ra, el textil, el cuero o la encuadernación, elaboradas por un total de 51 talleres, que se presentarán en el embalaje propio de Artesanía de Galicia. Se trata de una selec-ción de productos que se irá incrementando con el paso del tiempo y que está también abierta a las peticiones y necesidades específicas de cada entidad, de modo que se puedan realizar pedidos a los artesanos incluidos en el catálogo aunque no se trate de las piezas que en él se recogen.

El ámbito del regalo institucional y corporativo supone una interesante oportunidad de desarrollo para un sector como el artesano, cuya heterogeneidad y riqueza suponen al mismo tiempo una ventaja para las entidades que decidan apostar por este tipo de piezas. Esta nueva iniciativa de la Consellería de Economía e Industria supone un paso más en el apoyo a la comercialización de la artesanía gallega y contribuirá sin duda a convertir Artesanía de Galicia en una marca de prestigio y un referente de calidad en cualquier mercado.

SPECIALISED TRAINING

In 2011, the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño carries on with its commitment to the speciali-sed training of the Galician craft sector, one of the central points of its work and one of the strategic lines of action of the Consellería de Economía e Industria for handicraft. This year, there is a programme of 26 training activities which will be taught by prestigious professionals from di-fferent fields of handicraft. As usual, and depending on the necessities of the sector and on the available budget, the Fundación is determined again to support the specia-lized training of the Galician artisans, and it does it with courses in different techniques which take place in diffe-rent parts of Galicia during the year. This programme is based on the suggestions of workshops and professional artisans associations, so the Fundación offers a wide ran-ge of training activities in accordance with the real neces-sities of the sector.

So far this year, 250 vacancies were offered for these training activities, and 266 applications have already been received, just for the courses of the first eight mon-ths. Training activities on lace until June 2011 were: “Ad-vanced Course in Modern Lace” and “Tonder Lace” in

FORMACIÓN ESPECIALIzADA

En este año 2011, la Fundación Centro Galego da Arte-sanía e do Deseño continúa con su apuesta por la forma-ción especializada del sector artesano gallego, uno de los ejes fundamentales que rigen su trabajo y que constituye también una de las líneas estratégicas de actuación de la Consellería de Economía e Industria en materia de arte-sanía. A lo largo del año está previsto realizar un total de 26 acciones formativas impartidas por profesionales de reconocido prestigio en los distintos ámbitos del sector ar-tesanal. Como cada año, y en función de las necesidades del sector y la disponibilidad presupuestaria, la Fundación realiza una firme apuesta por la formación especializada de los artesanos gallegos a través de cursos que abordan en profundidad diversas técnicas y se realizan a lo largo del año en diferentes localidades gallegas. Esta progra-mación se diseña en base a las propuestas de los propios talleres y asociaciones profesionales de artesanos, lo que le permite a la Fundación ofrecer un calendario de forma-ción ajustado a las necesidades reales del propio sector.

En lo que va de año, se han ofertado un total de 250 plazas en estas actividades de formación para las que ya se han recibido 266 solicitudes de participación, sólo para las actividades de los dos primeros cuatrimestres del año. Las actividades de formación que se han realizado hasta el mes de junio de 2011 relacionadas con el enca-

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Ourense, and “Handicraft Training on Lace Making,” “Lace Design and How to Join It to the Fabric” and “Adapting Lace to Gifts,” in Muxía. Other textile cour-ses were “Hat Making Techniques” and “Treating and Preparing Feathers for Accessories and Fabrics,” in Gondomar; “Textile Embroidery Techniques,” in Culle-redo and “Cavandoli Macramé. Advanced Course,” in Ourense.

In the field of wood, there was a course in “Wood Turning” in Vilamateo and an “Introductory Course on Wood Carving” in Sarria. There were also three specialised activities in jewellery, one in Santiago de Compostela, “3D Jewellery Design: Rhinogold” and the other two in Bergondo, “Advanced Course in Mi-crofusion and Opening Complex Moulds” and “Laser Welding for Jewellery.” In Gondomar there was also a ceramics course called “Introduction to Terra Sigillata,” and in Neda a bookbinding training activity, “Transfor-mation of Materials for Bookbinding: Paper and Lea-ther.” Finally, a specialised course in engraving took place in Vigo, “Advanced Course in Engraving and Stamping Techniques.”

je fueron “Perfeccionamiento del encaje moderno” y “Encaje de Tonder”, que se celebraron en Ourense, os cursos “Formación artesanal del encaje”, “Diseño y montaje del encaje en la tela” y “Elaboración del encaje adaptado a artículos de regalo”, que se impar-tieron en Muxía. También relacionados con el textil se realizaron en Gondomar “Técnicas de sombrerería” y “Tratamiento y preparación de plumas para comple-mentos y tejido”, en Culleredo “Técnicas de bordado aplicado al textil” y, en Ourense, “Macramé Cavándo-li. Perfeccionamiento”.

En cuanto a la madera, se celebró el curso de “Tornea-do de madera” en Vilamateo y “Talla en madera. Ini-ciación”, en Sarria, y para la especialización en joye-ría tuvo lugar en Santiago de Compostela la actividad “Diseño de joyas en 3D: Rhinogold” y en Bergondo los cursos “Perfeccionamiento de microfusión y apertu-ra de moldes complejos” además de “Soldadura con láser para su aplicación en joyería”. Relacionado con la cerámica, se celebró “Iniciación a las Tierras Sigi-latas”, en Gondomar, sobre encuadernación, “Trans-formación de materiales para encuadernación: papel y piel”, en Neda, y especializado en grabado tuvo lugar en Vigo el curso “Perfeccionamiento del graba-do y técnicas de estampación”.

ARTESANíA DE GALICIA IN NEW MARKETS

One of the main lines of action of the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño is to promote Galician handicrafts and the Artesanía de Galicia brand, in our Autonomous Region and outside, with the aim of increasing the sales of this sector and fostering its introduction in new markets.

For this purpose, the Fundación continues to support the presence of the brand in renowned international fairs so as to provide the workshops of the General Regis-ter for Handicraft Activities of Galicia with the opportunity of knowing firsthand the European markets, and opening new commercialisation channels for their pro-ducts. This would be a risky task, and sometimes financially unfeasible, for small craft businesses if they were not supported by the Fundación. In January 2011, Artesanía de Galicia attended the Maison&Objet in Paris and it is going to take part in it again on September, as well as in L’Artigiano in fiera in Milan, which is considered the most important handicraft direct selling fair in Europe.

From 21st to 25th January 2011, the Fundación participated in the Maison&Objet in the sector Craft. L’ Espace métiers d’ art, a space for the expertise of creators, artisans and artists from all over the world. The Galician workshops which went to Paris were Belategui Regueiro (textile), Cabuxa (leather), Idoia Cuesta (basketry and textile), Fernando Porto (ceramics), La Böcöque (accessories), Marta Arma-da (ceramic jewellery), Maysil (jewellery), Regal (ceramics), Rosa Méndez (glass jewellery) and Santín (leather).

For the second consecutive year, the Igape (the Galician Institute for Economic Pro-motion) and the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño supported

ARTESANíA DE GALICIA EN NUEvOS MERCADOS

una de las líneas de actuación básicas de la Fundación Centro Galego da Arte-sanía e do Deseño es la promoción del producto artesano gallego y de la marca Artesanía de Galicia tanto dentro como fuera de nuestra Comunidad Autónoma, con el objetivo de incrementar la comercialización de la artesanía gallega y fo-mentar su introducción en nuevos mercados.

Para esto, la Fundación continúa impulsando la presencia de la marca en ferias internacionales de reconocido prestigio para ofrecer a los talleres inscritos en el Rexistro Xeral de Artesanía de Galicia conocer de primera mano los mercados eu-ropeos y abrir nuevos canales de comercialización para sus productos, una tarea que sería arriesgada y muchas veces inviable desde el punto de vista económico para las pequeñas empresas artesanas si no contasen con el apoyo de la Funda-ción. En este año 2011, Artesanía de Galicia ha participado en la edición de enero de Maison&Objet de París y está previsto que asista también a su edición de septiembre así como la L’Artigiano in fiera de Milán, que está considerada la feria de venta directa de artesanía de mayor relevancia en Europa.

Del 21 al 25 de enero de este año, la Fundación participó en Maison&Objet dentro del sector denominado Craft. L’ Espace métiers d’ art, un espacio dedicado al saber hacer de creadores artesanos y artistas de todo el mundo. Los talleres gallegos que estuvieron en París fueron Belategui Regueiro (textil), Cabuxa (cuero), Idoia Cuesta (cestería y textil), Fernando Porto (cerámica), La Böcöque (comple-mentos), Marta Armada (joyería cerámica), Maysil (joyas), Regal (cerámica), Rosa Méndez (joyería en vidrio) y Santín (cuero).

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the participation of five Galician workshops in the fair Inhorgenta Europe, which took place in Munich from 25th to 28th February, an event which is considered one of the most important jewellery trade fairs in Europe. The workshops which attended the 38th Inhorgenta Trade Fair were Ardentia (Bergondo), Fink Orfebres (Santiago de Compostela), Maysil (A Estrada), Óscar Rodríguez Blanco Joyeros (Viveiro) and Silvereira (Teo). These two institutions also supported the participation of Galician jewellery in the JCK Fair in Las Vegas, held from 3rd to 6th June, which unión Joyera de Bergondo, Silvereira, Óscar Rodríguez Joyeros, Ardentia and Fink Orfebres attended.

In addition, the Fundación also continues to boost the commercialisation of Ga-lician handicraft by backing Galician direct selling fairs where the Artesanía de Galicia brand is present as a symbol of quality and prestige for the consumer and which are springboards for the commercialisation of Galician handicrafts. This year, this brand has already participated in events such as Xantar 2011, Rueiro do Consumo, Turexpo Galicia, Encontro de Palilleiras Concello de Cervo, XXX Feira do Viño de Amandi (Sober), Camariñas Lace Exhibition, II Feira – Mostra de Artesanía e Produtos da zona de Triacastela, Xornadas de Moda do Barco de Valdeorras, Feira de Artesanía de Ourense, VI Encontro de Palilleiras Cidade de Pontevedra, V Feira da Industria, Comercio e Artesanía (Bergondo), Feira de Artesanía do Couto (Ponteceso) – Festiletras, VI Feira da Empanada, Produtos Arte-sanais dos Ancares (As Nogais), the San Paio festival in A Estrada or the Encontro de Embarcacións Tradicionais in Carril (Vilagarcía de Arousa).

Junto al Igape, la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño impulsó por segundo año consecutivo la participación de cinco talleres artesanos gallegos en la feria Inhorgenta Europe, celebrada en Munich entre el 25 y el 28 de febrero, un evento que está considerado como una de las ferias profesionales especializadas en joyería más relevantes de Europa. Los talleres artesanos que participaron en la 38 edición de Inhorgenta fueron Ardentia (Bergondo), Fink Orfebres (Santiago de Compostela), Maysil (A Estrada), Óscar Rodríguez Blanco Joyeros (Viveiro) y Silvereira (Teo). También con el Igape, la Fundación apoyó la participación de la joyería gallega en la Feria JCK de Las Vegas, celebrada del 3 al 6 de junio y a la que asistieron unión Joyera de Bergondo, Silvereira, Óscar Rodríguez Joyeros, Ardentia y Fink Orfebres.

Por otro lado, la Fundación continúa también con el fomento de la comercialización de la artesanía gallega a través del apoyo a ferias de venta directa que se realicen en diferentes localidades gallegas, que cuenten con la presencia de la marca Ar-tesanía de Galicia como símbolo de calidad y prestigio de cara al consumidor, y que constituyen plataformas de comercialización de la artesanía gallega. Hasta el mes de junio de 2011 se ha participado en eventos como Xantar 2011, Rueiro do Consumo, Turexpo Galicia, Encontro de Palilleiras Concello de Cervo, XXX Feira do Viño de Amandi (Sober), Mostra do Encaixe de Camariñas, II Feira – Mostra de Artesanía e Produtos da zona de Triacastela, Xornadas de Moda de O Barco de Valdeorras, Feira de Artesanía de Ourense, VI Encontro de Palilleiras Cidade de Pontevedra, V Feira da Industria, Comercio e Artesanía (Bergondo), Feira de Artesanía do Couto (Ponteceso) – Festiletras, la VI Feira da Empanada, Produtos Artesanais dos Ancares (As Nogais), las fiestas de San Paio de A Estrada o el En-contro de Embarcacións Tradicionais celebrado en Carril (Vilagarcía de Arousa).

FUNDACIÓN CENTRO GALEGO DA ARTESANíA E DO DESEñO, FINALIST IN THE NATIONAL CRAFT AWARDS

The work of the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño – under the Consellería de Economía e Industria – has been recently recognised with its se-lection as finalist in the category “Promociona” of the 6th National Craft Awards. Moreover, Galicia was the most represented autonomous region this year, with five finalists in the different categories – there were 102 candidacies from all the country.

Arturo Álvarez Calor Color S. L. will compete for the “National Award;” Elena Ferro Lamela for the “Product Award;” Idoia Cuesta for the “Innova Award;” and Regal Cerámica S. L. for the “Promociona Award for Private Entities.” In addition, the Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño will compete for the “Promociona Award for Public Entities.” The winners will be announced on 24th November in the awards ceremony which will be held in the headquarters of the Ministry of Industry, Tourism and Trade.

Some of the highlighted points of the candidacy of the Fundación are its important support to training, promotion, commercialisation, innovation, design and popu-larisation. Besides, the results of the Artesanía de Galicia brand were recognised as a key element in the introduction of handicrafts in new markets. The awards committee stressed the efforts of this institution to promote and develop the Galician craft sector, which is boosted by the Galician government.

LA FUNDACIÓN CENTRO GALEGO DA ARTESANíA E DO DESEñO, FINALISTA DE LOS PREMIOS NACIONALES DE ARTESANíA

La Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño, dependiente de la Con-sellería de Economía e Industria, acaba de obtener un reconocimiento a su labor, ya que ha resultado finalista de la sexta edición de los Premios Nacionales de Artesanía dentro de la categoría “Promociona”. Además, Galicia ha sido la co-munidad autónoma más representada en esta edición, con cinco finalistas en las diferentes categorías, a las que se habían presentado 102 candidaturas proce-dentes del conjunto del Estado.

Así, Arturo Álvarez Calor Color S. L. opta a la categoría “Premio Nacional”; Elena Ferro Lamela a la de “Premio Producto”; Idoia Cuesta a la de “Premio Innova”; y Regal Cerámica S. L. a la de “Premio Promociona para entidades privadas”; finalistas a los que se une la Fundación Centro Galego da Artesanía e do Deseño en la categoría “Premio Promociona para entidades públicas”. El próximo 24 de noviembre se conocerán los premiados, en el acto de entrega de los galardones que se celebrará en la sede del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio.

Entre los puntos destacados de la candidatura de la Fundación, figuran el impor-tante apoyo a la formación, promoción, comercialización, innovación, diseño y divulgación, además de reconocer los resultados de la marca Artesanía de Ga-licia como elemento clave para la introducción del producto artesano en nuevos mercados. El Comité responsable señaló el trabajo que está realizando esta insti-tución en favor del fomento y el desarrollo del sector artesano gallego, gracias al impulso del gobierno de la Xunta en materia de artesanía.

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