EPISODÓ IO III - MESSENGERS FROM THE...

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COLÓQUIO FICÇÃO CIENTÍFICA & FANTASIASCIENCE FICTION & FANTASY CONFERENCE

MESSENGERS FROM THE STARS EPISODE III

FAC. LETRAS UNIV. LISBOA

19 A 21NOVEMBRO ‘14

Book of AbstractsLivro de Resumos

EPISOÓDIO III

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INDEX / ÍNDICE

PROGRAM / PROGRAMAPage / Página 4

KEYNOTE SPEAKERS / ORADORES PRINCIPAISPage / Página 9

ABSTRACTS / RESUMOSPage / Página 11

CONFERENCE NOTES / NOTAS DO CONGRESSOPage / Página 44 Organizing Committee:

Adelaide Meira SerrasAna Daniela Coelho

Ana Rita MartinsAngélica Varandas

Catarina XavierJosé Duarte

Mónica Paiva

This project is funded by National Funds through FCT - Fundação para a Ciência e a Tecnologia under the plan Pest-OE/ELT/UI0114/2013.

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PROGRAMA / PROGRAM19 TH WEDNESDAY / 19 QUARTA-FEIRA

PROGRAMA / PROGRAM20 TH THURSDAY / 20 QUINTA-FEIRA

9h00 | Registration9h30-10h00 | OPENING SESSION / SESSÃO DE ABERTURA

(Teresa Cid, Adelaide Serras, Carlos Gouveia) Room/Sala: ANF. III 10h00-11h00 | PLENARY / SESSÃO PLENÁRIA Room/Sala: ANF. IIIAngélica Varandas (FLUL-CEAUL): Fantasy Literature and The Middle Ages

Chair/Moderador: Adelaide Meira Serras11h00-11h30 | COFFEE BREAK

11h30-13h00 | SESSION 1

1A | Room/Sala A.IIISession/Sessão:

Heróis, Vilões e outros MonstrosHeroes, Villains and other Monsters

Chair/Moderador: Mónica PaivaO mundo precisa de Vilões Heróis

(Igor Furão, FLUL-CEAUL)

Solve et coagula: A noção romântica do Super-Herói encontra o seu fim em Watchmen (Nuno Lopes, FLUL)

Performing Call of Cthulhu: Role-playing games and

performativity (Ricardo Pereira da Silva, FCSH)

1B | Room/Sala 5.2Session/Sessão:

Utopia and DystopiaUtopia e Distopia

Chair/Moderador: Teresa MalafaiaThe seeds of change: The importance

of community in Octavia Butler's Parable of the Sower

(Ana Antunes Simão, FCSH)

This quintessence of dust: Cosmic irrelevance in Jorge Luís Borges'

"A weary man's utopia"(Hugo Gomes, FCSH-CETAPS)

1C | Room/Sala D. Pedro VSession/Sessão:

Images of the Supernatural and the Body / Imagens

do Sobrenatural e do CorpoChair/Moderador: Teresa Alves

Gothic fantasy and the supernatural in the poetry of Sylvia Plath

(Elisabete Lopes, IPS)

"Two evil eyes" or capitalism and misogynic voyeurism undead, after Edgar Allan Poe (Margarida Vale de

Gato, FLUL-CEAUL)

As Crónicas de Nárnia e O Senhor dos Anéis: teologia

e imagens do corpo (Miguel Ângelo Fernandes, CEAUL)

13h00–14h30 LUNCH BREAK / PAUSA PARA ALMOÇO

14h30-16h00 SESSION 2


Sci-fi and the Body I FC e o Corpo I

Chair/Moderador: Igor Furão“Do humans dream with electronic souls?” - Corpos tecnológicos no

cinema de Ficção Científica (Elsa Rodrigues, FLUC)

Repensando o modelo do humano: The Left Hand of Darkness como

"thought experiment" antropológico (Roberto da Silva, FCSH)

A emergência do "eu" pós-humano em Battlestar Galactica e Her (Teresa

Pereira, FCSH-CETAPS)

2B| Room/Sala 5.2Session/Sessão:

The Medieval in FantasyO Medieval na Fantasia

Chair/Moderador: Ana Rita Martins"All must dance the Macabray":

a Dança Macabra em The Graveyard Book, de Neil Gaiman

(Diana Marques, FLUL-CEAUL)

With sword in hand - The knights of George Martin's A Song of Ice and Fire (Iolanda Zôrro, FLUL-CEAUL)

Imagining a Hero: From Fantasy to Mythology

(Tânia Azevedo, ILCH-CEHUM)


Sci-Fi and History: An OverviewFicção Científica e História: Olhares Chair/Moderador: Angélica VarandasDeuses egípcios no espaço ficcional:

lucubrações e metáforas (Luís Araújo, FLUL)

Galactica: Batalha no espaço… em busca da 13ª tribo.

«Alguns acreditam que a vida aqui começou lá longe…».

(José Varandas, FLUL)

"Em busca da Fantasia perdida... Reacções a um séculos de certezas"

(Pedro Gomes Barbosa, FLUL)16h00-16h30 | COFFEE BREAK

16h30-17h30 | PLENARY / SESSÃO PLENÁRIA Room/Sala: ANF. III Rachel Haywood Ferreira (Iowa State Uni.):

Beyond Galaxy: Adopting, Adapting, and Challenging Anglophone Norms in Latin American Science FictionChair/Moderador: Angélica Varandas

17h45-18h45 | ROUND TABLE / MESA REDONDA "Ficção Científica e Crise" Room/Sala: ANF. III

João Barreiros; Luís Filipe Silva; Octávio dos Santos; Telmo Marçal Chair/Moderador: Margarida Vale de Gato

10h00-11h00 | PLENARY / SESSÃO PLENÁRIA Room/Sala: Anf. III Christine Cornea (Univ. of East Anglia): The Post-apocalytpic Science Fiction Television

Chair/Moderador: Ana Rita Martins 11h00-11h30 | COFFEE BREAK

11h30-13h00 | SESSION 3


Between Sci-Fi and FantasyEntre FC e Fantasia

Chair/Moderador: Suzana Ramos As viagens da Argonauta: A contribuição da colecção

Argonauta para a construção de um cânone de Ficção Científica

em língua portuguesa (Luís Filipe Silva)

Dystopian Tempests: The apocalyptical paradigm in

Lugones’ “The Rain of Fire” and Arlt’s “The Red Moon” (Elena Emma Sot-

tilotta, FCSH-CEAUL)

Entre Saturno e a Terra. Mediação, suporte e conteúdo em The People

of Paper (2005) (Sandra Bettencourt, FLUC)

3B | Room/Sala 5.2Session/Sessão:

Sci-Fi and the Body II/FC e o Corpo II

Chair/Moderador: Helena Carneiro Isaac Asimov’s robot and the

deconstruction of the utopian body (João Félix, CEAUL)

The anthropomorphication of computer programs: Dating your

O.S. in Asimov and Jonze (Ljubica Matek, Uni. of Osijek)

“We are all unnatural now”: Science Fiction, the singularity and

post-human futures (Teresa Botelho, FCSH-CETAPS)


Sci-fi and Classics/Clássicos e FCChair/Moderador: Catarina Xavier

Ray Bradbury’s «The Golden Apples of the Sun»: a journey beyond

science fiction (Fernanda Luísa Feneja, CEAUL)

“Mild-mannered “cecelticocommediant” becomes

“Supershillelagh?“Parallaling” and “coincidance of contraries” between comic book

superheroes and HCE in Finnegans Wake (Mick Greer, FLUL-CET)”

I don’t want to be human!: Finding humanity within the artificial body in

Battlestar Galactica (Pedro Rui Mateus & Sara Santos,

FLUL)13h00–14h30 LUNCH BREAK / PAUSA PARA ALMOÇO


4A | Room/Sala A.IIISession/Sessão: Fantasy on Screen?

/ Fantasia no ecrã? Chair/Moderador: Cecilia Beecher

MartinsWhere the East meets the West: Sailor Moon and the European

imaginarium (Ana Durão & Joana Sevilha, FLUL)

“Cuentos de Hadas. Ya eres mayor para llenarte la cabeza con tantas

zarandajas.” O Labirinto da Fantasia e da Realidade de acordo com

Guillermo del Toro. (Mónica Paiva, FLUL/CEAUL)

4B | Room/Sala 5.2Session/Sessão: Videogames,

Imaginary and Fiction/Videojogos, Imaginário e Ficção

Chair/Moderador: Sara HenriquesThe Legend of Zelda - O imaginário Medieval no mundo contemporâneo

(Francisco Isaac, FLUL-CITCEM-UP)

I don’t want to set the world on fire: Retro-futurismo na trilogia Fallout

(1997) (Tiago Dinis, FCSH)

4C | Room/Sala D. Pedro VSession/Sessão: Zombies and

Performativity/Zombies e Performance

Chair/Moderador: João FélixDeath Becomes Her:

The Beauty-Obsessed Undead,a Contemporary Societal Illness

(David Klein Martins, FLUL)

Haverá esperança para a morte depois da vida?

(Diogo Almeida, FLUL)

15h30-16h00 | COFFEE BREAK16h00-17h00 | PLENARY / SESSÃO PLENÁRIA – Rosa Montero (writer/escritora - Spain)

Chair/Moderador: Ângela Fernandes17h00 - 18h00 ROUND TABLE / MESA REDONDA "Videojogos no Reino da FC&F" Room/ sala: ANF. III

Carlos Martinho (IST-Uni. Of Lisbon); Rui Prada (IST-Uni. Of Lisbon); Nelson Zagalo (Uni. Minho); Susana Valdez (FCSH-UNL/CEAUL)

Chair/Moderador: Ana Daniela Coelho20h00 | CONFERENCE DINNER / JANTAR DO COLÓQUIO

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PROGRAMA / PROGRAM21 ST FRIDAY / 21 SEXTA-FEIRA

10h00 - 11h00 PLENARY / SESSÃO PLENÁRIA Room/Sala: Anf. IIISusana Oliveira (FCT/CIAUD - University of Lisbon, Faculty of Architecture):

Architecture and Transparency in Paul Scheerbart’s Futurist Fairy-talesChair/Moderador: José Duarte

11h00-11h30 | COFFEE BREAK

11h30-13h00 | SESSION 5

5A - Room/Sala A.IIISession/Sessão: Places of Distopia

Lugares de Distopia Chair/Moderador: John Elliott

To live with or without science, is that the question? A reading of Huxley’s Brave New World (Adelaide Meira

Serras, FLUL-CEAUL)

“Is fiction, which makes fact alive, fact too?” The case of Stephen

Morris’s trilogy Come Hell or High Water (Alexandra Cheira, CEAUL)

Tomorrow the world will watch in horror as its greatest cities fall: a reading of the science-fiction

cinematic city after 9/11 (José Duarte, CEAUL)

5B - Room/Sala 5.2Session/Sessão:

Women and Sci-fi/A mulher na Ficção Científica

Chair/Moderador: Maria José Pires Alternative Pregnancies: Womb Envy Revisited

(Aline Ferreira, Uni. Aveiro)

Finding Mr. Darcy: A contemporary romantic fantasy

(Ana Daniela Coelho, FLUL-CEAUL)

‘Snake=Bad’: The Snake and The Serpent in Dreamsnake (1979)

(Ana Rita Martins, FLUL-CEAUL)

5C - Room/Sala D. Pedro VSession/Sessão: On time and Sci-fiSobre tempo e FC

Chair/Moderador: Amândio ReisOnly Lovers Left Alive, ou o regresso

do(s) fantasma(s) (Mário Avelar, Uni. Aberta)

Back to back: Edgar Ulmer an amazing transparent B filmmaker

beyond time barrier (Mário Jorge Torres, FLUL-CEC)

13h00–14h30 LUNCH BREAK / PAUSA PARA ALMOÇO


6A | Room/Sala A.IIISession/Sessão: Art Allegories

and Second-Hand Fictions/Alegorias da Arte e Ficções

em Segundo Grau Chair/Moderador: Mário Jorge TorresO duplo do texto na narrativa breve

finissecular: Os estranhos casos de Robert Louis Stevenson, Guy de Maupassant e Henry James (Amândio Reis, FLUL-CEAUL)

A Ficção Científica como alegoria do Cinema: The Invasion of the Body Snatchers, Strange Days e Kill Switch

(Fernando Guerreiro, FLUL-CET)

Corpo, retrato e fantasma em La chute de la maison Usher (1928),

de Jean Epstein (José Bértolo, FLUL-CEC)

6B | Room/Sala 5.2Session/Sessão: Possible Worlds

Mundos Possíveis Chair/Moderador: Luís Filipe Silva“I volunteer as a tribute”: Distopia

e panótico em The Hunger Games (Cátia Marques, FLUL)

A narrativa fantástica e o discurso científico: Relações, convergências,

contradições (Maria Cristina Batalha,

Univ. Rio de Janeiro)

Fantasia e mundos possíveis em Borges e Živković (Maria do Rosário

Monteiro, FCSH-CHAM)

6C | Room/Sala D. Pedro VSession/Sessão: Visions of Science

and Fiction/Visões de Ciência e Ficção

Chair/Moderador: Alcinda Pinheiro de Sousa

Relações entre ciência e ficção: Três exemplos em Lisboa

(Alexandre Coimbra & Sofia Coimbra, Uni. Católica/FMUL)

Estado e material únicos: A partir de Nós, de Evgueni Zamiatine

(João Rosmaninho, Uni. Minho)

Matrix: Cultura clássica num êxito cinematográfico

(José Magalhães, FLUL)

16h00 | DRINKS / PORTO DE HONRA

BOOK OF ABSTRACTSLIVRO DE RESUMOS

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COLÓQUIO DE FICÇÃO CIENTÍFICA & FANTASIA | SCIENCE FICTION & FANTASY CONFERENCE

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KEYNOTE SPEAKERS / ORADORES PRINCIPAIS

Angélica VarandasFantasy Literature and the Middle Ages

(FLUL-CEAUL)

Why is Fantasy Literature so obsessed with the Middle Ages? In this presentation we intend to explore why most fantasy books resort to the Middle Ages not only revisiting medieval themes but also directly or indirectly placing the narrative in medieval times. In the lack of critical approaches to this subject, we will try to outline the major factors which, in our opinion, contributed to this long term relationship.

Rachel Haywood FerreiraBeyond Galaxy: Adopting, Adapting, and Challenging Anglophone Norms in Latin American Science Fiction

(Iowa State University)

Adopting. When writing in a genre traditionally headquartered in the North, writers from elsewhere must first pass through terra cognita, wherein the hazards of imitation lie. Adapting. Beyond more superficial changes in names, places, and language, sf writers from outside the genre’s strongholds seek to represent their own realities and worldviews… Challenging. …at the same time questioning, challenging, and even subverting previous norms and tropes of the genre and expanding the sf megatext. The centerpiece of this talk is a textbook case of this potential anxiety of influence: the relationship between the Argentine magazine Más Allá [Beyond] (1953-57) and its parent magazine magazine Galaxy Science Fiction (US 1950-c.1980). During its four-year run, Más Allá established itself not only as a purveyor of quality translations of Northern sf, but as an Argentine magazine that included Argentine content, contributed to the creation of Argentine fandom and the golden age of sf in Latin America, and reached an audience across the Spanish-speaking world. Much more than an affiliate or filial magazine, Más Allá is the story of the creation of an international cultural product that is at the same time decisively local.

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Christine CorneaPost-apocalyptic Science Fiction Television

(University of East Anglia)

Apocalyptic narratives have traditionally been associated with religious eschatologies, but narratives that revolve around catastrophic disaster of one sort or another have become increasingly prominent in popular culture over recent years. What we might call the ‘secular apocalyptic’ is commonly regarded as a sub-genre of science fiction, although it can be further divided into two discernible narrative forms: the apocalyptic and post-apocalyptic science fiction. Where apocalyptic science fiction is most concerned with the lead up to a potentially devastating event of global proportions, the ‘post-apocalyptic’ variant begins, as it were, at the end, and is focused upon the aftermath of disaster and the struggle for survival in a transformed world. Drawing upon research from my forthcoming single-authored book (contracted by Rutgers University Press), this keynote address will briefly outline the specific development and use of the ‘post-apocalyptic’ in UK and US science fiction television and related speculative documentary television. I will then move on to discuss two different ‘case study’ examples in more detail: the British science fiction television series Survivors (BBC, 1975-77) and the US-produced documentary special Life After People (The History Channel, 2008). In the process, this address aims to raise some broader questions for science fiction studies about the significance of certain generic trends in recent years.

Susana OliveiraArchitecture and Transparency in Paul Scheerbart’s

Futurist Fairy-tales (Faculty of Architecture – University of Lisbon)

Paul Scheerbart (1863-1915) was a German author, inventor and artist engaged with the avant-garde circles of his own time. He wrote dozens of fictional narratives presenting technical utopias, fantastic devices and, most of all, glass architectures. In the context of his work, nowadays almost unknown, the books The Gray Cloth and Ten Percent White (Das graue Tuch und zehn Prozent Weiß…, 1915) and Lesabéndio (1912) are his most consistent attempts to move towards what Scheerbart himself called ‘a new romanticism and a new piety’. Located in a near future, thus in the past from our standing point, they build an plausible world, implicating readers in important contemporary issues such as intercontinental travel, globalization, big cities, gender questions, fashion, architecture and the media.!

ABSTRACTS / RESUMOSSESSION 1A / SESSÃO 1A

Igor FurãoO mundo precisa de vilões heróis

(FLUL-CEAUL)

Ao longo das profundas crises a nível mundial que se viveram no século XX vimos surgir figuras e mundos capazes de representar e dotar de significado situações que, de outra forma, permaneceriam de difícil compreensão ou mesmo totalmente opacas ao entendimento humano: os super-heróis. Através da sua “supra” natureza, herdeiros que são da plasticidade e características dos antigos mitos, os super-heróis ajudaram o olhar ocidental a lidar com acontecimentos como a Segunda Guerra Mundial, a detonação da bomba atómica ou a Guerra Fria; contudo, tiveram ainda um papel importante na configuração e formação de estereótipos, preconceitos e simplificações redutoras que estão até hoje enraizados no âmago da cultura ocidental, enformando a sua identidade. À luz da vaga de filmes do universo Marvel que surgiu após os atentados de 11 de Setembro de 2001, esta apresentação propõe uma reflexão sobre as representações dos super-heróis na contemporaneidade. Tentarei, assim, indagar de que forma filmes como Thor, Iron Man, Captain America ou The Avengers, nos propõem diversas visões deste acontecimento seminal do século XXI; perceber se tais visões exprimem sobretudo uma perspectiva maniqueísta do mundo, ou, ao invés, um olhar crítico sobre ele; ou, ainda, se estas duas perspectivas coexistem na mundividência heróica do universo cinematográfico Marvel.

Nuno Lopes

Solve et coagula: A noção romântica do super-herói encontra o seu fim em Watchmen (FLUL)

Desde há muito que a banda desenhada americana (comics) está dominada pelos super-heróis. Como progénie inevitável do impacto do modernismo na cultura americana, estes avatares garridos do sonho americano fizeram a sua estreia nos comics do final dos anos 30. Desde então, existiram em universos pastiche, servindo de espelho à evolução do ambiente cultural americano ao longo dos tempos. Encurralada nas complexidades da década de 80, tal como a própria América, a figura do super-herói persistia em tentar encontrar o equilíbrio possível entre o apocalipse e a utopia. Não enjeitando

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nenhuma das possibilidades como destinos plausíveis, não só para o super-herói, como também para uma sociedade sentada no seu arsenal nuclear, surgiu Watchmen. Publicada entre 1985 e 1986, a BD de Alan Moore e Dave Gibbons oferece-nos, ainda hoje, uma reflexão sobre o arquétipo do super-herói, ao mesmo tempo que se debruça sobre a fragilidade da condição humana imersa na sociedade ocidental de então. Watchmen reflecte o colapso dos valores sob o peso do medo real da aniquilação iminente. Inspirado por este sentimento constante de vulnerabilidade e impotência, Alan Moore desmontou o super-herói peça por peça, demonstrando uma profunda reverência e afeição por cada um dos seus lugares-comuns à medida que os descartava, para poder resgatar o super-herói da irrelevância cultural, conferindo-lhe uma urgência que ecoasse o tiquetaque do Relógio do Juízo Final. Em Watchmen, o super-herói romântico encontrou o seu fim. Mas fê-lo apenas para, como qualquer bom super-herói, inevitavelmente ressuscitar, enfim livre de noções ingénuas do bem e do mal. Mudando para o sempre o paradigma, Moore desmanchou o arquétipo do super-herói para o redefinir em termos de ethos e pathos e reconstruí-lo como um agente indispensável do seu próprio universo alternativo utópico, e inegavelmente relevante como produto literário no nosso. Deste modo, a presente apresentação pretende, como introdução, apresentar o super-herói como arquétipo em conjunção com o ambiente cultural vivido desde a década de 30 até Watchmen (1985), e depois abordar em maior detalhe a realidade que Watchmen retrata, os seus temas (como o Relógio do Juízo Final, por exemplo), o simbolismo espalhado por toda a obra em relação tanto ao meio artístico da BD como à experiência humana da sociedade ocidental (uma vez que Moore consegue espelhar um no outro com mestria), e terminar (como conclusão breve a evocar mais estudos) na mudança visível que a obra criou no panorama dos comics.

Ricardo Pereira da Silva Performing Call of Cthulhu: Role-playing games

and performativity (FCSH)

H.P. Lovecraft’s short-story “The Call of Cthulhu”, published in 1928 in an issue of Weird Tales, was paramount for the evolution of what is known today as Science Fiction. By means of applying Gothic fiction tropes in his narratives, together with cosmic entities from outer space, Lovecraft is undoubtedly a pioneer in the xenofiction genre. Despite his unsuccessful career as a writer, both setting and lore surrounding Lovecratf’s oeuvre eventually became popular in the late twentieth century, originating other works of fiction, as well as games, following the same style. The concept of roleplaying game has its roots in the

1930s popular parlor game Jury Box. However, it was only in 1974, after Dungeons & Dragons was published, that the concept became widespread. Like any other games, from the simplest to the most complex, role-playing games have rules that define the conditions of victory or defeat. However, there are certain peculiarities which make role-playing games different from conventional video games. These aspects are in fact elements which are intrinsically related to theatrics and dramatic expression, namely the narrator and the actor. This paper will examine the relationship between the concept of game and theatrics as well as the role of performative acts in this relationship. As such, Call of Cthulhu (1981), a tabletop roleplaying game based on lovecraftian fictional lore and myths, will be used to counter Roger Caillois’s statement in Man, Play and Games (1961) that ‘A characteristic of play, in fact, is that it creates no wealth or goods, thus differing from work or art. At the end of the game, all can and must start over again at the same point.’ (Caillois 2001: 5). In order to do this, it will be demonstrated that, despite being a game, tabletop role-playing games in general, with particular emphasis on Call of Cthulhu, actually do create something of literary value, and can never start anew at the same point, contrarily to other conventional games.

SESSION 1B / SESSÃO 1B

Ana Antunes SimãoThe seeds of change: The importance of community

in Octavia Butler’s Parable of the Sower (FCSH)

Dystopian fiction has long been used as a vehicle for criticizing social and political circumstances and the dangers of the inordinate use and development of technology, as well as, its consequences for humanity. In line with its cautionary trait, this kind of fiction is usually concerned with the negative consequences and effects of utopian thought. This paper examines Octavia Butler’s Parable of the Sower and the means by which its dystopian future illustrates the author’s concern over how the present state of humanity – with its ecological indifference and lack of communal cooperation – threatens its future existence. It is this characteristic, which entails a sense of hope, that defines Parable of the Sower as a critical dystopian novel. With this in mind, the present study will focus on the reasons that led to such a future and how its new society is organized. Furthermore, it will consider Butler’s purpose in reviving Christian values through the formation of a secular religion – Earthseed – and how the protagonist struggles to create, through its dissemination, a utopian community, in contrast with the hostile environment that surrounds her. It will be postulated that Octavia Butler

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creates, in Parable of the Sower, several utopian realities within a wider dystopian world, in order to deconstruct them and further reveal how utopian thought is what ultimately leads to dystopian chaos. Through Earthseed, the author puts forward a secular religion in order to remind humanity how morality is necessary for the construction of a functional and self-sustaining society, proposing that compassion, cooperation and respect – the true definition of community – are vital to the survival of mankind.

Hugo GomesThis quintessence of dust: Cosmic irrelevance in Jorge Luís

Borges’ “A weary man’s utopia” (FSCH-CETAPS)

It was Shakespeare who once wrote, in one of Hamlet’s renowned monologues, that Man is nothing but the “quintessence of dust”. In other words, Man is no more than an embodiment of inconsequentiality. In Jorge Luis Borges’s short-story “A Weary Man’s Utopia”, part of his short-story collection The Book of Sand (1975), the reader is presented with a brief vision of a bleak future, where immortality is certain but undesired. “A Weary Man’s Utopia” tells the story of an Argentinian time traveller, Eudoro Acevedo, who comes across a man of the future. This man, unnamed in the short-story, introduces Eudoro to a desolate world of pessimism: space-travel, for example, although possible, is no longer encouraged, as humanity’s interstellar journeys proved only the impossibility to go beyond Man’s physical and intellectual limitations. Similarly, literature is undervalued, for it is an art which stimulates an unnecessary proliferation of texts, an art of reflection and forgery: in Borges’ hypothetical future, literature can be reduced to six essential, albeit unspecified, texts. In this paper, it will be postulated that Borges’ story promotes the idea of humanity as inconsequential and incapable of transcending its own imperfections. Through a portrayal of a utopian society which, paradoxically, endorses the creation of ‘liberating’ death-chambers, Borges is putting forward the notion that Man, in his perfected form, leads a solitary, purposeless, monotonous existence, and that ultimately death is consciously selected as an alternative to this existential torment. Furthermore, Borges’ representation of civilizational decay will be interpreted as a commentary not only on Man’s cosmic irrelevance but also on the futility of textual accounts that depict places of utopia: they illustrate an unattainable project that is only unattainable because, once it is materialized, the utopian locus becomes static, hence no longer subjected to progress. In other words, Borges’ utopian place becomes a place of solitude, of insignificance, a lifeless future. It is this utopian perpetual stasis that leads Man to an existential weariness.

SESSION 1C / SESSÃO 1C

Elisabete LopesGothic fantasy and the supernatural in the poetry

of Sylvia Plath (IPS)

Many poems written by Sylvia Plath are permeated by the supernatural, hence displaying gothic spaces and atmospheres that evoke both horror and terror upon the reader. Given the fact that this particular feature of Plath’s poetry has been broadly overlooked by the scholar community, the main goal of this paper is to bring to the surface the most significant traits that consolidate Plath as a female gothic writer. In truth, scary and disturbing images inhabit the author’s stanzas: in “Street Song” there is a girl that walks the streets holding her entrails; in “All The Dead Dears” the speaking subject is confronted with a vampire who appears to be her ancestor; skeletons and ghosts emerge in “November Graveyard”, and in “In Plaster”, the presence of a strange double becomes the source of a striking uneasiness. By exploring her fears and anxieties, Plath can be said to have built an alternative fantastic universe where evil takes the form of the traditional monsters that haunt our collective unconscious. These assume a cathartic nature for the writer, embodying metaphors capable of translating ordinary events into supernatural accounts. Plath says in “Kindness” that “the blood jet is poetry”, confirming that violence, death and the depiction of gruesome scenes play a crucial part in her poems. Moreover, they work as the creative energy which impels them.

Margarida Vale de Gato“Two evil eyes” or capitalism and misogynic voyeurism undead,

after Edgar Allan Poe (FLUL-CEAUL)

In 1990, the zombie film master George Romero and the cult horror director Dario Argento embarked in a joint venture that homages the inspiration of Edgar Allan Poe and brings the tales of the 19th-century American Romantic to contemporaneity. The first movie, “The Facts in the Case of M. Valdemar”, hints at the theme of the enduring and eerie afterlife of capitalism, with a greedy wife and an unscrupulous physician bringing a love-and-calculation triangle into a plot that was once a philosophical hoax about hypnosis revealing consciousness after death. Argento’s film, “The Black Cat”, weaves several of Poe’s tales with the through-line of the artiste cameraman who derives his pleasure from photographing the bodies of women and cats tortured and mutilated by sadist lovers, including himself. While apparently independent, both movies were set in and around Pittsburgh, exposing the in-communication of (sub)urban domesticity and the tensions of

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watchfulness and morbid voyeurism, which may justify the common title that the directors explored freely according to their deviant — and somewhat “outsider” — stances, on the fears of a post-historicizable society under the sway of US popular culture and its subcultures. Despite both movies being flawed either as entertainment or artistic objects (one because it showcases a mono-thematic “anti-richness” agenda, and the other because it pulls too many strings and wanders off the subject of the dismemberment of the beautiful woman and the murderer-artist), this paper aims to assess and substantiate the relevance of Poe’s paradigmatic reflections on per-verseness, and their dilution in the remakes of these two essentially parodic, but nonetheless moral, authors.

Miguel Ângelo FernandesAs Crónicas de Nárnia e O Senhor dos Anéis: teologia

e imagens do corpo (FLUL-CEAUL)

Ambos os autores em questão, C. S. Lewis e J. R. R. Tolkien, têm pelo menos dois denominadores em comum: um forte sentimento religioso e personagens ambíguas. A religiosidade de Lewis e de Tolkien torna análises teológicas generalistas mais facilitadas, no sentido em que ambos os autores se inscrevem nesse grande universo que é o do cristianismo. Quando se trata de articular a construção do corpo no contexto da teologia cristã, parece surgir automaticamente um efeito de estabilidade que consiste na percepção do corpo como uma instância do mal. Esta comunicação debruçar-se-á sobre essa estratégia estabilizadora, mostrando o equívoco relativamente ao modo como os bons e os maus são construídos enquanto categorias corporizadas que se traduzem como personagens dúbias. Focar-se-ão personagens de Lewis e de Tolkien, que, articuladas com um panorama de teologia bíblica, permitirão reconstruir a noção de corpo, de bem, de mal e da divindade na obra dos dois autores.

SESSION 2A / SESSÃO 2A

Elsa Rodrigues“Do humans dream with electronic souls?” - Corpos tecnológicos no cinema de Ficção Científica (FLUC)

Nascida da mesma racionalidade científico-tecnológica que deu forma ao mundo que hoje habitamos, coube à ficção científica antecipar as suas conquistas e perigos, imaginando os cenários e seres que a ciência e tecnologia permitem, em cada presente, plausivelmente, antever. As entidades tecnológicas criadas pelo cinema de ficção científica refletem, de forma visual, sobre as fronteiras entre humano

e não humano, criador e criatura, tomando como dicotomia central o binómio natural/artificial, mas também a oposição entre racionalidade e emoção, liberdade e determinismo, mecânico e espontâneo, real e virtual, constituindo-se, assim, como uma forma de epistemologia de massas que conduz à reflexão coletiva sobre questões fundamentais do pensamento e prática científico-tecnológica e pela própria existência num mundo tecnologicamente saturado. Oscilando entre um tom otimista e um tom pessimista ou apocalíptico, as narrativas da ficção científica traduzem os medos de domínio, alienação e perda de humanidade, concebendo entidades mecânicas como alteridade, como elemento não humano, opositor e inimigo da humanidade e dos valores que esta representa, ou retratando a tecnologia como uma extensão do corpo, como local de fusão em que se resolvem as antinomias realidade e aparência, agente e recurso, criador e criatura, corpo e alma, originando entes híbridos que reconfiguram a essência do humano e encerram a esperança do seu apuramento físico e moral. Uma viagem pelo cinema de ficção científica permite mostrar os constructos tecnológicos imaginados e o conceito de humanidade que encerram.

Roberto da SilvaRepensando o modelo do humano: The Left Hand of Darkness

como “thought experiment” antropológico (FCSH)

Num recente editorial, Safaa Dib, referindo-se à literatura dos imaginários, deixa entender que o interesse por esta prende-se com o facto de, porque “estamos cansados de ser humanos”, procuramos um escape da realidade. Sendo possível aceitar esta posição como um ponto de partida para a discussão do lugar da ficção, em geral, e da ficção científica, em particular, não se pode concordar com ele como resposta cabal. A ficção científica, enquanto corrente literária e entendida como mecanismo extrapolativo, é essencialmente um exercício onde criatividade, razão e intuição, libertas das amarras conceptuais e historicistas da contemporaneidade, caminham lado a lado, de forma a, ficcionalmente, produzir uma obra capaz de traduzir numa gramática actual, por um lado, as construções de um determinado pensamento e, por outro, as suas conclusões lógicas. No artigo “Antropology and Science fiction”, publicado na revista Current Antropology, Leon Stover afirma que “Anthropological science fiction enjoys the philosophical luxury of providing answers to the question ‘What is man?’ while anthropology the science is still learning how to frame it”. Ursula Kroeber Le Guin vai além da questão “o que é o homem?”. Ela, ficcionalmente, apresenta um modelo antropológico daquilo que o homem – e com ele a sociedade – é e pode/poderia vir a ser. Neste ensaio, partindo da análise de The Left Hand Of

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Darkness, pretende-se investigar o modelo humano-social proposto, reconhecendo que este é, a dois tempos, crítica e proposta. Através do estudo das duas tipologias descritas, seguindo a visão da ficção científica acima apresentada, realça-se o carácter tético e didáctico da obra.

Teresa PereiraA emergência do “eu” pós-humano em Battlestar

Galactica e Her (FCSH-CETAPS)

Partido de uma abordagem comparatista entre as galardoadas obras de ficção científica Battlestar Galactica (2003-2009) e Her (2013), pretendemos, de um modo geral, debruçar-nos sobre a ideia de pós-humanismo. A série televisiva norte-americana, uma adaptação da space opera criada, em 1978, por Glen A. Larson, relata ao espectador o conflito armado, travado num universo diegético distópico, entre os antepassados da espécie humana e os Cylons. Por seu turno, a longa-metragem de Spike Jonze tem lugar num futuro não tão distante, no qual começaram a ser comercializados os primeiros sistemas operativos programados para se adaptarem às necessidades pessoais dos seus utilizadores. Neste panorama, a nossa análise incidirá em dois vectores fundamentais. Em primeiro lugar, observaremos, por um lado, o romance entre Karl Agathon e a Cylon Sharon Agathon, e, por outro, a interacção entre Theodore Twombly e o seu sistema operativo Samantha. Num segundo momento, intentaremos examinar de que forma a natureza humana, em permanente contacto com a tecnologia, é afectada pela evolução da máquina. Ao explorarem a possibilidade da existência de uma relação afectiva entre um ser humano e um dispositivo electrónico dotado da capacidade de assimilar conhecimentos e experiências, os textos em apreço não só questionam a conflituosa interacção entre o Homem e a máquina, como abordam ainda a ideia de pós-humanismo. Neste contexto, a presente comunicação visa analisar criticamente toda a problemática decorrente de um ser humano estabelecer com uma máquina uma complexa relação amorosa. Pretendemos, em última análise, reflectir sobre a passagem, consumada pelas personagens Karl Agathon e Theodore Twombly, do humano para o pós-humano.


Diana Marques “All must dance the Macabray”: a Dança Macabra

em The Graveyard Book, de Neil Gaiman (FLUL-CEAUL)

A obra de Neil Gaiman The Graveyard Book (2008) conta-nos a peculiar história de Nobody Owens, ou Bod, que vê a sua família assassinada por um homem, Jack, mas que consegue fugir e encontrar abrigo num cemitério. Aí Bod cresce, é criado e educado pelos fantasmas e outras criaturas que habitam o cemitério, que fazem dele um rapaz muito especial que consegue contactar com o mundo dos vivos e dos mortos. Há, no entanto, um capítulo peculiar na narrativa intitulado “Danse Macabre”, no qual Bod testemunha e participa desta rara ocorrência em que os mortos e os vivos se juntam para dançar por uma noite. Esta “Danse Macabre” remete-nos para um fenómeno circunscrito à Idade Média, mais propriamente ao século XIV: as Danças Macabras, uma alegoria artístico-literária que expressa a universalidade da morte. Na pintura, por exemplo, são usuais as representações de uma dança entre pessoas vivas, dos mais variados estratos sociais, com a própria morte ou cadáveres, relembrando que a morte chega, inexoravelmente, para todos. Porém, qual o significado da Dança Macabra nesta obra de Neil Gaiman? O objectivo é perceber qual o simbolismo da Dança Macabra em The Graveyard Book, o que ela significa para Bod e que mensagem Neil Gaiman pretende passar ao inserir este aspecto singular da Idade Média numa obra dirigida a crianças.

Iolanda ZôrroWith sword in hand - The knights of George Martin’s A Song

of Ice and Fire (FLUL-CEAUL)

George R. R. Martin is undoubtedly one of the most successful fantasy writers nowadays. In his books, he has presented us with a very interesting world of both fantastical and medieval characteristics where historical elements combine with more unrealistic ones. With this paper, we hope to shed some light on the origins of some of these elements, more specifically, we propose to explore the notion of chivalry that morally guided the knights during the Middle Ages and to focus on how it is present in Martin’s A Song of Ice and Fire, exploring the personality traits of some of the characters in an altogether very human world.

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Tânia AzevedoImagining a Hero: From Fantasy to Mythology

(ILCH-CEHUM)

J. R. R. Tolkien pointed out in one of his essays, On Fairy Stories, that Art is “…the operative link between Imagination and the final result, Sub-creation.” (Tolkien, 1988: 45), By ‘Sub-creation’ he meant Middle-earth. He has created it from language, generated a cosmogony, dwelt on the fight between Good and Evil and even showed the wounds of ‘Arda’ can be healed through small deeds. He also explored, on other writings, the sorrow he felt because his homeland had no mythology of its own. Through his Middle-earth imagery, he has forged a new world that he thought would fill in the mythological gap his country was missing. Nevertheless, a true hero was needed, one that would fall in the category of the mythological warrior. It was in the literary past of England that Tolkien found an answer, as a true scholar. On the early English writings, we meet Gawain, the courteous knight. Tolkien has worked on the poem Sir Gawain and the Green Knight for decades and this almost devotional work was meant to restore the hero, one that would be native to the English soil, language and traditions. Along with this editorial and translation work on the medieval poem, Tolkien has also united art and imagination in a last stand to restore the true English hero: he will show us brave Gawain fighting to avoid The Fall of Arthur. Sadly, both Arthur and Gawain won’t survive, but the loyal hero will go down in history as one with trawþe.


Luís AraújoDeuses egípcios no espaço ficcional: lucubrações

e metáforas (FLUL)

Para um egiptólogo que com lúdica curiosidade se disponha a ver as produções de Stargate, a presença de figuras que intentam representar antigos deuses egípcios não pode deixar de chamar a atenção. De facto, as iconografias recriadas no filme Stargate, e depois continuadas em toda a produção em série que foi ciclicamente aparecendo, enriquecidas entretanto com novas figuras divinas do antigo Egito, possibilitam um aliciante exercício comparativo entre as originais representações iconográficas das divindades egípcias e as adaptações feitas pelos criadores cinematográficos.

José VarandasGalactica: Batalha no espaço… em busca da 13ª tribo. «Alguns

acreditam que a vida aqui começou lá longe…» (FLUL)

Começa assim a narrativa de uma outra Odisseia, num outro tempo, e num espaço longínquo onde os humanos teriam nascido e partido à conquista do espaço. Num sistema estelar distante, doze planetas, colónias de humanos, terminam abruptamente após uma guerra de mil anos contra os guerreiros Cylon, robôs criados por uma raça reptiliana, também ela desaparecida. Protegidos pela última nave militar (Galactica) os sobreviventes (220 naves civis) fogem através da galáxia em busca da 13ª tribo e do planeta lendário – Terra – onde se teria instalado. Em 1978 o impacto da ficção científica nas sociedades ocidentais era considerável e livros como Eram os Deuses Astronautas? ou a fantástica saga cinematográfica A Guerra das Estrelas propulsionaram o aparecimento de muitas outras estórias, como a da série Galáctica, onde a alusão às antigas civilizações dos egípcios, dos maias, dos incas, etc., se confunde e mistura com a possibilidade de serem descendentes de outras civilizações extraterrestres…

Pedro Barbosa“Em busca da Fantasia perdida... Reacções

a um séculos de certezas” (FLUL)

Abstract not included


Luís Filipe SilvaAs viagens da Argonauta: A contribuição da colecção Argonauta para a construção de um cânone de Ficção Científica em língua

portuguesa

Inaugurada em 1953 e publicada ininterruptamente ao longo das cinco décadas seguintes, a colecção Argonauta, da editora Livros do Brasil, teve como proposta editorial inicial a apresentação aos leitores portugueses dos «grandes romances da Ficção Científica», epíteto que inclusivamente adornava as capas da primeira centena de volumes supostamente representativos de especulações sérias e científicas sobre as possibilidades do futuro. A observação do catálogo da colecção permite, porém, inferir interpretações variáveis do que seriam estes «grandes romances», ainda que nem sempre de romances se tratasse, bem como reconhecer tendências ou possíveis influências na

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selecção das obras e dos autores e até apurar uma possível divisão da coleção em etapas no que diz respeito ao uso de determinados critérios editoriais. Perante a consolidação da Argonauta como colecção de culto seguida por uma comunidade luso-brasileira de leitores dedicados – que ultrapassou largamente as restantes coleções existentes tanto em regularidade de edição como em longevidade – pretende-se averiguar a dimensão da sua responsabilidade na tradução de obras reconhecidas como «indispensáveis» pela crítica, analisar a sua contribuição para a formação de um cânone de Ficção Científica em língua portuguesa e, ainda, apurar em que medida esta proposta de cânone corresponde à reconhecida internacionalmente.

Elena Emma SottilottaDystopian Tempests: The apocalyptical paradigm in Lugones’ “The Rain of Fire” and Arlt’s “The Red Moon” (FCSH-CEAUL)

The short-stories “The Rain of Fire” by Leopoldo Lugones (1906) and “The Red Moon” by Roberto Arlt (1932) configure themselves as lucid nightmares, in which the presence of the “ideological paradigm of the apocalypse-metaphor […], synonymous of great collective catastrophe” (Placanica 1993, 98) can be acknowledged. In both tales, the Apocalypse, here understood in its original Greek etymology as “revelation” that comes from a higher dimension to a powerless humankind, is associated with natural elements that acquire supernatural connotations. In “The Rain of Fire”, an inexplicable rain of incandescent copper is unleashed by an impassive sky, provoking scenarios of death and destruction. In “The Red Moon”, after a sudden blackout, an “eye of blood” appears on a sky “darkest than the pitch” (Arlt 1932, 143-144), an eye which is nothing but the red moon of the title itself, bearer of an obscure presage for the entire civilization. The objective of this paper is to reflect on the meaning of this Apocalyptical paradigm, by developing a case-study on the abovementioned short-stories and by comparing the different narrative strategies here adopted by Lugones and Arlt. Both Argentinean writers, key-figures of Latin American Modernism, gave voice to the deep apprehension that permeated the literary panorama of the early 20th century. The fictional representation of death, not only of the individual, but of the whole human race, entails profound social, cultural and psychological tensions. With special attention to the thematic of human alienation and representation of urban space in the two tales, it will be carried out an attempt to interpret Lugones’ and Arlt’s message of contemporary social critique, which reveals one of the distinctive features of Dystopian tales and Science Fiction in general: the ability to anticipate actual future events in the fictional dimension of literature, with a temporal suspension that refers back to the problems of the present, while conversing at the same time with the future.

Sandra BettencourtEntre Saturno e a Terra. Mediação, suporte e conteúdo em The

People of Paper (2005) (FLUC)

Como o título indica, The People of Paper o romance metanarrativo de Salvador Plascencia, de 2005, conta a história de personagens feitas de papel e definidas pelo papel, inscrevendo-se, assim, na materialidade do seu meio: o livro impresso. Pautado por uma proximidade ao realismo mágico e ao fantástico, o romance performatiza o papel e os elementos narratológicos como planetas em tensão na constelação literária. O narrador, Saturno, que revela ser o próprio Plascencia, encontra-se numa luta pelo controlo dos desenvolvimentos narrativos das suas personagens, originando uma guerra entre o céu e a Terra. É este cenário que promove reflexões acerca da multimodalidade e da auto-reflexividade num romance media specific (isto é, impresso), que não deixam de se realcionar com as desconfianças pós-digitais em relação à interacção do analógico com o digital. Contudo, defendo que o romance reflecte, ao mesmo tempo, temas, práticas e estéticas que não são exclusivas da textualidade impressa, mas informadas e produzidas por tecnologias e configurações dos meios digitais. Na minha leitura do romance de Salvador Plascencia, estas questões são observáveis quer na forma como no conteúdo, entendidos como inseparáveis, assim como na relação intrínseca entre linguagens e materialidades humanas e não-humanas que a obra ensaia. Neste sentido, as experiências e modelos cognitivos sugeridos apresentam os objectos culturais como actantes participativos numa mesma rede semiótica, ao mesmo nível dos agentes humanos. Ou seja, artefactos enquanto produtores e transformadores de práticas sociais e artísticas.


João FélixIsaac Asimov’s robot and the deconstruction

of the utopian body (CEAUL)

Isaac Asimov is widely recognized for his short stories and novels involving robots and their interaction with human beings. Asimov’s work around and concerning his concept of the robot effectively redefined the robot itself and set, to a great extent, the canon for future characterization and development of the robotic identity in fiction. His creation of the “Three Laws of Robotics” has had such a broad and long lasting reach that even today these fictional commandments can be found within actual scientific research on artificial intelligence. Concurrently, Asimov’s conception of the robot in general is, in many

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respects, the textual materialization of the utopian body. By turning away from the established narratives of his time, the so called “Robot-As-Menace” stories, Asimov frequently sought metaphysical incursions that relied upon a markedly alternative version to the robotic identity. As a closed system, Asimov’s robot is a deontologically flawless individual, one who is forever bound to the hierarchy that is implanted onto it. Therefore, as creators of this artificial intelligence, human beings model the robot after their own image. But what is mankind’s notion of itself? What does a perfect utopian body look like? How do we, as human beings, define ourselves as sentient and how do we apply those rules to other systems?

Ljubica MatekThe anthropomorphication

of computer programs: Dating your O.S. in Asimov and Jonze (University of Osijek)

This paper will focus on Isaac Asimov’s SF short story “True Love” (1977) and Spike Jonze’s movie Her (2013) both of which address the issue of resolving one’s loneliness and desire for love by engaging in an emotional and, in Jonze’s case, even sexual relationship with computer operating systems. More precisely, after failing to have a successful intimate relationship with another person, the human protagonists of “True Love” and Her turn to technology to help them improve their emotional life. Apart from their physical appearance, both operating systems are given human characteristics and superhuman cognitive abilities. Thus, the two texts address the ambivalence with which the invention of computers and robots was initially met and with which it continually seems to be represented in literature and film. They seem to have become indispensable helpers and assistants to people, and this tight relationship originates a very important dialectical conundrum: does technology pose a threat to humanity in the sense that it makes us “less human” and threatens to overpower us, or does it simply change the ways in which we are supposed to understand our human nature, echoing thus Foucault’s claim that the concept of humanity is not fixed but rather ever changing. This paper suggests that our interaction with technology, which has its drawbacks as well as advantages, gives us an opportunity to reflect and learn more about the fluidity of human nature rather than fear a possible “dehumanization”.

Teresa Botelho“We are all unnatural now”: Science Fiction, the singularity

and post-human futures (FCSH-CETAPS)

Istvan Csicsery-Ronay Jr. has claimed that Singularity Theory is the “quintessential myth of contemporary techno culture” (2008), becoming an irresistible topic for science fiction articulations, focused, as the protagonist of Margey Piercey’s He, She, It tells her android lover, on a future where “natural humanity” has been superseded by various combinations of the machine/human combine. An examination of the discourses of Singularity theorists on a future that mathematician Vernor Vinge characterizes as “so radically different” that it “defies extrapolations” (1993), exposes a gamut of responses to that quasi-inevitable trans-human and post-human future, ranging from an optimistic sense of wonder to a resigned dread. Science fiction has mirrored these responses, imagining landscapes that appear to liberate the human from its limitations (most cyberpunk), or apocalyptic consequences of a failure to understand the necessity to share space and resources with non-human intelligence. This paper discusses how recent science fiction narratives have questioned the optimism of theorists like Ray Kuzweil, subjecting to scrutiny his insight that any emerging intelligence will still “represent human civilization” and that any post-human intelligences will “be our devoted servants, satisfying our needs and desires” (2005), through the tropes of the disembodied trans-human subject and of the sentient android, in rebellion against Asimov’s Three Laws of Robotics, demanding a share in the human civitas. It will discuss two post-singularity articulations, Charles Stross’s novel Glasshouse (2005) and the television series Battlestar Galactic (2004-9), examining how they function as cultural signifiers to destabilize discourses of essential and sovereign humanity and to express contemporary transition anxieties.


Fernanda Luísa FenejaRay Bradbury’s «The Golden Apples of the Sun»:

a journey beyond science fiction (CEAUL)

Throughout his extensive literary production, Ray Bradbury covered most conventional themes of science fiction, all of them dealing with major concerns of twentieth century civilization, namely the impact of technology on human condition. In terms of literary genre and sub-genres, Bradbury often blurred the boundaries between science fiction and fantastic, gothic or utopian narrative. The short story «The Golden

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Apples of the Sun» is built upon a number of genre conventions of science fiction, but both its thematic focus and its symbolic framework hint at an eclectic pattern. This paper sets out to reflect on how the theme of the journey is addressed in «The Golden Apples of the Sun», not only as a convention of science fiction, but also as a much broader symbolic narrative device that also relies on myth. Besides this, the relevance of such traits shall be pondered in terms of Bradbury’s characteristics as a SF writer.

Mick GreerMild-mannered “cecelticocommediant” becomes

“Supershillelagh? “Parallaling” and “coincidance of contraries” between comic book superheroes and HCE

in Finnegans Wake (FLUL-CEAUL)

The seed for this paper was planted by a coincidence linking Superman and Joyce’s last work. After Ulysses, Joyce began his ‘Work in Progress’ which, 17 years later, was published as Finnegans Wake. Across the Atlantic, Jerry Siegel and Joe Shuster created Superman in 1933 and launched the Superman comic strip in the same year as the Wake appeared: 1939. Joyce’s imagination was as much inspired by the present as the past. The then new invention of television, for example, happily rubs shoulders with the Book of Kells within the Wake. Humphrey Chimpden Earwicker (HCE), Joyce’s everyman hero in Finnegans Wake, is implicitly compared to and ironically contrasted with a pantheon of various real or mythical heroes from down the ages including, of course, Finn MacCool, one of the major ‘superheroes’ in the Celtic mythological canon. And what, after all, are comic book superheroes if not modern attempts to create new mythological figures? Comic book heroes date back at least as far as Spring-Heeled Jack in the ‘penny dreadfuls’ of the late 1860s, and this paper explores the possibility that Joyce, always alive to popular culture, invested his multi-layered and timeless Irish hero with some features of these modern day icons of popular culture. Buck Mulligan’s facetiously Nietzschean declaration in the opening chapter of Ulysses that “I’m the Uebermensch [sic]. Toothless Kinch and I, the supermen” was taken to an ironically broader level through the various falls and risings of HCE, his ‘everyman superman’.

Pedro Mateus/Sara SantosI don’t want to be human!: Finding humanity within

the artificial body in Battlestar Galactica (FLUL)

The essay and presentation will examine the relationship between the human individual and its artificial creation in the television series

Battlestar Galactica (2004-2009), focusing primarily on the way in which the concepts of humanity and identity are challenged and reshaped when the organic body of the human and the robotic construction of the android clash. The Cylons are represented as sentient, self-liberated cybernetic entities who have raged against their creators and formed a new community, developing their own social and political hierarchy, as well as their own religion. Having achieved the phenomenon of singularity, the Cylons have all but wiped out the human population of the Twelve Colonies and threaten replace them entirely. The essay will analyse the double identity crisis that arises out of the conflict between humans and Cylons: on one hand, humans are forced to question the significance of their biology, now almost perfectly copied by the Cylons; on the other hand, the Cylons seek to understand the meaning of their sentience while struggling with issues of individuality, free will and mortality. In the end, a new collective identity is established to prevent both races from being extinct, the sign that the biotic and the bionic have become too deeply intertwined to survive otherwise. The paper will also touch on the circularity of the show’s plot and mythology as a contributing factor for the human and Cylon paths of identity formation.


Ana Durão/Joana SevilhaWhere the East meets the West:

Sailor Moon and the European imaginarium (FLUL)

Sailor Moon´s anime from the 90´s was perhaps the most successful Japanese cultural and society dynamic ambassador in the West. However, though of Asian origin, Sailor Moon also made frequent use of Christian and Pre-Christian symbolism and imagery. It is clear that the creators of the anime did not seize the use of western symbolism with a theological meaning behind. Their purpose was generally secular. Nonetheless, there are some interesting parallels one can do with both literary and mythological past of the western imaginarium when it comes to some of the magical items which appear in the anime. The Three Sacred treasures of Japan, the Shinki - The Sword, the Mirror and the Jewels – form the talismans in the animation. When put together, they herald the Holy Grail. To an attentive spectator of the west, our imagination undoubtedly reminds us of Excalibur; of the Mirror of Dreams in the Harry Potter saga or Snow White´s Evil Queen’s Mirror, and of the sacred cup of Christianity as well as in its pre-Christian conception. Our purpose with this paper is to demonstrate the possible variables and correlations between some Japanese and Western motifs in Sailor moon. We shall pay special attention to those

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mentioned above. Our paper is a voice in the dark. We never grow old. Things change, they adapt, they survive, but never vanish…as do we. Our childhood was marked by images, songs and books. As time continued its course, they became embedded in our memory. However, when revived, we find ourselves in a new world, with multiple paths which can lead us to interesting interpretations and assumptions.

Mónica Paiva “Cuentos de Hadas. Ya eres mayor para llenarte la cabeza

con tantas zarandajas.” O Labirinto da Fantasia e da Realidade de acordo com Guillermo del Toro. (CEAUL)

O crescimento da jovem Ofélia, no contexto do pós-Guerra Civil Espanhola, serve de mote para Guillermo del Toro partilhar as suas perspetivas sobre esta época tão conturbada da história espanhola em El Laberinto del Fauno (2006). A sua vivência neste mundo obscuro e violento vai levá-la numa demanda por um mundo fantástico de fadas, não totalmente inocente e desprovido de alguma violência, mas com uma esperança maior num futuro mais positivo. Esta apresentação, através da análise do filme de 2006, visa mostrar a relação que o realizador estabelece entre a realidade ainda demasiado presente do Franquismo e um mundo alternativo, que funciona, não como escapatória, mas sim como arma para enfrentar essa realidade e tentar combatê-la e transformá-la em algo melhor. Através de uma cinematografia bastante cuidada, del Toro expõe esta interação de mundos paralelos e complementares, os jogos de poder entre o Bem e o Mal com personagens provenientes de um imaginário luminoso, mas insidioso, e personagens demasiado reais e malignas. Sendo considerado por muitos como um filme de terror, El Laberinto del Fauno tornou-se num objeto de culto, numa peça de folclore cultural que devido à sua intertextualidade e à diversidade de significados dos seus elementos conquistou um público abrangente e abordou através da fantasia um tema demasiado real da história do século XX.


Francisco IsaacThe Legend of Zelda - O imaginário Medieval no mundo

contemporâneo (FLUL-CITCEM-UP)

A inspiração dos criadores de videojogos provém, em diversos casos, de diferentes fontes ou ideias do passado histórico da humanidade. Jogos como Assasins Creed, God of War ou Age of Empires permitiram difundir parte das ideias, marcos ou contornos

de uma época ou civilização em específico. Todavia, existem outros sucessos neste mundo virtual que bebem, de forma subliminar, a outras fontes pertinentes para o estudo da cultura humana. O jogo The Legend of Zelda, da Nintendo, assume contornos importantes sobre a cultura e fantasia contemporânea: as florestas como lugares mágicos, o cavaleiro que empunha uma espada mítica ou a princesa que para ser salva necessita que seja realizada uma quest, são algumas das marcas próprias do Imaginário Medieval. Apesar da época medieval – nomeadamente a que corresponde ao espaço da Europa actual – ser rotulada, falsamente, de uma época de guerra, destruição, estagnação e fome, o imaginário medieval, e todas as suas propriedades, continuam a habitar na mente do Homem actual. Pretende-se nesta curta intervenção abordar as seguintes questões: de que forma o jogo é influenciado pelo imaginário medieval; quais as marcas próprias do universo medieval e qual a sua idealização pelos criadores e fãs deste videojogo; E por fim, serão os videojogos forma de perpetuar e guardar marcas do passado civilizacional europeu e mundial? Tentaremos nesta breve exposição observar, analisar e compreender estas questões e conhecer melhor o mundo dos videojogos como forma de “documento histórico” e captação de antigos contos, fábulas e ideias da Idade Medieval.

Tiago DinisI don’t want to set the world on fire: Retro-futurismo na trilogia

Fallout (1995) (FCSH)

I don’t want to set the world on fire: Retro-futurismo na trilogia Fallout O retro-futurismo é um conceito artístico inspirado nos primórdios da literatura de ficção-científica como H.G. Wells e Júlio Verne, e que se propagou no cinema, arquitetura, literatura e pintura. Hoje em dia, o videojogo é um meio artístico e para-literário em ascensão, e como tal, também é possível analisar a representação deste tema no meio. A série de jogos Fallout criado pela Black Isle Studios em 1997 é um óptimo exemplo de um cenário pós-apocalíptico retro- futurista. Num futuro alternativo em que a tecnologia evoluiu mais cedo do que o devido, no ano 2161, uma guerra mundial nuclear devastou o mundo e transformou-o numa paisagem pós-apocalíptica devastada, repleta de animais mutantes gigantescos. O que resta da humanidade sobreviveu escondendo-se em Vaults subterrâneos. Em Fallout, o jogador encarna o papel do Vault Dweller, um dos descendentes dos sobreviventes dos Vaults que pela primeira vez em centenas de anos arrisca explorar o Wasteland Norte-Americano. Representando o medo dos avanços da tecnologia num setting Norte-americano dos Anos 50, o ambiente imersivo leva o jogador a experimentar um universo ao mesmo tempo futurista e nostálgico, tudo sempre acompanhado de êxitos musicais dos Anos 30-50 que contribuem

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para a atmosfera do jogo. Este trabalho visa analisar o setting e mythos dos 3 títulos principais e de um spin-off, Fallout New Vegas, e como a série dá a conhecer o estilo de ficção-científica do retro-futurismo.


David Klein Martins Death Becomes Her: The Beauty-Obsessed Undead,

a Contemporary Societal Illness (FLUL)

The cinematic horror genre is commonly understood as a metaphor revealing anxieties and tensions in modern day society, which is in turn characterized by excessive consumerism. Robert Zemeckis’ grotesque comedy Death Becomes Her (1992) positions itself in a world obsessed with eternal youth and the science of beauty and aims at a critique of the superficiality dominating consumerist Western civilization. My paper will primarily focus on the undead in Death Becomes Her as a representation of society’s body-focused obsession. Therefore, it will take a closer look at the cultural connotations of an aging body and the Western ideals of beauty. At the same time, this paper will also discuss the role of modern surgical methods of rejuvenation and their limits, which are both present in the movie and eventually force the main characters to escape into the realm of magic to keep up with the ideal of bodily perfection. Engaging with the postmodern device of parody, this paper will furthermore reveal how the presented undead beings combine in themselves aspects of both, the monster as a product of scientific misconduct and the zombie creature, to mirror the aforementioned contemporary fears.

Diogo Almeida Haverá esperança para a morte depois da vida?

(FLUL)

Zombies fazem parte da nossa cultura desde o século XIX, tendo ganho uma nova popularidade com os filmes de George Romero, começando com Night of the Living Dead (1968). Desde então, nas últimas quatro décadas, a figura do zombie tem surgido um pouco por todo o lado, em literatura, filmes, jogos de vídeo, etc. No entanto, um elemento em comum marca a maioria destas representações: a ausência total de esperança. Num cenário de apocalipse zombie, o máximo que se pode esperar é sobreviver por mais algum tempo, e a humanidade está inevitavelmente condenada. No entanto, nem sempre é assim. Em alguns casos mais recentes na nossa cultura, o zombie tem representado algo diferente, não estando exlusivamente associado à ideia de destruição e fim da sociedade. Desta forma, a

presente apresentação irá analisar a evolução da imagem do zombie ao longo do tempo, as suas várias representações e o modo como esta figura tem sido utilizada como metáfora para a própria humanidade. Serão analisados os seguintes filmes: Night of the Living Dead (1968, dir. George A. Romero), Fido (2006, dir. Andrew Currie), In The Flesh (2013), Warm Bodies (2013, dir. Jonathan Levine).


Adelaide Meira SerrasTo live with or without science, is that the question?

A reading of Huxley’s Brave New World (FLUL-CEAUL)

Written in 1932, Aldous Huxley’s science-fiction work entitled Brave New World immediately refers the reader to Prospero’s hopeful words in Shakespeare’s Tempest at the dawn of a new way of living for his countrymen and himself. In fact, it offers an ironic celebration of a society characterized by scientific and technological progress intertwined with a well-oiled entrepreneurial and industrial structure. However perfect it may seem at first sight, this society’s flaws gradually become obvious both to the reader and to the hero, a discovery which drives the latter on a quest for an alternative way of living devoid of such maleficent factors. With the disappearance of essential factors such as the social hierarchy and economic organisation, as well as the artificially induced sense of happiness, and the need to find a new home community, notions like survival, socialization, and intellectual and aesthetic fulfillment gain momentum. Thus, this paper aims to explore the two social models presented in the work. An examination of the Fordist society, along with its unsatisfactory alternative will reveal these models’ devious inter-reflective nature, stemming from the fabrication of a dual dystopia within this fiction. However, the established ambiguity does not allow us to reach any clear answers with regards to the foundation of a truly happy society. Instead, it raises the question of how far science should be held responsible for the more or less blissful result of humankind’s social and political construct.

Alexandra Cheira “Is fiction, which makes fact alive, fact too?” The case of Stephen Morris’s trilogy Come Hell or High Water (CEAUL)

Stephen Morris, a Byzantine theology and liturgy scholar, is also the Evil Hub leader for the twelve separate conferences running on variants of evil at Inter-Disciplinary.Net and has been the team leader for the Perspectives on Evil and Human Wickedness Conference ever since its 8th edition in 2007. His first fictional project, the trilogy Come Hell or

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High Water, skilfully combines his field of research, his experience as the Evil conferences leader and his deep knowledge of the city of Prague, in which most of the Evil conferences have taken place: narrated in two alternate timelines, the first set in 1356 and the second in 2002, the story intertwines fact and fiction in an array of contemporary, historical and fantastic events and makes Prague’s History come alive. In the mediaeval timeline, a woman charged with witchcraft is burnt at the stake and unleashes a murderous curse on Prague and its inhabitants invoking the pre-Christian god Svetovit. This authentic fact – the actual burning at the stake, which was a rare event in Prague but which nonetheless there are historical records of – sets the tone for all the chapters set in 1356, each of which enacts one of the curses shrieked by the dying woman. All of them turn out to be actual legends of Prague, so Morris expertly provides an answer as to their origins by steeping them even further in the realm of urban fantasy they belong in. The contemporary timeline depicts the struggle of a group of academics participating in the Evil and Human Wickedness and Monsters and the Monstrous conferences in Prague to undermine the completion of the curse which would ultimately destroy the city itself. In order to face the occult powers which have been unleashed once more, the academics will have to put into practice the counter-rituals they had only just encountered before in their research. Up against two other academics who have been summoned to Prague to assist in the completion of the curse, a Jesuit who is also the Grand Master of a network of covens in New York and the legendary Irish Dearg-Due (a woman vampire), some of them will even die in the course of their attempts to defuse the curse – which will bring one of the most violent floods in the history of Prague, another historical fact which Morris has blended in in the narrative. In this paper, I argue that the two timelines make for a whole picture of the city, in which well-done research is matched by believable story-telling, so much so that the realistic narrative is interspersed by supernatural occurrences which do not strike even the most sceptical reader as out of character.

José DuarteTomorrow the world will watch in horror

as its greatest cities fall: a reading of the science-fiction cinematic city after 9/11

(CEAUL)

Cities play a major role in our society, as they are “the focal point of our civilization”, and the territory where our expectations and fears are explored. After the 9/11 attacks, the anxiety and paranoia in American cities, as well as in other international capitals, was widely explored in cinematic genres that gave voice to the “predicaments of our time”

(Žižek, 2012). Such is the case of science fiction films depicting scarred and destroyed urban landscapes, functioning as a metaphor for a society that still struggles to understand the events that took place in 2001. Furthermore, these films also reflect upon the political, social, cultural and economic changes of a global society that no longer feels safe, because of an “invisible threat” that casts a lingering shadow over the inhabitants of the contemporary metropolis. The purpose of this presentation is to explore three films that use the contemporary city to focus on the themes of fear, anxiety, the economic and social crisis, and “the war on terror”. My aim will be to look at the three different cities portrayed in Batman Begins (Christopher Nolan, 2005); Battle: Los Angeles (Jonathan Liesbeman, 2011) and Dredd (2012, Pete Travis), respectively, in order to explore how these films reflect upon the modern urban landscape and critically evaluate the changes that have occurred since the disaster that shook the world.


Aline Ferreira Alternative Pregnancies: Womb Envy Revisited

(Universidade de Aveiro)

The purpose of this paper is to analyse two recent texts that deal with two interrelated fantasies: the pregnant man and artificial wombs. American science fiction writer L. Timmel Duchamp’s “The Man Who Plugged In” (2008) and British playwright and screenwriter Joe Penhall’s Birthday (2012) tap into a slice of the popular imaginary that has been fed from at least the early twenties with visions of beings created in huge test tubes, proto versions of artificial wombs, conspicuous in a variety of pulp magazines and respective art, as well as in selected works of fiction. The male scientist as father and creator has been a prominent trope since Antiquity, in religion and mythology. What if, however, the men themselves became pregnant, putting an end to a longstanding case of womb envy and parturition jealousy? Meaningfully, these two fantasies have been receiving greater attention recently due not only to advances in biotechnologies but also to appearances of these tropes in popular media, film and science fiction. Both Duchamp’s and Penhall’s texts envisage a world where men can become pregnant, either through an external device, a womb transplant, or an artificial uterus. Both works deconstruct traditional gender stereotypes and attempt to visualize a world where male pregnancy would be just another choice amongst others in the new panoply of reproductive technologies. How would these new technologies impact gender roles, family life, the sexual politics at work and society in general? Would they lead to an effectively

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fairer, more egalitarian society? Would rules change to accommodate male pregnancies and post partum benefits in ways that would be advantageous for both sexes? The thorough deconstruction of myths of femininity and masculinity carried out in Duchamp’s and Penhall’s texts will be analysed with recourse to recent work on advances in reproductive technologies as well as the sexual and ethical politics associated with these developments.

Ana Daniela CoelhoFinding Mr. Darcy: A contemporary romantic fantasy

(FLUL-CEAUL)

Ever since the publication of Pride and Prejudice, in 1813, Elizabeth Bennet and Mr Darcy have been pointed out as one of Literature’s most perfect couples. Challenging the expectations of those who considered it just one more sentimental novel, the book has never ceased to be a favourite along its 200-year-old lifespan and in recent years its two main characters have risen, by means of multiple adaptations, to a status where their original fictionality dissolves itself into reality. Even though both protagonists have shared such move, Mr Darcy’s character has been particularly exposed to it. After the successful 1995 BBC adaptation of the novel (dir. Simon Langton) and the subsequent Darcymania phenomenon, Mr Darcy became the embodiment of the masculine ideal, one which although fictional was to be pursued as desirable and obtainable. This paper intends to analyse this phenomenon by taking into consideration the 2008 TV mini-series Lost in Austen, a modern retelling of Jane Austen’s novel where, thanks to a strange time portal, Amanda is able to switch places with Elizabeth, thus making her fantasy about Mr Darcy a reality. Mixing elements of different genres, this particular object promotes the reflexion on how our contemporary society deals with its own expectations, even when fantastic worlds and time travel are in question.

Ana Rita Martins‘Snake=Bad’: The Snake and The Serpent

in Dreamsnake (1979) (FLUL-CEAUL)

All snakes can be coiled and twisted, thus their name (anguis) because they are always angular and never straight. (…) Snakes have as many poisons (venena) as there are kinds (genera); cause as many deaths (pernices) as there are species (species) (Isidore of Seville, Etymologies)

Since the dawn of Mankind, snakes, along with spiders, have been regarded as one of the most dreaded animals in nature and even today ophiophobia is one of the most common phobias. The snake is also a

key element in many mythologies around the world as the serpent was (and still is) a symbol of evil and chaos as well as a symbol of fertility, life and healing. Set in a post-nuclear holocaust Earth, the science-fiction novel Dreamsnake (1979) by Vonda McIntyre, introduces a healer named Snake who travels across the land to bring medical aid to those in need. With her, Snake carries three serpents, Mist (an albino cobra), Sand (a rattler) and Grass (an extra-terrestrial dreamsnake), whose poison she uses to concoct different types of medicine and vaccines. In addition, Snake shares a unique and somewhat biologically-induced bond with her serpents to whose bite she is completely immune. With this paper, we aim to explore the symbolism of the snake in Vonda McIntyre’s award-winning novel and look at how the author has taken one of the most universally feared animals and used them to not only to develop a lead female character whose existence is dedicated to life, but also transform these animals into beings her readers can care about. Furthermore, we will also explore the role of female characters in a (often) male-dominated genre.


Mário AvelarOnly Lovers Left Alive, ou o regresso do(s) fantasma(s)

(Universidade Aberta)

Em Only Lovers Left Alive (2013) Jim Jarmusch revisita, com ironia e melancolia, o nosso imaginário colectivo. O rêvenant, estruturante nesta sua narrativa, transcende a dimensão onírica para se apropriar desse imaginário e, em última análise, o transfigurar/vampirizar. A literatura como “caso de vampirismo” (Guerreiro 2011) emerge, desde logo, na apropriação irónica original de Mark Twain da parábola bíblica das origens que Jarmusch toma como leitmotiv não enunciado para a sua trama. A entrada literal da protagonista no espaço de Mil e uma noites, onde o fantasma de Marlowe vai ao seu encontro, sinaliza esse vampirismo e o equívoco semântico que as personagens não cessam de enunciar, dos zombies dominantes à arte canónica.

Mário Jorge TorresBack to back: Edgar Ulmer an amazing transparent

B filmmaker beyond time barrier (FLUL-CEC)

Edgar G. Ulmer was Murnau’s assistant in The Last Laugh (1924) and collaborated with the German master in other movies as set decorator or production designer, accompanying him to America, when he directed Sunrise (1927). As a director, in the United States, Ulmer was mostly

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confined to B movies, excelling in low-budget noir films, including masterpieces like Detour (1945) or The Strange Woman (1946). This paper aims at studying two science-fiction pictures produced, back to back, at the same time (1960) and basically in the same location: The Amazing Transparent Man, a variation on H. G. Wells’ The Invisible Man, and Beyond the Time Barrier, playing on themes of another Wells’ classic, The Time Machine. The purpose is to detect in both films characteristics that unite them in terms of representing the contradictions of the Cold War, of incorporating influences of noir atmosphere, and of showing stylistic features typical of B movies’ narrative economy.


Amândio ReisO duplo do texto na narrativa breve finissecular: Os estranhos casos de Robert Louis Stevenson, Guy de Maupassant e Henry

James (FLUL-CEAUL)

Recuperando o motivo romântico do ‘manuscrito encontrado’, a novela de R. L. Stevenson, The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1886), o conto de Maupassant publicado no ano seguinte, “Le Horla”, e uma outra novela, The Turn of the Screw (1898), de Henry James, encenaram estratégias de diferimento textual, oferecendo-se ao leitor sob a forma de escritos e relatos que se entrecruzam para formar o amálgama final de um texto (só relativamente) completo, e recorrendo sempre, ao nível enunciativo e focal, a figuras que Wayne C. Booth designaria como “unreliable narrators” (1961). Na novela de Stevenson, deparamos com uma voz heterodiegética que sintetiza testemunhos do “estranho caso”, depois com uma narrativa interpolada, que inclui uma carta enviada pelo Dr. Jekyll, e finalmente com um depoimento dele próprio. O conto de Maupassant mimetiza o género do diário pessoal, tendo antes conhecido uma versão em narrativa encaixada (“Le Horla” [1886]), e outra em forma epistolar (“Lettre d’un fou” [1885]). A novela de James é precedida de um prólogo que problematiza a origem do texto, entre uma história contada à lareira e a transcrição do narrador dessa mesma/outra história, à qual ele dá o título, reclamando a autoria e colocando o livro de James – e o próprio autor – em mise en abyme. Analisaremos estes circuitos textuais enquanto alegorias da ficção, que, adoptando estratégias de verosimilhança numa retórica de legitimação do texto enquanto facto, ou documento, estão na verdade a divergir da representação real-naturalista, e a conceber ‘poéticas de transição’ decisivas na inovação literária dos Modernismos subsequentes.

Fernando GuerreiroA Ficção Científica como alegoria do Cinema: The Invasion of the

Body Snatchers, Strange Days e Kill Switch (FLUL-CET)

Terceiro ontológico incerto, frágil composto de “presença” e “ausência” (E. Morin), a Imagem de cinema, na sua paradoxalidade e devir deceptivo mas criacionista, constitui já por si, na sua impureza e heterogeneidade, a substância e o objecto de todas as “ficções” de que o cinema se serve para cobrir esse seu “vazio” (“falha”) original. Qualquer filme, à partida, é uma “ficção” (“teoria”, por vezes “utopia”) sobre o seu próprio “ser”/”origem” e, de entre as diversas modalidades do discurso das formas (imagens) em que se foi (des)arrumando a multiplicidade das suas “ficções” possíveis, a Ficção Científica, com o Terror e o Musical, constitui um dos “géneros” em que essa capacidade de produzir ficções de “2.º grau” (alegorias) sobre os poderes da imagem mais consistentemente tem sido desenvolvida. Trabalharemos sobre filmes que questionam esse devir “virtual”, “fantasma” das imagens de cinema, pensadas, antes de mais, aqui, como “simulacros de simulacros”. Assim, se as diferentes versões de The Invasion of the Body Snatchers (Don Siegel, 1956, Philipp Kauffman, 1978, Abel Ferrara, 1993) elaboram, em diferentes contextos culturais e tecnológicos, o paradoxo da “encarnação” das imagens, Strange Days, de Kathryn Bigelow (1995) e, sobretudo, o episódio Kill Switch de X-Files (com argumento de William Gibson) (1998), num sentido quase deleuziano, esboçam a hipótese da absorção do real num mundo, agora feliz e em rede, de sinapses/estímulos. Se no início, o Cinema foi um dispositivo de entrada no mundo de fantasmas (Schefer), agora, como o pretendia Kracauer, embora noutro sentido, ele procede à “redenção” do carácter físico, mais real do que o real, dos simulacros.

José BértoloCorpo, retrato e fantasma em La chute de la maison Usher (1928),

de Jean Epstein (FLUL-CEC)

Em La chute de la maison Usher (1928), Jean Epstein não só adapta o conto homónimo de Edgar Allan Poe (“The Fall of the House of Usher”), como ainda outro conto do mesmo autor, “The Oval Portrait”. Nessa história de Poe, uma primeira narrativa enquadra outra na qual uma mulher vai perdendo vida à medida que o seu retrato é pintado por um artista, até que o término do retrato coincide com a morte da retratada. A questionação das tensões entre arte, vida e morte presentes no conto de Poe é continuada na adaptação de Epstein. Um ponto, no entanto, é agudizado na transposição desta história para o cinema: numa arte feita de “imagens em movimento”, a fixidez da pintura surge

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como elemento necessariamente problemático e com um potencial teorizador. No filme, a fixidez da pintura parece corresponder à morte, tanto quanto o movimento das imagens de cinema corresponde à vida. Talvez por isso o retrato seja figurado com o corpo real da actriz – que se move ligeiramente, pisca os olhos, etc. – enquadrado numa moldura: “c’est là qu’elle est vivante!”, lê-se num intertítulo. Madeleine está viva no retrato, e isso pode ser entendido como símbolo (e enfatização) da condição necessariamente movente das imagens de cinema, que está em permanente tensão, no entanto, com a fixidez das imagens inscritas na película. A confluência das ideias de materialidade do corpo, do retrato e da película cinematográfica levar-nos-ão ainda a atentar no modo como Epstein se apropria da figura do fantasma para problematizar o estatuto imaterial e metamórfico da imagem de cinema.


Cátia Marques“I volunteer as a tribute”: Distopia e panótico

em The Hunger Games

Numa sociedade acometida pelo medo, a vigilância é permanente, nasce a esperança no local menos provável, no centro de todo o terror, a arena dos Jogos de Fome. Estamos num mundo controlado por Panem, onde doze distritos enfrentam a cruel realidade de anualmente escolherem dois representantes, um rapaz e uma rapariga, entre os doze e os dezoito anos, para se enfrentarem nos Jogos da Fome, onde apenas um pode sobreviver. É esta a punição pela guerra que ocorreu. Dentro do recinto onde os jogos ocorrem, não existe uma noção concreta de tempo e espaço, só o instinto de sobrevivência. Observados e controlados por Panem, os indivíduos tentam conquistar a morte e sobreviver à experiência, mas um individuo desafia o sistema, Katniss Everdeen. Incapaz de matar para sobreviver, ela forja alianças, muda as regras do jogo e deflagra as chamas da revolução. Através de simples gestos, não só condena o sistema instaurado como obtém a simpatia daqueles que seguem e promulgam o sistema. A quebra ocorre quando Katniss se liberta, levando com ela outro sobrevivente, plantando a semente da esperança na destruição do sistema incorporado e possível advento de uma nova Era. Uma distopia que conquistou já a sua marca no mundo literário e que se transpôs para o grande ecrã, dando igualmente origem a várias outras obras dentro do género YA (Young Adult) com temáticas semelhantes.

Maria Cristina BatalhaA narrativa fantástica e o discurso científico: Relações,

convergências, contradições (Universidade do Rio de Janeiro)

As aporias que a ficção fantástica traz à baila só puderam se concretizar quando a crença no sobrenatural deixou de ser um dado a priori e inquestionável, e passou a concorrer com uma visão racionalista e secular do mundo. Enquanto o questionamento do irreal permaneceu um fator irrecusável dentro do imaginário cultural da maioria da população, o agenciamento discursivo que caracteriza o fantástico não poderia ter tido condições de surgir na cena literária europeia, em fins do século XVIII. Posteriormente, o avanço real das filosofias positivistas que pregam o devir histórico, aliado à tradição republicana herdada do século das Luzes, contribuíram para ocultar uma complexidade do campo ideológico característico do fim do século, acirrando e relativizando as contradições entre os fenômenos empíricos e os metaempíricos. Entretanto, o contraponto entre ficção e ciência imprimiu ao gênero fantástico dois imperativos contraditórios. Se, por um lado, ele veicula a existência de dúvidas quanto à eficácia da ciência e da razão como meios de explicar o mundo e o homem, ele necessita da retórica e dos modelos narrativos do “realismo científico” para construir um quadro de referência sólido e verossímil, para, por outro lado, poder introduzir o elemento desestabilizador desse mesmo quadro. O insólito, por sua vez, também vai servir-se da evocação “realista” para poder dar existência ficcional ao sobrenatural, ao monstro, ao fantasma etc. Assim, a duplicidade que caracteriza o gênero, se reduplica na economia narrativa de sua construção. A determinação do princípio de representação da realidade como definidora do romance moderno e do bom-gosto literário, consolidada ao longo do século XIX, descreditou a imaginação romântica, colocando-a sob suspeita. Como resistência a esse imperativo, traremos o exemplo do conto Demônios (1893), do escritor brasileiro Aluísio Azevedo, que promove a fotografia em negativo da ficção científica. Embora encontremos aí as mesmas disposições mentais, ou seja, a projeção, no campo do imaginário, das possibilidades da ciência levadas até o limite do absurdo, no conto de Azevedo, esse potencial perde seu poder de positividade – que prolongaria o discurso progressista das Luzes - e leva à escuridão do caos que preexiste ao homem, desestabilizando o raciocínio cientificista e, ao mesmo tempo, seu corolário estético, o naturalismo literário.

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Maria do Rosário MonteiroFantasia e mundos possíveis em Borges e Živković

(FCSH-CHAM)

Esta comunicação abordará a teoria dos mundos possíveis na sua aplicabilidade ao mundo ficcional. A teoria da ficção tem beneficiado, nas últimas décadas, de valiosos contributos para a interpretação dos mundos ficcionais, que resultam de investigações em diferentes áreas científicas: na física quântica, na filosofia, nos estudos da consciência ou na semiótica, por exemplo; e que têm permitido aos estudos literários novas experiências e abordagens da ficção, com as adaptações necessárias ao caso específico da literatura. Remeto, apenas a título de exemplo, para alguns estudos de Umberto Eco, de Lubomír Doležel e Marie-Laure Ryan. Após uma breve introdução à problemática dos mundos ficcionais, seguir-se-á uma análise dos contos: “O Jardim dos Caminhos que se bifurcam”, de Jorge Luís Borges, e de “A Biblioteca Virtual”, de Živković (cujas (re)leituras se recomendam), explorando precisamente as estratégias que estes autores utilizam na criação de mundos ficcionais possíveis, nos quais os leitores se tornam visitantes activos, “cúmplices” da construção de sentidos e de espaços possíveis.


Alexandre Coimbra/Sofia CoimbraRelações entre ciência e ficção: Três exemplos

em Lisboa (Universidade Católica/FMUL)

As relações entre ciência e ficção são múltiplas. A ciência pode servir de base para elaboração de uma ficção. A ficção pode dinamizar um imaginário a ser utilizado pela ciência. O presente trabalho ilustra alguma das relações entre ciência e ficção através do resumo de três exemplos. O espaço de selecção dos exemplos foi o da cidade onde decorre a conferência que é Lisboa. O primeiro exemplo ocorre no início do séc XVIII com a ascensão aerostática de um balão elaborado por Bartolomeu Lourenço de Gusmão e a divulgação paralela da imagem de ficção da passarola. Neste exemplo a ficção (passarola) fez-se passar por ciência, e a ciência (ascensão aerostática de um balão) foi ignorada durante um largo espaço de tempo. O segundo exemplo ocorre no fim do séc. XX com a construção dos edifícios C1 a C5 da Faculdade de Ciências da Universidade de Lisboa. Os edifícios constituem no seu conjunto a imagem de uma nave espacial águia da série de ficção científica espaço 1999. Neste exemplo a ficção influencia o espaço do ensino da ciência. O terceiro exemplo ocorre no séc. XXI com a apresentação em Lisboa das críticas e sugestões ao conceito do critério de viabilidade. Este exemplo realça que a diferença entre ficção e ciência no que se

refere a artefactos é a possibilidade da sua concretização. O exemplo realça a importância do imaginário e que a viabilidade deve ser revista periodicamente sempre que o uso da tecnologia é relevante.

João RosmaninhoEstado e material únicos: A partir de Nós,

de Evgueni Zamiatine (Universidade do Minho)

A arquitectura e a representação dos espaços são, tanto à escala do doméstico quanto à escala da urbe, veículos políticos. Os lugares, os materiais e os usos (talvez os elementos arquitectónicos fundamentais) constituem-se, na verdade, como formas construídas mas também como projecções ideológicas. Em Nós, a obra escrita pelo engenheiro naval Evgueni Zamiatine em 1920, tudo é indivisível. No século XXX a cidade e a sociedade tornaram-se transparentes, agudizando as opacidades e os reflexos provindos do material, da técnica, do felicidade e da liberdade. Parece que as históricas utopias de planta centralizada se transformaram em distopias totalitárias com base na repetição e modulação. Parece que estamos demasiado perto da Europa no primeiro quartel do século XX, onde a luta de classes e a falácia de uma unidade colectiva antecipam o fracasso do projectos humano e urbano. A civilização, que habita um território e uma estrutura totalmente construídos em vidro, permanece vigiada e controlada sob um sistema fielmente panóptico. Ultrapassados que estão os Palácios de Vidro do século XIX, a arquitectura surge com particular vigor e apoiada nas possibilidades reveladas em exemplos como o construído Glass Pavillion (1914), de Bruno Taut, o livro Glasarchitektur (1914), de Paul Scheerbart, ou os estudos para o Friedrichstrasse Glass Skyscraper (1921), de Mies Van der Rohe. Apresentada em formato de diário e ao longo de 40 entradas, a arquitectura em Nós parece reivindicar uma paisagem modernista que, embora mais sofisticada e evoluída, é também simultânea e aparentemente, mais impositiva, superficial e frágil.

José MagalhãesMatrix: Cultura clássica num êxito

cinematográfico (FLUL)

Matrix é o título de um famoso blockbuster de ficção científica estreado em 1999. Foi escrito, produzido e realizado por os irmãos Lanna e Andy Wachowski, tendo duas sequelas, Matrix Reloaded e Matrix Revolutions, filmadas em paralelo mas estreadas em duas partes em 2003. Os filmes tornaram-se numa das trilogias de maior êxito nas bilheteiras de todo o mundo. Destacaram-se pelos efeitos especiais de ponta e combinação de um variado leque de artes

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marciais, e especialmente por um background temático bastante original e bem desenvolvido, muitas vezes deixado de parte pelo carácter blockbuster da saga mesmo até aos olhos da academia, visto terem preterido o enredo em favor dos efeitos especiais na atribuição do máximo galardão do cinema. Sendo um bom trabalho do imaginário contemporâneo acaba por não ser surpresa a consciencialização de que, tomando os filmes como objecto de estudo, se encontram repletos de pormenores que provêm, pelo menos numa fase original, de culturas Clássicas e Pré-Clássicas, desde a religião até à filosofia. Terá o herói da saga algo de divindade grega? Em que é inspirado a luta entre o homem e a máquina? Será o aprisionamento da mente humana um tema inovador? O nosso objectivo é explorar estas temáticas, e mostrar como em cada rio cultural podemos sempre encontrar gotas de cultura grega.

CONFERENCE NOTESNOTAS DO CONGRESSO

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Conference notes / Notas do congresso

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Conference notes / Notas do congresso

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EPISODÓ IO III - MESSENGERS FROM THE...

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