B-side Magazine Issue #2

B-SIDEMG.COM

música · MADRID: CAPITAL DEL MUSICAL · NICOLA ROBERTS · LAURA MARLING

· REM · JOSS STONE · AMY WINEHOUSE · LITTLE DRAGON · THE HORRORS VS. CAT'S EYES

ENTREVISTAMOS A · VERÓNICA FERREIRO · VENUECONNECTION

arquitectura y diseño· RETRATOS URBANOS

BARCELONA BAW

moda · RECORDAMOS A JESÚS DEL POZO ·

ESTILISMOS DE OTOÑO

cine · PEDRO ALMODOVAR

B-SIDE MAGAZINE // N_2 · OTOÑO 2011

MÚSICA · ARTE · CULTURA · DISEÑO · TENDENCIAS · ESTILO

veGa

#2 OTOÑO 2011sumario

04 · THE HORRORS VS. CAT'S EYES 07 · LITTLE DRAGON 08 · NICOLA ROBERTS 10 · MADRID: CAPITAL DEL MUSICAL 16 · THE RAPTURE 18 · MAYER HAWTHORNE 20 · REPORTAJE BILLIE HOLIDAY 22 · BELLEZA & TALENTO 32 · AMY WINEHOUSE 38 · COLDPLAY 40 · ENTREVISTA VERÓNICA FERREIRO 48 · BJÖRK 49 · EN PORTADA: VEGA 60 · REM 65 · THE KOOKS 70 · ENTREVISTA VENUECONNECTION 74 · ARQUITECTURA: BARCELONA 76 · ESPECIAL ILUSTRACIÓN 82 · FRANCESC RIFÉ 96 · JESÚS DEL POZO 108 · CINE: PEDRO ALMODÓVAR

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Despegamos una vez más, “querido lector” (recu-pero estas palabras que tanto quise utilizar siem-pre), en esta ocasión con Vega y su cuenta atrás

respaldando nuestros pasos. Un reto más cumplido, te-nerla a ella como protagonista absoluta de este número. Y es que ya hace cuatro meses avisamos que íbamos a capear la crisis (y las propias de cada uno) con la mejor de las sonrisas y sobre todo, lo mejor del arte y la cultura. Ha llovido desde entonces, y sigue lloviendo en estos ya fríos días por la geografía española, pero no estamos dispues-tos a ponerle la otra mejilla al mal tiempo. Así que dejamos a un lado procesos electorales, asesinatos de dirigentes políticos, el tremendismo sobre la caída de la economía europea y toda esa actualidad negra en nuestro día a día, para disfrutar, como ya hicimos en nuestro arranque, de esa particular filosofía que tenemos los de B-side. Nos vol-vemos a ver después de Navidades, así que cuidadito con el turrón, ¡SALUD! JESÚS ROMÁN

DIRECCIÓN / DIR. CREATIVAJESÚS ROMÁN

REDACCIÓN - MÚSICAJESÚS ROMÁNJAVIER DECIMAVILLALAURA SERRANO-CONDEMIRA CIRERA SARMIENTOPABLO DELGADOTALY ARJONASANTIAGO TADEOANDRÉS ARAGÓNROBERTO CORTÉSADRIÁN CIUTATDANIEL VALLS HALLINGDAVID VIDAL SANSGONZALO GALLEGO

MODALUIS A. BERRENDERODORY ÁLVAREZ ABADCARLOTA HERNÁNDEZINTERIORISMOCRISTINA JOVERCINEOLGA FRANCOFEDE CASTAÑOLAURA SERRANO-CONDEFOTOGRAFÍADANNIEL ROJASDISEÑO WEBIRENE JOVERREALIZACIÓN Y MONTAJE VIDEOLAURA ANTOLÍN

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FE DE ERRATAS: EN LAS PÁGINAS 76 Y 77 DE NUESTRO ANTERIOR NÚMERO LA CANTANTE NICCÓ VESTÍA UNOS LEGGINS DEL DISEÑADOR MIGUEL VIZCAÍNO, NO DE VINTAGE COMO SE ESPECIFICABA

The Horrors y Cat’s Eyes. Un quinteto y un dueto. Músi-ca garage rock y melodías más lentas y poperas. Una formación enteramente in-

glesa, la otra británico-canadiense. Dos grupos diferentes con un denominador común: Faris Badwan. Y es que, mientras sigue trabajando en la gira de presenta-ción del aclamado tercer disco, Skying, el líder del grupo británico The Horrors ha decidido sumarse a un proyecto pa-ralelo y asombrar a sus seguidores con una música que nada tiene que ver con el punk gótico en el que tan cómodo se le ha visto en los últimos años. Melodías más poperas, más románticas y, sobre todo, más sinfónicas sonarán en las radios de todo el mundo en los próximos meses. Será el nuevo signo de identidad del vocalista británico y la soprano canadiense Rachel Zeffira, su actual compañera sentimental. El dúo se llama Cat's Eyes y ya tiene disponi-ble su primer LP homónimo, producido por Steve Osborne y para el que han contado con la colaboración del presti-gioso Chris Cunningham, considerado uno de los mejores directores de vi-deoclips del mundo. Su primer sencillo, I Knew It Was Over, ha sido grabado en la Basílica de San Pedro del Vaticano, y ha contado con la música de un órga-no centenario y el acompañamiento de

POP ALTERNATIVO EN EL DEBUT DEL DUO FORMADO POR FARIS Y RACHEL ZEFFIRA

CON SU QUINTO ÁLBUM, SKYING, FARRIS Y LOS SUYOS PASARÁN POR NUESTRO PAÍS EN DICIEMBRE

un coro femenino, de voces angelicales capaces de erizar la piel a cualquiera.Un cambio de registro que sin duda dejará boquiabierto a más de uno. No sabe con certeza hasta dónde le llevará esta nueva aventura, pero lo que sí tie-ne claro Faris Badwan es que demos-trará a su público que sigue siendo el mismo de siempre y que aún le queda mucha guerra por dar. De momento, los amantes The Horrors podrán disfrutar de su ídolo a principios de diciembre cuando Barcelona, Madrid y Bilbao se llenen de ese sonido punk inconfundi-ble con toques de psicodelia, que tanto gusta a los siniestros The Horrors.

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B.SIDE | OTOÑO 2011

B-CURIOUS · MÚSICA

Farisvs

BadwanTEXTO LAURA SERRANO-CONDE

DESTACADOS

Anoushka Shankar vuelve a demos-trarnos en su nuevo disco Trave-ller que las fronteras en el mundo

de la música son relativas; en esta ocasión, fusionando prodigiosamente la tradición india de su complicadísimo sitar con el flamenco. Esta artista con mayúsculas nos descubre a través de la experimentación y búsqueda de las raíces de los diferentes estilos musicales, que existen en sus oríge-nes muchas y asombrosas semejanzas. Este disco supone una nueva reafirmación en la gran capacidad que tiene el flamenco para entenderse con otras músicas del mundo y también la que ha tenido la sitarista para comprender y sentir el flamenco. Un re-sultado posible gracias a la colaboración de numerosos músicos españoles, entre ellos Javier Limón (productor), Pepe Ha-bichuela, Piraña, Concha Buika, Duquende, Sandra Carrasco y Farruco. Un álbum de 12 canciones, casi tantas instrumentales como cantadas, que desprende tremen-da riqueza cultural por lo cualitativo y cuantitativo en su variedad humana: músi-cos y cantantes, indios y españoles, voces femeninas y masculinas. MIRA CIRERA

ANOUSHKA SHANKARTRAVELLER(Deustche Grammophon, 2011)

FLORRIEEXPERIMENTS(XRL, 2011)

Florrie no podía haber elegido me-jor titulo para su primer EP que Experiments. Esta británica sigue

sorprendiendo a público e industria con sus decisiones. Las discográficas se pe-lean por ella y los Xenomania sueñan con producir su primer LP. Pero Florrie ha decidido arriesgarse y montárselo por su cuenta, tener en sus manos el manejo to-tal de su carrera. A parte de poseer una imagen atractiva y una voz que encaja a la perfección en el electropop, también es-cribe sus temas. La nueva promesa euro-pea ha pasado de ser la batería de Girls Aloud o Alesha Dixon a subirse a un esce-nario para interpretar sus propios temas.

En su segundo EP nos ofrece 6 cortes que cuentan con el mejor shyntpop, mostrado con clase. Las influencias van desde la me-jor cara de Sophie-Ellis Bextor (Speed of light), pasando por las guitarras de The XX (Experimenting with rugs) y acabando en la parte mas sofisticada y sensual de Kylie Mi-nogue (What you doing this for?).Aparte de hacer lo que le da la real gana, Florrie ha sido imagen de Nina Ricci y ha puesto música a una campaña de Dolce & Gabanna. Y lo mejor de todo, es que esto acaba de empezar. GONZA GALLEGO

SONDRE LERCHESONDRE LERCHE(Mone Records, 2011)

De los países nórdicos se va ex-tendiendo una nueva tendencia musical de baja intensidad, inti-

mista y contemporánea, con artistas a la cabeza como José González o Kings of Convenience. Sondre Lerche se enmarca en este ámbito, donde la baja temperatu-ra de sus países de origen se torna en una confortante y abrigada propuesta sonora.

El cantautor noruego acaba de presentar su sexto trabajo discográfico, de título ho-mónimo. Esto, unido al primer plano de la portada, da muestras de que estamos ante un álbum muy personal, en el que el com-positor ofrece un compendio de todo lo aprendido a lo largo de su prolífica carrera.

Manteniendo la línea que ha mostrado a lo largo de toda su discografía, el joven artista, se aleja cada vez más de las com-paraciones que le han venido persiguien-do desde que comenzó su andadura allá por 2001. Ya no es únicamente el here-dero de Elvis Costello, o la continuación de Elliott Smith. Ahora, Sondre Lerche es simplemente él mismo, mostrándose con un lenguaje personal donde los ex-quisitos arreglos y las contagiosas melo-días, dan a sus canciones un ambiente pop para todos los públicos, con una acústica envolvente y ciertos detalles orquesta-les, dando a las composiciones un relativo sabor atemporal. JAVIER DECIMAVILLA

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B-CRITIC · BREVES MÚSICA

Lo primero que piensas al compro-bar los años que llevan metidos los Little Dragon en el mundo de la

música (nacieron en 1996) y el escaso nú-mero de discos que han lanzado en ese tiempo es; ‘Si aún siguen vivos, es porque deben ser muy buenos’. Y con su último disco ese pensamiento se confirma.Después de colaborar con artistas de la talla de Gorillaz, la banda sueca lanzaba este verano el tercer LP de su carre-ra, Ritual Union. Un álbum de escucha pausada, en el que intentan mezclar la esencia de sus dos primeros trabajos con nuevos registros en los que el grupo está intentando introducir su música; delica-da, minimalista, a veces casi desnuda, que deja la voz de Yukimi Nagano al frente de

ingeniosa y adictiva base, Crystalfilm por sensualidad y elegancia, y Please Turn, el mejor tema del disco, por la oscuridad que le otorga el juego de sintetizadores. Otros cortes que consiguen destacar son las enérgicas Little Man y Shuffle A Dream, sin olvidarnos de Seconds, la pie-za instrumental que cierra el disco y lo despide por la puerta grande.Little Dragon después de este largo pa-rece haber pasado con creces todas las pruebas para sobrevivir en el mundo del música, llegando a conseguir lo mas difícil; tener una base considerable de fans muy fieles en Europa, y al parecer también al otro lado del charco, colocando su último CD en lo más alto de las listas indepen-dientes de USA. GONZALO GALLEGO

algunos temas con la única compañía de un reducido número de sintetizadores. La música que Litlle Dragon nos mues-tra en este último trabajo baila entre el synth-pop, la electrónica y el neo soul, lo que lo convierte en un disco atractivo, con un sonido diferente y arriesgado con material tan delicado, que roza en algu-nos puntos la sensualidad. Esto puede ser un arma de doble filo, ya que puede resultar por momentos una producción con ritmo desigual.Ritual Union reúne un buen puñado de pequeñas joyas que parecen estar con-centradas en la segunda mitad del disco. Sin duda el trío de ases está formado por Summertearz, que acaba convirtién-dose en todo un grower gracias a una

LITTLE DRAGON RITUAL UNION (Peacefrong Holdings 2011)


7B-CRITIC · MÚSICA

Nada más cercano a la propia realidad; criada en un pequeño pueblo del condado de Cheshire al norte de Inglaterra, Nicola se dio a conocer

por su participación en el show televisivo Popstar. Cin-co álbumes, veinte singles consecutivos en lo más alto de la lista británica de ventas y cinco giras de éxito con Girls Aloud -amén de una venta desmesurada de mer-chandising- abalan su trayectoria como estrella del pop contemporáneo. Sin embargo, muy pocos apostaban por ella en favor de otras compañeras de formación que se han beneficiado de un fulgurante ascenso me-diático (hablamos sin duda alguna de la princesita de Reino Unido, Cheryl Cole). Creciéndose ante la ad-versidad, Nicola Roberts nos deleita con uno de los ejercicios de pop mainstream más interesantes en lo que va de año.Comparable quizá con aquella ópera prima en soli-tario de Gwen Stefani, por lo original y complejo de la propuesta, Cinderella’s Eyes apuesta a caballo gana-dor por un sonido que discurre entre la electrónica alternativa y el pop dulzón. El resultado, un coctel de lo más trendy a punto de estallar en nuestros oídos.

Todo en este debut sabe a nuevo, y por encima de todo a honestidad, doce composiciones autobiográ-ficas con un halo de modernidad perpetuo. Desde el impulsivo Beat Of My Drum firmado por Diplo, a Fish Out of Water y I, con el sello incofundible de los tam-bién ingleses Metronomy. Sin olvidar la producción de Dragonette en el increíblemente fresco Lucky Day, la aportación de The Invisible Men en esos cortes más optimistas del repertorio como Say It Out Loud. Y por supuesto, una más que notable muestra de elegancia de la mano de Dimitri Tikovoi (Goldfrapp, The Ho-rrors, Placebo), que termina de imponer la cohesión que un álbum de estas características necesita. Des-empolven los leggins de vinilo, renueven los estampa-dos de flores y pongan en su lista de artículos de pri-mera necesidad el tinte cobrizo para el pelo, porque Nicola ha llegado para quedarse, y con ella la vuelta de tuerca más descarada, interesante y ante todo nece-saria que se haya hecho de la década de los ochenta.

LIBRE DE HÁNDICAPS, POR FIN LEJOS DE LA IMAGEN NEGATIVA PROYECTADA DE ELLA COMO MIEMBRO DEL QUINTETO BRITÁNICO GIRLS ALOUD, NICOLA ROBERTS PRESENTA SU DEBUT EN SOCIEDAD CON EL ACERTADÍSIMO TÍTULO DE CINDERELLA’S EYES (LOS OJOS DE CENICIENTA) EN REFERENCIA AL FAMOSO PERSONAJE LITERARIO INFANTIL.

Nicola RobertsTEXTO JESÚS ROMÁN

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"NICOLA HA LLEGADO PARA QUEDARSE, Y CON ELLA LA VUELTA DE TUERCA MÁS DESCARADA, INTERESANTE Y ANTE TODO NECESARIA QUE SE HAYA HECHO DE LA DÉCADA DE LOS OCHENTA"

MadridcapitalDELmusical

TEXTO LAURA SERRANO-CONDE

Desde Nueva York, donde lleva representándose más de tres décadas, llega el espectáculo más

esperado: El Rey León. Se podrá ver, por primera vez en castellano, a partir del 21 de octubre en el Teatro Lope de Vega de la Gran Vía. La compañía Stage Entertain-ment, responsable de montajes como Mamma Mía, Chicago o Los Miserables, trae a la capital española la producción más grande echa hasta el momento, dos horas y media de música, luz y color, que envolverán las cuatro pareces del teatro para que el público pueda disfrutar de la magia de la sabana africana. Más de cincuenta actores serán los encargados de dar vida a los distintos animales y ele-mentos de la naturaleza de la película a través de más de 200 esculturas, figuras animadas y máscaras.

DESDE HACE ALGUNOS AÑOS, MADRID ACOGE LOS MUSICALES QUE ANTERIORMENTE HAN ARRASADO EN LAS TAQUILLAS DE LONDRES Y NUEVA YORK. QUIERE CONVERTIRSE EN LA CAPITAL DEL MUSICAL Y PARECE QUE LO ESTÁ CONSIGUIENDO, PUES LOS ESPECTÁCULOS TEATRALES QUE SE REPRESENTAN EN LA GRAN VÍA EN NADA TIENEN QUE ENVIDIAR EN CALIDAD A LOS DE BROADWAY O PICADILLY SQUARE. ESTE OTOÑO VIENE CARGADO DE MUSICALES QUE DEJARÁN BOQUIABIERTOS A LOS AMANTES DEL BUEN TEATRO.

EL REY LEÓN (TEATRO LOPE DE VEGA)


11B-CURIOUS · MÚSICA

Dos años después de su estreno en la arteria madrileña, regre-sa Chicago, otro de los platos

fuertes de los próximos meses. Protago-nizado por artistas como Marta Ribera, María Blanco y Manuel Bandera, el mu-sical es una mezcla entre comedia negra y drama carcelario y se podrá ver en el Nuevo Teatro Alcalá a partir del 18 de noviembre. El espectáculo está produci-do por la compañía Stage Entertainment y cuenta la historia de dos mujeres, Roxie Hart y Velma Kelly, encerradas por ha-ber cometido crímenes pasionales y que intentan ganarse el favor de Billy Flynn, un abogado sin escrúpulos que utiliza a la prensa sensacionalista para sacar a sus clientes de prisión.

CHICAGO (TEATRO NUEVO ALCALÁ)

Otro de los musicales más intere-santes de este otoño es Más de 100 mentiras. Sabina, el musi-

cal, un espectáculo que rinde homenaje a la trayectoria del maestro Sabina y que se podrá ver a partir del 6 de octubre en el Teatro Rialto. Letras ásperas y amar-gas de hitos como ¿Quién me ha robado el mes de abril?, Con un par, Y nos dieron las 10, Contigo o Más de 100 mentiras –que da nombre al espectáculo- serán cantadas en riguroso directo, y servirán de hilo conductor del argumento, que bebe del universo salinero: la historia cuenta la vida de gente callejera, con un oscuro pasado, que, entre putas y alco-hol, intenta sobrellevar su dura existen-cia. El montaje, que ha contado en todo momento con la supervisión del propio Joaquín Sabina, se enfrenta a uno de los retos más duros según el director David Serrano: entretener y no defraudar a los seguidores del genio de Úbeda.

MÁS DE CIEN MENTIRAS,SABINA EL MUSICAL(TEATRO RIALTO)

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SHREK EL MUSICAL (TEATRO NUEVO APOLO)

De la mano de la productora Theatre Properti lleva a Madrid el ogro más entrañable de todos

los tiempos, dispuesto a animar a los más pequeños con su mal humor y su mala suerte. Desde el pasado 21 de septiem-bre -y durante tres meses- se puede ver este montaje en el Teatro Nuevo Apolo, convertido ahora en una mágica ciéna-ga, envuelta en sueños e ilusión, y en la que todo es posible. Luz, color, música y humor son las claves de este espectácu-lo ameno que satisface con creces a los fans de la oscarizada película de Drea-mworks, y que sin duda se emocionarán cantando el archiconocido I’m a believer.

Y a partir del 27 de octubre en el Teatro Arteria Coliseum, el pú-blico madrileño podrá disfrutar

de nuevo de Hair. Love and Rock, un es-pectáculo divertido y con mucho humor, ganador del Premio Tony en la categoría de mejor revival en 2009. Tras el éxito cosechado el pasado febrero en Madrid, el musical volverá a reflexionar sobre te-mas polémicos como la religión, el abuso de poder, la libertad, el consumo de dro-gas, la defensa del amor y de la igualdad. Con canciones como Somebody to love, Aquarius, What a piece of work is man o What do I go?, Hair narrará las vicisitu-des de un grupo de hippies en su lucha contra el sistema de los años sesenta, y la deshumanización que experimenta la so-ciedad moderna. El elenco de 29 actores lo encabeza Lucía Jiménez, que ya actuó en el musical El otro lado de la cama y que actualmente protagoniza la serie de televisión 14 de abril. La República.

HAIR (TEATRO ARTERIA COLLISEUM)



"MUESTRAN CON SU SEXTO DISCO DE ESTUDIO UN CAMINO CLARO Y CONCISO ENTRE LO TRADICIONAL Y LO VANGUARDISTA. EL ROCK AMERICANO ADQUIERE OTRA DIMENSIÓN, MÁS CONCILIADORA Y HONESTA"

y catalizador para que el oyente consiga adentrarse en el disco y se deje llevar por la atmósfera que inunda el desarrollo de cada una de las piezas de la obra.El arranque del álbum se podría definir como un muestrario de los objetivos perseguidos por el quinteto con esta nueva entrega. Victory dance y Circuital son claros ejemplos del sonido progresi-vo, con envolventes arreglos que ha ido perfeccionando el grupo hasta la actua-lidad. Resulta difícil destacar algún corte por encima de los demás, pero conviene reseñar la delicadeza de Wonderful (They way we feel), la adictiva Holdin on to Black Metal o la melancólica Movin away.En Circuital, My Morning Jacket indagan en las raíces norteamericanas sin dejar de lado la contemporaneidad. Se trata de indie-folk sin complejos, con una variada instrumentación y ciertos detalles cerca-nos a lo experimental que dan al disco un sonido algo barroco pero más que creíble.

Con una carrera marcada por los altibajos musicales y comerciales, por las idas y venidas estilísticas

y, sobre todo, por una serie de magní-ficos discos empañados en los últimos tiempos por trabajos algo difusos, My Morning Jacket presentan Circuital, el que probablemente sea su álbum más sincero. Diez canciones son suficientes para asistir a la reinvención de uno de los grupos actuales más convincentes.Es posible que éste no sea su mejor tra-bajo, pero quizás sí que sea el más per-sonal, en el que la banda de Kentucky muestran al mundo su saber hacer en esto de la música, su manera de enten-der la profesión y, en definitiva, la vida. Se trata de un disco unitario en su con-cepción, que suena conciso y en el que cada canción se muestra como parte inseparable del resto, como pieza úni-ca dentro del conjunto que representa el álbum. El cuidado sonido y la siempre hipnótica voz de Jim James, sirven de guía

Se podría hablar de un ejercicio de es-tilo, pero lo cierto es que el grupo muestra con su sexto disco de estudio un camino claro y conciso entre lo tra-dicional y lo vanguardista. El rock ameri-cano adquiere otra dimensión, más con-ciliadora y honesta. JAVIER DECIMAVILLA


Dieciséis años después de su último disco con la formación original, The Jayhawks han regresado con Moc-

kingbird Time. Fue el aclamado y fabuloso álbum Tomorrow The Green Grass el que vio por última vez juntos a Gary Louris y Mark Olson, allá por 1995. En él la banda dio una soberbia lección de tradición folk actualiza-da y revisada en clave de pop, con las mara-villosas armonías vocales del tándem como principal seña de identidad. Eran muchas las expectativas creadas alrededor de este nuevo trabajo cuando se anunció su llegada, pero ha ocurrido lo que en la mayoría de los

casos pasa, las nuevas composiciones se reci-ben con gran entusiasmo, pero tras la escucha dejan una sensación de frialdad en el oyente. Aun así no se debe infravalorar este disco, pues en él seguimos encontrando canciones bellísimas como Closer to your side, Tiny arrows o Pouring rain at down.Mockingbird Time es un disco más que co-rrecto, pero quizás parecería mucho mejor si la banda y la que es su obra maestra no llevaran a cuestas el peso de la leyenda, ya que cuando se logra la excelencia, la propia superación es una empresa que se antoja su-mamente complicada. JAVIER DECIMAVILLA

Cada nuevo disco de Ron Sexsmith es una buena noticia para el mun-do de la música, no obstante se

trata, sin duda, de uno de los mejores com-positores de su generación. Un artesano de canciones, un auténtico creador de me-lodías, con el suficiente oficio como para no defraudar nunca con sus nuevas com-posiciones. Long Player Late Bloomer es la última entrega discográfica del artista ca-nadiense. Un álbum repleto de sensibilidad donde la cálida voz de Sexsmith acaricia cada una de las notas que llegan a nuestros oídos. El trabajo está repleto de grandes canciones de pop luminoso y optimista, aunque no carentes de cierta melancolía. En ocasiones se ha dicho que Ron Sexsmith

no edita nunca su mejor disco, pero que ninguno de sus trabajos es de baja calidad. Esto ya es bastante más de lo que se puede decir de mucha de la música que escuchamos actualmente. Este último LP rebosa genialidad y es un claro ejemplo de la excelente propuesta musical del cantante. Además añade un gran número de joyas (Get in line, Love shines, Belive it when I see it, Middle of love…) a su ya dilatado y estupendo catálogo sonoro. JAVIER DECIMAVILLA

THE JAYHAWKS MOCKINGBIRD TIME (Rounder/UGMD 2011)

RON SEXSMITHLONG PLAYER LATE BLOOMER (Cooking Vinyl. 2011)


15B-CRITIC · BREVES MÚSICA

TEXTO JAVIER DECIMAVILLA

QUE THE RAPTURE ERA UN GRUPO DE SINGLES, NOS DIMOS CUENTA HACE AÑOS CUANDO SUS DISCOS ESTUVIERON A LA CABEZA DE LAS TENDENCIAS DE LA ÉPOCA Y SUS CANCIONES SE CONVIRTIERON EN ÉXITOS INDISCUTIBLES. CASI CINCO AÑOS DESPUÉS DE SU ANTERIOR ENTREGA, LA BANDA NEOYORKINA VUELVE POR SUS FUEROS, PARA DEMOSTRAR AL MUNDO QUE NO HABÍAN MUERTO, QUE AÚN TIENEN COSAS QUE APORTAR A LA ÉPOCA ACTUAL.

canciones que claramente se ofrecen como autén-ticos auténticos hits en potencia. Canciones baila-bles, pegadizas y, en algunos momentos, sugeren-tes, como I Miss You o Children. Sin duda merece una mención aparte el adictivo single de adelanto del disco, How Deep Is Your Love? Realmente, este tema sobresale por encima del resto y, sin duda, es el reclamo perfecto para presentar el trabajo. Si bien In The Grace Of Your Love contiene singles muy reseñables, junto a ellos se encuentran piezas que disminuyen la intensidad del trabajo y que de-jan el regusto amargo de ser temas de relleno. Este cuarto disco de The Rapture supone un punto y seguido en su discografía, manteniendo sus señas de identidad pero carente de la mínima innovación que se supondría al permanecer casi cinco años sin editar ningún trabajo discográfico. Aunque es cierto que esta sensación de repetición de rece-tas se percibe en la práctica totalidad de los dis-cos que se editan cada año dentro de este género.

In The Grace Of Your Love, es un ejemplo más del dance-pop que ha ido ofreciendo el grupo a lo largo de sus años de trabajo. Género que

representa las dos caras de una misma moneda, por un lado la añoranza y el revival de una época en la que dicho estilo era el paradigma de la mo-dernidad y, por otro lado, la consecución de un panorama actual en el que parece que la vuelta atrás representa la moda más avanzada. Para grabar el disco, The Rapture han contado con la producción de todo un experto en los sonidos de pop bailable actuales, como es el francés Philip-pe Zdar, responsable de trabajos como los de sus compatriotas Phoenix, entre otros. Se trata de un álbum con una producción limpia, donde los te-clados adquieren un gran protagonismo, pero se aprecia que el estilo parece algo encorsetado, sin aportaciones novedosas o simplemente origina-les a lo que se viene haciendo año tras año.Aún así, el grupo vuelve a ofrecer un conjunto de

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El indiscutible talento compositi-vo y creativo de Jeff Tweedy se pone una vez más al servicio de

los amantes de la buena música, sin pre-juicios sonoros y manteniendo la línea de sus últimas entregas discográficas. The Whole Love es el título del nuevo álbum de Wilco, banda que tiene un lugar privi-legiado dentro del mundo de la música.El disco arranca con una dentellada expe-rimental titulada Art of almost, tema de más de siete minutos donde se muestran los Wilco más vanguardistas, pero donde resulta difícil reconocer su característico sonido. La última canción del disco, lla-mada One Sunday morning (Song for Jane Smiley’s boyfriend), es un desarrollo algo

monótono pero no por ello carente de emoción, de doce minutos de duración, con un Jeff Tweedy algo más introspec-tivo y de una menor intensidad sono-ra. Entre ambos temas se estructura el nuevo álbum de estudio de la banda de Chicago, con un sonido más reconocible, destacando el single I might, o canciones como Born alone. Wilco en estado puro.

Aunque la innovación no vas más allá del primer corte, volvemos a encontrar com-posiciones memorables que añadir a su exquisito cancionero. No estamos ante el mejor trabajo de Wilco, pero mantiene el nivel contribuyendo a aumentar la le-yenda que el grupo ha ido forjando a lo largo de los años. JAVIER DECIMAVILLA

How do you do es el título del nuevo disco que el multiinstru-mentista y cantante de Michigan

Mayer Hawthorne publicó el pasado el 11 de octubre. La crítica internacional parece empeñada en incluirle entre los actuales cantantes blancos de música negra pura, pero para nada es comparable a Amy Wi-nehouse o Jamie Lidell y, aunque su influen-cia del soul clásico de los sesenta es eviden-te, recoge su esencia con un toque light y moderno pese a su base retro. Además, en concreto en este álbum, brotan unas irre-frenables referencias a Michael McDonald o al rock de Steely Dan (Hey Nineteen), grupo al que homenajea en A Long Time.Una voz blanca y a menudo impostada, sin pretensiones del grosor y potencia

característicos de Motown, pero que en este segundo álbum presenta con una mejora in-dudable desde que sacara su primer largo (A strange arrangement). A la manera antigua, sus grabaciones son analógicas y de pocas pistas. La temática principal es el amor y de ello es un claro ejemplo el single The walk y, como guiño a sus inicios en el hip hop, incluye el tema Can’t stop en colaboración con el conocidísimo rapero Snoop Dogg. MIRA CIRERA

WILCO THE WHOLE LOVE (dBpm. 2011)

MAYER HAWTHORNE HOW DO YOU DO (Universal Republic. 2011)

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hace de este su trabajo más bailable.Con influencias claras de mediados de los ochenta: un repertorio repleto de sintetizadores, percusiones pesadas con cierto regusto funk, armonías que es-triban del mejor soul setentero (algo a lo que sí nos tiene acostumbrados el bueno de Rahsaan), así como ciertas re-ferencias a la música disco, Bleuphoria se desquita de ese aire lánguido de pro-puestas previas a base de uptempos en un estado de satisfacción permanente, acompañado de nuevo en la producción por Keith Crouch y Jamey Jaz, y con una insuperable nómina de voces femeninas que le respaldan a lo largo de los trece temas. Con Faith Evans y Shanice Wilson nos ofrece el revientapistas Crazy (Baby), junto a Lalah Hathaway abrió esta nueva etapa con el electro-soul de 6A.M. y con la diva club Jody Watley presenta Ghost. Dejando espacio, por descontado, para

Catorce años después de debutar con aquel álbum homónimo que le posicionó como una de las más

prometedoras estrellas del firmamento negro, hermano mayor de ese renaci-miento del soul clásico de finales de los noventa, Rahsaan Patterson mantiene in-tacta la capacidad de sorprender. Quizá por haber dejado atrás su época en una multinacional (con MCA publicó sus dos primeros trabajos), tal vez porque jamás comprometió su altísimo nivel creativo a las exigencias de un contrato… Lo cier-to es que con Bleuphoria, el compositor norteamericano parece sentirse abso-lutamente libre. Y mientras que en su anterior aventura discográfica, Wines & Spirits (2007), se retorcía de dolor en cada uno de los cortes acompañando a una etapa bastante oscura a nivel perso-nal, en este nuevo largo se observa una felicidad renovada que, por lo pronto,

otro tipo de cortes como los “principes-cos” Goodbye y Mountain Top, o piezas ciertamente hipnóticas como la que da título al álbum o la que lo cierra, God. Una gratísima sorpresa este regreso de una de las voces clave en la historia del soul y r&b más reciente. JESÚS ROMÁN

"BLEUPHORIA SE DESQUITA DE ESE AIRE LÁNGUIDO

DE PROPUESTAS PREVIAS A BASE DE UPTEMPOS

EN UN ESTADO DE SATISFACCIÓN PERMANENTE,

ACOMPAÑADO DE NUEVO EN LA PRODUCCIÓN POR

KEITH CROUCH Y JAMEY JAZ, Y CON UNA INSUPERABLE

NÓMINA DE VOCES FEMENINAS"

RAHSAAN PATTERSON BLEUPHORIA (Artistry Music. 2011)



extrañoEL

frutoDELjazzTEXTO ANDRÉS ARAGÓN

L a respiración de Cla-rence era cada vez más trabajosa. La neumonía no sólo es-taba poniendo en ja-que su carrera profe-

sional. Había alcanzado una fase crítica, pero Estados Unidos no había encontra-do la cura contra el racismo. No era ta-rea sencilla que un músico negro lograra atención en un hospital. Menos si éste era del sur y segregado. Chocó contra las verjas de uno y otro hasta que sus pul-mones se cansaron. Clarence murió por-que ningún hospital para blancos quiso dar a un negro los cuidados necesarios.No hay que olvidar que hablamos de poblaciones en las que el renacimiento del Ku Klux Klan durante los años 20 alcanzó casi 5 millones de fieles. Que habían vendido como recuerdo du-rante aquella época postales con fotos reales de negros ahorcados y queda-mos. El linchamiento era una práctica más de la justicia contra los de siempre.Por fortuna aquel periodo vio tan bien el inicio de su declive. Empezaron a surgir iniciativas ciudadanas para abolir ese cas-tigo, aunque la reticencia de los Estados del sur impidió erradicarlo. Al tiempo, el progresivo acercamiento del reapareci-do KKK al incipiente fascismo europeo le hizo perder una inmensa mayoría de adeptos. De fondo, pioneros como el legendario Benny Goodman empezaban a aportar cotidianeidad a la estampa de blancos y negros trabajando juntos. El jazz eliminó barreras, aunque el sur…

Imagina dos cuerpos jóvenes, que toda-vía no han llegado a los 20 años. Imagína-los con las ropas desgarradas y el rostro destrozado. Desfigurado por una paliza y una soga al cuello que los hace colgar de un árbol.

LOS ÁRBOLES DEL SUR DAN UN FRUTO EXTRAÑO

HAY SANGRE EN LAS HOJAS Y SANGRE EN LAS RAÍCES.

UN CUERPO NEGRO SE BALANCEA CON LA BRISA DEL SUR,

UN FRUTO EXTRAÑO CUELGA DE LOS ÁLAMOS.

ESCENA PASTORAL DEL SUR CORTÉS,LOS OJOS HINCHADOS Y LA BOCA TORCIDA

EL AROMA DE LA MAGNOLIA DULCE Y FRESCAY DE REPENTE ESE OLOR A CARNE QUEMADA

A sus pies una muchedumbre blanca posa sonriente. Mira curiosa. Incluso entretenida. Señalan divertidos. Hay hasta una niña. ¿Por qué no? Esto es el Sur. Aquí esto es natu-ral. Y en el centro de la imagen un hombre reta a la cámara con gesto serio mientras señala los cuerpos mutilados. Ésta es nuestra justicia.

AQUÍ ESTÁ LA FRUTA PARA QUE LOS CUERVOS LA ARRANQUEN,PARA QUE LA LLUVIA RECOJA, PARA QUE EL VIENTO SE LLEVE

PARA QUE EL SOL PUDRA, PARA QUE EL ÁRBOL DEJE CAERAQUÍ ESTÁ ESE CULTIVO EXTRAÑO Y AMARGO.

Quizá las entrañas se te hayan revuelto de indignación, de asco ante la brutalidad que puede desarrollar el ser humano. Así fue como se sintió Abel Meeropol, un maestro judío, al ver la fotografía años más tarde. Su desconcierto ante esa barbarie desembocó en un poema que publicó en la revista The New York Teacher. Músico aficionado, le añadió una composición para que su esposa, Laura Duncan, la inter-pretara. Alcanzó cierto reconocimiento en la escena irremediablemente minorita-ria, pero no fue hasta que cambió de labios cuando consiguió su carácter eterno.Ocurrió una noche en el Café Society, el primer local nocturno que aceptaba a clien-tes blancos y negros por igual. Fue allí, en 1939, cuando Meeropol conoció a la hija de aquel músico muerto por neumonía. Su nombre: Billie Holiday. El café se para. El público se une en un silencio reverencial. Las luces se apagan. Un único foco señala al escenario, centro de lo único que existe en el mundo en ese momento. De las vísce-ras de Holiday sale una voz que duele, que denuncia; un hilo lleno de desprecio a la sinrazón. Canta ahogada de incomprensión, o quizá de un sentimiento para el que no caben palabras. La música tomó su lugar en la lucha por los derechos civiles.

THOMAS SHIPP Y ABRAM SMITH FUERON AHORCADOS EL 7 DE AGOSTO DE 1930. EL FAMOSO TEMA DE BILLIE HOLIDAY HACE REFERENCIA A LA INSTANTÁNEA TOMADA AQUELLA NOCHE.


21B-HISTORY · MÚSICA

Tras recuperar el muro de so-nido de Phil Spector, melodías a lo Roy Orbison y lo mejor de

los grupos de chicas con su espléndido debut, Neptune City (Columbia, 2007), Nicole Atkins volvió a fijarse en los 50 y 60, sólo que variando sensiblemente su enfoque. El pop/rock vuelve a ser su campo de acción, auque introduce ele-mentos de psicodelia, country, blues, folk y, como sorpresa, una pieza pseudo-punk, You Come To Me. Tampoco aban-dona del todo sus baladas nostálgicas de intensa emotividad, pero se aprecia su loable voluntad de alejarse de la fórmu-la de su precedente trabajo. Para lograr ese objetivo, ayuda la colaboración en cuatro de los cortes de Robert Harrison, entre ellos el sobresaliente soul-pop de Cry Cry Cry, y el dúo con Yim Yames en War Is Hell, una de esas baladas que re-velan el talento de Atkins. Ahora bien, el gran aliciente de su música sigue siendo su interpretación vocal, esa expresiva y poderosa voz que con el tiempo se-guramente se convierta en su principal seña de identidad. SANTIAGO TADEO

NICOLE ATKINSMONDO AMORE(Razor & Tie. 2011)

White Nights), es en las composiciones más profundas y oscuras -dentro de la oscuridad que permite el género-en las que su propuestas ta adquiere tintes de excelencia: Lean, Wolf & I, Perfection, Ra-inbow… este es un trabajo de contrastes apto para todo tipo de paladares, que su-perará holgadamente el corte de los más sibaritas. JESÚS ROMÁN

El pop electrónico de genética am-bient tiene en la danesa Oh Land una nueva abanderada. Tras un

debut frío en la forma, experimental en el concepto y minimalista en la ejecución (Fauna, 2008), Nanna Øland se rodea de la élite del viejo continente para dar forma al núcleo central de su nueva pro-puesta homónima. Dan Carey (Sia, La Roux, Franz Ferdinand) y Dave McCrac-ken (Beyoncé, Depeche Mode, Natalie Imbruglia) orquestan de manera sober-bia una propuesta de fácil digestión, no por ello exenta de cierta innovación. A través de los once temas del álbum la rubísima cantante demuestra con creces dulzura, y si bien parece bastante cómo-da con los cortes más juguetones del re-pertorio (Voodoo, Human, Son Of A Gun,

OH LANDOH LAND

(Sony Music. 2011)

bellezatalento&

LAS CLAVES DEL ÉXITO

POR MUJERESEN UNA INDUSTRIA DOMINADA

TRAEMOS A NUESTRAS PÁGINAS A DIEZ AUTORAS

CONTEMPORÁNEAS CON UN DENOMINADOR

COMÚN: ALTAMENTE ATRACTIVAS Y BELLAS

Y, POR ENCIMA DE TODO, CON GRANDES

DOSIS DE TALENTO COMO INTÉRPRETES,

COMPOSITORAS, PRODUCTORAS O

ARREGLISTAS.

22



once cortes con fuerte carga emocional a medio camino entre el folk, el pop de tradición inglesa o el soul más almibara-do. Bernard Butler y Andy Chatterley (esposo de la cantante y padre de su retoño) la acompañan en las tareas de producción, colocando con cierta como-didad este Year Of The Wolf entre los álbumes del año, aunque para ello tenga que competir de manera directa con 21. Siendo, cabe remarcar, un albúm mucho más colorista aunque ciertamente me-nos contundente que el de Adele. A des-tacar el impresionante primer single, Put Your Hands Up. JESÚS ROMÁN

Compositora de vocación, la británica Nerina Pallot acumula cuatro largos con este Year Of The Wolf que nos ocupa y una década de experiencia que comen-zó en la misma discográfica que hoy apoya sus decisiones y que se vio forzada a

abandonar tras su debut. El camino no ha sido fácil, más cuando la londinense defiende su estilo hasta el punto de rechazar la ayuda de Rick Nowels, Rob Davis o Linda Perry, per-fectos anfitriones para el pop mainstream pata negra. Pues bien, tras éxitos moderados con sellos indies, “co-workings” para trabajos como el Aphrodite de Kylie Minogue y un embarazo que vio nacer a su hijo Wolfie a finales del pasado año, Nerina se deja la piel en

NERINA PALLOTYEAR OF THE WOLF(Geffen Records. 2011)

decepcione a los que esperasen algún tipo de variación. Exhibe idéntica facili-dad para crear canciones encantadoras y su voz, a falta de unas letras algo más esti-mulantes, sigue siendo el principal atrac-tivo del álbum. Y sí, se echa de menos el contrapunto que suele ofrecer Angus, pero el resultado es sólido en líneas ge-nerales. Eso sí, por mucho que el diseño del librito y de las carátulas delantera y trasera imite la estética de los films de te-rror de serie B, la música es tan inofensiva como de costumbre. SANTIAGO TADEO

Tras presentar dos estimables ál-bumes junto a su hermano Angus, A Book Like This (EMI, 2007) y

Down The Way (EMI, 2010), la australia-na Julia Stone vio finalmente en las tien-das su álbum debut en solitario. Lo había grabado el 2008, en Nueva York, pero tardó casi dos años en ver la luz por uno de esos misterios de la industria musical. The Memory Machine desarolla el mis-mo tipo de folk de domingo lluvioso que conocemos de las grabaciones junto a su hermano, de modo que esta obra quizá

JULIA STONETHE MEMORY MACHINE(Pias. 2010)


Una obra que bebe de PJ Harvey y Joni Mitchel tanto como de Eric Satie y Claude Debussy, y

que posee ese fascinante minimalismo de las grabaciones en solitario de Bugge Wesseltoft. Así de inclasificable es el de-but de Agnes Obel, artista danesa que grabó una personalísima música de ex-traordinaria sensibilidad. Melodías senci-llas, arreglos reducidos a la esencia y con sabor camerístico, y una de esas voces nacidas para seducir a críticos y melóma-nos. Crea sus piezas al piano, cuando se

le ocurre una letra, que además suele ser interesante, la canta, cuando no, se queda como instrumental, y en ambos casos el resultado es de una extraña pero magnética belleza. Una suerte de pop/rock de estética folk sin ser exactamente ninguna de las dos cosas, que atrae desde la primera escucha, pero que requiere de cierta paciencia y atención para ser apreciado como merece. Afortunadamente, Just So fue selecciona-da para un anuncio, impulsando así sus ventas: hubiera sido una pena que este debut pasase desapercibido. SANTIAGO TADEO

GRETCHEN PARLATOTHE LOST AND FOUND

(Obliqsound Records. 2011)

a la vanguardia del jazz con tintes latin. Es precisamente en ese registro sonoro en el que Parlato se mueve con soltura, com-partiendo con la ganadora del Grammy su delicadeza, una tímbrica bastante simi-lar y una fijación por la guitarra acústica, la percusión sincopada y las líneas de bajo con fuerte presencia. Con The Lost And Found sigue desarrollando su identidad clásica, más aún que con su anterior pro-puesta In A Dream, siempre partiendo

Para una gran mayoría, el nombre de Gretchen Parlato puede resul-tar totalmente desconocido. Para

la escena jazzística no lo es. Fue la prime-ra vocalista en formar parte del progra-ma del Thelonious Monk Institute of Jazz, y ha sido cantante de sesión en más de medio centenar de proyectos, entre ellos los dos últimos álbumes de Esperanza Spalding. No resulta extraño que esta última salga a relucir, estando como está

AGNES OBELPHILHARMONICS(Pias. 2010)

de esa base intimista que explota hasta la extenuación en pistas como Better Than, Henya o el luminoso Holding Back The Years. Indispensable. JESÚS ROMÁN



Su debut, Youth Novels (LL Recor-dings), fue una de las más gratas sor-presas del 2008 en la escena pop/

rock internacional. La joven artista sueca, que grabó esos primeros temas antes de cumplir los 20, exhibió una arrebatado-ra efervescencia juvenil acompañada por ritmos electrónicos y un tema para la

LYKKE LIBREAKING IT UP

(LL Recordings. 2011)

posteridad, el memorable Little Bit. Tres años después presentó este segundo tra-bajo, en el que se esforzó por escapar de la imagen post-adolescente transmi-tida en su debut. Breaking It Up sí es una obra más madura, aunque en esen-cia proponga el mismo tipo de pop/rock de estética electrónica. Lo grabó en Los Angeles, pero hasta el estudio se llevó la oscuridad y melancolía escandinava

Nos permitimos recuperar la ópe-ra prima de Lauren Pritchard, de la que se cumple ahora un año,

ya que se trata de una de esas cada vez más raras ocasiones en las que un debu-tante despacha un material compacto, en el que arreglos, composiciones y produc-ción en conjunto desprenden autentici-dad. En homenaje a su Jackson natal (que poco echa de menos a tenor del corte que da título al álbum) Lauren coproduce esta primera incursión discográfica con el omnipresente Eg White, experto en el pop más orgánico de corte negroide. Cita Pritchard entre sus influencias a Billy Joel o Al Green, y sin ser la más avezada de las vocalistas, combina aceptablemen-te el R&B más clásico con el pop acústi-co y el folk de acento sureño. Siempre dejando lugar a la experimentación y

demostrando su alta capacidad interpre-tativa. El contrapunto, sin contar alguna rareza como Hanging Up o I Hope It’s You, Wasted in Jackson resulta algo pre-visible. Atentos a la homóloga femenina de James Morrison, porque parece tener bastante que contar. JESÚS ROMÁN

LAUREN PRITCHARDWASTED IN JACKSON(Universal Island. 2011)

que ya conocíamos, de modo que los te-mas son, salvo excepciones, una sucesión de desamores y desesperanzas. Ejem-plo: Sadness Is A Blessing, declaración de intenciones en la que canta la siguiente frase: "Sadness is my boyfriend". Por otra parte, los arreglos y la producción vuel-ven a ser cosa de Björn Yttling (Peter Bjorn And John), que realiza un excelente trabajo. SANTIAGO TADEO

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LENKATWO

(Epic Records. 2011)

Azucarado hasta empalagar en más de un momento; melodías peligrosamente pegadizas; letras

entre infantiles, ingenuas e inofensivas; arreglos que has escuchado miles de ve-ces; y una voz que puede resultarte tan encantadora como anodina. Esos son los ingredientes de Two, segundo álbum de Lenka, que repite el mismo acercamien-to comercial y tremendamente accesible al pop/rock que hizo de su debut homó-nimo uno de los éxitos del 2008. No es aquí donde hay que buscar el futuro del pop, ni una música artísticamente osada, ni ningún tipo de experimentación. Aho-ra bien, para reconciliarse con el pop/rock comercial sí es una buena recomendación, pues no es vulgar ni obvio y los arreglos

al menos sí muestran algo de imaginación y riqueza en ciertos cortes. Tampoco es Lenka una artista que brille por su personalidad, pero hay que reconocerle su capacidad para crear piezas redondas de pop y estribillos que te llevas pegados una buena temporada. En ocasiones no hace falta más para pasar un rato entretenido. SANTIAGO TADEO

Puede parecer un tópico si digo que la mezcolanza cultural en la vida de Keren Ann queda refle-

jada en sus canciones. La israelí de san-gre holandesa residente en Francia des-de temprana edad ha terminado por trascender los límites de la canción de autor, tan común en el país galo y tan cercana también a sus comienzos. Aun-que es cierto que el folk sigue teniendo una fuerte presencia en 101, grabado a caballo entre Nueva York, Tel AViv y París, y que las guitarras sostienen el

grueso de los arreglos, se nota, a diferen-cia de anteriores proyectos, una influen-cia del pop/rock inglés de los 60 (Sugar Mama), el tango francés (Blood On My Hands) y hasta la electrónica más ele-gante (My Name Is Trouble). Por lo de-más, poca novedad en el frente; suaves melodías, punteos de guitarra cercanos al blues y el folk sureño, orquestaciones y arreglos corales tan delicados como la propia línea melódica principal que ha-cen las veces de señas de identidad de la compositora y productora.

KEREN ANN101(EMI Music. 2011)

All The Beautiful Girls canta ella, pero no todas tienen la capacidad de despachar uno de los discos de escucha obligada en lo que va de año… JESÚS ROMÁN



QUINTO ÁLBUM DE LA BANDA BRITÁNICA, QUE LES TRAE DE GIRA A NUESTRO PAÍS EN DICIEMBRE

A principios del mes de Octubre, James Morrison visitaba Madrid para ofrecer un concierto de

presentación de su disco The Awake-ning ante la prensa y un reducido públi-co que había conseguido sus entradas gracias a una emisora de radio, patro-cinadora del evento. El británico cantó varios de los temas incluidos en su ter-cer trabajo con el cual ha sido número 1 de ventas en Reino Unido durante dos semanas consecutivas. Un disco produ-cido por Bernard Butler, responsable del álbum debut de Duffy, RockFerry; algo que puede apreciarse en The Awake-ning por su sonido pop/rock con toques de soul y una pincelada de country. La sala Colonial Norte se quedó peque-ña ante la presencia y la voz del britá-nico, que saludando en español con un tímido "buenas noches", dio comienzo al recital con Six Weeks e In My Dreams, los dos primeros temas de su actual trabajo. Tras ellos llegó el turno de I Won't Let You Go, el primer single, con el ha esta-do varias semanas en el Top10 británico. Acompañado de un bajo, un teclista y dos bellas coristas, James dio paso a Up, uno de los más aplaudidos, una balada que en su versión de estudio canta junto a la también británica Jessie J. Un segun-do single con posibilidades de convertir-se en un nuevo Broken Strings, sencillo de mayor éxito del cantante y compositor en el que le acompañaba la canadiense Nelly Furtado en 2008.

Mientras afinaba la guitarra en un im-provisado descanso, James presentó su corte favorito del álbum, Slave To The Music, una canción inspirada en Michael Jackson, según contó a los asistentes. "Quería un tema funk, uptempo, con rit-mo, algo que hubiera cantado Michael", explicó. Esta es, de hecho, la pista más potente y sorprendente de The Awake-ning, predominado por baladas y medio-tiempos cuyas letras vienen marcadas por la reciente muerte de su padre y que ha dado como resultado temas so-brios y llenos de melancolía como Per-son I Should Have Been o One Life. Tras esta enérgica presentación, el can-tautor retrocedió en el tiempo hasta su

primer trabajo para ofrecernos You Give Me Everything, con el que se dio a co-nocer hace cinco años y que le abrió las puertas a su país y a toda Europa. An-tes de despedirse con Nothing Ever Hurt Like You, mezclada con el clásico I Heard Through The Grapevine popularizado por Marvin Gaye y perteneciente a su ante-rior trabajo, agradeció a los asistentes el cariño recibido y nos invitó a verle de nuevo en marzo, cuando volverá a nues-tro país para presentar sus temas en di-recto en Razzamataz en Barcelona (24) y en la Sala La Riviera de Madrid (25), donde seguro nos conquistará con su ca-risma, sus letras y sobretodo su raspada y característica voz.

JamesMorrisonTEXTO DAVID VIDAL SANS

SALA COLONIAL NORTE, MADRID


29B-ALIVE · MÚSICA // CRÓNICA

a una artista más completa, sin ataduras comercia-les y despojada de la ingenuidad propia de su edad. Temas como The muse, muestran la amplitud del ho-rizonte musical de la artista, pues se nota un acerca-miento al jazz y, el hecho de que sea la canción que abre el álbum, dice mucho de las intenciones que puede perseguir en futuras entregas. Piezas como Don’t ask me why o Salinas, son un claro ejemplo del

universo folk en el que tan bien se mueve la cantante. Laura Marling da gran impor-tancia a la interpretación de las composiciones y el protago-nismo que quiere dar a su voz, se percibe constantemente gracias a la manera en que en-vuelve canciones más desnu-das o minimalistas como Night after night o Rest in the bed.

Estamos ante algo más que una promesa, nos encon-tramos con una artista de gran talento que, paso a paso, va trazando las líneas maestras de lo que será su cancionero, mostrando la variedad de registros que puede llegar a abarcar y la disconformidad con el es-tancamiento creativo que se puede tener una vez co-nocido el éxito. Está en el camino correcto, pero ahora debe intentar no desviarse de él. JAVIER DECIMAVILLA

En los últimos años hemos vivido en el pano-rama musical de nuestro país un constante crecimiento de la figura femenina como can-

tautora con tendencia al folk. Puede parecer algo nuevo aquí, pero en el resto de países anglófonos es algo en continuo crecimiento, con emergentes figu-ras como la de Cat Power o Feist y la permanente influencia de las grandes damas americanas como Lucinda Williams o Patty Griffin entre otras. En el gru-po de nuevas cantautoras aparece la británica Laura Marling que, aunque en cier-ta medida deja algo de lado el country para adentrarse más en el pop inglés, mantiene la esencia del sonido de cor-te acústico y las trabajadas letras de sus predecesoras. La apabullante juventud de Marling, con sólo 21 años, no indica que sea una recién llegada en esto de la mú-sica, pues acaba de editar su tercer trabajo discográfi-co. Tras su prometedor debut Alas, I cannot swim y un segundo álbum de clara evolución y camino hacia la madurez como fue I speak because I can, ahora llega A creature I don’t know, un disco en el que, siguiendo la línea del anterior, se empieza a vislumbrar

LauraMarling

"ESTAMOS ANTE ALGO MÁS QUE UNA PROMESA,

NOS ENCONTRAMOS CON UNA ARTISTA DE GRAN

TALENTO, MOSTRANDO LA DISCONFORMIDAD CON EL ESTANCAMIENTO CREATIVO

QUE SE PUEDE TENER UNA VEZ CONOCIDO EL ÉXITO"


mismo. Se trata de un álbum de escasa du-ración, apenas 34 minutos distribuidos en 12 cortes, lo que habla una vez más de lo rotundo y lo sincero de la propuesta. Can-ciones cortas y directas, con patrones so-noros sencillos, como mandan los cánones del rock & roll puro. Estamos hablando de un músico singular, elegante, preciso. Un rocker del siglo XXI que no desmerece lo más mínimo a ningu-na de las leyendas que salpican sus compo-siciones a modo de influencias. Caminando por la senda de lo clásico, el artista demues-tra con apabullante actitud, que la recupe-ración de las raíces norteamericanas no es dar marcha atrás en la evolución de la mú-sica popular, sino que es un paso más den-tro de la cultura propia del país. Se percibe la pasión y dedicación con que trabaja el de Tennessee en cada una de las notas, por-que ante todo, John Paul Keith es un hom-bre que vive por y para la música, un ena-morado de su profesión, ajeno a modas y superficialidades. JAVIER DECIMAVILLA

revisar dicho estilo y demostrar su más que contrastado talento, el artista naci-do en Knoxville ha regresado en 2011 con una nueva entrega bajo el brazo que no hace más que confirmar la opinión formada que se ha ido teniendo de él.No resulta fácil en la actualidad realizar álbumes con los que volver a los años 50 o 60 sin sonar anticuado o excesivamen-te nostálgico, pero cuando se consigue, parece un soplo de aire fresco dentro del panorama musical de hoy en día. The man that time forgot suena a rockabilly, a country, a swing y a todo aquello que nos pueda remitir a la América de me-diados del siglo pasado. Conecta directa-mente con mitos como Chuck Berry, Bo Diddley o Buddy Holly y acerca al oyente la estructura sonora de una de las épo-cas doradas de la historia de la música. En este nuevo trabajo John Paul Keith se presenta tal cual, sin la impronta del de su banda para, según palabras del propio artista, simplificar la imagen y ser fiel a sí

JOHN PAUL KEITHTHE MAN THAT TIME FORGOT(Big Legal Mess/Fat Possum. 2011)

DESTACADOS

Hace dos años debutaba en el mun-do discográfico John Paul Keith junto a su banda The One Four Fi-

ves con el soberbio disco Spills and thrills, en el que recuperaba gran parte del soni-do clásico del Rock & Roll americano. Tras

entregas, si bien es apreciable que sus señas de identidad permanecen intac-tas fomentando ahora otras vertientes musicales más elaboradas y profundas. Se aprecian influencias claras en un gran número de las nuevas canciones de Kaiser Chiefs, lo que no hace más que evidenciar lo ambicioso del proyecto, aunque en mu-chos momentos la excesiva variedad e in-novación intencionada es tal que se pierde el concepto de disco como tal. Hay temas guitarreros, coqueteos electrónicos, bala-das acústicas o canciones puramente “brit”. Aun así pueden resaltar algunos cortes como When All Is Quiet, Stars With Nothing, Heard it Break o If You Will Have Me.Conviene reconocer el esfuerzo de ofre-cer un producto novedoso tanto en forma como en contenido, pero si cogemos el álbum como la unión de las veinte cancio-nes expuestas, éste se vuelve demasiado largo, difuso y, tan ecléctico que en oca-siones se vuelve algo monótono. Real-mente el objetivo perseguido por el quin-teto no llega a concretarse, pues este no

Mucho han dado que hablar las es-trategias de lanzamiento que, en los últimos años, han adquirido

grupos como Radiohead o, más recien-temente, Kaiser Chiefs para presentar sus discos. En tiempos de escasas ventas, ejemplos como estos se vuelven, en al-gunos casos, necesarios aunque sólo sea como simple llamada de atención hacia sus nuevos trabajos. En el caso de la banda de Leeds la novedad radica en que cada comprador del disco puede elegir los diez temas que prefiera de entre los veinte que propone el grupo.Es comprensible que este álbum, lo com-ponen en realidad las veinte canciones pro-puestas, al margen de las elecciones per-sonales de cada uno. Aparentemente The Future Is Medieval se ha concebido desde el principio como un paso adelante dentro de la carrera del grupo, pretendiendo dar el salto de madurez que se han exigido a sí mismos después de tres discos de éxito. A priori parecen querer alejarse del sonido más juvenil y gamberro de sus anteriores

KAISER CHIEFSTHE FUTURE IS MEDIEVAL(Polydor/Universal Music. 2011)

es el álbum de madurez que todo grupo de rock debe tener. Seguirán intentándolo con mayor o menor fortuna, pero no pare-ce que el exceso de temas y de registros sea el camino a seguir. JAVIER DECIMAVILLA


31B-CRITIC · MÚSICA

TEXTO Y DISEÑO JESÚS ROMÁN

ILUSTRACIÓN LUIS BERRENDERO

Mucho se ha escrito de una de las últimas damas de la canción negra, mucho y bas-tante mal. Porque si de algo se encargó la

prensa más amarillista es de recrearse en los vicios, idas y venidas de una figura pú-blica torturada por su propia fama; con-sumida por unas inseguridades que hacían de ella un blanco fácil para el morbo gra-tuito, una mina para el sensacionalismo. Amy Winehouse era la gallina de los hue-vos de oro dentro y fuera de los escena-rios. Sus portadas en tabloides y revistas se cotizaban al alza, sus conciertos eran de obligada asistencia –aunque solo fuera para contemplar su decadencia- y la ven-ta de sus discos se contaba por millones. Aquella chiquilla tímida de origen judío y prodigiosa garganta de la que un día se empezó a hablar en los pasillos y despa-chos de las más importantes casas disco-gráficas, nunca dejó de ser un alma per-dida, que pasó de trastornos alimenticios a problemas de dependencia de deter-minadas sustancias ilegales, llevándola

(cancelaciones de giras, borracheras pú-blicas, declaraciones poco afortunadas, problemas con la justicia…) mientras Back To Black se convertía en el disco más vendido del siglo en su Reino Uni-do natal, pasaba a ser despedida con los honores que parecían habérsele negado

a protagonizar escenas de lo más dan-tescas a lo largo de este último quin-quenio. A pesar de que su imagen evo-lucionara hasta el punto de convertirse en icono mediático, mezclando la irreve-rencia más rockera con la sofisticación 50’s del jazz, su música siempre llevaba implícita la fragilidad de la joven británica. De su ópera prima Frank (2003) al ar-chiconocido Back To Black (2006) que la catapultó definitivamente al estrellato y le valió cinco premios Grammy entre otras muchas distinciones, discurren años de graves problemas personales que dejaron en los anales de la industria joyas como Rehab o You I’m No Good; ya se encargó ella misma de advertirlo en infinidad de ocasiones como epitafio pre-monitorio: “I told you I was trouble…”El pasado mes de Julio conmocionaba al mundo la noticia de su fallecimiento a los 27 años de edad, como ya lo hicieran las igualmente tempranas muertes de Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Cobain y Jimi Hendrix. Y la que había sido durante cinco años el bufón oficial del mundillo musical por su falta de condescendencia

UNA DE LAS ÚLTIMAS INSTANTÁNEAS DE AMY

PARA SU COLECCIÓN CON FRED PERRY

© BRYAN ADAMS



Resultaba poco predecible lo que sobreven-dría a la artista inglesa años después en el momento de publicar su debut Frank, cuyo

título era un claro homenaje a la figura de Frank Si-natra. Por entonces la vocalista coqueteaba con el soul, con el jazz e incluso con el garage británico tan en voga en aquel momento, sin llegar a casarse con ninguno de los géneros. Se dejaba ver como una especie de crooner políticamente incorrecto que junto a Salaam Remi o Commisioner Gordon con-siguió despachar un producto fresco (no muy aleja-do de lo que su compatriota Miss Dynamite propu-so el año anterior) partiendo de una base estilística bastante clásica. Buen ejemplo de ello dan temas como Take The Box, un más que urbano In My Bed, o el sentido What Is It About Men; mientras que en el terreno más purista encajaba cortes como (There Is) No Greater Love o I Heard Love is Blind. Sin duda un prometedor comienzo de carrera que no pasó desapercibido. Lo mejor estaba por llegar.

Segundas partes nunca fueron buenas. No para Amy Winehouse. Con Rehab se desató la histeria; Amy decía hola a su

imagen de diva venida a menos, y arropada por metales, percusiones reales y líneas de bajo car-gadas de groove le gritaba al mundo que ella tenía la sartén por el mango. Ser una mujer de armas tomar terminó por convencer al público que arropó su Back To Black de tal manera que hasta los pilares de la industria se tamba-learon, dando paso a un revival soulero en la escena mainstream que no hubiera sido posible sin un personaje de tamaña actitud. Me And Mr. Jones, Back To Black, Tears Dry On Their Own, Some Unholy war, Love Is A Losing Game… un repertorio breve pero perfectamente orques-tado al 50% entre Mark Ronson y Salaam Remi que se ha prolongado hasta el momento de su fallecimiento y que durará tanto como su me-moria, es decir, por siempre.

BACK TO BLACK(Universal Island R. 2006)

FRANK(Universal Island R. 2003)

constantemente por culpa de la mala prensa. El mun-do entero decía adiós a la Winehouse como uno de los más grandes músicos que ha conocido nuestra his-toria más reciente.Tras de sí, un buen puñado de canciones con remi-niscencias del jazz clásico, del soul más complejo y del rhythm and blues más sucio. La diva del moño perpetuo y los grandísimos ojos verdes bebía de las raíces y llevaba el blues en la voz… de ahí que las comparaciones con Sarah Vaughan o Nina Simo-ne fueran prácticamente inevitables. Siempre fue y será recordada como un tremendo animal escénico.

Siempre fue y será recordada por ser diferente. Y es por ello que hace tres meses la industria del disco lloraba tan amargamente su rápida partida, escasos como estamos de productos reales –obviando por descontado que los beneficios de su corta pero intensa carrera fueron aplas-tantes-. Cierto es que los compromisos contractuales pa-recieron importar mucho más que la salud de la cantante y compositora londinense y cierto es que se seguirá ex-plotando hasta la saciedad su nombre y su talento. Pero no es menos cierto que Amy Winehouse ha escrito por méritos propios su nombre en el olimpo de los más gran-des. Descansa en paz por siempre pequeña Amy.

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B-CURIOUS · MÚSIVA

Katy B ha revolucionado ella solita el panorama musical británico. ¿Su propuesta? Un poco de dubs-

tep, algo de garage con pizcas de house y electrónica y una base musical clara-mente R&B. Aunque esta mezcla puede parecer un tanto extraña, el resultado es único y le ha servido para colocar varios singles en el “top ten” de la lista británica y su álbum en el #2. Desde sus inicios ha trabajado con algunos de los artis-tas más importantes de la escena elec-trónica (Ms. Dynamite, Geeneus, Zinc, DJ Fresh o Todd Edwards) habiendo conseguido ya un –merecido- nombre propio. El dubstep es un estilo musical prácticamente desconocido fuera del Reino Unido; sin embargo, parece que Katy B es la nueva abanderada del géne-ro tras otros como Big Chocolat, Kevin Martin o Caspa. Este estilo tan peculiar nació en Londres hace poco más de diez

Habrá que esperar a su segundo disco para saber si realmente ha venido para quedarse, aunque el hecho de que tres de sus cuatro singles hayan conquistado lo más alto de las listas inglesas dice mu-cho de su futuro. De seguir por este ca-mino tenemos Katy B para años.

años y ahora está en pleno auge (solo hace falta echar un vistazo a las listas de ventas británicas). Lights On es segura-mente su tema insignia y el que resume a la perfección su sonido único. Diferente, atrevido y pegadizo.Y es que la música británica está de moda. Lejos de quedar eclipsada por grandes estrellas como Adele, Leona Lewis o Jessie J, Katy B se ha hecho un pequeño gran hueco en la escena más alternativa. En ningún momento sientes que la música de esta joven inglesa sea prefabricada, y hoy en día eso no es tan fácil de encontrar. Tal ha sido el éxito de la joven londinense que ha sido una seleccionada para interpretar uno de los temas oficiales de las olimpiadas del próximo año que se celebrarán en su ciudad natal, uniendo fuerzas con el re-conocidísimo DJ y productor Mark Ron-son. Una mezcla explosiva. DANIEL VALLS-HALLING

KatyB


Si hay alguien a quien la madurez y el paso del tiempo sientan bien y no merma un ápice de su talento

musical, ésa es Lucinda Williams. La can-tautora de Louisiana se muestra disco tras disco como el paradigma de la América más tradicional y rural, la que permane-ce en el imaginario colectivo rodeada de carreteras secundarias y áridos parajes, la que se muestra orgullosa de su cultura. Con Blessed, Lucinda vuelve a demostrar que es en el terreno de la melancolía don-de mejor se desenvuelve. Una voz rota que canta letras llenas de honestidad para en-frentarse a los momentos más difíciles que

arrastra la vida en la cara menos amable de Estados Unidos. Es en este contexto donde se desarrolla el último álbum de la veterana artista, donde los sonidos más acústicos re-latan con cierta crudeza la experiencia de vivir, pero se mantienen diversas puertas abiertas a la esperanza y el optimismo.Lucinda Williams ha elaborado un gran dis-co, quizás su mejor trabajo de los últimos años y el menos autobiográfico según pa-labras de la propia autora, donde las can-ciones, vídeos y fotografías muestran que se trata de una obra a corazón abierto, mi-rando directamente a los ojos del que se acerque a ella. JAVIER DECIMAVILLA

MAYA AZUCENA CRY LOVE (Azucena Songs. 2011)

La cantante y compositora americana Maya Azucena regresa con su nuevo disco Cry Love. Con su peculiar fres-

cura y característico afán por concienciar y sensibilizar a la sociedad a través de su mú-sica, la artista transmite especial preocu-pación por la humanidad, con mensajes de esperanza, justicia, amor y autoconfianza en una atrevida y personal combinación de nusoul, hip hop e incluso dancehall. La producción ejecutiva ha estado a cargo de Christian Ver Halen, habitual colaborador tanto en la composición de sus canciones como guitarrista de su banda “The Rooftop”.

El álbum, de once cortes, comienza con una pro-ducción de Pete Miser que da título al CD y las can-ciones se suceden como una alternancia de inten-ciones de lucha y emoción. Así, encontramos temas de gran intensidad como los potentes The half o Warriors (cuyo vi-deo está nominado al mejor video musical en Williamsburg International Film Festival gracias a la producción de Fabrika Pro) y la suavidad de Near o la versión de la preciosa Little guetto boy, de Donny Hathaway, junto al cantante y pianis-ta Chris Rob como broche final. MIRA CIRERA

LUCINDA WILLIAMS BLESSED (Lost Highway. 2011)


37B-CRITIC · BREVES MÚSICA

ColdPLAYAmedida que pasan los años, Col-

dplay han ido perdiendo algo de espontaneidad y autenticidad en

sus propuestas, pero a cambio han ganado efectividad comercial y conocimiento to-tal del negocio. Se han convertido en una banda de pop de estadio gracias a la re-petición de una fórmula más que efectiva.Mylo Xyloto es el quinto álbum de la banda y el segundo a las órdenes del productor Brian Eno, tras el exitoso Viva La Vida Or Death And All His Friends. En él se mantienen las señas de identi-dad propias del grupo inglés. Se trata de un graffiti sonoro donde adquieren gran protagonismo las pegadizas melodías y estribillos coreables, así como el caracte-rístico y personal teclado que acompaña gran número de cortes como Paradise o Charlie Brown, todo ello guiado con pulso firme por el carisma de Chris Martin y su contagiosa voz. También hay cortes que recuerdan al sonido de sus comienzos como el intimista Us against the World, pero no es éste el sonido que domina el álbum, sino más bien todo lo contrario, lo mainstream aparece continuamente en cada corte, claro ejemplo de ello es Prin-cess of China, cantada a dúo con Rihanna.Los londinenses se mueven continua-mente entre el odio y la devoción hacia su música y es precisamente en ese te-rreno en el que mejor se desenvuelven. Para bien o para mal la evolución de Coldplay es clara, de la melancolía en su debut Parachutes han avanzado hasta el apabullante optimismo en sus dos últi-mos discos. Puede que tanta alegría y co-lorido saque de quicio a muchos de sus primeros seguidores, pero han consegui-do llegar a la primera línea de la música popular con un sonido propio y conti-núan ganando adeptos a su causa. Mylo Xyloto no es más que pop comercial de impecable factura, con un buen número de hits en potencia pero escasa repercu-sión artística. JAVIER DECIMAVILLA

CUANDO SE PRESENTÓ EVERY TEARDROP IS A WATERFALL

COMO ADELANTO DEL NUEVO LANZAMIENTO DISCOGRÁFICO DE COLDPLAY, LAS OPINIONES Y SENSACIONES FUERON MUY VARIADAS, DESDE LA CRÍTICA MÁS FEROZ POR UTILIZAR LA

BASE DE RITMO DE LA NOCHE Y ARGUMENTAR ASÍ UNA FALTA TOTAL DE CREATIVIDAD, HASTA EL ELOGIO A LA VALENTÍA QUE SUPONE COGER UN TEMA TAN

CONOCIDO Y CONVERTIRLO EN UN SINGLE AL MÁS PURO ESTILO

DE LA BANDA BRITÁNICA.

PORTADA DE MYLO XYLOTO, QUINTO TRABAJO DE LA BANDA BRITÁNICA

38



VERÓNICAFERREIRO

POR JESÚS ROMÁN

En el libreto del disco defines LAIO, entre otras acepciones, como “raíces”; y cierta-mente es música de raíz, pero si tuvieras que resumir el proceso de creación de este proyecto en una sola palabra, ¿Cuál sería y por qué? Intenso. Porque hemos visto crecer algo desde los inicios, pasando por todas sus etapas y formando parte activa en cada parte del proceso, y eso implica muchas horas, mucha energía, mucho de noso-tros mismos. Ver evolucionar un proyecto creado "con tus propias manos" es muy in-tenso, y eso, no tiene precio.

¿Por qué ha llevado tanto tiempo que este proyecto vea la luz? No contar el apoyo de una multi, ¿Es más un lastre o una opor-tunidad? Han intervenido varios factores. Por su-puesto que no contar con un respaldo discográfico supone un lastre al principio porque implica autofinanciarse y auto-gestionarse todo y eso, como dije an-tes, requiere mucho tiempo y esfuerzo. Dependes de muchas cosas para poder tirar adelante con todo el proceso. Pero a la larga, se ha convertido en una ver-dadera oportunidad. Poder dedicarle el tiempo que deseas a componer, juntarse con la banda a escuchar música, a sim-plemente "convivir"; elegir cada arreglo, darle tiempo a las canciones para que respiren y sepas lo que necesitan… el camino y el aprendizaje es infinito. No digo que con una discográfica no hubié-semos podido hacerlo igual, pero quizás que nadie te ponga fechas, condiciones o límites, en definitiva expectativas, hace que el objetivo sea disfrutar del proceso por el mero placer de hacer música (al final es de lo que se trata).

Cantas en gallego, en inglés, en castellano e incluso despides el repertorio con un tér-mino alemán. ¿Aquello de que los géneros “negros” no aceptan más sonoridad que la del inglés es ya un mito? Cuando escuchas algo y te suena verda-dero y natural, es decir "fluye", supongo que hay que preguntarse por qué. Claro que el idioma influye pero creo que lo más importante son los sonidos. ¡Al fin y al cabo es música! Si se consigue encon-trar el equilibrio entre los sonidos que proporciona cada idioma, el ritmo natu-ral de las frases y la melodía, lo demás

vendrá solo. De cualquier forma, hay que estar al servicio de las canciones, hay que escuchar lo que piden. A priori, es muy difícil imaginar gospel en español, flamenco en inglés o soul en rumano… Sobre todo porque son géneros popu-lares y van unidos a una cultura, a una sociedad determinada. Creo que el secreto está en buscar aquello que nos distingue, lo que nos hace "ser verdade-ros", sea en inglés o en chino. Y si quie-res componer en español, tratar de ser t más tus influencias, no tus influencias y luego tú…es mucho más arriesgado.

LAIO está en las tiendas, ¿Cuál es el si-guiente paso ahora? ¿Hay expectativas de mover el material fuera de nuestras fron-teras? Pues lo más importante para nosotros ahora es tocar todo lo que podamos. Es un repertorio para ser tocado, para transformar las canciones cada concier-to. Lo cierto es que a las pocas puertas que hemos llamado fuera, la respuesta ha sido impactante. Así que claro que sí, en principio no hay límites y trataremos de moverlo fuera.

Danza y canto… ¿Nunca te picó el gu-sanillo de la interpretación?Hace años sí, en alguna ocasión me lo he planteado (hablando de teatro o cine), pero por alguna razón la vida y mis in-quietudes artísticas me han dirigido irremediablemente hacia la música. Y lo cierto es que hoy lo agradezco porque desde que tomé esa decisión, me rela-ciono con mi voz de otra manera, como un instrumento más al servicio de lo que suena, del conjunto. De cualquier for-ma, en mi opinión tanto la danza como el canto, ¿Qué son si no mas que artes para expresarse? Interpretamos coreografías o canciones y estamos a su servicio, para poder comunicarnos con el otro.

Si yo te digo Carmen Rey, tu me dices… Sólo puedo decir cosas maravillosas. Maestra, amiga, música, honestidad, ge-nerosidad... Siempre digo que cantamos/tocamos como somos y Carmen además de ser maravillosa música/composito-ra/cantante es enorme como persona. Pocas personas y músicos he conocido como ella. Y recomendaros su segundo disco, Meu. (Judgad vosotros mismos).

SUENA UN BREVE PASAJE DE LAIO, EL TEMA QUE ABRE

EL DEBUT DE NUESTRA PROTAGONISTA. PULSO EL

BOTÓN DE PAUSA PERO ECHO A ANDAR LA MEMORIA. HA LLOVIDO BASTANTE DESDE LA PRIMERA VEZ QUE TUVE

EL PLACER DE VERLA EN DIRECTO, NO RECUERDO BIEN SI EN EL JUNCO, LA

TEMPO, O ALGÚN OTRO DE LOS TEMPLOS NEGROIDES

DE NUESTRA QUERIDA CAPITAL. ELLA, LA MUJER

DE LA SONRISA PERPETUA, TAN GALLEGA DE CORAZÓN

COMO DE ACTITUD (NO SE ME OFENDAN LOS GALLEGUIÑOS, LO DIGO EN EL MEJOR DE LOS SENTIDOS), HA CONSEGUIDO

AL FIN MATERIALIZAR SU PRIMER ÁLBUM. Y LOS QUE LA CONOCEMOS Y ADMIRAMOS SABEMOS BIEN LO QUE ESO

SIGNIFICA… DICE LA FERREIRO QUE “LAIO SON RAÍCES,

CULTURA, NOSTALGIA…” YO DIGO MÁS, LAIO ES EL

CAMINO DE BALDOSAS AMARILLAS POR EL QUE

VIMOS CORRETEAR A JUDY GARLAND, UN CAMINO HACIA

LOS SUEÑOS. E INSISTO, SABEMOS BIEN LO QUE

ESO SIGNIFICA, QUE A ESTA ARTISTA MULTIDISCIPLINAR YA NO HAY QUIEN LA PARE.

SONRÍO Y VUELVO A PULSAR EL BOTÓN DE “PLAY”…


41B-FAMOUS · ENTREVISTA

La grandeza del que cree en lo eterno de un instante es un frase extraída del octa-vo corte de LAIO. ¿Grabar un álbum en directo permite capturar instantes que de otra forma se perderían? Totalmente, al menos para la música más abierta. Es una apuesta por lo auténtico con lo bueno y lo malo que eso impli-ca. Los momentos mágicos son brutales, pero también hay muchas cosas que hay que sacrificar, pequeños fallos que no se puede evitar que haya en tomas enteras. Merece la pena, sin duda. Es duro acep-tarse a veces porque es la realidad sin artificios, pero eso es lo que somos…

Sé que es pronto para hacer esta pregun-ta pero, ¿Tocarías otros géneros de cara a un nuevo proyecto? Por supuesto, claro que sí. Siempre que sienta que "me veo" en lo que suena, que es de verdad, apostaré por ello. Pero ahora toca asentarse y afianzarse en este proyecto porque hay mucho que rodar, y creo que eso nos dará respuestas y su-gerencias para más adelante tener más claro qué si y qué no queremos hacer. La dirección de las cosas considero que es muy importante, por no decir lo más importante. Y para eso necesitamos "ca-minar", tocar y compartirlo con la gente.

Siempre has citado a Rachelle Ferrell como una de tus influencias con más peso y com-partes con ella el gusto por las armonías complicadas, ¿Puede llegar a ser obsesiva la búsqueda de la perfección técnica?Supongo que depende mucho de la per-sonalidad de cada uno, de su nivel de exigencia y grado de perfeccionismo. De cualquier manera, todos los procesos de aprendizaje tienen etapas, y hasta que interiorizas ciertas cosas es muy difícil no pensar en ellas y no obsesionarse con querer tener todas las herramientas po-sibles para poder ser lo mejor que tus cualidades te permitan. Con los años y la experiencia se va encontrando el equili-brio. Si no, ¿Qué gracia tendría cumplir años? Mi admiración por Rachelle es por lo que me hace sentir, más allá de su grandeza vocal. Creo que posee un nivel de expresividad y una excelencia musical como pocos.

¿Cuál crees tu que es el problema por el que propuestas algo más densas de lo habitual no terminan de llegar al público español mientras en países como Estados Unidos se premia con galardones comer-ciales (los Grammy, por ejemplo) a artis-tas como Esperanza Spalding? Simplemente es algo cultural. En España nos encanta "poner etiquetas", seguir la tendencia que crean otros y, por lo tan-to, despreciar "lo nuevo". Al lado de la palabra jazz en España aparecen a menu-do calificativos como minoritario, com-plejo, música para músicos, etc. Y aunque en parte sea cierto, creo que ahora las cosas están cambiando, que el jazz como música ha evolucionado mucho. Y prue-ba de ello es lo que ha sucedido con Esperanza Spalding. Ha traspasado gé-neros hasta incluso llegar a conseguir un Grammy, porque implica al espectador en su música independientemente de que ese espectador sea amante del jazz o no. Su música, sin ser sencilla "SUENA" sencilla, ella la hace sonar fresca. Como te decía antes, "fluye" y esa es la clave. De cualquier forma, sin ayudas es muy difícil hacer evolucionar ese tipo géneros y darle salida a los proyectos. Creo que a menudo por desconocimiento, la gen-te en España elige lo bueno conocido y no lo malo por conocer. Pero tengo fe y no creo que sea imposible, simplemente hay que dar con fórmulas creativas que funcionen, que aunque sean complejas musicalmente no dejen de ser comuni-cativas. Y ese es nuestro trabajo como

músicos y artistas. Al menos, eso hemos intentado con LAIO. Creo que es la mejor manera de contribuir a que esos géneros más densos y minoritarios dejen de serlo.

¿Qué sueños te quedan por cumplir y qué nuevos se te plantean tras la salida al mercado de este disco?Ahora mismo mi deseo es llevar nuestra música a todos los sitios posibles, com-partirla con toda la gente que podamos y así sacarle el máximo partido a LAIO. Tras la salida del disco no sé qué pasará, las respuestas vendrán después, al ver cómo reaccione la gente ante nuestro trabajo. Me gusta estar en el hoy, pero si tengo que soñar para mañana, deseo que a la gente le emocione y le mueva este trabajo tanto como nos ha emocio-nado a nosotros hacerlo.

Llevas a tus espaldas importantes giras con artistas como Ana Torroja, David Bis-bal o Soraya, además de trabajar como cantante de sesión en innumerables oca-siones. ¿Qué te gusta más de esa otra faceta de tu trabajo? ¿Alguna experiencia para no olvidar durante las giras?De esa faceta me gusta prácticamente todo. ¡¡He aprendido una barbaridad!! (y sigo aprendiendo) Es un regalo poder vivir de la música en cualquiera de sus facetas. Me han dado la oportunidad de trabajar a un gran nivel, conocer, convi-vir y compartir enormes escenarios con grandes artistas y personas. Me ha servi-do y me sirve para probarme a mi mis-ma, conocer mis límites musicales y per-sonales. Se crece mucho porque se vive mucho y muy intensamente, y aunque es duro y agotador, te hace encontrarte con partes de ti mismo que de otra manera sería complicado. Es una gran responsa-bilidad estar formando parte de espec-táculos tan grandes, y la capacidad de trabajo que llegas a adquirir es abruma-dora. Me ha servido mucho la disciplina de la danza para esto. La capacidad de esfuerzo y sacrificio de una persona es ilimitada. Y eso lo he descubierto en mu-chos de estos trabajos. Experiencias para no olvidar? todas!! Cada viaje, cada con-versación, cada escenario, cada persona que he conocido… todo es inolvidable.

"GRABAR UN ÁLBUM EN DIRECTO ES UNA APUESTA POR LO AUTÉNTICO, CON

LO BUENO Y LO MALO QUE ESO IMPLICA. LOS MOMENTOS MÁGICOS

SON BRUTALES. ES DURO ACEPTARSE A VECES

PORQUE ES LA REALIDAD SIN ARTIFICIOS, PERO ES

LO QUE SOMOS..."

42


B-FAMOUS · ENTREVISTA

Atenor de su amplia experiencia como cantante de sesión, coris-ta y vocal coach, era solo cues-

tión de tiempo que viéramos llegar a las tiendas y, lo que es más importante, a nuestros oídos, el debut discográfico de Verónica Ferreiro. Curtida en la mejor tradición jazzística, la cantante de A Co-ruña lucha contra etiquetas orquestando un repertorio de pura fusión en el que ritmos caribeños, soul, funk, swing e inclu-so pinceladas de la tradición celta y el folk se unen en perfecta armonía, proporcio-nándonos uno de los ejercicios musicales más complejos y valiosos que ha parido la reciente historia musical española. Veró-nica es una cantante de matices, con un

vasto registro y una impecabilidad sor-prendentes para su corta edad y es por ello que a través de los casi sesenta mi-nutos de duración de LAIO, grabado en el más absoluto directo entre Madrid y Galicia, encontramos momentos de ver-dadera excelencia: las atmosféricas Floa-ting Lovers y Please, Dont Fall In Love, la extremadamente sensible Stop Your Step! o esos 20, Riverside y LAIO, que hurgan sin prejuicios en los recovecos de lo uptempo… diez canciones a medio camino entre lo orgánico y lo eléctrico con sabor a improvisación jazzera que rozan la perfección técnica y van sobra-das de calidad interpretiva. Recuerden bien este nombre, no se arrepentirán.

En sus más de treinta años de histo-ria, una de las más longevas salas de conciertos de la capital, la Clamo-

res, ha visto desfilar innumerables figuras de nivel, ahora de la escena patria, ahora de la internacional. Jazz, funk, soul, bos-sa… el epicentro cultural de la capital es-pañola no escatima en géneros ni artistas a la hora de ofrecer su programación. No podíamos imaginar mejor marco para que la coruñesa Verónica Ferreiro presentara su mimadísima creación, LAIO. Acompa-ñada por su banda habitual (Rubén Gar-cía a los teclados, Diego Lipnizky a la gui-tarra, Chuchi Crespo a la batería y Sergio Fernández al bajo y la dirección musical) y arropados por un silencio sepulcral poco habitual en las salas madrileñas, comen-zaba la velada a golpe de fado, reivindi-cando con Lela su procedencia gallega y llevando la sensibilidad del público has-ta el máximo nivel. Un tema más, Don’t Waste Your Time de Rachelle Ferrell, nos lleva directamente al comienzo del repertorio de este ambicioso debut. Con LAIO da buena cuenta de su alta ca-pacidad para el “scat”, abriendo un pri-mer tercio bastante cercano al jazz más enérgico, con la única excepción de Ins-tante, seguida de un Floating Lovers de in-fluencias latinas repleto del mejor groove y con un trabajo coral de infarto. Todo

LAIO (Autoeditado. 2011)

SALA CLAMORES, MADRID

EN LA SALA CLAMORES EL PASADO 19 DE OCTUBRE © WWW.TONYMADRID.COM

fluye sin mayor problema, dirigiéndose el sonido hacia el R&B más “smooth”, hasta que aparece en escena la invitada de la noche, Carmen Rey, con la que interpre-ta casi entre lágrimas Crer. Con palabras de agradecimiento y la sonrisa del público ya en el bolsillo cierra con Please Don’t Fall In Love, en uno de los momentos más íntimos del concierto, y Lares, incre-mentando hasta la extenuación sonora el ritmo de la noche. Verónica y los suyos,

también en parte por el buen trabajo de los técnicos de sonido, consiguen un aca-bado impecable. Despedidas. Ovación más que merecida y vuelta a escena con In The Winelight de Kurt Elling. Minutos después decían adiós con la esperanza de pasear este espectáculo de nivel por la geografía española. Auf Wiedersehen canta. Yo me levanto, aplaudo. Como yo, todos los presentes. Esta ha sido, sin duda alguna, una noche mágica.



BienvenidosALextrarradio DELindiepatrio TEXTO ADRIÁN CIUTAT

CARTEL PONY BRAVO

© DANIEL ALONSO

Desde los suburbios de la zona sur tenemos el placer de presenta-ros a Pony Bravo. Ellos son Daniel

Alonso: voz y teclados, Darío del Moral: bajo y guitarra, Pablo Peña: bajo y guita-rra y Javier Rivera a la batería. Esta banda sevillana ha asimilado de manera asom-brosa blues, reggae jamaicano, flamenco setentero, minimal, música etíope y ame-ricana por nombrar las influencias más notables. Tras varias demos y la publica-ción del EP El Miedo a Nada en 2008, aparece ese mismo año su primer larga duración Si bajo de espalda ya no me da miedo (y otras historias). En él encon-trarás doce temas de sonidos fronterizos y dispares con sensación de homogenei-dad, un heredado espíritu coplero, un discurso musical bilingüe, propio, cerca-no y en definitiva un derroche de atre-vimiento que no te dejará indiferente.Pero es con su segundo disco con el que han conseguido un mayor recono-cimiento de crítica y público. Un gra-mo de fe (El Rancho, 2010) es un tra-bajo con una considerable inclinación electrónica, una base rítmica cercana al krautrock y una lírica que se sirve de la ironía y el sentido del humor para la

DE FORMA NATURAL Y PROGRESIVA SE HA IDO

DIFERENCIANDO EL CONCEPTO DE INDIE (PESE A SER SU APÓCOPE) DEL DE

INDEPENDIENTE, SIENDO ESTA DISTANCIA AÚN MAYOR

EN NUESTRO PAÍS. ASÍ DE AQUELLAS BANDAS QUE CAPITANEAN LA ESCENA

INDIE (VETUSTA MORLA, LOVE OF LESBIAN, LORI MEYERS, ETC…) CONOCÉIS DESDE

SUS PEGADIZOS ESTRIBILLOS HASTA LOS NOMBRES

DE SUS LÍDERES MIENTRAS QUE DE AQUELLAS QUE

HABITAN EN LA PERIFERIA DEL INDIE VAGAMENTE

OS SUENAN SUS NOMBRES. CADA UNO EN SU

HÁBITAT DEBEN EXISTIR PERO CREEMOS NECESARIO ACORTAR DISTANCIAS CON AQUELLOS MÁS REMOTOS:

Pony Bravo

crítica (social, económica…) y la mística andaluza. Destacar la colaboración de los catalanes Za! y la surrealista propuesta estética de los carteles de la banda a car-go de Daniel Alonso.Se trata de procesos de autograbación con licencia Creative Commons que en palabras suyas es beneficioso tanto para el oyente (accesibilidad: descarga libre, posibilidad de compartirlo) como para al artista (promoción). Esta for-ma de legalizar su trabajo que llaman Copyleft se ha convertido en un sím-bolo de la actitud de la equina agrupa-ción. Una muy personal y acertada rei-vindicación de la música popular.

Por ya haberles nombrado, desde la región noreste de la península, damos paso a Za!. El mundo y Za!

se dan un sorprendentemente afectuoso abrazo en lugar del cordial apretón de manos esperado. Y es que estos catala-nes mantienen, desde su nacimiento, una estrecha comunicación con la Pachama-ma. En su sonido Asía se asoma, África está omnipresente, suena Brasil, atrona la Norteamérica más hardcore… en su nombre también intercontinentales acepciones: unos espíritus japoneses que invocan al suicidio, una proposición muy común en polaco, una larguísima y boyan-te dinastía árabe… Al menos eso dicen, no te queda claro si es cierto ó lo acaban de improvisar pero con ellos todo es así.Todas estas nacionalidades definen el sonido de la banda que, tras la marcha de Der Buggamaistah a Camboya poco después de publicar su álbum de 2009,

improvisación y al disonante, divergente sonido de la banda. Se podrían llenar de-cenas de páginas intentando describir su música pero sería inconcreto y aburrido así que no lo haré, lo único verdadera-mente fiel es escucharlo. Eso sí, dile adiós a moldes e ideas preconcebidas, y el que avisa no es traidor.Megaflow da nombre a su trabajo de 2011 y supone una vuelta de tuerca a su ya enrevesado sonido. Un amasijo de onomatopeyas, géneros, velocidades que conviven en un medio en principio anár-quico para después revelar una cuidada estructura. Con las sucesivas escuchas la confusión inicial se traduce en gratifican-te euforia. Este trabajo se acompañó de un manifiesto escrito por los componen-tes que refleja lo estratosférico de sus límites y se puede descargar de forma gratuita en su bandcamp. Si tenéis opor-tunidad no os perdáis su directo. Una muestra de a qué suena la detonación de prejuicios y complejos.

ZA!

está formada por tan sólo dos inte-grantes, Papa DuPau y Spazzfrica Ehd.Su primer disco Eki Eki Eki Kazaam! data de 2006 y, pese a mantener el carácter experimental, en él predomina un har-dcore en la línea de At The Drive-In.Con Macumba ó Muerte (2009) se da el verdadero pistoletazo de salida a la



Hablando de grandes directos nos hacemos sombra con la mano para volver a mirar al sur, en

este caso hacia Úbeda. En el horizonte de un polvoriento y turbador desier-to se dibujan las siluetas de Guadalupe Plata. Se trata de un trío: el chamánico guitarrista Pedro de Dios, el baterista Carlos Jimena y Paco Luis Martos, que toca una cuerda de motosierra atada a un palo de madera sujeto a un ba-rreño que ejerce las funciones de bajo.Para encontrar su sonido estos desal-mados decidieron profanar las tumbas de sus bluesmen predilectos (Hound Dog Taylor, Skip James ó Screamin’ Jay Hawkins entre otros), y preparar un cal-dero con un cabello de cada uno, unas cucharadas propias de su tierra natal y una pastilla concentrada de psychobilly.En 2009 publican su primer EP ho-mónimo autogestionado en el que ya destilan su mezcla de hipnosis, obse-sión y sexualidad por medio de oxida-dos y característicos slides de guitarra y demenciales ritmos de percusión.

Guadalupe Plata

Más hacia el interior se encuen-tran tanto la tierra, Zaragoza, como la propuesta de Borja

Laudo conocido como Bigott. Con un sorprendente debut (The Sentimental Sandwich, 2006) y una ambiciosa y ex-tensa continuación (What a Lovely Day Today, 2008), la trayectoria del maño se podría describir como una constante ex-pansión en cuanto a riqueza y talento. . Sus letras en inglés, “porque le sale de los cojones”, están cargadas de un sen-tido del humor que roza el surrealismo.En 2009 aparece su tercer álbum Fin. Los poco más de 25 minutos de folk, country y pop con toques de psicodelia, todos ellos pasados por el filtro personal del artista de cavernosa voz, hacen de éste un tra-bajo amable y de fácil digestión. Cancio-nes cortas, directas, adornadas con be-llos coros femeninos y cuidados arreglos.Tan sólo un año después publica This is The Beginning of a Beautiful Friendship, de nuevo breve pero notable trabajo. Con un sonido minimalista y crudo se trata de su catálogo más pop. En él con-tribuye Clara Carnicer (pareja y musa de Bigott) que junto a Muni Camón en-riquecen el aspecto vocal del proyecto. Uno de los secretos mejor guardados de la canción de autor de nuestro país.

Bigott

SU QUINTO ÁLBUM, THE ORIGINAL SOUNDTRACK, SE PUBLICÓ EL 25 DE OCTUBRE

Su primer larga duración, también ho-mónimo, aparece en 2011. Una “serpien-te negra” y con cascabel a la que oyes arrastrarse por lo que parece un panta-no abre este álbum en el que pulen su blues tóxico, oscuro, primitivo. Los alari-dos de Perico de Dios se oyen lejos, satu-rados, los rasgueos de la guitarra te des-garran la carne. También con plataforma bandcamp para la libre descarga. Intere-santísima propuesta de blues de raíz ca-paz de hipnotizar al más reacio al género.

NO NOS QUEDA ESPACIO PARA ACERCAROS A MÁS SATÉLITES DEL INDIE PATRIO, SIN EMBARGO QUEREMOS DEJAROS ALGUNOS NOMBRES A LOS QUE ESPERO OS ACERQUÉIS PESE A LA AUSENCIA DE INTERMEDIARIOS: GINFERNO, FIERA (PROYECTO POST-PUNK DE LOS COMPONENTES DE PONY BRAVO), LAS BUENAS NOCHES, ORTHODOX, BETUNIZER Y LA OTRA AGRUPACIÓN QUE CONFORMAN LOS ZA! JUNTO CON LOS HERMANOS JUNQUERA, LA ORQUESTA DEL CABALLO GANADOR.COMO DIRÍA BIGOTT ESPERO QUE “ESTE SEA EL COMIENZO DE UNA BONITA AMISTAD”.

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Como contraste, el núcleo central Cosmogony es eté-reo y grandioso y se inspira en los mitos de la crea-ción de la civilización y el universo. Los 9 restantes tratan temas de la naturaleza, que suele asemejar a sentimientos amorosos. Destaca principalmente una rica amalgama de coros en temas como Moon. Virus, el amor insaciable, es probablemente la perla del dis-co y en Sacrifice habla de la falta de valoración del

sacrificio de la pareja.Todo lo que rodea a Biophi-lia supone un avance musical, tecnológico y marketiniano, y es que sólo de la cabeza de la polifacética Björk podían aflorar estas iniciativas. Para la grabación y gira de 3 años, la cantante ha encargado ins-trumentos a medida como un órgano de tubos digital

“Harpsichord”, bobinas Tesla y una lira de péndulo de 10 pies, que combina con harpas, baterías digita-les y efectos que evocan los ruidos de la naturaleza. Además, se ha diseñado una aplicación gratuita de cada canción con animaciones musicales para i-Pad, i-phone o iPod Touch con las que éstas se podrán desestructurar y reconvertir. Aunque mucho más accesible para sus fieles, algo para conocer para los nuevos… MIRA CIRERA

La carrera musical de la ecléctica Björk ha sido, en casi toda su extensión, un alarde de creati-vidad. Su universo es tan personal, que o bien

te entra o bien no te entra. Pero lo que es indudable es que cada álbum que lanza está trabajado milimétri-camente, hasta lo más minimalista de su discografía.Cuando cayó en mis manos su recopilación Greatest hits (2002), quedé prendada de su voz medio hablada medio cantada al estilo islan-dés, y en toda canción encon-traba un algo cautivador. Era rara, pero claramente para bien, para muy bien. Ahora, mi experiencia con su octavo CD es bipolar.Biophilia es una original y atre-vida mezcla de ciencia, ciberné-tica, naturaleza y sentimientos. Una propuesta interesante y atractiva, pero en la que encuentras recovecos tan insólitos que hay que tener flema para sumergirse en ellos con gusto. Dark matter seguida de Hollow son poco más de 9 minutos de tenebrosidad, puede que necesarios para dar credibilidad al “todo” espacial y terrenal que recrea, el cual debe contener belleza y oscuridad, pero los coros electrónicos que parecen presencias extrañas y órganos ultragraves son literal-mente experimentos duros de escuchar.

"TODO LO QUE RODEA A BIOPHILIA SUPONE UN AVANCE MUSICAL,

TECNOLÓGICO Y MARKETINIANO... Y ES QUE

SÓLO DE LA CABEZA DE LA POLIFACÉTICA BJÖRK PODÍAN AFLORAR ESTAS

INICIATIVAS"

björk


POSTPRODUCCIÓN FOTOGRÁFICA DANNIEL ROJAS Y JESÚS ROMÁN

AGRADECIMIENTOS HOTEL SANTO DOMINGO

PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE PATRICIA LEDO

ESTILISMO MIGUEL GARCÍA

FOTOGRAFÍA DANNIEL ROJAS

ES PROBABLE QUE MUCHOS PIENSEN QUE SENTARSE A CONVERSAR CON ALGUIEN A QUIEN RESPETAS A NIVEL PROFESIONAL ES SENCILLO, QUE JUEGAS EN

TERRENO CONOCIDO. DOY FE QUE NO LO ES. OCHO AÑOS DES-PUÉS DE INDIA, CON EL QUE SE ESTRENÓ EN EL (A PRIORI) DIFÍCIL MUNDO DE LA MÚSICA, ECHO LA VISTA ATRÁS Y ME DOY CUEN-

TA QUE HE COMPARTIDO MUCHOS MOMENTOS CON ELLA...

TEXTO Y ENTREVISTA JESÚS ROMÁN

vegaVEGA APARECE POR CORTESÍA DE SONY MUSIC ENTERTAINMENT, S.L.

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¿Qué significado tiene el vuelo 547? Tengo la sensación que para ti esa cuenta atrás, como concepto, es un “empezar de cero”…Creo que La cuenta atrás es uno de mis temas más sociales. Para mi es un hastío ver las cosas que pasan en este mundo mientras nos quedamos impasibles sen-tados en el sillón. Llega un momento que pienso: “No lo soporto, me piro”. Ese es el significado del vuelo 547. Cuando no estás conforme con algo, creo que hay que reaccionar, no te puedes quedar sentado mirando. Es un tema completa-mente social, algo raro en mi, no tiene nada que ver con mi carrera. De hecho, en los textos del libreto explico que es una continuación en temática a Mi propio mundo; cuando lo escribí era mucho más joven y creía que todo era de colores… La cuenta atrás viene a decir que me can-sé de esperar a que llegara ese mundo perfecto.

Córdoba en India. Berlín en Circular. Nue-va York y A Coruña en Metamorfosis. El que conozca tu discografía echará de me-nos las ciudades en este nuevo álbum… Realmente hay una. El más Feliz está ubi-cada entre Finisterra y Santiago de Com-postela porque habla de alguien que hace el camino de Santiago. Hay otra, que se llama Nueva Orleans pero no se incluyó al final en el disco. Probablemente la recu-pere más adelante.

¿El sonido de ese tema es distinto, similar a lo que se asocia a esa ciudad, o sigue la línea del álbum? Es el más parecido a Metamorfosis. Aun-que a muchos les parece que Como yo no hay dos es un single de continuación, creo que dentro de La cuenta atrás, Nueva Orleans es el más cercano a ni-vel de sonoridad. Metamorfosis era un disco más acústico y de sonidos mucho más convencionales, mientras que este es mucho más arriesgado.

No solo están las ciudades… Los números tienen presencia en muchas de las cancio-nes, bien sea para contar estrellas, cartas o simplemente horas ¿Cómo de importan-tes han sido los números en tu carrera?La han condicionado para bien y para mal. Para mal cuando parecía que lo úni-co que importaban eran los números.

Y para bien porque he conseguido bue-nos números, a pesar de que no hayan invertido grandes cifras en mi. Creo que toda mi carrera tiene mucha relación con ellos. Soy una gran amante de los números, me encanta el número 13 al contrario que a mucha gente. Realmente en mi vida, sobre todo en lo profesional, todo ha sido una cuenta atrás desde el principio, como una escalera que tenía que subir y lo he ido haciendo como he podido.

Pero el hecho de que aparezcan números en varios de los títulos de las canciones, ¿Tiene algo que ver con esto?Sí, hay bastante juego con los números. Como por ejemplo en 1906 Estrellas, que habla de estar seguro de lo que quieres ser pero también incluye refe-rencias a ese mimo por Galicia que yo tengo; me encanta la 1906, que es una cerveza gallega. Este en concreto es un tema bastante emblemático para mí de este disco porque es el que mejor repre-senta ese sonido de los 80 que quería y el que tiene un poco más de riesgo para lo que yo vengo haciendo.

Más números: Como yo no hay dos del que hablábamos antes, ¿El famoso ego del artista o reafirmación personal?Reafirmación personal, totalmente. El ego del artista no lo tengo porque me parece una idiotez. Me considero muy igual a la gente que viene a mis concier-tos. Además, soy una defensora a ultran-za del “ser único”, lo digo en Como yo no hay dos y en más canciones del disco, es super importante ser honesto con uno mismo y quererse. También tengo bastante sentido de la autocrítica y del humor, me gusta reírme de mi misma. Diferencio bastante bien un insulto de una broma y, de hecho, me encanta que me piquen con sentido del humor y contesto con un sentido del humor también muy mío, aunque haya gente a la que pueda parecerle algo agre-sivo... Definitivamente, es un canto a la reafirmación personal.

¿En algún momento de estos casi diez años de carrera te ha costado abstraerte del “personaje” de Vega? Le ha costado más al público que a mi, las cosas como son [risas]. Para mi han pasado

...O SIENDO ALGO MÁS REALISTA, CON LA

PARTE DE MERCEDES QUE SE ESCONDE EN

LAS CANCIONES DE VEGA. AGRUPO SU AÚN

MODESTA DISCOGRAFÍA ENCIMA DEL ESCRITORIO

Y PIENSO QUE LOS AÑOS NO HAN PASADO

EN BALDE Y QUE ESAS LETRAS QUE VEGA CANTA

HAN EVOLUCIONADO, DEJANDO VER A UNA

MUJER MADURA, SEGURA DE SÍ MISMA Y ALGO MÁS

OPTIMISTA. CONFIESO ENCONTRARME TAMBIÉN

EN ESE PUNTO DE EQUILIBRIO PERSONAL

QUE DESPRENDE SU NUEVO TRABAJO. Y ES

ESE PARALELISMO LO QUE QUIZÁ ME HAGA

MÁS FÁCIL DEJAR QUE FLUYAN LAS PREGUNTAS.

LO QUE FINALMENTE ACABÓ SIENDO UNA

MÁS QUE AGRADABLE CHARLA. COMIENZA LA

CUENTA ATRÁS…


51B-FAMOUS · ENTREVISTA // EN PORTADA

"EL EGO DEL ARTISTA NO LO TENGO

PORQUE ME PARECE UNA IDIOTEZ. ME CONSIDERO MUY

IGUAL A LA GENTE QUE VIENE A MIS

CONCIERTOS. ADEMÁS, SOY UNA

DEFENSORA A ULTRANZA DEL 'SER ÚNICO'. ES SUPER IMPORTANTE SER

HONESTO CON UNO MISMO Y QUERERSE"

VESTIDO VICKY MARTÍN BERROCALZAPATOS MENBUR


estos diez años con cada día, cada hora y todo lo que tenía que ocurrir. Ha sido un esfuerzo a base de hablar con la gente en los conciertos, estar en contacto directo con ellos, en Internet cuando no había nadie escribiendo un blog y contestando comentarios, para que se dieran cuenta que el personaje que se vendió dista mu-cho de cómo es la persona.

En realidad no hablaba tanto del persona-je de Vega en Operación Triunfo, como del propio hecho de ser un personaje público.Si te digo la verdad, lo llevo muy bien y no lo he asimilado como algo extraño, también porque siempre he puesto una barrera muy grande entre la vida perso-nal y la profesional. Lo que sí tengo muy claro es que cuando salgo por la puerta de mi casa sigo siendo natural y si me sa-ludan, devuelvo el saludo, lleve un ciga-rro en la boca, la cara lavada o esté en zapatillas…

Al hilo de lo que mencionabas de ser de las primeras en tener presencia en Internet, las redes sociales juegan un papel importante en las relaciones públicas de un cantante, y este es un campo que conoces bien (re-cordemos que es licenciada en publicidad y RR.PP.) pero, ¿No crees que exponerse de manera tan cercana al público puede ser un arma de doble filo?Lo es, sin duda. Lo digo siempre. Nunca acabas por enfadarte con la Red porque hay gente que lo valora, lo disfruta y lo toma con el respeto debido. Pero efec-tivamente hay otros que están deseando humanizar al artista no para disfrutar de él como un igual sino para machacarlo. Lo digo abiertamente, hay gente que se aburre, tiene un montón de complejos y todas sus frustraciones intentan pagarlas con alguien que creen “superior” a ellos, aunque estés al mismo nivel; porque si consiguen hundirte, lo consideran una victoria. Realmente muy pocas cosas me alteran el carácter, pero sí lo hace la gente maleducada. Si las críticas son con mala educación, no las acepto y lo digo. No creo en el “ser políticamente correcto” que era muy frecuente en el mundo de los artistas antes porque ya es intrínseco a mi persona ser respetuosa y educada. Ante todo, soy persona antes de ser artista.

Creo que lo dije en Twitter. Me consi-dero en cierta manera como los poetas que no tenían miedo a decir que esta-ban dolidos por la persona amada pero en el fondo lo hacían por necesidad de canalizar. Yo no soy muy de hablar de temas personales, por ejemplo en en-trevistas del corazón, pero no puedo ser más transparente con mis propias can-ciones.

Lo que está claro es que aunque pasen los años, el sello Vega siempre está ahí, ¿Alguna asignatura pendiente a la hora de componer, algo que quieras contar y aún no hayas podido?Puedes cambiar y evolucionar como per-sona pero no hasta el punto de que no se te reconozca. Yo tengo una forma de escribir muy peculiar y eso tiene que es-tar ahí, sino estaría defraudando a mu-cha gente. Con respecto a componer, no tengo nada pendiente, porque soy inca-paz de quedarme con las ganas de con-tar algo. Sin embargo a nivel musical, hay muchos días que me preguntó por qué no me gusta salir con bailarines a actuar [risas]. Soy autora y doy a la canción de autor el valor que merece pero no tengo prejuicios con otros géneros.

Pero también hay un tema más bailable en el álbum, que es precisamente Para Bailar.Sí [risas] Esos son mis experimentos. Es la canción capricho de La cuenta atrás, como ya me pasó con Princesa de cuento en Metamorfosis, que sen-tía que había sacado los pies del tiesto. En esta ocasión he avanzado un poqui-to más, y quizá algún día me veáis con bailarines detrás, aunque lo dudo [risas]. Me apetecía hacer algo más cercano al pop-rock electrónico, aunque tampoco puedes asustar a la gente de primeras. Entiendo que alguien consagrado pue-da permitírselo con millones de euros en una cuenta bancaria. Yo estoy en ese punto en que necesito que el público asimile poco a poco los cambios.

¿Y cómo ha influido Sebastian Krys en este cambio de sonido, el aire ochentero que ya empezó a percibirse en tu último trabajo de manera más orgánica y que ahora evoluciona con otro tipo de elemen-tos como los sintetizadores?Es que se lo pedí. Él, por su edad, tiene

tengo la capacidad de borrar completa-mente. Réquiem resume lo que viví en ese periodo. Está cantada en segunda persona pero es una especie de credo que me hacía a mi misma. Es muy tris-te estar cantándole a la gente que hay un Mejor Mañana cuando tu propia vida personal va en picado. Se pasa mal y es-taba jodida, pero si cantaba ese tema es porque efectivamente creía que existía un mejor mañana. Y aunque tardara dos años en llegar, lo hizo. Lo que sí hay en La cuenta atrás es presencia de ese proce-so de mejora.

Normalmente damos consejos a los de-más que no somos capaces de aplicarnos a nosotros mismos pero el hecho de “des-nudarte” al componer, también puede servir como proceso de autoayuda…

"SOY UNA PERSONA MUY VISCERAL, CUANDO SUFRO, SOY LA MÁS SUFRIDORA DEL

PLANETA. PERO CUANDO ME LEVANTO, TENGO LA CAPACIDAD DE BORRAR COMPLETAMENTE... ES

MUY TRISTE CANTARLE A LA GENTE QUE HAY UN MEJOR

MAÑANA CUANDO TU PROPIA VIDA VA EN PICADO"

De Cuanta decepción de tu anterior tra-bajo, a A tientas se percibe un optimis-mo renovado que se mantiene en toda La cuenta atrás. ¿Cómo han sido estos dos años desde Metamorfosis?Siempre hago referencia a los textos en mis discos, en los que realmente cuento muchas cosas que no se saben. El de A tientas es bastante revelador: es una can-ción que está escrita entre 2009 y 2011. Yo rara vez hago esto; cuando escribo una canción, la termino. Pero concreta-mente con A tientas hay un proceso de recuperación de dos años que se percibe entre lo que conoce todo el mundo de 2009 y lo escrito ahora. Soy una persona muy visceral, cuando sufro, sufro como “La Macarena de Triana”, tengo todos los puñales clavados y soy la más sufridora del planeta [risas] pero cuando me levanto

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B-FAMOUS · ENTREVISTA // EN PORTADA

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mamadísima la época de los 80 y yo, que soy muy fan de Morrisey, le pedí expresamente guitarras como las de los Smiths, o a Bowie… Le llevé las maque-tas y hubo que trasladar todo esto a mi estilo. Para mi es fundamental el trabajo que ha hecho Sebastian. Queremos ha-cer algo especial con uno de mis patroci-nadores, un evento en el que invitemos al público a escuchar las maquetas del disco conmigo, para que vean el antes y el después, que noten como se constru-ye una canción.

Ya que lo mencionas, ¿Qué supone contar con patrocinadores ahora que las cosas no están precisamente bien?Al menos los que yo tengo se han parti-do la cara apoyándome, eso es algo muy difícil. Estoy encantada con ellos y me siento super afortunada. Los videoclips (por ejemplo en el de Como yo no hay dos todos los decorados están construi-dos) suponen una inversión muy fuerte. Igual ocurrió con Lolita o Nueva York. Es una inversión que a día de hoy no haría una discográfica.

Entonces, ¿Cuál es el balance que haces de esa anterior etapa que has dejado atrás con Universal y con Metamorfosis?Con Universal estuve siete años duran-te los cuales no siempre hemos estado de acuerdo. De hecho, recuerdo haber pedido la carta de libertad con Circu-lar. Me pidieron una oportunidad más, hicimos la reedición y realmente cuando llegó Metamorfosis fue una apuesta de Universal Miami, no de Universal Espa-ña. Ese fue un disco que funcionó gracias a los patrocinadores, con videos y giras que costearon ellos. Como Universal no estaba de acuerdo en la forma de enten-der mi carrera y querían mi próximo dis-co para 2013 (ya tenía material grabado), pedí la carta de libertad y me fui sola. Luego apareció Sony…

Justamente de eso quería hablar, ¿En qué forma ha influido Sony Music en La cuen-ta atrás? ¿Te han dado la libertad creativa que necesitaba este proyecto?Estoy feliz porque hice lo que quería ha-cer. Lo costeé yo misma y me fui a Los Ángeles a grabarlo. Ellos se encontra-ron con un disco hecho y lejos de que-rer condicionarme me dieron libertad

para las fotos, el diseño, todo… Les veo trabajar con ganas y todos los días recibo un mensaje preguntándome cómo estoy. También está el hecho de ver mis hojas de promo llenas…

Tu que diriges tu propia editorial (Vega’s Home Music), ¿Qué opinión te merece lo ocurrido con la SGAE? Siempre queda la sensación de que el artista está despro-tegido, bien sea frente al comprador por aquello de la piratería, bien frente a las en-tidades de gestión o las discográficas…Estoy a favor de que se recauden dere-chos de autor, vivo de esto y quiero co-brar por mi trabajo, igual que cualquier otro. Otra cosa es que exista una taquilla indiscriminada. Entiendo que haya una gestión, lo que no puede ser es que a los autores nos llegue una ínfima parte de lo recaudado y haya poca transparencia. No es fácil trabajar desde tu propia edi-torial, pero es lo que hay hasta que se pongan soluciones.

Tampoco se cree en la cultura en este país.Este es el país de la cultura del todo gra-tis. Es más, si nos dejaran entran a un supermercado y coger la cerveza gra-tis, eso haríamos. Pero no es culpa del público, es un problema educacional. Y puedes crear leyes para gestionar, pero no sirven de nada si al mismo tiempo no se educa y se hace ver a la gente que mover a una banda completa tiene un coste alto y no es algo gratuito. Por eso los patrocinadores son casi igual de im-portantes que la propia discográfica, ya que impiden que el precio de los con-ciertos repercuta demasiado en el bolsi-llo de los que compran la entrada, como pasa en Estados Unidos. Otra cosa, y ahí sí que soy muy defensora de la opinión del público, es que habría que encontrar la manera de “justipreciar” las cosas para que se tenga acceso a ello pagando.

Después de que la anterior gira funciona-ra muy bien, sin olvidar el llenazo absoluto del Teatro Lara, ¿Cómo planteas llevar los nuevos temas al directo?Primero banda, luego más adelante haré acústicos. Pero ahora mismo tengo un subidón importante y tengo muchas ga-nas de coger al guitarrista, al batería y ponerme a pegar botes, como ya ocurrió en Galileo. Este es un disco que se presta mucho a ese formato.

Enfundada en su eterna guitarra, dan-do señales más que evidentes de que una letrista a tener en cuenta irrumpía en la escena patria, la cordobesa Vega debutaba de largo ocho años atrás con India a los mandos de Paco Trinidad y la ya extinta Vale Music. Circular llegó años después con las producciones de Nigel Walker y ella siguió girando sin dar la vuelta, dando tumbos por una industria que parecía darle la espalda a canciones sinceras y una voz extre-madamente particular. Metamorfosis aparecía en escena cuando muchos la daban por perdida, trayendo tras de sí una renovada imagen de lolita y un repertorio con ecos del mejor pop-rock de los ochenta que le debe mu-cho a la mano experta del argentino Sebastian Krys. Anuncios, espectacula-res videoclips y una más que decente gira desembocan tras un breve perio-do de tiempo en un nuevo trabajo, La cuenta atrás, en el que la composito-ra termina por lapidar la tristeza que desprende su anterior propuesta. Ya nadie duda que Vega es una mujer con las ideas claras y esto, junto a dos años de recuperación emocional, hacen de esta su mejor apuesta, trayendo de vuelta los 80 más guitarrereros y eléc-tricos. Entre sintetizadores y percusio-nes programadas, con una amplia lista de colaboradores de nivel, Vega pare una colección de canciones optimistas y vitales que terminarán de consagrarla como una de las propuestas más serias del panorama español.

LA CUENTA ATRÁS (Sony, 2011)


59B-FAMOUS · ENTREVISTA // EN PORTADA

RemDESPUÉS DE MÁS DE TREINTA AÑOS DE AUTÉNTICO ROCK, REM

HA ANUNCIADO SU SEPARACIÓN. DICEN QUE YA LO HAN HECHO TODO, QUE ES BUENO SABER “CUÁNDO ES HORA DE RETIRARSE

DE LA FIESTA”. NO HAY VUELTA ATRÁS. COMO YA DIJERAN EN UNA DE SUS CANCIONES MÁS CONOCIDAS, “ES EL FIN DEL MUNDO

TAL Y COMO LO CONOCEMOS, PERO NOS SENTIMOS BIEN”

TEXTO LAURA SERRANO

© ANTON CORBIJN

Y es que la mítica banda de rock alternativo nacida en los ochen-ta no se despide con las manos

vacías sino que el próximo 15 de no-viembre sacarán a la venta su último disco, REM, Part lies, part heart, part truth, part garbage 1982-2011, un reco-pilatorio de sus 40 mejores éxitos que pretende ser un regalo para los miles y millones de seguidores en todo el mun-do que les han mostrado su cariño a lo largo de todos estos años. Losing My Re-ligion, Man On The Moon, Supernatural Superserious, Is the End Of The World As We Know It o Bad Day serán algunas de las maravillas que se podrán escuchar en este CD que además incluirá tres cancio-nes inéditas, A Month of Saturdays, Ha-llelujah y We All Go Back To We Belong.Mucho tiempo ha pasado desde que Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry publicaran en los ochen-ta su primer sencillo, Radio Free Euro-pe, un tema que ya dejaba entrever el futuro prometedor que les esperaba. Durante más de tres décadas han edi-tado 15 álbumes, han abarrotado los estadios de medio mundo, han colapsa-do las radios de todo el Planeta y han vendido más de 85 millones de discos.Hoy, podemos decir que son una de las bandas de rock alternativo más in-fluyentes de la historia, tanto es así que grupos como Nirvana o Radiohead han

que reinaba en ese momento, aposta-ron por los riff de mandolina e iniciaron un camino que pronto les catapultó al Olimpo del rock. Su años dorados los vivieron en los noventa, cuando Losing my religion logró convertirse en un fe-nómeno planetario y discos como Out of Time o Automatic For The People, que mostraban su faceta más madura, les otorgaron un puesto privilegiado en el competitivo panorama musical.Tras la retirada del batería Bill Berry en 1997, REM sufrió un punto de inflexión. Muchos seguidores dicen que ya nunca volvió a tener la calidad por la que eran conocidos hasta entonces, que perdie-ron parte de su esencia. Sea como fuere, los otros tres componentes del grupo decidieron dar un paso más e introdu-cir en sus melodías ciertas pinceladas de música electrónica. Fue durante esta se-gunda etapa cuando sacaron a relucir su lado más combativo, y sus letras se torna-ron críticas con el poder y la frivolidad, y defensoras del medio ambiente, de la de-mocracia y de los derechos humanos.El pasado marzo, REM anunció la salida al mercado de su último disco, Collapse into now, al que han descrito como el trabajo más completo de toda su carrera. Es el final de un sueño que parecía que no iba a acabar nunca. Habrá que esperar hasta el próximo 15 de noviembre para escuchar a REM decir su último adiós.

confesado en más de una ocasión haber-les tenido como fuente de inspiración.Críticos, incómodos con los cánones so-ciales establecidos, honrados, humildes y sin ansias de fama. Así fueron ellos. Cuatro jóvenes con ilusión que desata-ron la locura y lograron emocionar con sus canciones a millones de personas de todas las edades. Nacidos en Georgia a principios de los ochenta, fueron crea-dores de un nuevo género musical en una época en la que el punk vivía sus años de gloria. Con una identidad pro-pia que nada tenía que ver con el estilo

Discografía DestacadaÁLBUMES QUE MARCARON UN ANTES Y UN DESPUÉS EN LA HISTORIA DEL ROCK

MURMUR(I.R.S., 1983)

FABLES OF THE RECONSTRUCTION

(I.R.S., 1985)

DOCUMENT(I.R.S., 1987)

OUT OF TIME(Warner Bros, 1991)

AUTOMATIC FOR THE PEOPLE

(Warner Bros, 1993)

PORTADA RECOPILATORIO PART LIES, PART HEART, PART TRUTH, PART GARBAGE 1982-2011, QUE MARCA EL FIN DE TRES DÉCADAS ENCIMA DE LOS ESCENARIOS.



composiciones en la improvisación y la naturalidad y lejos de querer hacer mú-sica comercial, ellos mismos definen su trabajo como “un punto musical de los 80, guitarras de los 90 y electrónica del 2000”, aunque parezca inevitable encasillarles en algo más cercano al indie-pop o el new age. Lo cierto es que ya cuentan con más de 4.000 seguidores en su facebook.Con el iPad como método de improvi-sación en parte de sus composiciones y tras seis meses de trabajo conjunto, presentan su debut con La Ciudad como primer single, definiendo bien lo que es Belgrado (que significa ciudad blanca) y aportando así energía desde el comien-zo, con una estructura popera, guitarras rock y estribillo rompedor. También po-demos encontrar temas más rockeros (Virus), o por el contrario disfrutar de un ambiente electro-pop más elabo-rado ( Juliette). En total, diez cortes en los que no hay que pasar por alto una versión del conocido tema ochentero de Batiatto, Yo quiero verte danzar, que refleja lo que la banda ofrece al público,

Chema Ruíz (bajo), Inés Pardo (voz) y Mario de Inocencio (gui-tarra, sintetizadores y coros)

conforman Belgrado, nueva banda espa-ñola de pop, rock y electrónica. Aprove-chando el parón de su anterior grupo (El canto del loco), Chema decide reunirse con dos amigos de la infancia, con los cuales ya había colaborado en anteriores ocasiones, para iniciarse en este nuevo proyecto juntos. Los tres cántabros fu-sionan con fuerza y ganas sus diferentes estilos musicales: Chema viene del pop-rock, Inés ha formado parte de Lone Ark como cantante de reggae, aunque también se decanta por el funk y soul, y Mario aporta el toque rock a la forma-ción como hizo en otras ocasiones con Buzzstation, Días Extraños o Algunos Hombres Buenos.Con un nombre potente y sonoro, Bel-grado llega con nuevas ideas que mos-trar. En su álbum debut, titulado de igual forma, nos sorprenden con un estilo diferente al que suele ofrecernos el panorama musical español. Basan sus

Belgrado

que no es otra cosa que bailar en todos los géneros… Tenemos material suficien-te para poder hablar largo y tendido de ellos. El gusto está servido en bandeja… juzguen ustedes mismos. TALY ARJONA

BELGRADO BELGRADO

(Sony Music. 2011)

"BASAN SUS COMPOSICIONES EN LA IMPROVISACIÓN Y LA NATURALIDAD Y LEJOS DE QUERER HACER MÚSICA COMERCIAL,

ELLOS MISMOS DEFINEN SU TRABAJO COMO UN PUNTO MUSICAL DE LOS 80, GUITARRAS DE LOS 90 Y ELECTRÓNICA DEL 2000"


Valiente es el título del segundo dis-co de Rebeca Jiménez, pero es algo más que eso, define con realismo

la situación de la artista en el mundo de la música y, quienes la siguen desde sus inicios, saben que es así, una persona luchadora, aguerrida y con agallas.Bajo la herencia de las grandes songwri-ters americanas y, dando muestras de su vasta cultura musical, Rebeca regresa tras su premonitorio debut Todo llegará con doce nuevas canciones bajo el brazo. La emotividad y el cariño puesto en cada una de las composiciones, junto a la cuidada

producción de Bori Alarcón, dan al disco un sonido realmente profundo, en el que la voz de la cantante suena más sincera y per-sonal que nunca, acariciando cada palabra con la pasión y la elegancia que desprende en cada interpretación. Si a todo esto se añade que Rebeca ha es-tado acompañada en algunos temas por las voces de su hermana Lucía, de la fantástica Vicky Gastelo o del soberbio Carlos Tarque, no es exagerado decir que, tras varias escu-chas, este álbum se convertirá en una pieza imprescindible para muchos amantes del rock español clásico. JAVIER DECIMAVILLA

REBECA JIMÉNEZ VALIENTE (Warner Music Spain. 2011)


63B-CURIOUS · NOVEDADES NACIONAL

Tras haber sacado un par de Ep’s, ya está a la venta el disco debut del grupo de Long Island Twin

Sister. In Heaven es un trabajo prác-ticamente inclasificable, ya que cada canción crea una atmósfera diferente. Sin embargo, podemos hablar de retro pop, indie y dance, un sonido experi-mental que en general parece trasla-darte al pasado, aderezado con efectos de sonido y sintetizadores en ambien-tes que van y vienen envolviéndote en una especie de paz que emboba.

La voz de la cantante Andrea Estella, muy sutil y habitualmente como en un susurro, pasa en muchas ocasiones de un primer a un segundo plano casi como colchón musical. Melodías sencillas (Luna’s theme) y en algunos casos repetitivas pudiendo resultar pesadas, como en la canción principal Bad street, de la que ya han presentado su videoclip. Sorprenden con un tema que me hace imaginar la vieja y desértica Almería, como si de una película del oeste se tratara, probablemente también porque se titula Spain. Cierran el álbum con Eastern Green, donde Eric Cardona se lanza a cantar la misma melodía que sigue a la guitarra, supuestamen-te simple pero con alguna subida de intensidad que la hace más dinámica. MIRA CIRERA

TWIN SISTERIN HEAVEN (Domino Records. 2011)

Con la presentación de su tercer dis-co Soul Is Heavy, a la venta desde el 11 de octubre, Nneka se consa-

gra como una de las indiscutibles grandes voces negras del soul urbano más actual. Nacida en Nigeria y trasladada a Alemania a sus 19 años, la cantante deposita since-ramente sus raíces africanas, fusionándolas con una fuerte referencia reggae y dub, hip hop y soul , imprimiendo en sus composi-ciones una franqueza y naturalidad únicas a través de canciones que nos hablan de política, realidad y creencias. El álbum está producido por DJ Farhot y

mezclado por Tom Elmhirst y Phillippe Weiss, quienes han participado en los úl-timos trabajos de Amy Winehouse, Ade-le o CeeLo Green, entre otros. Además, ha contado con las colaboraciones de Ms. Dynamite en Sleep y la de Black Thought (principal figura de The Roots) en God Knows Why. Su gira europea comienzó el 18 de octubre hasta finales de año actuando en Portugal, España, Francia, Suiza, Alemania, Italia, In-glaterra, Austria, Bélgica, Holanda, Suecia, Noruega, Dinamarca, Polonia y Eslovenia. MIRA CIRERA

NNEKASOUL IS HEAVY

(Epic Records. 2011)

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suyos tomaron prestado el nombre de la famosa canción de David Bowie para su nombre y empezaron a tocar casi a diario en bares y locales de su Brighton natal. Tres meses después ya habían fir-mado con Virgin Records y publicaron su primer sencillo Eddie’s Gun que entró en el top 40 británico. Así nació en fenó-meno de The Kooks. Poco tardaron en llegar las nominaciones y premios.Y las cosas siguieron mejorando para es-tos chicos. Su segundo álbum, ‘Konk’ fue directamente al primer puesto de la lista de álbumes británica. Su sueño se había cumplido. ¿Qué diferencia a The Kooks del resto de grupos brits? Su carisma. Representan la nueva generación del rock británico.Su último disco Junk Of The Heart sigue la misma fórmula que los ha hecho triunfar hasta hoy: guitarras poderosas, melodías pegajosas y una tremenda vitalidad juvenil que engancha a cualquiera. Ahora están dispuestos a conquistar los escenarios europeos y agrandar aún más su historia

El rock británico siempre ha sido una cuna de grandes artistas roqueros. Algunos años atrás Mick Jagger,

Paul McCartney y Eric Clapton, entre (muchos) otros, se dieron a conocer en todo el mundo. Ahora se ha consolidado una nueva dinastía encabezada por Arctic Monkeys, Kasabian o uno de los grupos más de moda últimamente, The Kooks.Desde su debut Inside In / Inside Out The Kooks conquistaron prácticamente medio mundo. Consiguieron siete discos de platino entre los Estados Unidos, el Reino Unido e Irlanda, sin olvidar un dis-co de oro en Australia. En solo cuatro años ya pueden presumir de ser uno de los grupos más y mejor valorados del panorama indie internacional. Sus letras personales pero divertidas, sus riffs de guitarra y su puesta en escena siempre impecable son sus grandes armas.Estos chicos son otra de las muchas bandas que han nacido en Brighton, esa ciudad al sur de Londres y conocida por su inmensa actividad musical. Luke y los

su sueño, y quien sabe, quizás acabarán por igualar los éxitos de las leyendas mu-sicales que escribieron Jagger y compañía.

THE KOOKS JUNK OF THE HEART(Virgin Records. 2011)

LOS NUEVOS PRÍNCIPES DEL BRIT-ROCK

POR DANIEL VALLS-HALLING



Para ti Belén, este proyecto supone ha-cer borrón y cuenta nueva?Para nada. Yo estoy muy orgullosa de todo lo que he hecho hasta ahora. Mi ca-rrera en solitario ha sido dura pero creo que he conseguido muchas cosas. Esta es una nueva etapa sin renunciar nunca a lo que fui. Bel and the Boy es consecuencia de Belén Arjona. Todo surge por algo y todos nos debemos renovar de vez en cuando para volver al epicentro de nuestra creatividad y arte.

Ahora el británico y la madrileña se mar-chan al Reino Unido a probar suerte con ‘We Belong Here’, su primer trabajo con-junto. La razón principal de esta despedi-da es la afinidad estilística de su nuevo so-nido más ochenteno, británico e innovador con el mercado anglosajón “me da pena, pero es un reto”.¿A qué se debe este nuevo rumbo en la carrera musical de Belén Arjona (cantar en inglés, a dúo...)?

Hemos querido hacer un álbum cálido, John y yo llevábamos ya mucho tiempo tocando juntos. El idioma en el que nos comunicábamos era el inglés. Es mi se-gunda lengua ya que estudié en un cole-gio bilingüe y viví años fuera. Estábamos componiendo y todo nos salía en inglés. Un día nos miramos y nos dijimos ¡va-mos a enseñar al mundo estas canciones!

con John me entiendo muy bien, así que decidimos unir fuerzas y aliarnos en este mundo tan complicado.

Describe el sonido y el proyecto de Bel and The BoyEs un sonido pop con reminiscencias electrónicas. Tiene una parte oscura que representa esa búsqueda de lo perdido y otra parte más alegre. Es un disco muy ecléctico con mucha fuerza y pasión.

¿Qué influencias tiene Bel And The Boy?Tenemos muchas influencias. Nos gustan muchos grupos y solistas. Entre otras pueden ser Bat for Lashes, Muse, Alanis Morrissette.

Ahora os vais a Londres a probar suerte. ¿Qué expectativas tenéis?Tenemos muchas pero somos cons-cientes de que va a ser una carrera de fondo. Va a ser un poco a poco. Quere-mos patearnos los clubs y tocar en to-das partes hasta ir creándonos un nom-bre. Una carrera de fondo en definitiva.

¿Es un adiós definitivo a España?¡No! ¡España me lo ha dado todo! siem-pre vamos a volver a España y seguiremos con nuestros conciertos allí aunque será menos a menudo que antes que tocába-mos todos los meses. Al menos una vez cada 2 ó 3 meses vendremos a España.

pero claro ya no podía ser Belén Arjona sola. Nos pusimos y el nombre y nos pu-simos manos a la obra.

¿Cómo y cuándo surgió el proyecto?Surge a finales del 2009. Veníamos de una experiencia agridulce y estábamos perdidos. Estas canciones nos ayudaron a encontrarnos. Fue como hacerle honor a nuestras propia terapia que era escribir.

¿Cómo prefieres trabajar?A mí personalmente me gusta trabajar en equipo. Me gusta el calor de la gente y

BELÉN ARJONA ES SEGURAMENTE UNA

DE LAS CANTAUTORAS ESPAÑOLAS MÁS

RECONOCIDAS DURANTE LOS ÚLTIMOS AÑOS.

CON CUATRO DISCOS A SUS ESPALDAS Y UNA

NOMINACIÓN A LOS GRAMMYS LATINOS, LA

MADRILEÑA HA DECIDIDO TOMAR UN NUEVO RUMBO

CON UN PROYECTO JUNTO AL BRITÁNICO

LANIGAN, O LO QUE ES LO MISMO, BEL AND THE BOY

POR DANIEL VALLS-HALLING

SALA CLAMORES (MADRID)

El primer trabajo de Bel And The Boy es un disco que sorprende, pero en el buen sentido. Cada canción es un mundo distinto. Desde el primer single Best Not To Say It en el que Belén deja atrás su sonido habitual por uno más tras-gresor, pasando por canciones en las que John también se anima a cantar, como la preciosa Stars, hasta Is It Worth It, seguramen-te una de las mejores canciones del disco, una auténtica montaña rusa musical con una letra llena de poesía y emoción. Belén y John han demostrado que realmen-te no hace falta tener millones a tus espaldas para producir buena música. We Belong Here es uno de esos discos para recordar.

BEL AND THE BOYWE BELONG HERE

(Autoeditado, 2011)

El pasado 24 de septiembre Belén y John ofrecieron su último concierto en Es-paña. No es un adiós, es un hasta luego me comenta Belén, ilusionada por este nuevo reto. La sala Clamores de Madrid fue el lugar escogido para esta noche tan especial, y el dúo no decepcionó. La voz de Belén Arjona es un auténtico pla-cer para los oídos, y su nuevo sonido es todo un acierto. No voy a tirar la toalla dijo Belén antes de empezar a cantar el tema insignia de su nueva etapa, Best Not To Say It. Con fuerza, pasión y emoción interpretó cada segundo de la canción. Lo mismo durante una hora y media de concierto en el que no sólo ofrecieron sus temas sino que incluso versiona-ron en acústico el clásico de Radiohead Creep y una vez más, Belén puso los pe-los de punta con esa voz tan especial.

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B-FAMOUS · ENTREVISTA

BELand·the·boy



B ailable y explosivo se presenta este tercer álbum del grupo madrileño. Ritmos contagiosos creados al estilo del funky más setentero que nos transmiten esa sensación intuitiva o, dicho de otro modo, groove en estado puro. Con buenos

arreglos de metales y unas voces impecables, este nuevo trabajo difiere bastante de los dos anteriores: En Strawberry Swan Lake se conjugaba una fusión de estilos que podrían denominarse acid-jazz-lounge. En Madrid Boogie, el funk se mezclaba con electrónica y sonidos étnicos. Con Fire It Up! no podemos por menos que levantarnos de la silla y bailar, o mínimo mover la cabeza de un lado a otro llevando el ritmo de la batería y del bajo. Es precisamente el sonido de las percusiones el que podría haber resultado algo me-jorable, si tuviéramos que poner algún punto negativo… Aún así, catorce cortes con los que poder hartarse de escuchar groove de calidad fabricado en nuestro país y en los que los músicos se visten con sus mejores galas para regalarnos un acabado casi de escenario.

VENUECONNECTIONFIRE IT UP! (Keepin' the groove, 2011)

Venueconnection

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B- CURIOUS · MÚSICA

Venue: lugar en el que se celebra una ac-tuación. Connection: conexión, enlace.¿Escogisteis este nombre buscando hacer un guiño a las bandas de moda de los se-tenta (Sly & The Family Stone, Earth, Wind & Fire), o por el contrario surgió por azar?La verdad es que no lo escogimos por eso, aunque nos alegra que se pueda ha-cer esa asociación. El nombre surgió en el lugar donde se formó el proyecto y nos pareció que reflejaba perfectamen-te el espíritu del grupo, el de conectar con la gente a través de la música y del directo. Quizás deberíamos haber pen-sado en lo difícil que iba a resultar pro-nunciarlo en nuestro país…

Y hablando de nombres, ¿Por qué Fire It Up! para vuestro tercer disco?

Hemos querido hacer un álbum cálido, vivo y analógico, que encienda el ánimo. Fire It Up! es un tema que lo refleja per-fectamente, no sólo por su letra, sino porque además surgió y se grabó en par-te de forma improvisada.

Con Madrid Boogie conseguisteis la in-clusión definitiva de VenueConnection en el mundo del funky jazz. ¿Cuáles son vues-tras expectativas para este nuevo álbum?Muchas gracias, aunque nosotros no lo consideramos así, creemos que nos que-da mucho camino todavía para ser una banda referente del soul-funk o funk-jazz. Con este álbum buscamos llegar a la gente, además de en España, en paí-ses que admiramos musicalmente como EEUU o Reino Unido.

En cuanto a sonidos podríamos decir que vuestros comienzos pasaron por el acid-jazz, evolucionando a un funk-soul mucho más bailable en Madrid Boogie. ¿Seguís pretendiendo que el público se mueva con Fire It Up! o buscáis algo más?Intentamos transmitir un mensaje positi-vo y optimista a la gente a través de nues-tra letras y nuestra música; que disfrute, baile y se divierta al escucharla, al menos durante la hora que dura el álbum. Ya hay demasiadas noticias negativas en el mundo y demasiada música triste, así que intentamos ir en la dirección opuesta.

Imagino que cada nuevo disco supone un reto. ¿Queréis reivindicar con este nuevo

Average White Band, Chaka Khan… y no seguimos porque rellenamos toda la página.

Fire It Up se ha publicado en formato digital, CD y vinilo. ¿Sois partidarios de la distribución en plataformas digitales o por el contrario os veis obligados a adaptaros a estas nuevas formas de difusión?La verdad es que nos gusta Spotify, el CD y el vinilo; consumimos todos los forma-tos de música y creemos que cada uno tiene su momento. Gracias a las platafor-mas digitales podemos tener catálogos inmensos a nuestra disposición con sólo un click, y eso no puede ser malo. Eso sí, nos gusta especialmente el vinilo.

¿Alguna manía o costumbre antes de su-biros a un escenario y mostraros como mejor sabéis hacerlo ante el público?Es curioso que algunos miembros de la banda no pueden comer antes de tocar, y otros no pueden tocar sin comer antes…

Publicáis en esta ocasión a través de vuestro propio sello, Keepin´The Groove ¿Os plan-teáis en un futuro promocionar a otras ban-das españolas que estén comenzando?Acabamos de montar el sello y todavía es muy joven para introducir a otros gru-pos, aunque desde luego lo planteamos en el futuro si Fire It Up! funciona y en-contramos proyectos interesantes.

Una anécdota curiosa que recordéis du-rante un concierto…En un concierto que nos llamaron con muy pocos días de antelación, tuvimos que tocar con un batería con el que nun-ca habíamos tocado ni ensayado. Tuvo que aprenderse todos los temas en dos días y tirar de partituras, nos encontra-mos en el escenario y tocamos allí por primera vez… y salió muy bien, la ver-dad.

Y ya para finalizar, ¿Podríais mencionar algún vinilo imprescindible que no pueda faltar en vuestra colección?Cualquiera de los 70 de Earth, Wind and Fire, suenan brutales, grabar con esa or-questación hoy en día es casi impensable. Nos encantaría que se volviera a valorar la música como se hacía en aquella época para que hubieran más producciones de ese tipo, aunque no parece muy probable.

trabajo un sonido que asemeje más el di-recto, alejándoos así de lo electrónico?La verdad es que has dado en el clavo. La electrónica nos pareció interesante en su momento porque ofrecía sonidos innovadores, pero ahora ya existe muy poca innovación y se utiliza más por co-modidad que por otra cosa, porque es infinitamente más cómodo utilizar ba-ses electrónicas que un batería real, o samplear un Rhodes en vez de utilizar uno auténtico y sufrir el calvario de su afinación, apagadores, martillos… Pero no hemos buscado comodidad en Fire It Up!, sino autenticidad.

En este álbum seguís siendo fieles a vues-tros músicos y a las magníficas voces de Ángeles Dorrio y Karl Frierson. Pero, ¿Quién se ha ocupado en esta ocasión de la composición y letras de los temas?La composición no ha variado sustancial-mente respecto a discos anteriores, los temas siguen surgiendo de las líneas de bajo o de acordes de guitarra, y a par-tir de ahí se incorporan los otros instru-mentos. Luego vienen las voces y las le-tras, que en este disco, son en su mayoría de Karl y Javi. más aun.

¿Cuáles son vuestras influencias musicales y referentes?En este disco nos han influenciado espe-cialmente los discos de finales de los 70 de Stevie Wonder, Herbie Hancock, Earth, Wind and Fire, Brothers Johnson y Geor-ge Duke. Por supuesto, hay muchos más, como Roy Hargrove, Jamiroquai, Incog-nito, Maxwell, D’Angelo, Patrice Rushen,

YA PODEMOS DISFRUTAR DEL RECIÉN PUBLICADO

TERCER ÁLBUM DEL GRUPO MADRILEÑO

VENUECONNECTION, FIRE IT UP!. CON MÁS GROOVE QUE NUNCA, HACEN ALARDE DEL

MEJOR FUNK/JAZZ MADE IN SPAIN. NADIE MEJOR

QUE ELLOS MISMOS PARA HABLARNOS DE SU NUEVO

TRABAJO, RESPONDIENDO A ALGUNAS PREGUNTAS

POR TALY ARJONA


ROBERTO CORTÉS

en la que la artista se muestra desnuda evocando sus sentimientos más profundos y su carácter femenino ante el mundo que le rodea. Le sigue otra balada car-gada de sensualidad So Into You. Bravo, un mid-tempo a piano de los que hacen chascar los dedos y mover la cabeza al ritmo de la base a los amantes del R&B. O I Miss You, uno de los cortes más personales donde Ledisi nos habla sobre el trance que pasa el corazón cuando la persona a la que amamos ya no forma par-te de nuestra vida. En Stay Together, única colabora-ción del álbum, empasta a la perfección con Jaheim a pesar de esa monótona base y esos arreglos más que conocidos en el mundo del R&B. Shut Up (de espíritu optimista), Shine, Hate Me y BGTY, todos ellos tran-siciones del blues al R&B más actual con el siempre exquisito registro vocal de Ledisi. Como broche de oro, el remake de One Step Ahead de Aretha Frankin.Pieces of Me, a pesar de todo, adolece de una falta de creatividad sonora y frescura, echando en falta ese soul más purista que hizo brillar a la cantante nor-teamericana en sus anteriores trabajos. Esperamos más de sucesivos proyectos.

Si hablamos de un estilo musical ligado al R&B contemporáneo, en el que prevalece la devo-ción extrema por el soul clásico, con una in-

terpretación análoga a los sonidos más jazzeros de la década de los 50, 60 y 70, entonces, sólo entonces po-demos hablar del estilo de Ledisi Anibade Young. Esta cantante, actriz, compositora y productora publica su cuarto disco, editado bajo el prestigioso sello Verve Forecast y lo hace de una manera un tanto lineal y bastante alejada de lo que fueron sus anteriores éxitos discográficos. Pieces of me es el resultado de la suma de doce temas que muestran esas facetas de su per-sonalidad, ese complejo puzzle que incluso evocando a grandes como Aretha Frankin, Billie Holliday o Patti La Belle no termina de casar. Ledisi posee una voz prodigiosa, única dentro del género soulful y en éste rompecabezas sólo nos muestra ritmos programados con poca creatividad e interpretaciones vocales bas-tante ligeras para lo que nos tiene acostumbrados.Haciendo un repaso por el repertorio encontramos Pieces of Me, primer single del álbum, una balada en la que destaca el piano y la voz de Ledisi, toda una oda

"PIECES OF ME ES EL RESULTADO

DE LA SUMA DE DOCE TEMAS QUE

MUESTRAN ESAS FACETAS DE SU

PERSONALIDAD, ESE COMPLEJO PUZZLE

QUE INCLUSO EVOCANDO A

GRANDES COMO ARETHA FRANKIN, BILLIE HOLLIDAY O PATTI LA BELLE NO

TERMINA DE CASAR"

LEDISI PIECES OF ME (Verve Forecast. 2011)

70


B-CRITIC · MÚSICA

Algo refrescante en el panorama actual, donde sin ningun tipo de complejo se vis-te a púberes como las... estrellas del pop que quizás algún día serán. La madurez de su voz y la influencia de su madrina mu-sical dejaban claro que Dionne es mucho más que una obra de caridad de Amy.Por si cabían dudas, este año se ha lanza-do el que podría decirse que es el verda-dero debut de Dionne: Good For The Soul. Todos los cortes están co-escritos por ella misma. A sus 15 años, forma par-te del legado dejado por Winehouse, y como tal no cabría esperar ningún tipo de plástico injustificado y artificios. El dis-co suena como el de una Amy de la era Back To Black con 15 primaveras. Una exquisita producción a mano de Paul O'Duffy ( Dusty Springfield, Barry Mani-low y la propia Amy), en el cual Dionne aborda con suavidad y soltura un reper-torio dulce, pegadizo y muy apropiado para una chica de su edad. El sonido no

La primera vez que oimos cantar a Dionne Bromfield contaba tan solo con 13 años. Era un video casero,

en el que una amiga de la familia la acom-pañaba a la guitarra. Detrás de la cámara, estaba un tipo de aspecto taciturno que parecía impresionado con el talento de la pequeña. Hasta aquí todo sería una his-toria ordinaria más, si no fuera porque la guitarrista era Amy Winehouse, y el cá-mara Pete Doherty. Dionne enterneció a muchos con su versión dulce y aniña-da de If I Ain't Got You de Alicia Keys.Su madrina, que también era filántro-pa, confió en ella desde ese instante y no dudó en ficharla para su sello disco-gráfico: Lioness Records. Introducing Dionne Bromfield fue el debut del se-llo y de Dionne como artista. En él se nos presentó a una niña, vestida como tal, cantando versiones de hits de los “girl groups” de los 60 (Foolish Little Girl, Mamma Said, My Boy Lollipop...).

podría ser otra cosa que vintage. Dionne canta como si fuera la lider de una girl band de chicas malas, pero en temas tan tiernos como Too Soon To Call It Love des-cubrimos que en realidad no es Rizzo, sino un híbrido entre ella y Sandy. Esa vulne-rabilidad quizas solo fruto de su edad ha-cen de su música un producto irresistible y apto para cualquier momento y estado de ánimo. No en vano, el disco cuenta con 14 temas en su versión normal, de los cuales tan solo 3 son prescindibles.No tiene tantas aristas como su mentora, pero poco a poco ira desprendiéndose de la etiqueta de "Winehouse para niños" y podrá hacerse un hueco con su propia identidad. PABLO DELGADO

"UNA EXQUISITA PRODUCCIÓN A MANO DE PAUL

O'DUFFY ( DUSTY SPRINGFIELD,

BARRY MANILOW Y LA PROPIA

AMY), EN EL CUAL DIONNE ABORDA

CON SUAVIDAD Y SOLTURA UN

REPERTORIO DULCE, PEGADIZO Y MUY APROPIADO PARA

UNA CHICA DE SU EDAD"

DIONNE BROMFIELD GOOD FOR THE SOUL (Lioness Records. 2011)



BARCEPOR

A TRAVÉS DE LA PROPUESTA QUE MIEL ARQUITECTOS PRESENTÓ HACE ALREDEDOR DE UN AÑO, PODEMOS CONOCER BARCELONA DESDE UN PUNTO DE VISTA MÁS ARQUITECTÓNICO MEDIANTE VISITAS TURÍSTICAS A LOS SITIOS MÁS REPRESENTATIVOS DE LOS PRINCIPALES MAESTROS

CATALANES: ENRIC MIRALLES, ANTONI GAUDÍ E ILDEFONS CERDÀ.

PASEOS

MERCADO DE SANTA CATERINA, DISEÑADO POR ENRIC MIRALLES // MÁS INFORMACIÓN SOBRE BAW EN WWW.MIELARQUITECTOS.COM/BAW/

LONA

ARQUITECTÓNICOS

TEXTO CRISTINA JOVER

ENRIC MIRALLES (BAW 1)

Es considerado como el arquitecto español de su generación con más proyección internacional. Murió en

el año 2000 a causa de un tumor cerebral sin poder ver acabadas varias de sus mejo-res obras que estaban a punto de empezar.

“La BAW.1 es un viaje sosegado desde los cimientos de Barcelona hasta la realidad actual, acompañados por las ideas y mo-dos de operar de Enric Miralles, malogra-do genio que junto a Benedetta Tagliabue diseñaron una de las más brillantes obras de arquitectura de esta ciudad, el Merca-do de Santa Caterina.”

SON 3 PASEOS DIFERENTES DIRIGIDOS POR AQUITECTOS

CON ANDAR CRÍTICO Y POSICIÓN CONTEMPORÁNEA, CON LA PRINCIPAL INTENCIÓN

DE MOSTRARLE AL PÚBLICO LA CIUDAD DE BARCELONA,

ALTAMENTE RECOMENDADOS POR SU RIQUEZA DE CONTENIDO Y CONOCIMIENTO SOBRE CADA

UNA DE LAS OBRAS, POR UN PRECIO DE UNOS 25 EUROS

(23 EUROS GRUPOS DESDE 3 PERSONAS Y 20 EUROS GRUPOS

DESDE 10 PERSONAS) POR CADA TOUR DE APROXIMADAMENTE

2 HORAS. TODO UN LUJO CULTURAL DEDICADO A TODOS

LOS PÚBLICOS CON CIERTO INTERÉS POR LA ARQUITECTURA

Y POR DESCUBRIR LAS IDEAS, LOS CONCEPTOS Y LAS HISTORIAS

QUE DIERON FORMA A LA ACTUAL BARCELONA.

ENRIC MIRALLES (BAW 1)

CASA MILÀ, EMBLEMA DEL ESTILO DEL ARQUITECTO ANTONI GAUDI

ANTONI GAUDI (BAW II)

Fue el máximo representante del modernismo ca-talán. Con su gran capacidad para ver sus obras tridimensionalmente en su cabeza, realizaba hasta

el más mínimo detalle en ellas, personalizándolas con su sello, con su exquisitez a la hora de esculpir hasta el pomo de una puerta. La obra de Gaudí es una bús-queda constante de la perfección del arte, de la perfec-ción personal y de la perfección de la sociedad humana.

“La BAW.2 es el retrato de ese sueño sinuoso que llevó a Gaudí desde su inquietud por lo social, en una Barcelona en plena expansión metropolitana, hasta su inmersión en lo divino, viendo en la monumentalidad la síntesis final de lo arquitectónico y convirtiéndose así en “el último constructor de catedrales.”

ILDEFONS CERDÀ (BAW III)

Fue un urbanista, ingeniero, jurista, economista y político. Reconocido por ser el creador del Ensanche de Barcelona cuando en 1859 se aprobó su proyecto, crean-do con ello la nueva ciencia de la urbanización y el comienzo de la actual Barelona.

“Con la BAW.3 viajaremos al origen de las líneas maestras que trazó Ildefons Cerdà sobre el plano de Barcelona, aquella malla cuadrangular de 133×133 m sin límites ni jerarquías ni periferias que ha otorgado a Barcelona la condición de ciudad racional y avanzada tanto técnica como socialmente.”

VISTA AÉREA DE LA CIUDAD DE BARCELONA EN EL QUE SE APRECIA EL TRAZADO PROPUESTO POR CERDÀ


73B-CREATIVE · ARQUITECTURA

ILUSTRACIÓN PERTENECIENTE A ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, EDITADO POR EDELVIVES

ANA JUAN SE HIZO CON EL PREMIO NACIONAL DE ILUSTRACIÓN EL PASADO AÑO. EN ESTA OCASIÓN LE TOCA EL TURNO A EMILIO URBERUAGA, AUTOR DEL ARCHICONOCÍDO

MANOLITO GAFOTAS DE ELVIRA LINDO. ESTOS Y OTROS NOMBRES SON EL PASADO Y EL PRESENTE DE LA ILUSTRACIÓN

CONTEMPORÁNEA. PERO EN B-SIDE QUEREMOS HACER UN REPASO MUY NUESTRO POR LA OBRA DE ALGUNOS DE LOS

ILUSTRADORES MÁS INTERESANTES DEL PANORAMA ACTUAL.

especialilustración

AMBAS PIEZAS SOBRE ESTAS LÍNEAS CORRESPONDEN A CYRANO, UNA DE LAS OBRAS MÁS FAMOSAS DE LA ILUSTRADORA FRANCESA

RÉBECCA DAUTREMER

La ilustradora francesa Rébecca Dautremer, nacida en Galp en 1971, se ha convertido en una de las figuras indispensables de la escena europea. Empezó a desa-

rrollar su estilo clásico con tintes de la escuela flamenca estu-diando grafismo en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París. Desde entonces su obra no ha parado de desarro-llarse, abalada por el éxito editorial de cuentos como Prin-cesas Olvidadas, Cyrano o Diario Secreto de Pulgarcito y la buenísima acogida de sus exposiciones por toda la geografía mundial. Más allá de la literatura infantil, Rébecca también al público adulto por la sobriedad de su trazo y la elegancia de cualquiera de sus ilustraciones.

PORTFOLIO ONLINE DE REBECCA DAUTREMER: www.rebeccadautremer.com


75B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

ILUSTRACIÓN CENTRAL PERTENECIENTE A UNA ANIMACIÓN PARA ROYAL BANK DE CANADÁ. // ABAJO IZQUIERDA: PORTADA DEL LIBRO CATS NIGHT OUT DE CAROLINE STUTSON. ABAJO DERECHA: STORMING THE CAPITAL

76


B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

JON KLASSEN

ILUSTRACIÓN "ICE CASTLE AND EVIL CASTLE

nfluenciado, en sus propias palabras, por nombres tan dispares como Charlie Harper, Pieter Bruegel o Saul Bass, el canadiense Jon Klassen (más concreta-mente nacido en Ontario aunque ha pasado buena parte de su vida en los Estados Unidos) demuestra un potente ojo para la composición, bien sea en animación, bien en ilustración física, jugando permanentemente con formas rectas, degradados de color y texturización vintage. En su amplio portafolio de trabajo llama la atención su contribución a la larga lista de videoclips de la banda U2 con I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight de su último trabajo discográfico No Line On The Horizon.

PORTFOLIO ONLINE DE JON KLASSEN: www.burstofbeaden.comI



EN EL SOBERBIO TRABAJO DE ALEX DUKAL DESTACA EL USO DEL COLOR Y EL TRATAMIENTO DE LA LUZ

PORTFOLIO ONLINE DE ALEX DUKAL:www.circografico.com.ar PARA SEGUIR DÍA A DÍA SU TRABAJO Y APORTACIONES:http://alexdukal.blogspot.com/

ALEX DUKAL

Originario de la Patagonia, el ilustrador Alex Dukal muestra un dominio absoluto de las luces y el color, protagonistas indiscutibles de sus historias. A medio camino entre la

literatura infantil y el trabajo para agencias, el argentino sigue de-sarrollando su labor artística, si bien en los noventa hubo espacio en su carrera para la docencia, la pintura e incluso el diseño web. Sus composiciones, ciertamente surrealistas, mezclan paisajes y personajes de toda índole generando un todo lleno de enigma y en el que pesa por encima de todo, la calidez. Todo un maestro en la sombra al que seguirle la pista.

78


B-CREATIVE · ILUSTRACIÓN

TAKASHI MURAKAMI

ARRIBA: TAN TAN BO PUKING - A.K.A. GERO TAN (2002) // ABAJO IZQUIERDA: MERCHANDISING DEL ARTISTA JAPONÉS CON SUS ARCHICONOCIDAS FLORES. // ABAJO DERECHA: PORTADA DE GRADUATION DEL RAPERO KANYE WEST

A sus casi 50 años, el japonés Takashi Murakami ha consegui-do posicionarse como una de las

voces clave del movimiento pop en la se-gunda mitad del siglo pasado. Su cada vez más exitosa carrera trasciende los límites del propio arte, dando paso a una impor-tante mercadotecnia generada con toda clase de productos de su firma y sello. Llegando incluso, tal es la extensión de su impronta, que se le considera precursor del Superflat, una suerte de movimiento post-modernista basado en el manga y el cómic, con ciertos resquicios de la tradi-ción japonesa clásica. Su relación con la música se hizo patente cuando desarrolló la dirección creativa de Graduation, ter-cer álbum del rapero Kanye West.Abre bien los ojos, porque tras pasar por el MOCA de Los Ángeles, el francés Ver-sailles o el Guggenheim bilbaíno, es posi-ble que puedas ver la obra del japonés en tu ciudad en los próximos meses.

MURAKAMI NO ES UN ARTISTA AL USO. DE AHÍ QUE SE DEBE VER POR REDES SOCIALES COMO TWITTERwww.twitter.com/takashipom_en



franrifécesc

TEXTO CRISTINA JOVER

RESTAURANTE ARROP (VALENCIA) © FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com

EL CATALÁN FRANCESC RIFÉ ES YA UNO DE LOS DISEÑADORES MÁS PRESTIGIOSOS DEL CIRCUITO NACIONAL

CUANDO OBSERVAS DISTINTOS TRABAJOS SUYOS, PUEDES VER QUE TODOS TIENEN

LO MISMO EN COMÚN. HAN PASADO MUCHOS AÑOS DESDE QUE FRANCESC

RIFÉ EMPEZARA CON SU CARRERA, CUANDO ALLÁ POR 1994, DESPUÉS DE

VARIAS COLABORACIONES CON OTROS ESTUDIOS, DECIDIERA FUNDAR SU PROPIO

ESTUDIO. EN CADA UNA DE SUS OBRAS OBSERVAMOS SIMPLICIDAD (LEJOS DE

DENOMINARLA MINIMALISMO), ORDEN ESPACIAL Y PROPORCIÓN GEOMÉTRICA.

Así defiende su filosofía de trabajo. Y es que este dise-ñador catalán, siempre busca el equilibrio entre todo ello como resultado de la propia funcionalidad que ne-

cesita cada espacio. Por ello, cada estancia la convierte en única, dotando al proyecto con la personalidad que se busca mediante la combinación de materiales y el diseño de distintos muebles. Tanto proyectos de interiorismo comercial como privados, nacionales o internacionales, Francesc Rifé se plantea las obras analizándolas hasta el mínimo detalle, para poder ofre-cer la mejor propuesta lejos del interiorismo estándar. Para él, el espacio es el auténtico lujo. Haciendo alarde de que la excelencia es su día a día, Os ofrecemos una breve recopila-ción de algunas de sus últimas obras.


81B-CREATIVE · INTERIORISMO

COMO SI DE UNA JOYERÍA SE TRATASE, LOS PASTELES SON EXPUESTOS EN VITRINAS DE CRISTAL A MODO DE RELIQUIAS. ADEMÁS DEL AMARILLO COMO PUNTO FUERTE,

DESTACA QUE LAS VITRINAS SEAN EL ESPACIO QUE CONFECCIONA LAS ESTANTERÍAS INCRUSTADAS EN LA PARED © FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com más fotos de este proyecto en http://www.fernandoalda.com/index.php?Opc=105&Lng=1&Par1=480&Par3=22

PASTELERÍA POMME SUCRE(OVIEDO)

82


B-CREATIVE · INFOGRAFÍA

VIVO EJEMPLO DEL EQUILIBRIO ENTRE LO ANTIGUO Y LO NUEVO. SIN PERDER NI UN ÁPICE DE ELEGANCIA, CONSIGUE, MEDIANTE LA COMBINACIÓN DE PIEDRA Y

CRISTAL, CONFECCIONAR UN AMBIENTE ESPECIAL CON LA AYUDA DE PUNTOS DE LUZ SUSPENDIDOS A DIFERENTES ALTURAS DEL TECHO. © FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com // más fotos de este proyecto en http://www.fernandoalda.com/index.php?Opc=105&Lng=1&Par1=510&Par3=22

RESTAURANTE ARROP

(VALENCIA)


83B-CREATIVE · INFOGRAFÍA

LA PIEDRA ES LA PROTAGONISTA DE ESTE PROYECTO, CONTEMPLANDOSE EN LA ESTRUCTURA QUE CUBRE EL TECHO. HA SIDO REALIZADA MEDIANTE DESPIECE

SIGUIENDO UNA CUADRÍCULA QUE CREA ESPACIOS EN NEGATIVO PARA CAMUFLAR EL PASO DE LAS INSTALACIONES © FERNANDO ALDA www.fernandoalda.com más fotos de este proyecto en http://www.fernandoalda.com/index.php?Opc=105&Lng=1&Par1=592&Par3=22

RESTAURANTE NU(GIRONA)

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B-CREATIVE · INTERIORISMO

TIENDA NINO ÁLVAREZ

(ANNEX)

UNO DE LOS PUNTOS FUERTES DE ESTE LOCAL ES EL TECHO DE CRISTAL SUSTENTADO POR LAS VIGAS (ALGUNAS MERAMENTE DECORATIVAS) QUE SE HAN DEJADO VISTAS, OFRECIENDO LUZ NATURAL A TODO EL ESPACIO


85B-CREATIVE · INTERIORISMO

LOOKBOOK

OtoñoEL OTOÑO POR FIN ESTÁ ENTRE NOSOTROS. LA ESTACIÓN QUE MUCHOS ESTABAN ESPERANDO

PARA LUCIR SUS MEJORES GALAS. LOOKS DE TEMPORADA DE INSPIRACIÓN RETRO QUE VAN DESDE EL VINTAGE MÁS CINCUENTERO Y ELE-

GANTE HASTA LA ESTÉTICA ROCKERA MÁS CA-SUAL. B-SIDE TE LO PONE FÁCIL SI QUIERES ESTAR A LA ÚLTIMA. ATENTO A NUESTRAS PROPUESTAS.

ESTILISMOS DORY ÁLVAREZ ABAD

ILUSTRACIONES CARLOTA HERNÁNDEZ

2011

CAMISETA GRÁFICA DE COS - 29 €

Midnight / Él

PANTALÓN DE H&M - 19,95 €

CARDIGAN DE LANA MERINA DE H&M - 34,95 €

BLUTCHER DE PIEL DE ASOS

TROLLEY DE CABINADE ZARA- 79,95 €

RELOJ BICOLOR DE WEARESELECTERS - 17,48 €

CINTURÓN DE PIEL DE COS - 39 €

PORTADOCUMENTOS DE ZARA - 17,95 €


87B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

Midnight ) Ella

MITONES DE PIEL CON TACHUELASDE FRIIS & COMPANY - 29,95 €

BLUSA DE GASA SIN MANGAS DE TOPSHOP

PANTALONES SASTREDE ZARA - 45,95 €

JERSEY DE PUNTO METALIZADODE DOROTHY PERKINS

MÁSCARA DE PESTAÑASDE LANCÔME - 25 €

SUJETADOR DE SEDA DE TOPSHOP

BROGUES DE PIEL METALIZADA DE TOPSHOP

88


B-TRENDY · TENDENCIAS TEMPORADA

Vino tinto ) Él

CAMISA DENIM DE ALGODÓNDE COS - 59 €

AMERICANA DE TERCIOPELODE H&M - 49,95 €

BOTINES BROGUES DE PIELDE MANGO - 129,95 €

BOLSO BOWLING DE PIEL Y SINTÉTICODE ZARA - 139 €

CAMISETA DE ALGODÓNDE H&M - 9,95 €

GAFAS ESTILO "RETRO"DE WEARESELECTORS - 14,50 €

CALCETINES TRICOLORESDE COS - 12 €



Burgundy ) Ella

BLUSA SATINADA ESTAMPADA DE COS

BOLSO SATCHEL DE PIEL DE MISSELFRIDGE - 52 €

FALDA LÁPIZ DE TOPSHOP

CAMISA DE CREPE COMBINADA DE TOPSHOP

ZAPATOS GLITTER DE PEDRO GARCÍA

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Nómada ) Él

JERSEY DE PUNTO MELANGE DE COS - 79 €

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VAQUEROS SLIM-FITDE COS - 79 €

BOTAS DE PIEL DE ZARA - 69,95 €

BUFANDA DE DOBLE FAZ DE COS - 25 €

CALCETINES JACQUARDDE ASOS

LLAVERO MOSQUETÓNDE COS - 12 €



Grunge ) Ella

PARKA CON CAPUCHA DE PULL&BEAR - 49,99 €

CHAQUETA DE LANA Y PIEL DE COS - 125 €

CAZADORA-CHAL DE PIEL DE HAIDER ACKERMAN - 2598 €

GORRO DE LANA CABLEADADE TOPSHOP

ZAPATILLAS DE NOBUK DE HOSS INTROPIA

SUJETADOR Y TANGA DE ALGODÓNDE BLANCO - 8,99 € y 3,99 €

BOLSO BANDOLERA DE LONA Y PIEL DE ZARA - 49,95 €

92



Posguerra ) Él

AMERICANA DE ALGODÓN ATERCIOPELADO DE COS - 175 €

POLO DE PIQUÉ CON CUELLO DE TARTÁN DE FRED PERRY - 60 £ (70 €)

CHINOS "RELAXED" DE ALGODÓN DE COS - 69 €

BLUTCHER-DEPORTIVOS DE ANTE DE FRED PERRY

PAJARITA BURDEOS DE EL GANSO - 25 €

GORRA DE CUADROS DE EL GANSO - 30 €

CALCETINES RAYADOS DE COS - 5 €



ABRIGO DE LANA DE MIU MIU

BLUSA DE SEDA ESTAMPADA DE TOPSHOP

VESTIDO DE ALGODÓN DE MANGA FRANCESA DE COS - 79 €

ZAPATOS ABOTINADOS DE SERRAJEDE DOROTHY PERKINS

GUANTES DE PIEL CON PELODE BIMBA&LOLA - 92 €

BOLSO DE PIEL DE ZARA - 89,95 €

Posguerra ) Ella

GAFAS DE SOL NACARADASDE BIMBA&LOLA - 85 €

COLONIA GLAMOUR 100ML.DE MOSCHINO - 82,5 €

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IMAGEN DEL LIBRETO DE WATCH THE TRHONE CON RICCARDO TISCI AL FRENTE DE LA DIRECCIÓN CREATIVA

RICCARDO TISCI

Hablar de Riccardo Tisci es hacer-lo sobre el nuevo glamour góti-co. Su estilo romántico, a la vez

que intimista, sensual y melacólico, refleja su pasado personal y convierte el estilo de este joven milanés en uno de los hits más cotizados del panorama no solo de la moda sino del arte actual.Todas sus creaciones están cargadas de un tamizado estilo gótico. Un oscuran-tismo dinámico, fresco y muy rock. Ro-zando lo trash, Tisci siempre sabe como dotar a sus creaciones de un inteligente sentido de la medida. Un equilibrio ideal de formas entre una geometría dura y arriesgada acompañado de un moderno barroquismo con el que consigue una bella armonía musical de formas, perfec-ta para no dejar indiferente a nadie.Al margen de su faceta como director creativo de Givenchy, y su rumoreada sucesión como cabeza de la firma Dior, el italiano se ha hecho cargo del diseño de Watch The Throne, una de las cola-boraciones más controvertidas del año, entre los raperos Kanye West y Jay-Z. LUIS ALBERTO BERRENDERO

KANYE WEST & JAY-ZWATCH THE THRONE (Roc-A-Fella R./Def Jam 2011)

Bastante acertada es la frase con la que Jay-Z y Kanye West han deci-dido titular su primer álbum con-

junto. Watch The Throne, o lo que viene siendo para los hispanohablantes, “vigila el trono”. Y es que de manera individual son los cabezas de cartel del hip-hop mundial; todo lo que tocan lo convierten en oro y no tienen ningún tipo de intención de abandonar el sillón de reyes de la industria estadounidense. En conjunto no tenía por qué ser diferente, así que el de New York y el de Atlanta visten sus mejores galas para ofrecernos un disco opulento, en el que el barroquismo sonoro y la autocomplacen-cia más gratuita se unen en un ejercicio de vanalidad absoluta. Para rematar esta muestra de presuntuosidad, nada como contar con la cara más cotizada de la moda

mundial, Riccardo Tisci. Con todo, y te-niendo en cuenta que no se asemeja en nada a la obra maestra que West nos dejó el pasado año (My Beautiful Dark Twisted Fantasy), encontramos momentos de alto nivel y verdadera vanguardia… No Church In The Wild, Why I Love You, Murder To Ex-cellence o ese oscurísimo Ni**as in Paris dan ejemplo. JESÚS ROMÁN


95B-FAMOUS · RICCARDO TISCI

JESÚS DEL POZO ATENTO A LOS DETALLES ENTRE BASTIDORES DE LA COLECCIÓN OTOÑO/INVIERNO 2011/2012


JesúsPozomy·man

DEL

TEXTO ESPERANZA GARCÍA CLAVER

FOTOGRAFÍA BACKSTAGE JAVIER TOMAS-BIOSCA

www.javiertomasbiosca.com


ESTE VERANO VEÍAMOS PARTIR A LA AGUJA DE ORO DE LA

MODA ESPAÑOLA, DEJANDO ATRÁS CASI CUATRO DÉCADAS

DE CARRERA Y UN SÓLIDO NOMBRE DENTRO DE LA

INDUSTRIA INTERNACIONAL. NADIE MEJOR QUE ESPERANZA

GARCÍA CLAVER, QUIEN FUERA SU RESPONSABLE DE

COMUNICACIÓN DE 2004 A 2008 Y QUE COMPARTIÓ

GRANDES MOMENTOS CON DEL POZO, PARA HABLARNOS

CON FIDELIDAD DE LOS PUNTOS CLAVES DEL ESTILO

DEL MODISTO ESPAÑOL, UNA SOMBRA QUE VIMOS REFLEJADA

CON ROTUNDO ÉXITO EN LA PASADA EDICIÓN DE CIBELES.

CON MY MAN DE BARBRA STREISAND ABRIERON SU PRIMER

DESFILE PÓSTUMO Y CON ESAS MISMAS DOS PALABRAS

COMENZAMOS NUESTRO PARTICULAR HOMENAJE

OTOÑO/INVIERNO 2011/12

LOOK EN PUNTO Y LANA CON DETALLE EN LATÓN PERTENECIENTE

A LA ÚLTIMA COLECCIÓN DEL MODISTO ESPAÑOL EN VIDA.

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B-TRENDY · JESÚS DEL POZO

Todas las veces que he escrito sobre Jesús del Pozo ha sido sobre su proceso creativo; su lenguaje plástico; su armonía estética; la combinación de formas, colores y texturas; sus

volúmenes; su carácter artesanal; su sencillez aparente; su naturali-dad y elegancia… Por encima de todos estos valores que identifican a un maestro y a una marca, también se identifica a una persona maravillosa, a un sencillo y sincero compañero de la vida.La austeridad del caballero castellano, la gracia de las artes escénicas, la sensibilidad de un artista, las manos de un artesano y el sentido con-ceptual de un arquitecto, hacen de su trabajo y de su obra una cohe-rencia vital. A Jesús no le interesaba aquello que gritaba, lo estridente o lo obvio, sino lo auténtico, la seguridad y confortabilidad por den-tro. Ese lujo íntimo tan difícil de alcanzar, que se une inevitablemente a la armonía, la coherencia, el silencio y la depuración de formas.

NERVIOS ANTES Y DURANTE LA PRESENTACIÓN EN CIBELES DE LA COLECCIÓN PRIMAVERA/VERANO 2011

ME IMPORTA EL LUJO POR

DENTRO MÁS QUE POR FUERA, EL

QUESE SIENTEAUNQUE

NO SE VEA JESÚS DEL POZO

" "


99B-TRENDY · JESÚS DEL POZO

FITTING LA NOCHE PREVIA AL DESFILE. EL CANSANCIO A MITAD DE LA NOCHE ERA EVIDENTE EN LA GENTE DEL EQUIPO

PRIMAVERA/VERANO 2012

LA MODELO CARMEN KASS EN EL ÚLTIMO DESFILE DE CIBELES CON VESTIDO COLOR TESTA DI MORO DE PUNTO DE SEDA

MODELO EN PRIMER PLANO: CARDIGAN DE TRICOT. ESTA COLECCIÓN ESTÁ BASADA EN LA MUJER DE LOS AÑOS 50,

De este proceso de abstracción de for-mas, texturas, materiales y colores se al-canza la esencia de la sensibilidad y crea-tividad, lo auténtico.Jesús era fiel a sus ideas y a su criterio es-tético de manera espontánea y lo trans-formaba en filosofía de vida. Por este motivo, la mujer Jesús del Pozo es atemporal, elegante, que no llama gra-tuitamente la atención, con inquietudes, admirada por fuera y segura por dentro, porque el auténtico lujo es sentirse única.

A MIS MUJERES LAS

VES SI LAS MIRAS

JESÚS DEL POZO"B.SIDE | OTOÑO 2011

103B-TRENDY · JESÚS DEL POZO

ÚLTIMOS RETOQUES ANTES DE SALIR A ESCENA

WEEKEND PILLSBY MR. MARCEL SCHOOL

(MADRID)

En el marco de las actividades de MrMarcelSchool, centro de for-mación de diferentes disciplinas

dentro del ámbito de la creatividad, nacen las Weekend Pills: un ciclo de po-nencias de profesionales del sector que tendrán lugar los fines de semana y que estarán acompañadas por las presenta-ciones de jóvenes talentos, por un lado, y de talleres de creación dedicados a los niños, por otro. Las Weekend Pills tendrán lugar dos sábados al mes, du-rante los meses de Noviembre, Enero, Febrero, Marzo y Abril en utopic_US, el gran espacio para la creatividad y la inspiración en el corazón de Madrid. Se componen de tres actividades comple-mentarias: las ponencias de profesiona-les, las presentaciones de jóvenes talen-tos Intermission y los talleres …for kidsLas ponencias serán impartidas por profesionales de diferentes ámbitos del mundo de la creatividad, la cultura, la co-municación, el diseño o la animación, y tendrán el formato de charlas amenas y cercanas… ¡Que son en fin de semana! Con ello, MrMarcel School busca en-riquecer el espíritu de todo aquel que quiera acercarse a su sede y compartir un rato con ellos.

MÁS INFORMACIÓN: www.facebook.com/MrMarcelSchool


105B-CREATIVE · RECOMENDAMOS

NOTICIAS BREVES

Tras una larga espera, el pasado mes de marzo, Peter Jackson ini-ció el rodaje de la historia previa

a El señor de los anillos llamada El hobbit. Jackson ya fue el director de las tres partes de la saga multimillonaria que consiguió diecisiete Oscar en total. La cinta cuenta la leyenda del hobbit Bilbo Bolsón, tío de Frodo (protagonista de la trilogía), que viaja a la Montaña Solitaria acompañado

EL ACTOR ESPAÑOL PROSIGUE SU ANDADURA EN HOLLYWOOD

Javier Bardem será el nuevo vi-llano de la nueva entrega de Ja-

mes Bond. El ganador del Oscar por No es país para viejos. confir-mó esta noticia en un programa de la cadena estadounidense ABC.El agente secreto británico ha tenido muchos enemigos, incluso se ha en-frentado a mujeres de armas tomar, pero solo dos habrán tenido acento español, recordemos a Fernando Gui-llén Cuervo en Quantum of Solace.El título oficial de la película todavía no se ha anunciado, lo que sí se sabe es que será dirigida por Sam Mendes (American Beauty) y Daniel Craig encarnará, por tercera vez, a James Bond. Su entreno está previsto para noviembre de 2012.

JOSE LUIS ALCAINE, MEDALLA DE ORO

El 4 de octubre, José Luis Alcaine, director de fotografía, recibió la Medalla de Oro de la Academia de

las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España por su trabajo dedicado a la luz. Nacido en Tánger, fue el primero que utilizó la iluminación de tubos fluo-rescentes como luz de apoyo en la déca-da de los 60. Alcaine agradeció el home-naje y afirmó haber tratado de disfrutar en todas las películas en las que ha parti-cipado, tanto en las buenas como en las malas. Y puestos a soñar, le gustaría estar a las órdenes de los hermanos Coen. Hemos podido ver su trabajo en películas como ¡Átame!, Belle Epoque, Las trece rosas o en la reciente La piel que habito.

ANNE HATHAWAY CARACTERIZADA COMO CATWOMAN

Christopher Nolan está al mando de la tercera y última parte de la trilogía de Batman, que él mismo dirige y que se titulará El caballero oscuro: la leyenda renace.

La cinta se estrenará en julio del 2012. Repiten Christian Bale, Morgan Freeman y Michael Caine como personajes principales. Además, se incorpora una nueva “gatita”, encarnada por Anne Hathaway, y que seguro sorprenderá con un look mucho más actual del que estamos acostumbrados a ver en las felinas de Batman. Hans Zimmer será el encargado de la banda sonora. La película se rueda en la ciudad de Los Ángeles aunque Nolan amenaza con desplazarse hasta Nueva York para rodar imáge-nes de las protestas de los “indignados” norteamericanos, cono-cidos como el movimiento Occupy Wall Street.

por un grupo de enanos para recuperar un tesoro robado por el dragón Smaug. Este largometraje de fantasía vuelve a contar con la presencia de Cate Blan-chett que interpreta el mismo personaje que ya encarnó en El señor de los anillos. Como escenario de fondo, repiten los maravillosos paisajes de Nueva Zelanda.No está de más anunciar a los seguido-res más fieles que Peter Jackson cuelga vídeos en la Red donde narra y desvela algunos secretos de la película. Si no sur-ge ningún contratiempo, en España ten-dremos que esperar hasta diciembre del año 2012 para ver esta nueva aventura basada en la obra literaria de J. R. Tolkien.

BARDEM, EL NUEVO ENEMIGO DE 007

EL GALARDONADO DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

EL HOBBIT. EL REGRESO DE PETER JACKSON

NOLAN CIERRA LA TRILOGÍA DE EL CABALLERO OSCURO


107B-CULTURED · BREVES CINE

PEDRO ALMODOVAR Y VICTORIA ABRIL © Mimmo Cattarinich

POCO QUEDA YA QUE CONTAR SOBRE UNO DE LOS MAN-CHEGOS MÁS INTERNACIONALES DE NUESTRO PANORAMA ACTUAL. CASI TODOS CONOCEMOS QUE NACIÓ EN CIUDAD

REAL EN 1949. TAMBIÉN, QUE MUCHO ANTES DE CONVERTIRSE EN DIRECTOR DE CINE, FUE ADMINISTRATIVO EN UNA COMPA-ÑÍA TELEFÓNICA, Y QUE HACE UNOS 31 AÑOS EMPEZÓ UNA CARRERA METEÓRICA EN LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA.

PedroTEXTO FEDE CASTAÑO

Almodovar

B-CRITIC · MÚSICA

capacidad que tiene para construir unos personajes redondos con un fondo y una profundidad casi únicos. La clásica dicoto-mía entre el bien y el mal se diluye en sus películas, haciendo muy difícil encontrar la línea que separa estos dos extremos. Y no podemos olvidar la maestría con la que dirige a los actores, para dar forma a es-tos personajes, en especial a las mujeres. Aunque esto tampoco sea un secreto. Si puede haber un pero en su carrera profesional, es el creado por los des-acuerdos con la academia del cine. Mu-chos criticaron su postura por ser uno de los grandes beneficiados de las sub-venciones repartidas al cine español. In-dependientemente de los debates que puedan surgir a raíz de este sistema de financiación, los cuales merecen un artí-culo aparte, si es cierto que el mencio-nado conflicto parecía fruto del choque de los egos desmesurados, pues se debía principalmente a no estar de acuerdo en las votaciones que dejaron a Hable con ella (2001) fuera de la selección para la entrega de los Oscars. Aunque más tarde se intentaran acercar posturas adjudicando dichos enfados a un des-acuerdo con el sistema de votaciones, más que por las votaciones en sí mismas. Por suerte esta etapa parece olvidada ya y el omnipresente director vuelve a ser noticia una vez más por su trabajo. En esta ocasión, con La piel que habito.

Quizás sea menos conocida su fa-ceta como dibujante, en los años en los que se ganaba la vida como

administrativo, mientras explotaba su vena artística aprovechando el excelente caldo de cultivo de la noche madrileña.Fue en 1980 cuando estrenó su prime-ra película comercial Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. La llevó a cabo con un presupuesto de unos 3000 eu-ros – 500.000 de las antiguas pesetas- y le llevó más de un año rodarla, debido a problemas técnicos y logísticos. Aunque la técnica era pobre, la base narrativa so-bre la que se asienta el film, ya mostraba flecos de lo que hoy se ha convertido en un sello personal. Es este estilo recono-cible lo que ha generado que el direc-tor manchego tenga tantos detractores, principalmente debido a que refleja una cultura suburbana cuyo objetivo, o al menos uno de ellos, es escandalizar a la clase burguesa acomodada.El problema, si se puede definir de esta manera, con cualquier película de este director, productor y guionista, es que lejos de la máquina comercial cinemato-gráfica, presenta unos personajes increí-bles con problemas mundanos. Esto hace que empatizar con ellos sea difícil, por lo tanto introducirse en sus truculentas his-torias puede ser imposible para algunas personas. Es el principal motivo por el que a Almodóvar se le adora o se le odia.

Con independencia de esto, todos se de-ben doblegar sin duda a su genio artístico, principalmente por dos motivos. El prime-ro, porque cuida la composición de cada fotograma de una manera casi obsesiva. Un claro ejemplo es la utilización del co-lor en sus películas; el gusto por los colo-res contrastados tan propios de la cultura Punk es muy característico (destacar que casi siempre busca que en cada plano haya algo de azul y rojo). La segunda, la

CARTEL DE TACONES LEJANOS (1991)

La última obra de Almodóvar es un vano intento de pre-sentarse como un director capaz de manejar cualquier género. Y si lo es, es porque el film rezuma el sello ca-

racterístico del director manchego por los cuatro costados. Una historia truculenta en la que la venganza y el amor se diluyen. Unos personajes que de tan profundos y complejos, rozan lo increíble. La película no se aleja de los tonos clásicos de Almodóvar, y aunque se pretende tocar una atmósfera más inquietante, no se llega a realizar con total éxito. Que mal hizo Operación Triunfo inculcando en los artistas que deben saber tocar cualquier palo. No hay hecho más falso. La perfección se alcanza con la especialización, y está claro que Almodóvar está más cerca de dicha absoluta en sus dramedias habituales, ya que es donde se desenvuelve como pez en el agua. En re-sumen, una historia más de este talentoso director que sólo aquellos que ya amen su trabajo podrán disfrutar.

LA PIEL QUE HABITO (El Deseo, 2011)

EL DIRECTOR MANCHEGO DA INSTRUCCIONES A LA ACTRIZ

ELENA ANAYA DURANTE EL RODAJE DE LA PIEL QUE HABITO


109B-CULTURED · CINE

La pregunta “¿Podría volver a pa-sar?” marca el punto de partida del director Dennis Gansel para llevar

a cabo un largometraje que no deja indi-ferente a nadie. Da cierto miedo pensar que en una sociedad como la nuestra, aparentemente avanzada, se instale de nuevo un régimen dictatorial. Basada en la novela de Morton Rhue, escrita a me-diados de los 80, La ola cuenta la histo-ria de un profesor de instituto llamado Rainer Wegner (Jürgen Vogel) que debe concienciar a sus alumnos acerca del tema de la autocracia durante la sema-na de proyectos. Para intentar explicar el significado real de esta palabra realiza un experimento en el que se verá en-vuelto, y que sin querer, también verá afectada su vida privada y la de los ado-lescentes, pero cuando quiere parar “el juego”, Rainer se da cuenta de que “la

AÑO 2008 DURACIÓN 110 min.PAÍS ALEMANIA DIRECTOR Dennis Gansel

GUIÓN Dennis Gansel, Peter ThorwarthMÚSICA Heiko Maile

FOTOGRAFÍA Torsten BreuerREPARTO Jürgen Vogel, Frederick Lau,

Jennifer Ulrich, Max Riemelt, Christiane Paul, Elyas M'Barek, Jacob Matschenz...

La olaola” ya es imbatible. La situación se le ha ido de las manos.Rodada en el año 2008, la historia trans-curre en una ciudad ficticia de Alema-nia, aunque no se ha querido relacio-nar este fenómeno a ningún sitio real alemán. Cabe destacar la gran presen-tación que se hace de los personajes, cada uno muestra su vida cotidiana y la relación tan chocante que tienen con sus padres. Es de aplaudir la dirección de actores, tanto alumnos como profe-sores bordan sus papeles haciendo muy creíble cada uno de los personajes. Exis-ten estereotipos muy marcados que nos trasladan a nuestra época adolescente; todos hemos conocido a un pijo, a una hippie, a un rebelde o a un marginado. Más que una película, parece un do-cumental. Tenemos esa sensación de realismo continuamente. Lleno de loca-lizaciones tanto internas, (el colegio, la discoteca, casa de profesor y alumnos) como externas, donde por ejemplo, la calle se convierte en testigo de esa revo-lución que acaba de comenzar. Como úl-timo apunte, aparece una banda sonora que encaja a la perfección con el espíritu rebelde de los estudiantes.

LOS IMPRESCINDIBLES

110


B-CULTURED · CINE

Con 23 años, Ann (Sarah Polley) descubre lo que es vivir cuando le detectan un cáncer termi-

nal. Dos hijas pequeñas y un marido en paro, le han tenido demasiado ocupada para pensar en ella misma. A partir de esa terrible noticia, Ann elabora una lista con las diez cosas que tiene que hacer antes de morir. Ann lleva una vida para-lela, todo su entorno desconoce que en dos meses morirá. Sin embargo, Isabel Coixet, directora de la cinta, tomaría la decisión contraria de estar en el lugar de la protagonista: “Ann es la mujer que me gustaría ser y no soy. Me gustaría compar-tir la pena de que me voy a morir con todo el mundo. No sería una persona heroica como la protagonista, sino una cobarde”. La sensibilidad que tiene Mi vida sin mí es casi indescriptible con palabras, Coi-xet quiere emocionar y lo consigue. Po-dríamos decir que es una película triste, con un dramatismo extremo, que hay que armarse de valor para verla, pero el mensaje que se quiere transmitir es muy distinto: la vida es corta, por lo tan-to disfrutemos al máximo. La cámara en mano y el hecho de evitar casi el uso

de planos fijos, hace que nos acerque-mos más a la historia, la hace más creí-ble consiguiendo que en muchas escenas se escape alguna lágrima. Es necesario resaltar la interpretación de Sarah Po-lley, la sencillez en persona, parece que esta historia fue escrita para que solo ella la interpretara, está extraordinaria. Respaldada por la productora El deseo, la película tuvo una gran acogida en el Festival de Cine de Berlín donde 2.000 espectadores se pusieron en pie y aplau-dieron este largometraje que además consiguió el Premio de los exhibidores. También se alzó con dos Premios Goya al mejor guión adaptado y a la mejor can-ción original en el año 2003.

Mi vida sin mi

AÑO 2003 DURACIÓN 106 min.PAÍS ESPAÑA DIRECTOR Isabel CoixetGUIÓN Isabel CoixetMÚSICA Alfonso de Villalong FOTOGRAFÍA Jean Claudie LarrieuREPARTO Sarah Polley, Scott Speedman, Mark Ruffalo, Amanda Plummer, Leonor Watling, Deborah Harry...

POR OLGA FRANCO


111B-CULTURED · CINE

ESTRENO: 21/10/2011 GÉNERO: Drama PAÍS ESPAÑA DIRECTOR Benito Zambrano

GUIÓN Benito Zambrano, Carmen López-Areal, Ignacio del Moral

MÚSICA Magda Rosa Galván, Juan Antonio Leyva

FOTOGRAFÍA Alex CatalánREPARTO Inma Cuesta, María León, Marc

Clotet, Daniel Holguín, Ana Wagener...

La voz dormida

Aspirante a representar a España en los Oscar en la próxima edi-ción de estos premios, La voz

dormida es un filme desgarrador que traslada al espectador hasta el corazón de la España de la posguerra. Dirigida por Benito Zambrano y protagonizada por Inma Cuesta, Ana Wagener y Ángela Cremonte, este drama es la adaptación cinematográfica de la novela más conoci-da de la escritora extremeña Dulce Cha-cón, fallecida en 2003.La película cuenta la historia de Horten-sia, una mujer embarazada, apresada por ser opositora al régimen franquista y su lucha por escapar de la ejecución inmi-nente, programada para después de su parto. Su hermana Pepita, hará todo lo posible para liberar a su hermana de la condena al tiempo que intenta huir de las garras de un amor prohibido.

Las aventuras de Tintín

El maestro del cine Steven Spielberg lleva a la gran pantalla y en 3D Las aventuras de Tintín, la exitosa

saga de cómic de Hergé protagonizada por un astuto periodista y su fiel sabue-so, Milú. Es una de las películas más es-peradas del año y, aunque apenas han trascendido detalles, seguro que vendrá cargada de misterio, intriga, suspense, ac-ción y mucha emoción. Los protagonistas de la cinta serán el bri-tánico Jamie Bell (Billy Elliot), en el papel de Titín, y Andy Serkis (Gollum, en El se-ñor de los anillos), que dará vida al Capi-tán Haddock. Finalmente, Daniel Craig (el actual James Bond) será Rackham el Rojo.

ESTRENO: 28/10/2011 GÉNERO: Animación/Aventuras PAÍS USA DIRECTOR Steven SpielbergGUIÓN Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish MÚSICA John WilliamsREPARTO Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Toby Jones...

112


B-CULTURED · CARTELERA CINE

Crepúsculo:Amanecer (Vol 1)

Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner regresan al cine para protagonizar la cuarta entre-

ga de la popular saga Crepúsculo, de la escritora estadounidense Stephenie Me-yer. Dirigida por Bill Condon, Amanecer será presentada a los amantes del cine de ficción y vampiros, tan de moda en estos momentos, en dos partes por cuestión de tiempo. El estreno de la segunda par-te está previsto para noviembre de 2012. En esta cuarta parte, Edward y Bella deciden sellar su amor a través del com-promiso y celebran su boda. Felices e ilu-sionados por iniciar su nueva vida juntos, marchan hacia un lugar idílico en el que pasar su luna de miel. Durante su estan-cia, Bella se queda embarazada y, aunque ama al bebé con toda su alma, pronto se da cuenta de que traerlo al mundo no va a resultar tan fácil como ella creía.

ESTRENO: 18/11/2011 GÉNERO: Fantástico PAÍS USA DIRECTOR Bil CondonGUIÓN Melissa Rosenberg MÚSICA Carter BurwellFOTOGRAFÍA Guillermo NavarroREPARTO Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Anna Kendrick, Peter Facinelli, Dakota Fanning, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Nikki Reed...

ESTRENO: 18/10/2011 GÉNERO: Thriller PAÍS USA DIRECTOR Gary McKendry

GUIÓN Gary McKendry, Matt Sherring MÚSICA Reinhold Heil, Johnny Klimek

FOTOGRAFÍA Simon DugganREPARTO Robert De Niro, Jason Statham, Clive Owen, Yvonne

Strahovski, Dominic Purcell, Adewale Akinnuoye-Agbaje...

Asesinos de élite

Robert De Niro, Clive Owen y Ja-son Statham se ponen a las órde-nes del debutante Gary McKendry

para protagonizar Asesinos de élite, un trepidante thriller, rebosante de acción, basado en la novela The Feather Men del autor Ranulph Fiennes. La película cuenta las hazañas de tres ex miembros de las fuerzas especia-les que son contratados por un jeque árabe para llevar a cabo una peligro-sa misión: matar a los tres miembros del Servicio Especial Aéreo británico (SAS), responsables de la muerte de tres de sus hijos durante unos distur-bios ocurridos en Omán diez años atrás.

CARTELERA


113B-CULTURED · CARTELERA CINE

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B-side Magazine Issue #2

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