QUES 1. WHAT IS AN ART ?

 ART has not always been what we think it is today. An object regarded as Art today may not have been perceived as such when it was first made, nor was the person who made it necessarily regarded as an artist. Both the notion of "art" and the idea of the "artist" are relatively modern terms.

Many of the objects we identify as art today -- Greek painted pottery, medieval manuscript illuminations, and so on -- were made in times and places when people had no concept of "art" as we understand the term. These objects may have been appreciated in various ways and often admired, but not as "art" in the current sense. 

 ART lacks a satisfactory definition. It is easier to describe it as the way something is done -- "the use of skill and imagination in the creation of aesthetic objects, environments, or experiences that can be shared with others" (Britannica Online) -- rather than what it is.  The idea of an object being a "work of art" emerges, together with the concept of the Artist, in the 15th and 16th centuries in Italy. 

 During the Renaissance, the word Art emerges as a collective term encompassing Painting, Sculpture, and Architecture, a grouping given currency by the Italian artist and biographer Giorgio Vasari in the 16th century. Subsequently, this grouping was expanded to include Music and Poetry which became known in the 18th century as the 'Fine Arts'. These five Arts have formed an irreducible nucleus from which have been generally excluded the 'decorative arts' and 'crafts', such as as pottery, weaving, metalworking, and furniture making, all of which have utility as an end.  But how did Art become distinguished from the decorative arts and crafts? How and why is an artist different from a craftsperson? 

           In the Ancient World and Middle Ages the word we would translate as 'art' today was applied to any activity governed by rules. Painting and sculpture were included among a number of human activities, such as shoemaking and weaving, which today we would call crafts.

During the Renaissance, there emerged a more exalted perception of art, and a concomitant rise in the social status of the artist. The painter and the sculptor were now seen to be subject to inspiration and their activities equated with those of the poet .

           In the latter half of the 16th century the first academies of art were founded, first in Italy, then in France, and later elsewhere. Academies took on the task of educating the artist through a course of instruction that included such subjects as geometry and anatomy.

 The institutionalizing of art in the academies eventually provoked a reaction to its strictures and definitions in the 19th century at which time new claims were made about the nature of 

painting and sculpture. By the middle of the century, "modernist" approaches were introduced which adopted new subject matter and new painterly values. In large measure, the modern artists rejected, or contradicted, the standards and principles of the academies and the Renaissance tradition. By the end of the 19th century and the beginning of the 20th, artists began to formulate the notion of truth to one's materials, recognizing that paint is pigment and the canvas a two-dimensional surface.  

QUES 2: Critically analyze different dimensions of Hadappan civilization Art ?

The Harappan Civilizationby Tarini J. Carr

Some several thousand years ago there once thrived a civilization in the Indus Valley. Located in what's now Pakistan and western India, it was the earliest known urban culture of the Indian subcontinent. (1) The Indus Valley Civilization, as it is called, covered an area the size of western Europe. It was the largest of the four ancient civilizations of Egypt, Mesopotamia, India and China. However, of all these civilizations the least is known about the Indus Valley people. This is because the Indus script has not yet been deciphered. There are many remnants of the script on pottery vessels, seals, and amulets, but without a "Rosetta Stone" linguists and archaeologists have been unable to decipher it. 

They have then had to rely upon the surviving cultural materials to give them insight into the life of the Harappan's. (2) Harappan's are the name given to any of the ancient people belonging to the Indus Valley civilization. This article will be focusing mainly on the two largest cities of Harappa and Mohenjo-Daro, and what has been discovered there.

The discovery of the Indus Valley civilization was first recorded in the 1800's by the British. The first recorded note was by a British army deserter, James Lewis, who was posing as an American engineer in 1826. He noticed the presence of mounded ruins at a small town in Punjab called Harappa. Because Harappa was the first city found, sometimes any of the sites are called the Harappan civilization. 

Alexander Cunningham, who headed the Archaeological Survey of India, visited this site in 1853 and 1856 while looking for the cities that had been visited by Chinese pilgrims in the Buddhist period. The presence of an ancient city was confirmed in the following 50 years, but no one had any idea of its age or importance. By 1872 heavy brick robbing had virtually destroyed the upper layers of the site. The stolen bricks were used to build houses and particularly to build a railway bed that the British were constructing. Alexander Cunningham 

made a few small excavations at the site and reported some discoveries of ancient pottery, some stone tools, and a stone seal. Cunningham published his finds and it generated some increased interest by scholars. 

It wasn't till 1920 that excavations began in earnest at Harappa. John Marshall, then the director of the Archaeological Survey of India, started a new excavation at Harappa. Along with finds from another archaeologist, who was excavating at Mohenjo Daro, Marshall believed that what they had found gave evidence of a new civilization that was older than any they had known. (3)

Major excavations had not been carried out for forty years until 1986 when the late George Dales of the University of California at Berkeley established the Harappan Archaeological Project, or HARP. This multidisciplinary study effort consists of archaeologists, linguists, historians, and physical anthropologists. Since the establishment of HARP, Jonathan Mark Kenoyer has served as co-director and field director of the project. Kenoyer was born in Shillong, India, and spent most of 

his youth there. He went on to receive his advanced degrees from the University of California at Berkeley. He is now a professor of Anthropology at the University of Wisconsin-Madison, and teaches archaeology and ancient technologies. Kenoyer's main focus has 

been on the Indus Valley civilization's where he has conducted research for the last 23 years. Ever since he was a young graduate student, Kenoyer was particularly interested in ancient technology. He has done a great deal of work in trying to replicate processes used by ancient people in the production of jewelry and pottery. One of his first efforts in replicating shell bangle making was then co-authored with George Dales and published in an article. His doctorate studies were based upon this research, and his dissertation is a milestone in the field of experimental archaeology and ethnoarchaeology, besides being the definitive study of Harappan shell working. (4) 

Today, Kenoyer is assisted by co-director Richard Meadow of Harvard University and Rota Wright of New York University (A. C.I.V.C. Kenoyer preface) Kenoyer uses a contextual archaeological approach. His work is characterized by the use of cold evidence to draw the outlines of this ancient civilization.

Although , Harappa was undoubtedly occupied previously, it was between 2600-1900 B.C. that it reached its height of economic expansion and 

urban growth. Radio carbon dating, along with the comparison of artifacts and pottery has determined this date for the establishment of Harappa and other Indus cities. This began what is called the golden age of Harappa. During this time a great increase in craft technology, trade, and urban expansion was experienced. For the first time in the history of the region, there was evidence for many people of different classes and occupations living together. Between 2800-2600 B.C. called the Kot Diji period, Harappa grew into a thriving economic center. It expanded into a substantial sized town, covering the area of several large shopping malls. Harappa, along with the other Indus Valley cities, had a level of architectural planning that was unparralled in the ancient world. (5) The city was laid out in a grid-like pattern with the orientation of streets and buildings according to the cardinal directions. To facilitate the access to other neighborhoods and to segregate private and public areas, the city and streets were particularly organized. The city had many drinking water wells, and a highly sophisticated system of waste removal. All Harappan houses were equipped with latrines, bathing houses, and sewage drains which emptied into larger mains and eventually deposited the fertile sludge on surrounding agricultural fields. It has been surprising to archaeologists that the site layouts and artifact styles throughout the Indus region are very similar. It has been concluded these indicate that there was uniform economic and social structure within these cities. (6)

Other indicators of this is that the bricks used to build at these Indus cities are all uniform in size. It would seem that a standard brick size was developed and used throughout the Indus cities. Besides similar brick size standard weights are seen to have been used throughout the region as well. (7) The weights that have been recovered have shown a remarkable accuracy. They follow a binary decimal system: 1, 2, 4, 8, 16, 32, up to 12,800 units, where one unit weighs approximately 0.85 grams. Some of the weights are so tiny that they could have been used by jewelers to measure precious metals. ( 8)

Ever since the discovery of Harappa, archaeologists have been trying to identify the rulers of this city. What has been found is very surprising because it isn't like the general pattern followed by other early urban societies. It appears that the Harappan and other Indus rulers governed their cities through the control of trade and religion, not by military might. It is an interesting aspect of Harappa as well as the other Indus cities that in the entire body of Indus art and sculpture there are no monuments erected to glorify, and no depictions of warfare or conquered enemies. ( 9) It is speculated that the rulers might have been wealthy merchants, or powerful landlords or spiritual leaders. Whoever these rulers were it has been determined that they showed their power and status through the use of seals and fine jewelry. 

Seals are one of the most commonly found objects in Harappan cities. They are decorated with animal motifs such as elephants, water buffalo, tigers, and most commonly unicorns. Some of these seals are inscribed with figures that are prototypes to later Hindu religious figures, some of which are seen today. For example, seals have been recovered with the 

repeated motif of a man sitting in a yogic position surrounded by animals. This is very similar to the Hindu god of Shiva, who is known to have been the friend of the animals and sat in a yogic position. These seals are known as the Shiva seals. Other images of a male god have been found, thus indicating the beginnings of Shiva worship, which continues to be practiced today in India. (10) 

This is an interesting point because of the accepted notion of an Aryan invasion. If Aryan's had invaded the Indus Valley, conquered the people, and imposed their own culture and religion on them, as the theory goes, it would seem unlikely that there would a continuation of similar religious practices up to the present. There is evidence throughout Indian history to indicate that Shiva worship has continued for thousands of years without disruption. [cf. harappan cultural continuity]

The Aryan's were supposed to have destroyed many of the ancient cities right around 1500 B.C., and this would account for the decline of the Indus civilization. However the continuity of religious practices makes this unlikely, and other more probable explanations for the decline of the Harappan civilization have been proposed in recent years; such as climate shifts which caused great droughts around 2200 B.C., and forced the abandonment of the Indus cities and pushed a migration westward. Recent findings have shown that the Sumerian empire declined sharply at this time due to a climate shift that caused major droughts for several centuries. (11) The Harappans being so close to Sumer, would in all probability have been affected by this harsh shift in climate. 

Many of the seals also are inscribed with short pieces of the Indus script. These seals were used in order to show the power of the rulers. Each seal had a name or title on it, as well as an animal motif that is believed to represent what sort of office or clan the owner belonged to. The seals of the ancient Harappan's were probably used in much the same way they are today, to sign letters or for commercial transactions. The use of these seals declined when the civilization declined. 

In 2001 Kenoyer's excavations unearthed a workshop that manufactured seals and inscribed tablets. This was significant in that combined with the last 16 years of excavations, it provided a new chronology for the development of the Indus script. Previously, the tablets and seals were all grouped together, but now Kenoyer has been able to demonstrate that the various types of seals and tablets emerged at different times. The writing on the seals and tablets might have changed as well through the years. Kenoyer as well as others are trying to conclude when the dates of the script changes were. The revision of this chronology may greatly aid in the decipherment of the script. (12) There has been attempts at deciphering this script, and the results are not widely agreed upon, and its still a point of controversy.

The ruling elite controlled vast trade networks with Central Asia, and Oman, importing raw materials to urban workshops. There is even evidence of trade with Mesopotamia, for Harappan seals and jewelry have been found there. Harappa, along with other Indus cities, established their economic base on agriculture produce and livestock, supplemented by the production of and trade of commodities and craft items. Raw materials such as carnelian, steatite, and lapis lazuli were imported for craft use. In exchange for these goods, such things as livestock, grains, honey and clarified butter may have been given. However, the only remains are those of beads, ivory objects and other finery. What is known about the Harappan's is that they were very skilled artisans, making beautiful objects out of bronze, gold, silver, terracotta, glazed ceramic, and semiprecious stones. The most exquisite objects were often the most tiny. Many of the Indus art objects are small, displaying and requiring great craftsmanship. 

The majority of artifacts recovered at Harappa and Mohenjo Daro have been that of crafted objects. Jonathan Kenoyer has been working to recreate many of the craft technologies used by these people. He has successfully recreated the process by which the Harappan's created faience. The process of creating faience ceramics is very complex and technical. It requires such processes as the grinding and partial melting of quartz, fusion aids, and a consistent high temperature of 940 Celsius. A discovery in 2001 of a faience producing workshop revealed that the type of kiln used was very different from what they had thought. As no kiln was discovered in the workshop, Kenoyer suspected that the ancient crafts people had used a kiln assembled from two firing containers. This formed a smaller kiln that was unlike the usual large firing containers. Along with some of his students Kenoyer replicated the process of creating faience using similar tools that the Harappan's had. The result was similar to that of the Harappan's. This showed that the canister-kiln type was a very efficient way of producing faience. (13) Interestingly , Kenoyer has noticed that many of the same firing techniques and production procedures are used today in India and Pakistan as they were thousands of years ago. This is another point indicating that there was a continuity in culture that has been mostly unchanged for thousands of years. 

The late George F. Dales, who was a long time mentor of Kenoyer's and established HARP, has said regarding the Aryan invasion theory: 

"Nine years of extensive excavations at Mohenjo-Daro ( which seems to have been rapidly abandoned) have yielded a total of some 37 skeletons which can be attributed to the Indus period. None of these skeletons were found in the area of the fortified citadel, where reasonably the last defense of this city would have taken place." He further states that "Despite extensive excavations at the largest Harappan sites, there is not a single bit of evidence that can be brought forth as unconditional proof of an armed conquest and destruction on the scale of the supposed Aryan invasion." (14) 

The skeletal remains found at Harappan sites that date from 4,000 years ago, show the same basic racial types as are found today in Gujarat and Punjab, India. This is interesting, because if a foreign light-skinned people entered and took over, it would seem likely that there would be genetic evidence for this. The long continuity of ethnic groups in this region would indicate that the people living there had not seen an influx of a different ethic group that would have mixed with their own. (15) 

After 700 years the Harappan cities began to decline. This is generally attributed to the invasion of a foreign people. However, it now believed by Kenoyer and many other archaeologists that the decline of the Indus cities was a result of many factors, such as overextended political and economic networks, and the drying up major rivers. These all contributed to the rise of a new social order. There is archaeological evidence that around the late Harappan phase, from 1900-1300 B.C. the city was not being maintained and was getting crowded. This suggests that the rulers had were no longer able to control the daily functioning of the city. Having lost authority, a new social order rose up. Although certain aspects of the elites culture, seals with motifs and pottery with Indus script on it, disappeared, the Indus culture was not lost. (16) It is seen that in the cities that sprung up in the Ganga and Yamuna river valleys between 600-300 B.C., that many of their cultural aspects can be traced to the earlier Indus culture. The technologies, artistic symbols, architectural styles, and aspects of the social organization in the cities of this time had all originated in the Indus cities. (17) This is another fact that points to the idea that the Aryan invasion did not happen. The Indus cities may have declined, for various reasons, but their culture continued on in the form of technology, artistic and religious symbols, and city planning. Usually, when a people conquer another they bring with them new ideas and social structures. It would seem that if indeed Aryan's invaded India, then there would be evidence of a completely different sort of religion, craft making, significant changes in art and social structure. But none of this has been found. There appears to be an underlying continuity in the culture of India, and what changes have occurred are due to largely internal factors. This is an idea shared by many prominent archaeologists, such as Kenoyer, George Dales, Jim Shaffer, and Colin Renfrew. 

The Aryan's are supposed to have brought the Vedic culture to India. These people and their literature is believed to have then originated after the decline of the Indus Valley civilizations. The Vedas have been dated as being written some time after the Aryan's supposedly invaded, somewhere between 1500-1200 B.C. Many of the Indus sites have been found along the banks of the now dried up Sarasvati river. This river is mentioned throughout the Vedas (18) Recent geological investigations has shown that the Sarasvati was once a very large river (as well as satellite photos of the indus-sarasvati river basin), but dried up around 1900 B. C. due to tectonic movements. (19) The Vedas, however speak of the Sarasvati as a very large and flowing river. If the dating of the Vedic literature is correct, than there is a discrepancy because the Sarasvati river dried up before the Vedas were supposed to have been written. This is an interesting situation. It might seem possible then, that with other evidence showing that there was no influx of an invading people, that the Vedas were then written by the people of the Indus Valley. 

Another point that might indicate the Harappan's being a Vedic culture is the discovery of fire altars at several Indus sites. Fire rituals and sacrifice were an important part of Vedic religious practices. But what was significant about these alters, is that they were aligned and constructed in the same manner as later discovered altars were. The fire altars were then Vedic in construction indicating that the Harappan's were a Vedic culture. 

The idea that there wasn't in fact an Aryan invasion is supported on many levels, as I have tried to demonstrate. Even today, it is seen in India the legacy of these Indus cities in the traditional arts and crafts, and in the layout of houses and settlements. If there really was an invasion of a people that completely obliterated this other culture, then the many striking similarities we see today in the continuity of Indian culture is certainly most curious. The remains of the Indus civilization are enormous, and most of them are yet to be excavated. There are whole cites that have yet to be excavated, like the largest known Indus culture site of Ganweriwala, in the Cholistan desert of Pakistan. No doubt the continuing excavations will lend more insight into the world of this enigmatic civilization

QUES 3: How do you find that Mauryan art is significant in modern time ?

Influenced Mauryan sculpture and architecture.

The finest examples are those of Ashoka particularly his monolithic pillars. Each pillar consists of one piece of stone supporing a capital made of another single piece of stone. The stone is highly polished and gracefully proportioned while the polish was lustrous. Even this polish pales into insignificance before the high artistic merits of the figures that exhibit 

realistic modeling. The four lions on the Sarnath pillars and the smaller figures of animals in relief of the abacus exhibit remarkable beauty and vitour. The jewellery of the Mauryan period also exhibits a high degree of technical skill and proficiency.

The inscriptions of Ashoka were placed either in sacred enclosures or in the vicinity of towns. The most commonly found remains are the animal capitals of the pillars. They were generally cut from a single block of stone and stood in an enclosure, which was regarded as sacred.Stones from the regions of Mathura and Chunar near Benaras were carried to different parts of the empire because of improvement in communications. Not only stones were sent but even craftsman accompanied them. The uniformity of style in the pillar capitals suggests that they were all sculpted by craftsmen of the same region. Only at Taxila, possibly the local craftsmen were employed.

Apart from the monolithic pillars, Ashoka built a large number of Stupas. Traditions puts their number as 84,000. Some of them were later enlarged and enclosed. Possibly the Stupa and Sanchi dates back to Ashoka. According to Sir John Marshall the oringinal birck stupa built by Ashoka was probably of more than half the present dimension. The present railing also replaced the older and smaller one.

A few Mauryan figure sculpture have come to light - identifiable by the Mauryan polished surface. Two headless metal torsos have been found at a site near modern Patna. They are the earliest known sculptures of Jain Tirthankaras. Perhaps the figures of Yakshi and Yaksha found at Didarganj and Patna respectively belong to the Mauryan period. These figures seem to be emerging into reality from a melting volume of stone. They have smooth glossy faces, but they have meticulously carved details of of jewels and fabrics. Some scholars think that they were the best of Mauryan products.

The last Mauryan / Sunga figure is that of the eight feet high image fouind at Parkham near Mathura. It is made out of cream sandstone. A bolt from Rampurva (2 feet in length and barrel shaped) is an excellent specimen of the copper-smiths' art.

A more important heritage of the Mauyas are the caves built out of Barbar caves. They were built for the Ajivika sect by Asoka. They are 19 miles away from Bodh Gaya. Smith records the art of of polishing hard stone was carried to such perfection that it is said to have become a lost art beyond modern powers. The two sites of Barabar caves are polished like glass mirrors. The two widely know wood-imitating chambers are the Lomas Rishi and Sudama caves. The details of these caves show a clear influence of wooden architecture. These rock-cut chambers mark the beginning of great tradition which would spent more than 1000 year in the history of Indian Art.

The earliest examples of the rock-cut method like some aspect of the Lomas Rishi caves in Barabar show that they were faithful copies of the stone structure of wood and thatch. The use of bamboo in roof construction is to be seen in the Gopi cave during the reign of Dasaratha.Contemporary Greek writers refer magnificent halls in the capital city of Patliputara and regard them as the fines and grandest in the world. All of them have perished but in recent times axcavations have laid bare their ruins. The excant of architectural remains consists mainly of the rock-cut chaitya halls in Barabar halsls and the neighboring localities in the Bihar Sub-division of Patna district. Althouth the caves were excavated from hardest rocks they are polished like glass.

Terracota objects of various sizes have been found at Mauryan sties. The tradition of making mother-goddesses in clay, going back to the prehistoric period is revealed by the discovery of these objects at Mauryan levelsat Ahicchatra. Many have stylized forms but technically they are most accomplished in the sense they have well defined shapes and clear ornamentation. Also, a large number of terracotta's have been found near Taxila consisting of primitive idols, votive reliefs with deities, toys, dice, ornaments and beeds. Toys were mostly wild animals, the elephant being a particular favorite.Despite the extraordinary creations in the field of art and intriguing questions remains. The artist of Ashoka must have relied on a long history of artistic traditions. How is it then that we came explain the almost total absence of specimen of Indian art before 250 B.C. ? we have to wait for this answer to be provided by archaeologists. So far, there is no evidence that the art tradition of the Indus valley had any kind of impact on the Mauryan achievements. Indian artist of the Pre-Mauryan period possibly worked both on stone and wood. The stone art effects have not been excavated so far. We many suppose Indians first began to work on stones during the Mauryan period. The results of their endeavor to change from wood to stone are seen in the crude inferior pillars of Ashoka, while those which are excellent and highly finished were the works of foreign artists employed by the great emperor. According to this theory this trend continued long after Ashoka until a full-fledged Indian art was developed under the imperil  Guptas.

QUES4 Do you think Ajanta painting is the classic example of world art.?

The Ajanta ‘caves’ are in fact rock cut viharas and chaitya grihas, excavated over centuries from the side of a ravine locate in a remote spot in the uplands of present day Maharashtra. The site, though remote, was on an important trade route. Its isolation made it ideal as a monastic retreat, while the merchants who frequented the roads became a source of 

patronage and revenue. The rock-cut structures, and the paintings decorating them, were created in two phases, Hinayana and Mahayana over a period of about six hundred years. The greatest period of creativity seems to have occurred during the reign of the Vakataka monarch Harishena (460-78).

Iconography

The murals form a unique record of life in classical India. In fact, given their very wide range of subject matter, they are the most extensive record of any ancient civilisation yet found, beside which the paintings of Egypt or Pompeii seem limited indeed. Many are surprised at their distinctly worldly content. The monks who lived there were dedicated to a life of contemplation and prayer (the halls are extraordinary musical instruments, reverberating and resonating with the sounds of chanting). However, this view is based on prejudice from religions from outside the Indian world where there has never been a separation of sacred and secular, of man and nature. In fact many of the paintings are narratives of jataka stories, (previous lives of the Buddha), so encompass every aspect of life. Others depict the life of the Buddha himself, while some portray cult images, including Boddhisatvas. What lends the murals an extra frisson is the fashion of the time; both sexes are scantily clad, the women often bare-breasted.

Style and technique

The Ajanta murals exhibit a series of styles, from the earliest (1st century BCE) to the latest. However, they all show the characteristics of classical Indian painting. As prescribe in texts like the Vishnudharmottara, they were carried out using glue paint made from natural gums on a thick support of plaster mixed with vegetable fibre, to allow expansion and contraction in different levels of humidity. Figures were outlined with thin brush strokes, first in dull red; local colours were applied with extremely subtle shading, usually with the highlights in the middle of the form and the darker tones on the outside, giving an effect of very shallow relief, occasionally enhanced in the case of jewellery, for example, with actual modelling in plaster. The body forms used were conceptual, not naturalistic. The classical Indian artist did not paint what they saw, but poetic analogies to natural forms. Thus the shoulders of  a figure would resemble the brow of an elephant; the arms would curve like creepers; the eyes might be fish shaped, the lips like buds. Never were muscles or bone protuberances even suggested. Played off against the smooth, flower-or vegetable-like surfaces were restrained, usually pearl, items of  jewellery, carefully coiffured hair, silk garment with printed patterns, flower and leaf ornaments. In fact so elegant are some of the figures that they give the impression almost of fashion designs. According to the precepts of the painting manuals, this was one of the elements which the painter was expected to be expert in, while his first aim was to tell the story, the level at which the most unsophisticated would 

view his work. Connoisseurs would appreciate the colour schemes, and savour the moods which the artist’s work suggested. Professionals, however, would look critically at the drawing skills they showed, and the construction of forms and composition. These latter elements were, surprisingly, strictly controlled by mathematical techniques also described by the texts and still used today, in modified form, by Tibetan artists. It is extremely difficult to construct good figures using these methods, and in fact copy books are published even today with geometric diagrams showing how to do it. They were evidently used by sculptors as well; some of the figures on reliefs from Amaravati closely resemble others from Ajanta murals. These techniques were taken throughout the Indian world by Buddhist missionaries. Schematic diagrams very similar to the Tibetan  examples have been found in Japan and China, for instance. One of the most important element in any Indian work of art is bhava, or mood. This is as true today of Mumbai and Tamil movies, in which there is always a good variety of erotic, heroic, humourous and occasionally compassionate or peaceful scenes, as it was of the Ajanta murals, which in some ways resemble them. However, these being on the wall of Buddhist viharas, the predominant moods are usually shanti (peace), with a good deal of duhkha (sorrow) included, and a certain element of sringeri (erotic love). Sometimes, however, vira (valour) is evinced, as the few battle scenes, or bibhatsa (disgust), for example at a basket full of severed heads

Q5: Discuss the foreign and local impact n Mughal Painting.?

Foreign impact on mughal painting

The Near East has always been an area of tremendous cultural transfer. Situated at the crossroads between China and India, eastern Europe, and the eastern Mediterranean region, Persia has been subject to the influences of mobilized groups from all directions. Each foreign group to pass through Persia has contributed to the historical epic of triumph and defeat which is Persia's history. 

After the paced social and technological growth of the Bronze and Iron ages, Persia began a new historical chapter as a global actor when Cyrus the Great founded the Achaemenid dynasty in 550 BCE. Between 550 and 330 BCE, the Achaemenid dynasty grew to incorporate all the territory from the Indus river to the Nile. Based in Persia, this dynasty grew into a major political power which rivaled Greece. Zoroastranism, a religion of local origin which focused upon the importance of celestial and terrestrial balance, was the sanctioned religion. The Achaemenid reign ended when Alexander the Great conquered the region in 330 BCE. Alexander became enamored with Persian culture and to creating 

cultural exchange between the fortified Greek and Persian cultures, though his successors were more concerned with the economic and political benefits of maintaining control of the region. The Selucids succeeded Alexander. Their control lasted only until 248 BCE, at which time they were expelled by the Parthians, a semi nomadic group from northern Persia. 

The Parthians were ousted after only twenty years' reign by the Sasanians. As native Persians, the Sasanians took pride in reclaiming their homeland from foreign rule. They established an extremely stable empire, maintaining control of Persia from 224 BCE until 650 CE. Sasanian culture flourished amidst a high degree of political stability and cultural growth. Poetry and science flourished as the empire expanded eastward. China and Greece were engaged in trade with the Sasanians, and artistic patronage bloomed in this time of plenitude. Artistic influences from China and Greece blended with local Persian traditions, which contributed to the artistic vocabulary used in Persia for centuries to come. 

The Sasanians were periodically engaged in war with Byzantium. This contributed to a gradual decay of the former dynasty. Arab invaders capitalized upon this weakness as they swept through the region in the seventh century. The Sasanians were defeated by Arabs in 637 CE. Islam spread quickly through the Arab world, through modern Turkey, Iran and Iraq. Regional instability from conflicting tribes gave the Muslims an advantage in spreading their culture throughout the Near East, creating a large sphere of Islamic influence before the end of the seventh century. 

Islam was brought to Persia after a dramatic military defeat by a people who were largely nomadic. The Arab invaders had yet to establish their own cultural traditions; the religion itself was newly born, and their pre-Islamic cultures had not included a developed literary or artistic heritage. Islamic culture was highly permeable to aspects of Persian style and artistic tradition in the first centuries of the Islamic period, though Persian art forms were greatly modified by new Islamic values. There was a tendency away from figurative depiction and toward ornament and decoration in Islamic art, though Persian aesthetics continued to provide a cultural standard for the region. Persian culture became inextricably linked with Islam as the Muslim empire expanded eastward and westward. By the end of the first millennium, Islam had become a dominant religion not only in the Near East but through Spain, Turkey, and India. 

The Seljuq dynasty was established in 1037, under which a succession of powerful Persian leaders presided over a century of cultural renaissance. This age succeeded in fusing Islam and Persian culture into a nationalistic expression of Persian identity. However, by the end of the twelfth century, the Seljuq dynasty had weakened in a series of assaults along the eastern frontier. The cultural and political fortitude of the previous age had begun a slow decay. Power structures broke down over the next thirty years until the Mongols came flooding into Persia from the east in 1220. The region was quickly gripped by warfare and brutality. Mongol invaders systematically destroyed repositories of local culture, targeting 

libraries and mosques. Very little Persian art remains from before the thirteenth century; no manuscripts or paintings are known to predate the Mongol invasion. Scholars were eradicated during a time of unprecedented turbulence. More than a century passed before Persians could turn their attention to cultural repair and reengage in their pursuit of scholarship and the arts. 

The Mongol influence remained strong in Persia until roughly 1385 BCE. By this time the region had begun the slow healing process necessary after such a decisive break with previous culture. A new leadership was desperately needed in Persia which could restore the collective memory of Persian cultural glory. Some Mongols converted to Islam and became active contributors to rebuilding Persian culture. 

The Timurid, a group of Muslim peoples from Central Asia, invaded Persia in 1385 as part of a massive military campaign reaching from Turkey to India. In 1398 Timur's army reached Delhi. He captured the city in a series of brutal raids, bringing the Hindu state under Muslim rule. Islam would persist in India for 500 years after it was imposed by Timur. The Timurid dynasty controlled Persia for over a century. After an initial period of destruction imposed by Timur in his fight for control of Persia, the house of Timur developed into a strong patron of the arts. The Timurid empire succumbed to Persian culture much like the Mongols had done 150 years before. The Timurid controlled Persia until the turn of the sixteenth century. The first age of peace and stability in almost two centuries nurtured artistic development in Persia. The Timurid became enthusiastic patrons of architecture and manuscript illustration. Fortunately, several Timurid manuscripts have survived to the present day, documenting the advanced state of calligraphy, illustration, and illumination in the early fifteenth century. 

The Timurid dynasty remained in power for more than a century until it was displaced by the Safavid dynasty, a group of native Persian rulers. The Safavid dynasty marks an extremely important period in Persian history; for the first~time smce the Arab invasion Persia was united under a native Persian dynasty. The Safavids maintained the generous patronage of the arts begun by the previous rulers; Islamic culture continued to flourish and gain in accomplishment. The land was largely peaceful, and Persia experienced a golden age which lasted through the end of the seventeenth century. 

One of the most significant Safavid accomplishments in the sixteenth century was Persia's eastward expansion into northern India. Zahirud-din Muhammad Babar, a Persian ruler from the province of Ferghana, initiated the eastward expansion and became the first ruler of the Mughal court. Babar was descended from Timur of the Timurid Dynasty. He assumed leadership of Ferghana when he was only eleven years old. However, the Uzbek, a tribal people, presented a political obstacle to Babar's reign. They forced him to flee to Kabul, leaving his homeland. After trying in vain to recover his native country from Uzbek domination, he tumed his attention eastward. Babar resigned himself to moving eastward and establishing himself in Hindustan once it became to clear that he would not recover his 

native land. 14 Babar felt a proprietary right to the lands of northern and western India which had been conquered over a century before by Timur. In 1526 Babar defeated Sultan Ibrahim Lodi at Delhi and founded the Mughal Dynasty. Babar died only four years later, in 1530, at the age of forty-seven. 

Babar's eldest son Humayun succeeded him to the throne. He had been raised by his father as an appreciative patron of the arts and focused special attention on enlarging the royal manuscript collection. However, Humayun was not a warrior or a strategist. Parthan invaders defeated Humayun's army in 1540, ousting him from India. The next decade was characterized by political instability and territorial skirmishes. Humayun's son Akbar, born in 1542, was actually raised by the Persian emperor Shah Tahmsap's family while Humayun attempted to restore order to his own ruling house. This alliance proved doubly beneficial for Humayun. Growing up in the cosmopolitan Safavid capital, Akbar received the best possible education in the arts and leadership. Akbar's father also had the good fortune to lure Mir Musawwir and Mir Sayyid 'Ali, two of the most accomplished artists in Shah Tahmsap's royal painting studio, back to the Mughal court at Kabul in 1549. These Safavid court artists were instrumental in the development of the Mughal aesthetic. 

Akbar assumed power in 1556, quickly establishing himself as a highly capable leader and a strong patron of the arts. He sought peace in his kingdom, instituting a policy of tolerance for all people regardless of religious affiliation. The Hindu population embraced him as a benevolent leader, and his capital at Agra drew scholars from all parts of India and the Muslim world. Akbar's court encouraged artistic excellence and innovation. Artists began signing their work with greater frequency at this time. From studies of these signatures it has been surmised that approximately 80% of the painters in Akbar's imperial studio were Hindu. These artists brought their own artistic traditions and visual vocabulary with them to the Mughal court. Hindu and Jain painting tended to be more brightly colored and less highly-detailed than Safavid painting. The Mughal paintings created in this cosmopolitan atmosphere represent a great synthesis of Persian, European, and Hindi painting styles. 

Akbar was an avid supporter of portraiture, commissioning many images of himself and his family at all stages of life. One of the major innovations of Mughal art was the development of a unique genre of portraiture. Never before in Safavid art had the portrait been employed as an independent genre. However, in the early years of the Mughal dynasty, portraiture became one of the most popular types of painting. Although illustrated texts of famous literary works such as the Shahnama remained in demand at this time, there was a new emphasis on commissioning portraits, ornithological studies, and individual paintings to be mounted together in personal albums. This had a profound impact on the future of both Persian and Mughal art. 

Akbar's death in 1605 brought control of the extensive Mughal empire to his son Salim. Upon ascending the throne, Salim took the name Jahangir, meaning 'world-seizer.' Jahangir had inherited his father's taste for the arts as well as his empire, and quickly established 

himself as another great Mughal patron. Jahangir commissioned numerous portraits and natural history studies. He encouraged his the artists in the imperial studio to adopt particular specialties, and reduced the number of artists under his employment. Those artists turned loose by the court were likely in great demand in the many provincial workshops springing up in the larger Indian cities to cater to the patronage of provincial of ficials or to Hindu courts. 

Jahangir was succeeded by his son Shah Jahan in 1627. He was not an avid arts patron as his father and grandfather had been, but he had numerous portraits made of himself and his family as befitted an emperor. Shah Jahan reigned without incident for thirty years, raising his four sons in the comfort of the court. However, the end of Shah Jahan's reign introduced a note of turbulence to the Mughal ruling house. He became ill in 1657, and though he recovered, his son Aurangzeb proclaimed himself emperor. He then proceeded to imprison his father and kill his brother Dara Sikoh to avoid contention for the throne. 

Mughal influence had been more strongly felt in northern India than in southern India through the sixteenth century. Ahmadnagar, a city due east of Bombay, was claimed by the Mughals in 1600 during the last years of Akbar's reign. However, the Deccani plains of southem India remained under Hindu leadership. Aurangzeb was a Muslim fundamentalist and sought to expand the horizon of the Muslim empire into the Hindu areas of southem India. Aurangzeb had the support of some independent Muslim states in the Deccan and proceeded to acquire political and military control of the region. Bijapur and Golcunda remained under Hindu control until 1686, when Mughal forces permeated the region and defeated the local population. Aurangreb remained emperor until he was 89 years of age, in 1707. 

Aurangzeb was not a patron of the arts and the specialized ateliers of the previous generation dispersed shortly after he assumed power. Many of the disenfranchised Mughal artists found work in Hindu courts, which experienced a profusion of growth in the late seventeenth century. Aurangzeb's reign is generally felt to have signaled the end of the great age of Mughal painting. 

The Mughal dynasty officially came to an end in 1858 when Queen Victoria of Britain became the Empress of India. By this time, British interests were well established in India. The East India Company had been chartered over 250 years before, in 1600. Since that time, British shipping was firmly entrenched in India, importing luxury items such as tea, precious metals and stones, silk, cotton, and sandalwood. British aristocrats had been installed in India since the early 17th century. Their presence in a foreign land, coupled with the rising prevalence of natural history and scientific investigation made these expatriot Britons eager patrons of Indian artists. The watercolor images of birds in the Minassian collection were likely commissioned by English patrons living abroad in India in the early 

part of the 19th century. Some of these images are painted on Whatman paper, a British brand. Whatman paper was favored by many European watercolorists in the eighteenth and nineteenth centuries. It was likely brought to India by English diplomats for their personal use or to be used for commissions by local Indian artists. 

Meanwhile, artistic patronage continued to thrive through the sixteenth and seventeenth centuries in Safavid Persia. The Safavid Shahs Ismael (1501-1524), Tahmsap (1524-1576), and Abbas I (1589-1627) ruled in times of relative stability and maintained excellent imperial painting schools. Famous artists such as Riza-i Abbasi and Muzaffar 'Ali were nurtured in the courts of sixteenth century Tabriz. However, by the eighteenth century, political instability and invasions from Afghanistan had greatly reduced the strength of the empire. The rule of Nadir Shah offered a brief retum to an imperial govemment, though the Safavid regime was too weak to keep Persia unified. The Safavid reign came to an end in 1734. 

A time of political instability and invasion followed the fall of the Safavid dynasty, and these tenuous circumstances detached Persians from the cultural achievements of the previous era. The Qajar dynasty (1799-1925) reintroduced a degree of stability as it came to power, though artistic patronage was not as much of a priority as it had been under Safavid rulers. Qajar rulers did continue to commission elaborate paintings, illuminated calligraphic works, and decorative arts objects, though they favored very different types of painting than had been seen before in Persia. By this time western aesthetics had begun to pemmeate the traditional Persian visual arts. Artists began painting in oil, with an increased awareness of shading and perspective. Painting branched out in new directions, leaving the days of courtly miniatures forever behind. 

It can be universally stated that the arts flourish in times of political stability and affluence. The social conditions necessary to support a vital system of patronage were essential for the creation of miniature paintings, particularly those of the Persian courts and the Mughal dynasty. Because miniature paintings required many man hours of labor and costly materials such as fine paper, pure mineral pigments, and gold leaf, an economic climate in which a measurable segrnent of the population could invest its money in patronage was essential for the success of the art form. The royal court was the primary patron of miniature painting, though in times of stability provincial officials would follow the imperial lead and commission paintings for themselves. However, the end of the imperial age also brought an end to the art form which had expressed its sensibilities with such eloquence. We are fortunate to have inherited so many of these precious images from their creators, as the circumstances in which they were produced will likely never be revisited. 

 Local impact on mughal painting

The Mughals - descendants of Timur and Genghiz Khan with strong cultural ties to the Persian world - seized political power in north India in 1526 and became the most important artistically active Muslim dynasty on the subcontinent. In this richly illustrated book, Dr Milo Beach shows how, between 1555 and 1630 in particular, Mughal patronage of the arts was incessant and radically innovative for the Indian context. The Mughals also profoundly altered the character of painting in the Hindu areas of north India over which they ruled. These initially independent territories belonged to Rajputs, Hindus of the warrior caste. The author reveals how Mughal painting was defined by the styles popular at the imperial court, whereas Pajput painting consisted of many local court styles, corresponding to the various Hindu kingdoms, each with different tastes and artistic inspirations. Deeply rooted in Indian artistic traditions, Rajput paintings were also closely allied to imagery popular with Indian villagers and to works made for temple use throughout the subcontinent. By reproducing nearly 200 examples in this study, Milo Beach traces the interplay of the traditions of Mughal and Rajput painting from the sixteenth to nineteenth centuries. He demonstrates the tolerance each showed towards outside influence and change and thus helps to define a uniquely Indian attitude towards the arts. The author also expands his narrative by listing, in an appendix, important dated manuscripts and related publications. Mughal and Rajput Painting makes a major contribution to the study of north Indian painting. This work will be widely read by students and specialists of art history, Indian history and South Asian studies as well as by anyone interested in Indian art.  

Q6: Draw a comperative analysis between modern Western art and modern  Indian art.

Modern Western art history

 Western painting.

Pierre Mignard, Clio, muse of heroic poetry and history, 17th century

Western art is the art of European countries, and art created in the forms accepted by those countries.

Written histories of Western art often begin with the art of the Ancient Middle East, Ancient Egypt and the Ancient Aegean civilisations, dating from the 3rd millennium BC. Parallel with these significant cultures, art of one form or another existed all over Europe, wherever there were people, leaving signs such as carvings, decorated artifacts and huge standing stones. However a consistent pattern of artistic development within Europe becomes clear only with the art of Ancient Greece, adopted and transformed by Rome and carried; with the Empire, across much of Europe, North Africa and the Middle East.

The influence of the art of the Classical period waxed and waned throughout the next two thousand years, seeming to slip into a distant memory in parts of the Medieval period, to re-emerge in the Renaissance, suffer a period of what some early art historians viewed as "decay" during the Baroque period,[1] to reappear in a refined form in Neo-Classicism and to be re-born in Post-Modernism.

The other major influence upon Western art has been Christianity, the commissions of the Church, architectural, painterly and sculptural, providing the major source of work for artists for about 1400 years, from 300 AD to about 1700 AD. The history of the Church was very much reflected in the history of art, during this period.

Secularism has influenced Western art since the Classical period, while most art of the last 200 years has been produced without reference to religion and often with no particular ideology at all. On the other hand, Western art has often been influenced by politics of one kind or another, of the state, of the patron and of the artist.

Western art is arranged into a number of stylistic periods, which, historically, overlap each other as different styles flourished in different areas. Broadly the periods are, Classical, Byzantine, Medieval, Renaissance, Baroque, Modern. Each of these is further subdivided.

Ancient Classical art

The art of Ancient Egypt represented the dominant high culture in the Mediterranean and exerted a strong influence on Minoan art. Egypt was a civilization with very strong traditions of architecture and sculpture (both originally painted in bright colours) also had many mural paintings in temples and buildings, and painted illustrations on papyrus manuscripts. Egyptian wall painting and decorative painting is often graphic, sometimes more symbolic than realistic. Artists as contemporary as Pablo Picasso have been directly inspired by Egyptian painting and sculpture. Egyptian painting depicts figures in bold outline and flat silhouette, in which symmetry is a constant characteristic. Egyptian painting has close connection with its written language - called Egyptian hieroglyphs. The Egyptians also painted on linen, remnants of which survive today. In fact painted symbols are found amongst the first forms of written language, and religion. However it is Ancient Egypt's mysterious and compelling architecture that has had the most impact on modern art historians. The Great Pyramids, the Great Sphinx of Giza, and the smaller pyramids and tombs of Ancient Egypt are among the Seven Wonders of the World.

To the north of Egypt was the Minoan civilization on the island of Crete. The wall paintings found in the palace of Knossos are similar to those of the Egyptians but much more free in style. Around 1100 BC, tribes from the north of Greece conquered Greece and the Greek art took a new direction.

The western side of the Parthenon on the Acropolis of Athens.

Ancient Greece had great painters, great sculptors, and great architects. The Parthenon is an example of their architecture that has lasted to modern days. Greek marble sculpture is often described as the highest form of Classical art. Painting on the pottery of Ancient Greece and ceramics gives a particularly informative glimpse into the way society in Ancient Greece functioned. Black-figure vase painting and Red-figure vase painting gives many surviving examples of what Greek painting was. Some famous Greek painters on wooden panels who are mentioned in texts are Apelles, Zeuxis and Parrhasius, however no examples of Ancient Greek panel painting survive, only written descriptions by their contemporaries or by later Romans. Zeuxis lived in 5-6 BC and was said to be the first to use sfumato. According to Pliny the Elder, the realism of his paintings was such that birds tried to eat the painted grapes. Apelles is described as the greatest painter of Antiquity for perfect technique in drawing, brilliant color and modeling.

Bust of Antinous, c. 130 AD

Roman art was influenced by Greece and can in part be taken as a descendant of ancient Greek painting and sculpture, but was also strongly influenced by the more local Etruscan art of Italy. Roman sculpture, is primarily portraiture derived from the upper classes of society as well as depictions of the gods. However, Roman painting does have important unique characteristics. Among surviving Roman paintings are wall paintings, many from villas in Campania, in Southern Italy, especially at Pompeii and Herculaneum. Such painting can be grouped into 4 main "styles" or periods[2] and may contain the first examples of trompe-l'oeil, pseudo-perspective, and pure landscape.[3]

Mummy portrait of a young girl, 2nd century AD, Louvre.

Almost the only painted portraits surviving from the Ancient world are a large number of coffin-portraits of bust form found in the Late Antique cemetery of Al-Fayum. They give an idea of the quality that the finest ancient work must have had. A very small number of miniatures from Late Antique illustrated books also survive, and a rather larger number of copies of them from the Early Medieval period. Early Christian art grew out of Roman popular, and later Imperial, art and adapted its iconography from these sources.

Renaissance

Main article: Renaissance art

The Renaissance is characterized by a focus on the arts of Ancient Greece and Rome, which led to many changes in both the technical aspects of painting and sculpture, as well as to their subject matter. It began in Italy, a country rich in Roman heritage as well as material prosperity to fund artists. During the Renaissance, painters began to enhance the realism of their work by using new techniques in perspective, thus representing three dimensions more authentically. Artists also began to use new techniques in the manipulation of light and darkness, such as the tone contrast evident in many of Titian's portraits and the development of sfumato and chiaroscuro by Leonardo da Vinci. Sculptors, too, began to rediscover many ancient techniques such as contrapposto. Following with the humanist spirit of the age, art became more secular in subject matter, depicting ancient mythology in addition to Christian themes. This genre of art is often referred to as Renaissance Classicism. In the North, the most important Renaissance innovation was the widespread use of oil paints, which allowed for greater colour and intensity.

From Gothic to the Renaissance

During the late 13th century and early 14th century, much of the painting in Italy was Byzantine in Character, notably that of Duccio of Siena and Cimabue of Florence, while Pietro Cavallini in Rome was more Gothic in style.

In 1290 Giotto began painting in a manner that was less traditional and more based upon observation of nature. His famous cycle at the Scrovegni Chapel, Padua, is seen as the beginnings of a Renaissance style.

Other painters of the 14th century were carried the Gothic style to great elaboration and detail. Notable among these painters are Simone Martini and Gentile da Fabriano.

In the Netherlands, the technique of painting in oils rather than tempera, led itself to a form of elaboration that was not dependent upon the application of gold leaf and embossing, but upon the minute depiction of the natural world. The art of painting textures with great realism evolved at this time. Dutch painters such as Jan van Eyck and Hugo van der Goes were to have great influence on Late Gothic and Early Renaissance painting.

Early Renaissance

The ideas of the Renaissance first emerged in the city-state of Florence. The sculptor Donatello returned to classical techniques such as contrapposto and classical subjects like the unsupported nude — his second sculpture of David was the first free-standing bronze nude created in Europe since the Roman Empire. The sculptor and architect Brunelleschi studied the architectural ideas of ancient Roman buildings for inspiration. Masaccio perfected elements like composition, individual expression, and human form to paint frescoes, especially those in the Brancacci Chapel, of surprising elegance, drama, and emotion.

A remarkable number of these major artists worked on different portions of the Florence Cathedral. Brunelleschi's dome for the cathedral was one of the first truly revolutionary architectural innovations since the Gothic flying buttress. Donatello created many of its sculptures. Giotto and Lorenzo Ghiberti also contributed to the cathedral.

High Renaissance

High Renaissance artists include such figures as Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, and Raffaello Santi.

The 15th-century artistic developments in Italy (for example, the interest in perspectival systems, in depicting anatomy, and in classical cultures) matured during the 16th century, 

accounting for the designations “Early Renaissance” for the 15th century and “High Renaissance” for the 16th century. Although no singular style characterizes the High Renaissance, the art of those most closely associated with this Period—Leonardo daVinci, Raphael, Michelangelo, and Titian—exhibits an astounding mastery, both technical and aesthetic. High Renaissance artists created works of such authority that generations of later artists relied on these artworks for instruction. These exemplary artistic creations further elevated the prestige of artists. Artists could claim divine inspiration, thereby raising visual art to a status formerly given only to poetry. Thus, painters, sculptors, and architects came into their own, successfully claiming for their work a high position among the fine arts. In a sense, 16th- century masters created a new profession with its own rights of expression and its own venerable character. .

Northern art up to the Renaissance

Early Netherlandish painting developed (but did not strictly invent) the technique of oil painting to allow greater control in painting minute detail with realism - Jan van Eyck (1366–1441) was the a figure in the movement from illuminated manuscripts to panel paintings.

Hieronymus Bosch (1450?-1516), a Dutch painter, is another important figure in the Northern Renaissance. In his paintings, he used religious themes, but combined them with grotesque fantasies, colourful imagery, and peasant folk legends. His paintings often reflect the confusion and anguish associated with the end of the Middle Ages.

Albrecht Dürer introduced Italian Renaissance style to Germany at the end of the 15th century, and dominated German Renaissance art.

Time Period:

Italian Renaissance — Late 14th century to Early 16th century Northern Renaissance — 16th century

Mannerism, Baroque and Rococo

Main articles: Mannerism, Baroque, and Rococo

In European art, Renaissance Classicism spawned two different movements— Mannerism and the Baroque. Mannerism, a reaction against the idealist perfection of Classicism, employed distortion of light and spatial frameworks in order to emphasize the emotional content of a painting and the emotions of the painter. The work of El Greco is a particularly clear example of Mannerism in painting during the late 16th, early 17th centuries. Northern Mannerism took longer to develop, and was largely a movement of the last half of the 16th 

century. Baroque art took the representationalism of the Renaissance to new heights, emphasizing detail, movement, lighting, and drama in their search for beauty. Perhaps the best known Baroque painters are Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, and Diego Velázquez. A rather different art developed out of northern realist traditions in 17th century Dutch Golden Age painting, which had very little religious art, and little history painting, instead playing a crucial part in developing secular genres such as still life, genre paintings of everyday scenes, and landscape painting. While the Baroque nature of Rembrandt's art is clear, the label is less use for Vermeer and many other Dutch artists. Flemish Baroque painting shared a part in this trend, while also continuing to produce the traditional categories.

Baroque art is often seen as part of the Counter-Reformation— the artistic element of the revival of spiritual life in the Roman Catholic Church. Additionally, the emphasis that Baroque art placed on grandeur is seen as Absolutist in nature. Louis XIV said, "I am grandeur incarnate", and many Baroque artists served kings who tried to realize this goal. However, the Baroque love for detail is often considered overly-ornate and gaudy, especially as it developed into the even more richly decorated style of Rococo. After the death of Louis XIV, Rococo flourished for a short while, but soon fell out of favor. Indeed, disgust for the ornateness of Rococo was the impetus for Neoclassicism.

Time Period:

Mannerism    — 16th century Baroque    — 17th century to 18th century Rococo    — Mid-18th century

Modern art

Main articles: Impressionism, Post Impressionism, Fauvism, Cubism, Modern art, and Modernism

Out of the naturalist ethic of Realism grew a major artistic movement, Impressionism. The Impressionists pioneered the use of light in painting as they attempted to capture light as seen from the human eye. Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, and Pierre-Auguste Renoir, were all involved in the Impressionist movement. As a direct outgrowth of Impressionism came the development of Post-Impressionism. Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat are the best known Post-Impressionists.

Following the Impressionists and the Post-Impressionists came Fauvism, often considered the first "modern" genre of art. Just as the Impressionists revolutionized light, so did the fauvists rethink color, painting their canvases in bright, wild hues. After the Fauvists, modern art began to develop in all its forms, ranging from Expressionism, concerned with evoking 

emotion through objective works of art, to Cubism, the art of transposing a three-dimensional reality onto a flat canvas, to Abstract art. These new art forms pushed the limits of traditional notions of "art" and corresponded to the similar rapid changes that were taking place in human society, technology, and thought.

Surrealism is often classified as a form of Modern Art. However, the Surrealists themselves have objected to the study of surrealism as an era in art history, claiming that it oversimplifies the complexity of the movement (which they say is not an artistic movement), misrepresents the relationship of surrealism to aesthetics, and falsely characterizes ongoing surrealism as a finished, historically encapsulated era.

Contemporary art and Postmodern art

Main articles: Contemporary art and Postmodern art

Recent developments in art have been characterised by a significant expansion of what can now deemed to be art, in terms of materials, media, activity and concept. Conceptual art in particular has had a wide influence. This started literally as the replacement of concept for a made object, one of the intentions of which was to refute the commodification of art. However, it now usually refers to an artwork where there is an object, but the main claim for the work is made for the thought process that has informed it. The aspect of commercialism has returned to the work.

There has also been an increase in art referring to previous movements and artists, and gaining validity from that reference.

Postmodernism in art, which has grown since the 1960s, differs from Modernism in as much as Modern art movements were primarily focused on their own activities and values, while Postmodernism uses the whole range of previous movements as a reference point. This has by definition generated a relativistic outlook, accompanied by irony and a certain disbelief in values, as each can be seen to be replaced by another. Another result of this has been the growth of commercialism and celebrity.

Some surrealists in particular Joan Miró, who called for the "murder of painting" (In numerous interviews dating from the 1930s onwards, Miró expressed contempt for conventional painting methods and his desire to "kill", "murder", or "rape" them in favor of more contemporary means of expression).[5] have denounced or attempted to "supersede" painting, and there have also been other anti-painting trends among artistic movements, such as that of Dada and conceptual art. The trend away from painting in the late 20th century has been countered by various movements, for example the continuation of Minimal 

Art, Lyrical Abstraction, Pop Art, Op Art, New Realism, Photorealism, Neo Geo, Neo-expressionism, and Stuckism and various other important and influential painterly directions.

See also

Western painting    History of painting    Contemporary art    Postmodern art    Modernism    Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects    Painting in the Americas before Colonization    Western European paintings in Ukrainian museums   

Modern Indian art

Radha.

Fresco from Ajanta, 2nd Century B.C.

Raja Ravi Varma's Shakuntala

Indian painting is a form of Indian art. The earliest Indian paintings were the rock paintings of pre-historic times, the petroglyphs as found in places like Bhimbetka, and some of them are older than 5500 BC. Such works continued and after several millennia, in the 7th century, carved pillars of Ellora, Maharashtra state present a fine example of Indian paintings, and the colors, mostly various shades of red and orange, were derived from minerals. Thereafter, frescoes of Ajanta and Ellora Caves appeared. India's Buddhist literature is replete with examples of texts which describe that palaces of kings and aristocratic class were embellished with paintings, but they have largely not survived. But, it is believed that some form of art painting was practiced during that time.

Indian paintings provide an aesthetic continuum that extends from the early civilization to the present day. From being essentially religious in purpose in the beginning, Indian painting has evolved over the years to become a fusion of various cultures and traditions. The Indian painting was exposed to Greco-Roman as well as Iranian and Chinese influences. Cave paintings in different parts of India bear testimony to these influences and a continuous evolution of new idioms is evident.

Sadanga of Indian painting

Around 1st century BC the Sadanga or Six Limbs of Indian Painting, were evolved, a series of canons laying down the main principles of the art. Vatsyayana, who lived during the third 

century A.D., enumerates these in his Kamasutra having extracted them from still more ancient works.

These 'Six Limbs' have been translated as follows:

1. Rupabheda The knowledge of appearances.2. Pramanam Correct perception, measure and structure.3. Bhava Action of feelings on forms.4. Lavanya Yojanam Infusion of grace, artistic representation.5. Sadrisyam Similitude.6. Varnikabhanga Artistic manner of using the brush and colours. (Tagore.)

The subsequent development of painting by the Buddhists indicates that these ' Six Limbs ' were put into practice by Indian artists, and are the basic principles on which their art was founded.

Genres of Indian painting

Painting of Mysore style during tippu sultan period

Indian Paintings can be broadly classified as the murals and miniatures. Murals are huge works executed on the walls of solid structures, as in the Ajanta Caves and the Kailashnath temple. Miniature paintings are executed on a very small scale on perishable material such as paper and cloth. The Palas of Bengal were the pioneers of miniature painting in India. The art of miniature painting reached its glory during the Mughal period. The tradition of miniature paintings was carried forward by the painters of different Rajasthani schools of painting like the Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar and Mewar. The Ragamala paintings also belong to this school.

The modern Indian art has seen the rise of the Bengal School of art in 1930s followed by many forms of experimentations in European and Indian styles. In the aftermath of India's independence, many new genres of art developed by important artists like Jamini Roy, MF 

Husain, FN Souza, and Gaitonde. With the progress of the economy the forms and styles of art also underwent many changes. In the 1990s, Indian economy was liberalized and integrated to the world economy leading to the free flow of cultural information within and without. This period saw the emergence of Pseudorealism as a new genre in contemporary Indian art. Alongside this the country saw the rise of mahny young Turks in the field of art like Subodh Gupta, Atul Dodiya, Devajyoti Ray, Bose Krishnamachari and Jitish Kahllat whose works went for auction in international markets.

Murals

A mural painting depicting a scene from Mahajanaka Jataka, Cave 1, Ajanta

The history of Indian murals starts in ancient and early medieval times, from 2nd century BC to 8th - 10th century AD. There are known more than 20 locations around India containing murals from this period, mainly natural caves and rock-cut chambers[1]. The highest achievements of this time are the caves of Ajanta, Bagh, Sittanavasal, Armamalai Cave (Tamil Nadu), Ravan Chhaya rock shelter, Kailasanatha temple in Ellora Caves.

Murals from this period depict mainly religious themes of Buddhist, Jain and Hindu religions. There are though also locations where paintings were made to adorn mundane premises, like the ancient theatre room in Jogimara Cave[2] and possible royal hunting lodge circa 7th century AD - Ravan Chhaya rock shelter[3].

Miniature painting

The pattern of large scale wall painting which had dominated the scene, witnessed the advent of miniature paintings during the 11th & 12th centuries. This new style figured first in the form of illustrations etched on palm-leaf manuscripts. The contents of these manuscripts included literature on Buddhism & Jainism. In eastern India, the principal centres of artistic and intellectual activities of the Buddhist religion were Nalanda, Odantapuri, Vikramshila and Somarpura situated in the Pala kingdom (Bengal & Bihar).

Eastern Indian painting

In eastern India miniature painting developed in 10th century. These miniatures, depicting Buddhist divinities and scenes from the life of Buddha were painted on the leaves (about 2.25 by 3 inches) of the palm-leaf manuscripts as well as their wooden covers. Most common Buddhist illustrated manuscripts include the texts Astasahasrika Prajnaparamita,[4] Pancharaksa, Karandavyuha and Kalachakrayanatantra. The earliest extant miniatures are found in a manuscript of the Astasahasrika Prajnaparamita dated in the sixth regnal year of Mahipala (c. 993), presently in the possession of The Asiatic Society, Kolkata. This style disappeared from India in the late 12th century.

Western Indian painting

In western India between the 10th to 12th century miniature painting developed. These small paintings were part of manuscripts written at the time and illustrate the subjects of the manuscripts. These miniatures are found in some Jaina manuscripts and are of 2 to 4 inches in size.

Earliest Jaina illustrated palm-leaf manuscripts include the texts Ogha-niryukti and Dasavaikalika-tika. Another surviving example of early illustrated Jaina palm-leaf manuscript is the Savaga-padikkamana-sutta-cunni written by Pandit Ramachandra (13th century).

It was in the 14th century, that paper replaced the palm leaf. Most common Jaina illustrated paper manuscripts include the Kalpasutra of Bhadrabahu and the Kalakacharyakatha.[5] The Jaina style of paintings attained a high degree of development by the late 15th and 16th century.

In the 16th century, a number of Hindu illustrated manuscripts appeared in western India, which include the texts, the Gitagovinda of Jayadeva and the Bhagavata Purana.

Malwa, Deccan and Jaunpur schools of painting

A new trend in manuscript illustration was set by a manuscript of the Nimatnama painted at Mandu, during the reign of Nasir Shah (1500–1510). This represent a synthesis of the indigenous and the Persion style, though it was the latter which dominated the Mandu manuscripts. There was another style of painting known as Lodi Khuladar that flourished in the Sultanate's dominion of North India extending from Delhi to Jaunpur.

The miniature painting style, which flourished initially in the Bahmani court and later in the courts of Ahmadnagar, Bijapur and Golkonda is popularly known as the Deccan school of Painting. One of the earliest surviving paintings are found as the illustrations of a manuscript Tarif-i-Hussain Shahi (c.1565), which is now in Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, Pune. About 400 miniature paintings are found in the manuscript of Nujum-ul-Ulum (Stars of Science) (1570), kept in Chester Beatty Library, Dublin.

Mughal painting

A 17th century Mughal painting.

Main article: Mughal painting

Mughal painting is a particular style of Indian painting, generally confined to illustrations on the book and done in miniatures, and which emerged, developed and took shape during the period of the Mughal Empire 16th -19th centuries).

Mughal paintings were a unique blend of Indian, Persian and Islamic styles. Because the Mughal kings wanted visual records of their deeds as hunters and conquerors, their artists accompanied them on military expeditions or missions of state, or recorded their prowess as animal slayers, or depicted them in the great dynastic ceremonies of marriages.

Akbar's reign (1556–1605) ushered a new era in Indian miniature painting. After he had consolidated his political power, he built a new capital at Fatehpur Sikri where he collected artists from India and Persia. He was the first morarch who established in India an atelier under the supervision of two Persian master artists, Mir Sayyed Ali and Abdus Samad. Earlier, both of them had served under the patronage of Humayun in Kabul and accompanied him to India when he regained his throne in 1555. More than a hundred painters were employed, most of whom were Hindus from Gujarat, Gwalior and Kashmir, who gave a birth to a new school of painting, popularly known as the Mughal School of miniature Paintings.

A folio from the Hamzanama

One of the first productions of that school of miniature painting was the Hamzanama series, which according to the court historian, Badayuni, was started in 1567 and completed in 1582. The Hamzanama, stories of Amir Hamza, an uncle of the Prophet, were illustrated by Mir Sayyid Ali. The paintings of the Hamzanama are of large size, 20 x 27" and were painted on cloth. They are in the Persian safavi style. Brilliant red, blue and green colours predominate; the pink, eroded rocks and the vegetation, planes and blossoming plum and peach trees are reminiscent of Persia. However, Indian tones appear in later work, when Indian artists were employed.

After him, Jahangir encouraged artists to paint portraits and durbar scenes. His most talented portrait painters were Ustad Mansur, Abul Hasan and Bishandas.

Shah Jahan (1627–1658) continued the patronage of painting. Some of the famous artists of the period were Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Muhammad Nadir, Bichitr, Chitarman, Anupchhatar, Manohar and Honhar.

Aurangzeb had no taste for fine arts. Due to lack of patronage artists migrated to Hyderabad in the Deccan and to the Hindu states of Rajasthan in search of new patrons.

Rajput painting

An 18th century Rajput painting by the artist Nihâl Chand.

Main article: Rajput painting

Rajput painting, a style of Indian painting, evolved and flourished, during the 18th century, in the royal courts of Rajputana, India. Each Rajput kingdom evolved a distinct style, but with certain common features. Rajput paintings depict a number of themes, events of epics like the Ramayana and the Mahabharata, Krishna's life, beautiful landscapes, and humans. Miniatures were the preferred medium of Rajput painting, but several manuscripts also contain Rajput paintings, and paintings were even done on the walls of palaces, inner chambers of the forts, havelies, particularly, the havelis of Shekhawati.

The colours extracted from certain minerals, plant sources, conch shells, and were even derived by processing precious stones, gold and silver were used. The preparation of desired colours was a lengthy process, sometimes taking weeks. Brushes used were very fine.

Mysore paintingMain article: Mysore painting

A painting of Laxmi

Mysore painting is an important form of classical South Indian painting that originated in the town of Mysore in Karnataka. These paintings are known for their elegance, muted colours, and attention to detail. The themes for most of these paintings are Hindu Gods and Goddesses and scenes from Hindu mythology. In modern times, these paintings have become a much sought after souvenir during festive occasions in South India.

The process of making a Mysore painting involves many stages. The first stage involves the making of the preliminary sketch of the image on the base. The base consists of cartridge paper pasted on a wooden base. A paste made of Zinc oxide and Arabic gum is made called "gesso paste". With the help of a thin brush all the jewellery and parts of throne or the arch which have some relief are painted over to give a slightly raised effect of carving. This is allowed to dry. On this thin gold foil is pasted. The rest of the drawing is then painted using watercolours. Only muted colours are used.

[edit] Tanjore paintingMain article: Tanjore painting

Tanjore style painting depicting the ten Sikh Gurus with Bhai Bala and Bhai Mardana.

Tanjore painting is an important form of classical South Indian painting native to the town of Tanjore in Tamil Nadu. The art form dates back to the early 9th century, a period dominated by the Chola rulers, who encouraged art and literature. These paintings are known for their elegance, rich colours, and attention to detail. The themes for most of these paintings are Hindu Gods and Goddesses and scenes from Hindu mythology. In modern times, these paintings have become a much sought after souvenir during festive occasions in South India.

The process of making a Tanjore painting involves many stages. The first stage involves the making of the preliminary sketch of the image on the base. The base consists of a cloth pasted over a wooden base. Then chalk powder or zinc oxide is mixed with water-soluble adhesive and applied on the base. To make the base smoother, a mild abrasive is sometimes used. After the drawing is made, decoration of the jewellery and the apparels in the image is done with semi-precious stones. Laces or threads are also used to decorate the jewellery. On top of this, the gold foils are pasted. Finally, dyes are used to add colors to the figures in the paintings.

Madhubani paintingMain article: Madhubani painting

Madhubani painting is a style of uttaradi mutt painting, practiced in the Mithila region of Bihar state, India. The origins of Madhubani painting are shrouded in antiquity, and a tradition states that this style of painting originated at the time of the Ramayana, when King 

Janak commissioned artists to do paintings at the time of marriage of his daughter, Sita, with Sri Rama who is considered to be an incarnation of the Hindu god lord Vishnu.

PattachitraMain article: Pattachitra

Gita Govinda depicted in Pattachitra

Pattachitra refers to the folk painting of the state of Orissa, in the eastern region of India.'Patta' in Sanskrit means 'Vastra' or 'clothings' and 'chitra' means paintings.The tradition of Pattachitra is closely linked with the worship of Lord Jagannath. Apart from the fragmentary evidence of paintings on the caves of Khandagiri and Udayagiri and Sitabhinji murals of the Sixth century A.D., the earliest indigenous paintings from Odisha are the Pattachitra done by the Chitrakars (the painters are called Chitrakars).[6] The theme of Odishan painting centres round the Vaishnava cult. Since beginning of Pattachitra culture Lord Jagannath who was an incarnation of Lord Krishna was the major source of inspiration. The subject matter of Patta Chitra is mostly mythological, religious stories and folk lore. Themes are chiefly on Lord Jagannath and Radha-Krishna, different "Vesas" of Jagannath, Balabhadra and Subhadra, temple activities, the ten incarnations of Vishnu basing on the 'Gita Govinda' of Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata. The individual paintings of gods and goddesses are also being painted.The painters use vegetable and mineral colours without going for factory made poster colours. They prepare their own colours. White colour is made from the conch-shells by powdering, boiling and filtering in a very hazardous process. It requires a lot of patience. But this process gives brilliance and premanence to the hue. 'Hingula', a mineral colour, is used for red. 'Haritala', king of stone ingredients for yellow, 'Ramaraja' a sort of indigo for blue are being used. Pure lamp-black or black prepared from the burning of cocoanut shells are used.The brushes that are used by these 'Chitrakaras' are also indigenous and are made of hair of domestic animals. A bunch of hair tied to the end of a bamboo stick make the brush. It is really a matter of wonder as to how these painters bring out lines of such precision and finish with the help of these crude brushes. That old tradition of Odishan painting still survives to-day in 

the skilled hands of Chitrakaras (traditional painters) in Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti and Sonepur.

Various Hindu Gods are shown in Pattachitra

 Bengal school

Bharat Mata by Abanindranath Tagore, 1905, a pioneer of the Bengal School

Main article: Bengal school of art

The Bengal School of Art was an influential style of art that flourished in India during the British Raj in the early 20th century. It was associated with Indian nationalism, but was also promoted and supported by many British arts administrators.

The Bengal school arose as an avant garde and nationalist movement reacting against the academic art styles previously promoted in India, both by Indian artists such as Ravi Varma and in British art schools. Following the widespread influence of Indian spiritual ideas in the 

West, the British art teacher Ernest Binfield Havel attempted to reform the teaching methods at the Calcutta School of Art by encouraging students to imitate Mughal miniatures. This caused immense controversy, leading to a strike by students and complaints from the local press, including from nationalists who considered it to be a retrogressive move. Havel was supported by the artist Abanindranath Tagore, a nephew of the poet Rabindranath Tagore. Tagore painted a number of works influenced by Mughal art, a style that he and Havel believed to be expressive of India's distinct spiritual qualities, as opposed to the "materialism" of the West. Tagore's best-known painting, Bharat Mata (Mother India), depicted a young woman, portrayed with four arms in the manner of Hindu deities, holding objects symbolic of India's national aspirations. Tagore later attempted to develop links with Japanese artists as part of an aspiration to construct a pan-Asianist model of art.

The Bengal school's influence in India declined with the spread of modernist ideas in the 1920s.

Modern Indian Painting

Three Girls, by Amrita Sher-Gil, 1935, now at the National Gallery of Modern Art in New Delhi

Sneha-village belle, Oil on canvas by John Wilkins(Indian artist)

Setting Notes, by Devajyoti Ray, 2007, One of the major works in the Pseudorealism Genre of Modern Indian Art

During the colonial era, Western influences started to make an impact on Indian art. Some artists developed a style that used Western ideas of composition, perspective and realism to illustrate Indian themes. Others, like Jamini Roy, consciously drew inspiration from folk art.

By the time of Independence in 1947, several schools of art in India provided access to modern techniques and ideas. Galleries were established to showcase these artists. Modern Indian art typically shows the influence of Western styles, but is often inspired by Indian themes and images. Major artists are beginning to gain international recognition, initially among the Indian diaspora, but also among non-Indian audiences.

The Progressive Artists' Group, established shortly after India became independent in 1947, was intended to establish new ways of expressing India in the post-colonial era. The founders were six eminent artists - K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. Husain, S.H. Raza and F. N. Souza, though the group was dissolved in 1956, it was profoundly influential in changing the idiom of Indian art. Almost all India's major artists in the 1950s were associated with the group. Some of those who are well-known today are Bal Chabda, Om Swami, V. S. Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, and Akbar Padamsee. Other famous painters like Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins,Narayanan Ramachandran, and Bijon Choudhuri enriched the art culture of India. They have become the icon of modern Indian art. Art historians like Prof. Rai Anand Krishna have also referred to those works of modern artistes that reflect Indian ethos. Some of the new artists like Geeta Vadhera have had acclaim in translating complex, Indian spiritual themes into the canvas - Sufi thought [1], Upanishads and the Bhagwad Geeta, for example. From 1990 to till 2009 the Indian art is growing with powerful expression. one of them is Raj mehta working in lucknow, recent work on women the silent feature of women mind.the city of nawabs. it has the great history, ruled many kings and the loving place of all emperial power. Raj mehta work in painting and mural. kriti art gallery in varanasi explore his work in India. "Third Eye Series", is a new style of painting brought out by Narayanan Ramachandran, during 1990 to 2010.

Indian Art got a boost with the economic liberalization of the country since early 1990s. Artists from various fields now started bringing in varied styles of work. Post liberalization Indian art thus works not only within the confines of academic traditions but also outside it. Artists like Chittrobhanu Majumdar, A Ramachandran, etc have introduced newer mediums in art. In this phase, artists have introduced even newer concepts which have hitherto not been seen in Indian art. Devajyoti Ray has introduced a the new genre of art called Pseudorealism. Pseudorealist Art is an original art style that has been developed entirely on the Indian soil. Pseudorealism takes into account the Indian concept of abstraction and uses it to transform regular scenes of Indian life into a fantastic images.

In post-liberalization India, many artists have establisghed themselves in the international art market like Anish Kapoor whose mammoth artworks have acquired attention for their sheer size. Many art houses and galleries have also opened in USA and Europe to showcase Indian artworks.Some artists like Shreya Chaturvedi, Subodh Gupta , Piu Sarkar, Amitava Sengupta and many others have done magic world wide

Gallery

Some notable Indian paintings

Hemen Majumdar   's "Lady with the Lamp" Rabindranath Tagore   's "Self portrait" Abanindranath Tagore   's Bharat Mata Raja Ravi Varma   's Shakuntala Ramkinkar Baij   's "Jakkha 0 Jakkhi" Bikash Bhattacharya   's "Doll-series" Geeta Vadhera   's Jogia "Dhoop series" Jahar Dasgupta   's "Confrontation" MF Hussain   's "Horses-series" Jamini Roy   's "Jesus" John Wilkins   's "Gossip", Rakesh Vijay    "Persian and Mogul styles" Jainul Abedin   's "Series on Bengal Famine" Sunil Das   's "Bull Series" Devajyoti Ray   's "In Despair" Tyeb Mehta   's "Mahisasur" B. G. Sharma   's Krishna miniatures

Q7:  Make a comperative analysis between Chinese, Japanese and South east Asian art ?

CHINESE ARTS

Chinese jade ornament with dragon and phoenix design, late Spring and Autumn Period (722 BC-481 BC).

1. Chinese art is visual art that, whether ancient or modern, originated in or is practiced in China or by Chinese artists or performers. Early so-called "stone age art" dates back to 10,000 BC, mostly consisting of simple pottery and sculptures. This early period was followed by a series of art dynasties, most of which lasted several hundred years. The Chinese art in the Republic of China (Taiwan) and that of overseas Chinese can also be considered part of Chinese art where  it is based in or draws on Chinese heritage and Chinese culture.

Historical development to 221 BC

Neolithic potteryMain article: Yangshao culture

Early forms of art in China are found in the Neolithic Yangshao culture (Chinese: 仰韶文化; pinyin: Yǎngsháo Wénhuà), which dates back to the 6th millennium BC. Archeological findings such as those at the Banpo have revealed that the Yangshao made pottery; early ceramics were unpainted and most often cord-marked. The first decorations were fish and human faces, but these eventually evolved into symmetrical-geometric abstract designs, some painted.

The most distinctive feature of Yangshao culture was the extensive use of painted pottery, especially human facial, animal, and geometric designs. Unlike the later Longshan culture, the Yangshao culture did not use pottery wheels in pottery making. Excavations have found that children were buried in painted pottery jars.

Jade cultureMain article: Liangzhu culture

The Liangzhu culture was the last Neolithic Jade culture in the Yangtze River delta and was spaced over a period of about 1,300 years. The Jade from this culture is characterized by finely worked, large ritual jades such as Cong cylinders, Bi discs, Yue axes and also pendants and decorations in the form of chiseled open-work plaques, plates and representations of small birds, turtles and fish. The Liangzhu Jade has a white, milky bone-like aspect due to its Tremolite rock origin and influence of water-based fluids at the burial sites. Jade is a green stone that cannot be carved so it has to be ground.

Bronze castingMain article: Chinese bronzes

The Bronze Age in China began with the Xia Dynasty. Examples from this period have been recovered from ruins of the Erlitou culture, in Shanxi, and include complex but unadorned utilitarian objects. In the following Shang Dynasty more elaborate objects, including many ritual vessels, were crafted. The Shang are remembered for their bronze casting, noted for its clarity of detail. Shang bronzesmiths usually worked in foundries outside the cities to make ritual vessels, and sometimes weapons and chariot fittings as well. The bronze vessels were receptacles for storing or serving various solids and liquids used in the performance of sacred ceremonies. Some forms such as the ku and jue can be very graceful, but the most powerful pieces are the ding, sometimes described as having the an "air of ferocious majesty."

It is typical of the developed Shang style that all available space is decorated, most often with stylized forms of real and imaginary animals. The most common motif is the taotie, which shows a mythological being presented frontally as though squashed onto a horizontal plane to form a symmetrical design. The early significance of taotie is not clear, but myths about it existed around the late Zhou Dynasty. It was considered to be variously a covetous man banished to guard a corner of heaven against evil monsters; or a monster equipped with only a head which tries to devour men but hurts only itself.

The function and appearance of bronzes changed gradually from the Shang to the Zhou. They shifted from been used in religious rites to more practical purposes. By the Warring States Period, bronze vessels had become objects of aesthetic enjoyment. Some were decorated with social scenes, such as from a banquet or hunt; whilst others displayed abstract patterns inlaid with gold, silver, or precious and semiprecious stones.

Shang bronzes became appreciated as works of art from the Song Dynasty, when they were collected and prized not only for their shape and design but also for the various green, blue green, and even reddish patinas created by chemical action as they lay buried in the ground. The study of early Chinese bronze casting is a specialized field of art history.

Black eggshell pottery of the Longshan culture (c. 3000–2000 BC)

A Zhou Dynasty bronze musical bell

Chu and Southern culture

A rich source of art in early China was the state of Chu, which developed in the Yangtze River valley. Excavations of Chu tombs have found painted wooden sculptures, jade disks, glass beads, musical instruments, and an assortment of lacquerware. Many of the lacquer objects are finely painted, red on black or black on red. A site in Changsha, Hunan province, has revealed the world's oldest painting on silk discovered to date. It shows a woman accompanied by a phoenix and a dragon, two mythological animals to feature prominently in Chinese art.

Early Imperial China (221 BC–AD 220)

Qin sculpture

Crossbow men from the Terracotta Army, interred by 210 BC, Qin Dynasty

The Terracotta Army, inside the Mausoleum of the First Qin Emperor, consists of more than 7,000 life-size tomb terra-cotta figures of warriors and horses buried with the self-proclaimed first Emperor of Qin (Qin Shi Huang) in 210–209 BC. The figures were painted before being placed into the vault. The original colors were visible when the pieces were first unearthed. However, exposure to air caused the pigments to fade, so today the unearthed figures appear terracotta in color. The figures are in several poses including standing infantry and kneeling archers, as well as charioteers with horses. Each figure's head appears to be unique, showing a variety of facial features and expressions as well as hair styles.

Pottery

Porcelain is made from a hard paste made of the clay kaolin and a feldspar called petuntse, which cements the vessel and seals any pores. China has become synonymous with high-quality porcelain. Most china pots comes from the city of Jingdezhen in China's Jiangxi province. Jingdezhen, under a variety of names, has been central to porcelain production in China since at least the early Han Dynasty.

The most noticeable difference between porcelain and the other pottery clays is that it "wets" very quickly (that is, added water has a noticeably greater effect on the plasticity for porcelain than other clays), and that it tends to continue to "move" longer than other clays, requiring experience in handling to attain optimum results. During medieval times in Europe, porcelain was very expensive and in high demand for its beauty. TLV mirrors also date from the Han dynasty.

Han art

The Han Dynasty was known for jade burial suits. One of the earliest known depictions of a landscape in Chinese art comes from a pair of hollow-tile door panels from a Western Han Dynasty tomb near Zhengzhou, dated 60 BCE.[1] A scene of continuous depth recession is conveyed by the zigzag of lines representing roads and garden walls, giving the impression that one is looking down from the top of a hill.[1] This artistic landscape scene was made by the repeated impression of standard stamps on the clay while it was still soft and not yet fired.[1] However, the oldest known landscape art scene tradition in the classical sense of painting is a work by Zhan Ziqian of the Sui Dynasty (581–618).

A gilt bronze lamp with a shutter, in the shape of a maidservant, from the Western Han Dynasty, 2nd century BC

Two gentlemen engrossed in conversation while two others look on, a painting on a ceramic tile from a tomb near Luoyang, Henan province, dated to the Eastern Han Dynasty (25–220 AD)

Period of division (220–581)

Part of the scroll for Admonitions of the Instructress to the Palace Ladies, probably a Tang Dynasty copy of the original by Gu Kaizhi.

Influence of BuddhismMain article: Buddhist art

Buddhism arrived in China around the 1st century AD (although there are some traditions about a monk visiting China during Asoka's reign), and through to the 8th century it became very active and creative in the development of Buddhist art, particularly in the area of statuary. Receiving this distant religion, China soon incorporated strong Chinese traits in its artistic expression.

In the fifth to sixth century the Northern Dynasties, rather removed from the original sources of inspiration, tended to develop rather symbolic and abstract modes of representation, with schematic lines. Their style is also said to be solemn and majestic. The lack of corporeality of this art, and its distance from the original Buddhist objective of expressing the pure ideal of enlightenment in an accessible, realistic manner, progressively led to a research towards more naturalism and realism, leading to the expression of Tang Buddhist art.

Calligraphy

In ancient China, painting and calligraphy were the most highly appreciated arts in court circles and were produced almost exclusively by amateurs, aristocrats and scholar-officials who alone had the leisure to perfect the technique and sensibility necessary for great brushwork. Calligraphy was thought to be the highest and purest form of painting. The implements were the brush pen, made of animal hair, and black inks, made from pine soot and animal glue. Writing as well as painting was done on silk. But after the invention of paper in the 1st century, silk was gradually replaced by the new and cheaper material. Original writings by famous calligraphers have been greatly valued throughout China's history and are mounted on scrolls and hung on walls in the same way that paintings are.

Wang Xizhi was a famous Chinese calligrapher who lived in the 4th century AD. His most famous work is the Lanting Xu, the preface of a collection of poems written by a number of poets when gathering at Lan Ting near the town of Shaoxing in Zhejiang province and engaging in a game called "qu shui liu shang".

Wei Shuo was a well-known calligrapher of Eastern Jin Dynasty who established consequential rules about the Regular Script. Her well-known works include Famous Concubine Inscription (名姬帖 Ming Ji Tie) and The Inscription of Wei-shi He'nan (衛氏和南帖 Wei-shi He'nan Tie).

Painting

Gu Kaizhi is a celebrated painter of ancient China born in Wuxi. He wrote three books about painting theory: On Painting (画论), Introduction of Famous Paintings of Wei and Jin Dynasties (魏晋胜流画赞) and Painting Yuntai Mountain (画云台山记). He wrote, "In figure paintings the clothes and the appearances were not very important. The eyes were the spirit and the decisive factor."

Three of Gu's paintings still survive today. They are "Admonitions of the Instructress to the Court Ladies", "Nymph of the Luo River" (洛神赋), and "Wise and Benevolent Women".

There are other examples of Jin Dynasty painting from tombs. This includes the Seven Sages of the Bamboo Grove, painted on a brick wall of a tomb located near modern Nanjing and now found in the Shaanxi Provincial Museum. Each of the figures are labeled and shown either drinking, writing, or playing a musical instrument. Other tomb paintings also depict scenes of daily life, such as men plowing fields with teams of oxen.

Seven Sages of the Bamboo Grove, an Eastern Jin tomb painting from Nanjing, now located in the Shaanxi Provincial Museum.

Northern Wei wall murals and painted figurines from the Yungang Grottoes, dated 5th to 6th centuries.

A scene of two horseback riders from a wall painting in the tomb of Lou Rui at Taiyuan, Shanxi, Northern Qi Dynasty (550–577)

The Sui and Tang dynasties (581–960)Main article: Tang Dynasty art

Strolling About in Spring, by Zhan Ziqian, artist of the Sui Dynasty (581–618).

A Chinese Tang Dynasty tri-color glazed porcelain horse (ca. 700 CE), using yellow, green and white colors.

Buddhist architecture and sculpture

Following a transition under the Sui Dynasty, Buddhist sculpture of the Tang evolved towards a markedly lifelike expression. As a consequence of the Dynasty's openness to foreign trade and influences through the Silk Road, Tang dynasty Buddhist sculpture assumed a rather classical form, inspired by the Greco-Buddhist art of Central Asia.

However, foreign influences came to be negatively perceived towards the end of the Tang dynasty. In the year 845, the Tang emperor Wu-Tsung outlawed all "foreign" religions (including Christian Nestorianism, Zoroastrianism and Buddhism) in order to support the indigenous Taoism. He confiscated Buddhist possessions and forced the faith to go underground, therefore affecting the ulterior development of the religion and its arts in China.

Most wooden Tang sculptures have not survived, though representations of the Tang international style can still be seen in Nara, Japan. The longevity of stone sculpture has proved much greater. Some of the finest examples can be seen at Longmen, near Luoyang, Yungang near Datong, and Bingling Temple, in Gansu.

One of the most famous Buddhist Chinese pagodas is the Giant Wild Goose Pagoda, built in 652 AD.

A Man Herding Horses, by Han Gan (706-783 AD), Tang Dynasty original. Tang Dynasty mural painting from 

Dunhuang.

Painting

Painting by Dong Yuan (c. 934–962).

Beginning in the Tang dynasty (618–907), the primary subject matter of painting was the landscape, known as shanshui (mountain water) painting. In these landscapes, usually monochromatic and sparse, the purpose was not to reproduce exactly the appearance of nature but rather to grasp an emotion or atmosphere so as to catch the "rhythm" of nature.

Painting in the traditional style involved essentially the same techniques as calligraphy and is done with a brush dipped in black or colored ink; oils were not used. As with calligraphy, the most popular materials on which paintings are made are paper and silk. The finished work is then mounted on scrolls, which can be hung or rolled up. Traditional painting also is done in albums and on walls, lacquerwork, and other media.

Dong Yuan was an active painter in the Southern Tang Kingdom. He was known for both figure and landscape paintings, and exemplified the elegant style which would become the standard for brush painting in China over the next 900 years. As with many artists in China, his profession was as an official where he studied the existing styles of Li Sixun and Wang Wei. However, he added to the number of techniques, including more sophisticated perspective, use of pointillism and crosshatching to build up vivid effect.

Zhan Ziqian was a painter during the Sui Dynasty. His only painting in existence is Strolling About In Spring arranged mountains perspectively. Because the first pure scenery paintings of Europe emerged after the 17th century, Strolling About In Spring may well be the first scenery painting of the world..

The Song and Yuan dynasties (960–1368)Main article: Culture of the Song Dynasty

A wooden Bodhisattva from the Song Dynasty (960-1279 AD)

The Sakyamuni Buddha, by Zhang Shengwen, 1173-1176 AD, Song Dynasty period.

Song painting

During the Song dynasty (960–1279), landscapes of more subtle expression appeared; immeasurable distances were conveyed through the use of blurred outlines, mountain contours disappearing into the mist, and impressionistic treatment of natural phenomena. Emphasis was placed on the spiritual qualities of the painting and on the ability of the artist to reveal the inner harmony of man and nature, as perceived according to Taoist and Buddhist concepts.

Liang Kai was a Chinese painter who lived in the 13th century (Song Dynasty). He called himself "Madman Liang," and he spent his life drinking and painting. Eventually, he retired and became a Zen monk. Liang is credited with inventing the Zen school of Chinese art. Wen Tong was a painter who lived in the 11th century. He was famous for ink paintings of bamboo. He could hold two brushes in one hand and paint two different distanced bamboos simultaneously. He did not need to see the bamboo while he painted them because he had seen a lot of them.

Zhang Zeduan was a notable painter for his horizontal Along the River During Qingming Festival landscape and cityscape painting. It has been quoted as "China's Mona Lisa" and has had many well-known remakes throughout Chinese history.[2] Other famous paintings include The Night Revels of Han Xizai, originally painted by the Southern Tang artist Gu Hongzhong in the 10th century, while the well-known version of his painting is a 12th century remake of the Song Dynasty. This is a large horizontal handscroll of a domestic scene showing men of the gentry class being entertained by musicians and dancers while enjoying food, beverage, and wash basins provided by maidservants. In 2000, the modern artist Wang Qingsong created a parody of this painting with a long, horizontal photograph of people in modern clothing making similar facial expressions, poses, and hand gestures as the original painting.

Song Dynasty ding-ware porcelain bottle with iron pigment under a transparent colorless glaze, 11th century.

Playing Children, by Song artist Su Hanchen, c. 1150 AD.

Yuan painting

Wang Meng was a painter during the Yuan dynasty. One of his well-known works is the Forest Grotto. Zhao Mengfu was a Chinese scholar, painter and calligrapher during the Yuan Dynasty. His rejection of the refined, gentle brushwork of his era in favor of the cruder style of the 8th century is considered to have brought about a revolution that created the modern Chinese landscape painting. There was also the vivid and detailed works of art by Qian Xuan (1235-1305), who had served the Song court, and out of patriotism refused to serve the Mongols, instead turning to painting. He was famous for reviving and reproducing a more Tang Dynasty style of painting.

Late imperial China (1368-1911)

Detail of Dragon Throne used by the Qianlong Emperor of China, Forbidden City, Qing Dynasty. Artifact circulating in U.S. museums on loan from Beijing.

Ming paintingMain article: Ming Dynasty painting

Peach Festival of the Queen Mother of the West, early 17th century, Ming Dynasty.

Chinese painting from 1664

Under the Ming dynasty, Chinese culture bloomed. Narrative painting, with a wider color range and a much busier composition than the Song paintings, was immensely popular during the time. As the techniques of color printing were perfected, illustrated manuals on the art of painting began to be published. Jieziyuan Huazhuan (Manual of the Mustard Seed Garden), a five-volume work first published in 1679, has been in use as a technical textbook for artists and students ever since. Matteo Ricci, Wen Zhengming, Xu Wei

Early Qing painting

The Yongzheng Emperor Enjoying Himself During the 8th Lunar Month, by anonymous court artists, 1723-1735 AD, Palace Museum, Beijing, showing the use of linear perspective.

Bada Shanren, Jiang Tingxi, Shitao

Late Qing Art

Nianhua were a form of colored woodlblock prints in China, depicting images for decoration during the Chinese New Year. In the 19th century Nianhua were used as news mediums.

Shanghai School

The Shanghai School (海上画派 Haishang Huapai or 海派 Haipai) is a very important Chinese school of traditional arts during the Qing Dynasty and the whole of the 20th century. Under efforts of masters from this school, traditional Chinese art reached another climax and continued to the present in forms of "Chinese painting" (中国画), or guohua (国画) for short. The Shanghai School challenged and broke the literati tradition of Chinese art, while also paying technical homage to the ancient masters and improving on existing traditional techniques. Members of this school were themselves educated literati who had come to question their very status and the purpose of art, and had anticipated the impending modernization of Chinese society. In an era of rapid social change, works from the Shanghai School were widely innovative and diverse, and often contained thoughtful yet subtle social commentary. The most well-known figures from this school are Ren Xiong 

(任熊), Ren Yi (任伯年, also known as Ren Bonian), Zhao Zhiqian (赵之谦), Wu Changshuo (吴昌硕), Sha Menghai (沙孟海, calligraphist), Pan Tianshou (潘天寿), Fu Baoshi (傅抱石). Other well-known painters are: Wang Zhen, XuGu, Zhang Xiong, Hu Yuan, and Yang Borun.

New China art (1912-1949)

Sanmao, one of the most well-known comic book characters in China

Transformation

With the end of the last dynasty in China, the New Culture Movement began and defied all facets of traditionalism. A new breed of 20th century cultural philosophers like Xiao Youmei, Cai Yuanpei, Feng Zikai and Wang Guangqi wanted Chinese culture to modernize and reflect the New China. The Chinese Civil War would cause a drastic split between the Kuomintang and the Communist Party of China. Following was the Second Sino-Japanese War in particular the Battle of Shanghai would leave the major cultural art center borderline to a humanitarian crisis.

Painting

Western style oil painting was introduced to China by painters such as Xiao Tao Sheng.

Communist and socialist art (1950-1980s)

Selective art decline

The Communist Party of China would have full control of the government with Mao Zedong heading the People's Republic of China. If the art was presented in a manner that favored the government, the artists were heavily promoted. Vice versa, any clash with communist party beliefs would force the artists to become farmers via "re-education" processes under the regime. The peak era of governmental control came under the Cultural Revolution. The most notable event was the Destruction of the Four Olds, which had major consequences against pottery, paintings, literary art, architecture and countless others.

Painting

Artists were encouraged to employ socialist realism. Some Soviet Union socialist realism was imported without modification, and painters were assigned subjects and expected to mass-produce paintings. This regimen was considerably relaxed in 1953, and after the Hundred Flowers Campaign of 1956–57, traditional Chinese painting experienced a significant revival. Along with these developments in professional art circles, there was a proliferation of peasant art depicting everyday life in the rural areas on wall murals and in open-air painting exhibitions. Notable modern Chinese painters include Huang Binhong, Qi Baishi, Xu Beihong, Chang Ta Chien, Pan Tianshou, Wu Changshi, Fu Baoshi, Wang Kangle and Zhang Chongren.

Redevelopment (Mid-1980s - 1990s)

Contemporary Art

Execution by Yue Minjun, the most expensive Chinese contemporary art sold in 2007, for a value of US $5.9 million (or Euro €4.2 million, British pound £2.9 million)

Contemporary Chinese art (中国当代艺术, Zhongguo Dangdai Yishu) often referred to as Chinese avant-garde art, continued to develop since the 1980s as an outgrowth of modern art developments post-Cultural Revolution. Contemporary Chinese art fully incorporates painting, film, video, photography, and performance. Until recently, art exhibitions deemed controversial have been routinely shut down by police, and performance artists in particular faced the threat of arrest in the early 1990s. More recently there has been greater tolerance by the Chinese government, though many internationally acclaimed artists are still restricted from media exposure at home or have exhibitions ordered closed. Leading contemporary visual artists include Ai Weiwei, Cai Guoqiang, Cai Xin, Fang Lijun, Huang Yan, Huang Yong Ping, Kong Bai Ji, Lu Shengzhong, Ma Liuming, Ma Qingyun, Qiu Shihua, Song Dong, Li Wei, Christine Wang, Wang Guangyi, Wang Qingsong, Wenda Gu, Xu Bing, Yang Zhichao, Zhan Wang, Zhang Dali, Zhang Xiaogang, Zhang Huan, Zhu Yu, Yan Lei, Ma Kelu, Ding Fang, Shang Yang, and Zhang Yue.

Visual art

Beginning in the late 1980s there was unprecedented exposure for younger Chinese visual artists in the west to some degree through the agency of curators based outside the country such as Hou Hanru. Local curators within the country such as Gao Minglu and critics such as Li Xianting (栗宪庭) reinforced this promotion of particular brands of painting that had recently emerged, while also spreading the idea of art as a strong social force within Chinese culture. There was some controversy as critics identified these imprecise representations of contemporary Chinese art as having been constructed out of personal preferences, a kind of programmatized artist-curator relationship that only further alienated the majority of the avant-garde from Chinese officialdom and western art market patronage.

Contemporary art market

All The Mountains Blanketed in Red

Today, the market for Chinese art, both antique and contemporary, is widely reported to be among the hottest and fastest-growing in the world, attracting buyers all over the world.[3][4][5] The Voice of America reported in 2006 that modern Chinese art is raking in record prices both internationally and in domestic markets, some experts even fearing the market might be overheating.[6] The Economist reported that Chinese art has become the latest darling in the world market according to the record sales from Sotheby's and Christie's, the biggest fine-art auction houses.[7] The International Herald Tribune reported that Chinese porcelains were fought over in the art market as "if there was no tomorrow".[8] A 14th century porcelain vase was sold by Christie's for a record £15.68 million.[9][10] In terms of buying-market, China recently overtook France as the world's third-largest art market, after the United States and the United Kingdom, due to the growing middle-class in the country.[11][12] Sotheby's noted that Contemporary Chinese art has rapidly changed the Contemporary Asian art world into one of the most dynamic sectors on the international art market.[13] During the global economic crisis, the contemporary Asian art market and the contemporary Chinese art market experienced a slow down.[14][15] The market for Contemporary Chinese and Asian art saw a major revival in late 2009 with record level sales at Christie's.[16] For centuries largely made-up of European and American buyers, the international buying market for Chinese art has also began to be dominated by Chinese dealers and collectors in recent years.[17]

One of the areas that has revived art concentration and also commercialized the industry is the 798 Art District in Dashanzi of Beijing. The artist Zhang Xiaogang sold a 1993 painting 

for USD $ 2.3 million in 2006, which included blank faced Chinese families from the Cultural Revolution era[18]. Collectors such as Stanley Ho, the owner of the Macau Casinos, fund manager Christopher Tsai, and casino developer Stephen Wynn would capitalize on the art trends. Items such as Ming Dynasty vases and assorted Imperial pieces were auctioned off.

Other art works produced in China or Hong Kong were sold in places such as Christie's including a Chinese porcelain piece with the mark of Emperor Qianlong sold for HKD $ $151.3 million. A 1964 painting "All the Mountains Blanketed in Red" was sold for HKD $35 million. Auctions were also held at Sotheby's where Xu Beihong's 1939 masterpiece "Put Down Your Whip" sold for HKD $72 million[19]. The industry is not limited to fine arts, as many other types of contemporary pieces were also sold. In 2000, a number of Chinese artists were included in Documenta and the Venice Biennale of 2003. China now has its own major contemporary art showcase with the Venice Biennale. Fuck Off was a notorious art exhibition which ran alongside the Shanghai Biennial Festival in 2000 and was curated by independent curator Feng Boyi and contemporary artist Ai Weiwei.

Japanese art

Japanese art covers a wide range of art styles and media, including ancient pottery, sculpture in wood and bronze, ink painting on silk and paper and more recently manga, cartoon, along with a myriad of other types of works of art. It also has a long history, ranging from the beginnings of human habitation in Japan, sometime in the 10th millennium BC, to the present.

Historically, Japan has been subject to sudden invasions of new and alien ideas followed by long periods of minimal contact with the outside world. Over time the Japanese developed the ability to absorb, imitate, and finally assimilate those elements of foreign culture that complemented their aesthetic preferences. The earliest complex art in Japan was produced in the 7th and 8th centuries AD in connection with Buddhism. In the 9th century, as the Japanese began to turn away from China and develop indigenous forms of expression, the secular arts became increasingly important; until the late 15th century, both religious and secular arts flourished. After the Ōnin War (1467–1477), Japan entered a period of political, social, and economic disruption that lasted for over a century. In the state that emerged under the leadership of the Tokugawa shogunate, organized religion played a much less important role in people's lives, and the arts that survived were primarily secular.

Painting is the preferred artistic expression in Japan, practiced by amateurs and professionals alike. Until modern times, the Japanese wrote with a brush rather than a pen, and their familiarity with brush techniques has made them particularly sensitive to the values and aesthetics of painting. With the rise of popular culture in the Edo period, a style of 

woodblock prints called ukiyo-e became a major art form and its techniques were fine tuned to produce colorful prints of everything from daily news to schoolbooks. The Japanese, in this period, found sculpture a much less sympathetic medium for artistic expression; most Japanese sculpture is associated with religion, and the medium's use declined with the lessening importance of traditional Buddhism.

Japanese ceramics are among the finest in the world and include the earliest known artifacts of their culture. In architecture, Japanese preferences for natural materials and an interaction of interior and exterior space are clearly expressed.

Today, Japan rivals most other modern nations in its contributions to modern art, fashion and architecture, with creations of a truly modern, global, and multi-cultural (or acultural) bent.

History of Japanese art

Jōmon art

Statuette with Snow Glasses, Jōmon Era

The first settlers of Japan, the Jōmon people (c 11000?–c 300 BC), named for the cord markings that decorated the surfaces of their clay vessels, were nomadic hunter-gatherers who later practiced organized farming and built cities with population of hundreds if not thousands. They built simple houses of wood and thatch set into shallow earthen pits to provide warmth from the soil. They crafted lavishly decorated pottery storage vessels, clay figurines called dogu, and crystal jewels.

Yayoi art

The next wave of immigrants was the Yayoi people, named for the district in Tokyo where remnants of their settlements first were found. These people, arriving in Japan about 350 

BC, brought their knowledge of wetland rice cultivation, the manufacture of copper weapons and bronze bells (dōtaku), and wheel-thrown, kiln-fired ceramics.

Kofun art

The third stage in Japanese prehistory, the Kofun, or Tumulus, period (c AD 250–552), represents a modification of Yayoi culture, attributable either to internal development or external force. In this period, diverse groups of people formed political alliances and coalesced into a nation. Typical artifacts are bronze mirrors, symbols of political alliances, and clay sculptures called haniwa which were erected outside tombs.

Asuka and Nara art

Bodhisattva, Asuka period, 7th century

Pagoda and Kondō at Hōryū-ji, 8th century

During the Asuka and Nara periods, so named because the seat of Japanese government was located in the Asuka Valley from 552 to 710 and in the city of Nara until 784, the first significant invasion by Asian continental culture took place in Japan.

The transmission of Buddhism provided the initial impetus for contacts between China, Korea and Japan. The Japanese recognized the facets of Chinese culture that could profitably be incorporated into their own: a system for converting ideas and sounds into writing; historiography; complex theories of government, such as an effective bureaucracy; and, most important for the arts, new technologies, new building techniques, more advanced methods of casting in bronze, and new techniques and media for painting.

Throughout the 7th and 8th centuries, however, the major focus in contacts between Japan and the Asian continent was the development of Buddhism. Not all scholars agree on the significant dates and the appropriate names to apply to various time periods between 552, the official date of the introduction of Buddhism into Japan, and 784, when the Japanese capital was transferred from Nara. The most common designations are the Suiko period, 552–645; the Hakuhō period, 645–710, and the Tenpyō period, 710–784.

The earliest Japanese sculptures of the Buddha are dated to the 6th and 7th century.[1] They ultimately derive from the 1st-3rd century CE Greco-Buddhist art of Gandhara, characterized by flowing dress patterns and realistic rendering, on which Chinese and Korean artistic traits were superimposed.[2] These indigenous characteristics can be seen in early Buddhist art in Japan and some early Japanese Buddhist sculpture is now believed to have originated in Korea, particularly from Baekje, or Korean artisans who immigrated to Yamato Japan.[3] Particularly, the semi-seated Maitreya form was adapted into a highly developed Korean style which was transmitted to Japan as evidenced by the Kōryū-ji Miroku Bosatsu and the Chūgū-ji Siddhartha statues. Although many historians portray Korea as a mere transmitter of Buddhism, the Three Kingdoms, and particularly Baekje, were instrumental as active agents in the introduction and formation of a Buddhist tradition in Japan in 538 or 552.[4] They illustrate the terminal point of the Silk Road transmission of Art during the first few centuries of our era. Other examples can be found in the development of the iconography of the Japanese Fūjin Wind God,[5] the Niō guardians,[6] and the near-Classical floral patterns in temple decorations.[7]

The earliest Buddhist structures still extant in Japan, and the oldest wooden buildings in the Far East are found at the Hōryū-ji to the southwest of Nara. First built in the early 7th century as the private temple of Crown Prince Shōtoku, it consists of 41 independent buildings. The most important ones, the main worship hall, or Kondō (Golden Hall), and Gojū-no-tō (Five-story Pagoda), stand in the center of an open area surrounded by a roofed cloister. The Kondō, in the style of Chinese worship halls, is a two-story structure of post-and-beam construction, capped by an irimoya, or hipped-gabled roof of ceramic tiles.

Inside the Kondō, on a large rectangular platform, are some of the most important sculptures of the period. The central image is a Shaka Trinity (623), the historical Buddha flanked by two bodhisattvas, sculpture cast in bronze by the sculptor Tori Busshi (flourished early 7th century) in homage to the recently deceased Prince Shōtoku. At the four corners of the platform are the Guardian Kings of the Four Directions, carved in wood around 650. 

Also housed at Hōryū-ji is the Tamamushi Shrine, a wooden replica of a Kondō, which is set on a high wooden base that is decorated with figural paintings executed in a medium of mineral pigments mixed with lacquer.

Temple building in the 8th century was focused around the Tōdai-ji in Nara. Constructed as the headquarters for a network of temples in each of the provinces, the Tōdaiji is the most ambitious religious complex erected in the early centuries of Buddhist worship in Japan. Appropriately, the 16.2-m (53-ft) Buddha (completed 752) enshrined in the main Buddha hall, or Daibutsuden, is a Rushana Buddha, the figure that represents the essence of Buddhahood, just as the Tōdaiji represented the center for Imperially sponsored Buddhism and its dissemination throughout Japan. Only a few fragments of the original statue survive, and the present hall and central Buddha are reconstructions from the Edo period.

Clustered around the Daibutsuden on a gently sloping hillside are a number of secondary halls: the Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), with its principal image, the Fukukenjaku Kannon (the most popular bodhisattva), crafted of dry lacquer (cloth dipped in lacquer and shaped over a wooden armature); the Kaidanin (Ordination Hall) with its magnificent clay statues of the Four Guardian Kings; and the storehouse, called the Shōsōin. This last structure is of great importance as an art-historical cache, because in it are stored the utensils that were used in the temple's dedication ceremony in 752, the eye-opening ritual for the Rushana image, as well as government documents and many secular objects owned by the Imperial family.

Heian art

Byōdōin Phoenix Hall, Uji, Kyoto

Panel from pictorial scroll of the Tale of Genji, 1130

Nageire-dō, Tottori, 11th century

Bandainagon Ekotoba, Tokiwa Mitsunaga, 12th century

Pagoda in wayō (和様, "Japanese") style, Ichijō-ji, Kasai, Hyōgo

In 794 the capital of Japan was officially transferred to Heian-kyō (present-day Kyoto), where it remained until 1868. The term Heian period refers to the years between 794 and 1185, when the Kamakura shogunate was established at the end of the Genpei War. The period is further divided into the early Heian and the late Heian, or Fujiwara era, the pivotal date being 894, the year imperial embassies to China were officially discontinued.

Early Heian art: In reaction to the growing wealth and power of organized Buddhism in Nara, the priest Kūkai (best known by his posthumous title Kōbō Daishi, 774-835) journeyed to China to study Shingon, a form of Vajrayana Buddhism, which he introduced into Japan in 806. At the core of Shingon worship are mandalas, diagrams of the spiritual universe, which then began to influence temple design. Japanese Buddhist architecture also adopted the stupa, originally an Indian architectural form, in its Chinese-style pagoda.

The temples erected for this new sect were built in the mountains, far away from the Court and the laity in the capital. The irregular topography of these sites forced Japanese architects to rethink the problems of temple construction, and in so doing to choose more indigenous elements of design. Cypress-bark roofs replaced those of ceramic tile, wood planks were used instead of earthen floors, and a separate worship area for the laity was added in front of the main sanctuary.

The temple that best reflects the spirit of early Heian Shingon temples is the Murō-ji (early 9th century), set deep in a stand of cypress trees on a mountain southeast of Nara. The wooden image (also early 9th c.) of Shakyamuni, the "historic" Buddha, enshrined in a secondary building at the Murō-ji, is typical of the early Heian sculpture, with its ponderous body, covered by thick drapery folds carved in the hompa-shiki (rolling-wave) style, and its austere, withdrawn facial expression.

Fujiwara art: In the Fujiwara period, Pure Land Buddhism, which offered easy salvation through belief in Amida (the Buddha of the Western Paradise), became popular. This period is named after the Fujiwara family, then the most powerful in the country, who ruled as regents for the Emperor, becoming, in effect, civil dictators. Concurrently, the Kyoto nobility developed a society devoted to elegant aesthetic pursuits. So secure and beautiful was their world that they could not conceive of Paradise as being much different. They created a new form of Buddha hall, the Amida hall, which blends the secular with the religious, and houses one or more Buddha images within a structure resembling the mansions of the nobility.

The Hō-ō-dō (Phoenix Hall, completed 1053) of the Byōdōin, a temple in Uji to the southeast of Kyoto, is the exemplar of Fujiwara Amida halls. It consists of a main rectangular structure flanked by two L-shaped wing corridors and a tail corridor, set at the edge of a large artificial pond. Inside, a single golden image of Amida (c. 1053) is installed on a high platform. The Amida sculpture was executed by Jōchō, who used a new canon of proportions and a new technique (yosegi), in which multiple pieces of wood are carved out like shells and joined from the inside. Applied to the walls of the hall are small relief carvings of celestials, the host believed to have accompanied Amida when he descended from the Western Paradise to gather the souls of believers at the moment of death and transport them in lotus blossoms to Paradise. Raigō paintings on the wooden doors of the Hō-ō-dō, depicting the Descent of the Amida Buddha, are an early example of Yamato-e, Japanese-style painting, and contain representations of the scenery around Kyoto.

E-maki: In the last century of the Heian period, the horizontal, illustrated narrative handscroll, known as e-maki (絵巻, lit. "picture scroll"), came to the fore. Dating from about 1130, the illustrated 'Tale of Genji' represents one of the high points of Japanese painting. Written about the year 1000 by Murasaki Shikibu, a lady-in-waiting to the Empress Akiko, the novel deals with the life and loves of Genji and the world of the Heian court after his death. The 12th-century artists of the e-maki version devised a system of pictorial conventions that convey visually the emotional content of each scene. In the second half of the century, a different, livelier style of continuous narrative illustration became popular. The Ban Dainagon Ekotoba (late 12th century), a scroll that deals with an intrigue at court, emphasizes figures in active motion depicted in rapidly executed brush strokes and thin but vibrant colors.

E-maki also serve as some of the earliest and greatest examples of the otoko-e (Men's pictures) and onna-e (Women's pictures) styles of painting. There are many fine differences in the two styles, appealing to the aesthetic preferences of the genders. But perhaps most easily noticeable are the differences in subject matter. Onna-e, epitomized by the Tale of Genji handscroll, typically deals with court life, particularly the court ladies, and with romantic themes. Otoko-e, on the other hand, often recorded historical events, particularly battles. The Siege of the Sanjō Palace (1160), depicted in the "Night Attack on the Sanjō Palace" section of the Heiji Monogatari handscroll is a famous example of this style.

Kamakura art

In 1180 a war broke out between the two most powerful warrior clans, the Taira and the Minamoto; five years later the Minamoto emerged victorious and established a de facto seat of government at the seaside village of Kamakura, where it remained until 1333. With the shift of power from the nobility to the warrior class, the arts had to satisfy a new audience: men devoted to the skills of warfare, priests committed to making Buddhism available to illiterate commoners, and conservatives, the nobility and some members of the priesthood who regretted the declining power of the court. Thus, realism, a popularizing trend, and a classical revival characterize the art of the Kamakura period. In the Kamakura period, Kyoto and Nara remained the centers of artistic production and high culture.

Niō Guardian at the Tōdai-ji (Nara), Unkei, 1203

Sculpture: The Kei school of sculptors, particularly Unkei, created a new, more realistic style of sculpture. The two Niō guardian images (1203) in the Great South Gate of the Tōdai-ji in Nara illustrate Unkei's dynamic supra-realistic style. The images, about 8 m (about 26 ft) tall, were carved of multiple blocks in a period of about three months, a feat indicative of a developed studio system of artisans working under the direction of a master sculptor. Unkei's polychromed wood sculptures (1208, Kōfuku-ji, Nara) of two Indian sages, Muchaku and Seshin, the legendary founders of the Hossō sect, are among the most accomplished realistic works of the period; as rendered by Unkei, they are remarkably individualized and believable images. One of the most famous works of this period is an Amitabha Triad (completed in 1195), in Jōdo-ji in Ono, created by Kaikei, Unkei's successor.

Calligraphy and painting: The Kegon Engi Emaki, the illustrated history of the founding of the Kegon sect, is an excellent example of the popularizing trend in Kamakura painting. The Kegon sect, one of the most important in the Nara period, fell on hard times during the ascendancy of the Pure Land sects. After the Genpei War (1180–1185), Priest Myōe of Kōzan-ji sought to revive the sect and also to provide a refuge for women widowed by the war. The wives of samurai had been discouraged from learning more than a syllabary system for transcribing sounds and ideas (see kana), and most were incapable of reading texts that employed Chinese ideographs (kanji). Thus, the Kegon Engi Emaki combines passages of text, written with a maximum of easily readable syllables, and illustrations that have the dialogue between characters written next to the speakers, a technique comparable to contemporary comic strips. The plot of the e-maki, the lives of the two Korean priests who founded the Kegon sect, is swiftly paced and filled with fantastic feats such as a journey to the palace of the Ocean King, and a poignant love story.

A work in a more conservative vein is the illustrated version of Murasaki Shikibu's diary. E-maki versions of her novel continued to be produced, but the nobility, attuned to the new 

interest in realism yet nostalgic for past days of wealth and power, revived and illustrated the diary in order to recapture the splendor of the author's times. One of the most beautiful passages illustrates the episode in which Murasaki Shikibu is playfully held prisoner in her room by two young courtiers, while, just outside, moonlight gleams on the mossy banks of a rivulet in the imperial garden.

Muromachi artMain articles: Kitayama period and Higashiyama period

Art of Miyabi, Kitayama Culture (Kinkaku-ji, Kyoto, 1397)

Art of Wabi-sabi, Higashiyama Culture (Ginkaku-ji, Kyoto, 1489)

During the Muromachi period (1338–1573), also called the Ashikaga period, a profound change took place in Japanese culture. The Ashikaga clan took control of the shogunate and moved its headquarters back to Kyoto, to the Muromachi district of the city. With the return of government to the capital, the popularizing trends of the Kamakura period came to an end, and cultural expression took on a more aristocratic, elitist character. Zen Buddhism, the Ch'an sect traditionally thought to have been founded in China in the 6th century CE, was introduced for a second time into Japan and took root.

Painting: Because of secular ventures and trading missions to China organized by Zen temples, many Chinese paintings and objects of art were imported into Japan and profoundly influenced Japanese artists working for Zen temples and the shogunate. Not only did these imports change the subject matter of painting, but they also modified the use of color; the bright colors of Yamato-e yielded to the monochromes of painting in the Chinese manner, where paintings generally only have black and white or different tones of a single color.

Typical of early Muromachi painting is the depiction by the priest-painter Kao (active early 15th century) of the legendary monk Kensu (Hsien-tzu in Chinese) at the moment he achieved enlightenment. This type of painting was executed with quick brush strokes and a minimum of detail. 'Catching a Catfish with a Gourd' (early 15th century, Taizo-in, Myoshin-ji, Kyoto), by the priest-painter Josetsu (active c. 1400), marks a turning point in Muromachi painting. Executed originally for a low-standing screen, it has been remounted as a hanging scroll with inscriptions by contemporary figures above, one of which refers to the painting as being in the "new style." In the foreground a man is depicted on the bank of a stream holding a small gourd and looking at a large slithery catfish. Mist fills the middle ground, and the background mountains appear to be far in the distance. It is generally assumed that the "new style" of the painting, executed about 1413, refers to a more Chinese sense of deep space within the picture plane.

The foremost artists of the Muromachi period are the priest-painters Shūbun and Sesshū. Shūbun, a monk at the Kyoto temple of Shokoku-ji, created in the painting Reading in a Bamboo Grove (1446) a realistic landscape with deep recession into space. Sesshū, unlike most artists of the period, was able to journey to China and study Chinese painting at its source. Landscape of the Four Seasons (Sansui Chokan; c. 1486) is one of Sesshu's most accomplished works, depicting a continuing landscape through the four seasons.

Azuchi-Momoyama art

Cypress Tree Byōbu, Kano Eitoku, 1590

Main article: Art of the Momoyama period

In the Momoyama period (1573–1603), a succession of military leaders, such as Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, and Tokugawa Ieyasu, attempted to bring peace and political stability to Japan after an era of almost 100 years of warfare. Oda, a minor chieftain, acquired power sufficient to take de facto control of the government in 1568 and, 

five years later, to oust the last Ashikaga shogun. Hideyoshi took command after Oda's death, but his plans to establish hereditary rule were foiled by Ieyasu, who established the Tokugawa shogunate in 1603.

Painting: The most important school of painting in the Momoyama period was that of the Kanō school, and the greatest innovation of the period was the formula, developed by Kano Eitoku, for the creation of monumental landscapes on the sliding doors enclosing a room. The decoration of the main room facing the garden of the Juko-in, a subtemple of Daitoku-ji (a Zen temple in Kyoto), is perhaps the best extant example of Eitoku's work. A massive ume tree and twin pines are depicted on pairs of sliding screens in diagonally opposite corners, their trunks repeating the verticals of the corner posts and their branches extending to left and right, unifying the adjoining panels. Eitoku's screen, 'Chinese Lions', also in Kyoto, reveals the bold, brightly colored style of painting preferred by the samurai.

The Siege of Osaka Castle, 17th century.

Hasegawa Tohaku, a contemporary of Eitoku, developed a somewhat different and more decorative style for large-scale screen paintings. In his 'Maple Screen', now in the temple of Chishaku-in, Kyoto, he placed the trunk of the tree in the center and extended the limbs nearly to the edge of the composition, creating a flatter, less architectonic work than Eitoku, but a visually gorgeous painting. His sixfold screen, 'Pine Wood', is a masterly rendering in monochrome ink of a grove of trees enveloped in mist.

Art of the Edo period

"Fūjin and Raijin" by Tawaraya Sōtatsu

The Tokugawa shogunate gained undisputed control of the government in 1603 with a commitment to bring peace and economic and political stability to the country; in large 

measure it was successful. The shogunate survived until 1867, when it was forced to capitulate because of its failure to deal with pressure from Western nations to open the country to foreign trade. One of the dominant themes in the Edo period was the repressive policies of the shogunate and the attempts of artists to escape these strictures. The foremost of these was the closing of the country to foreigners and the accoutrements of their cultures, and the imposition of strict codes of behavior affecting every aspect of life, the clothes one wore, the person one married, and the activities one could or should not pursue.

In the early years of the Edo period, however, the full impact of Tokugawa policies had not yet been felt, and some of Japan's finest expressions in architecture and painting were produced: Katsura Palace in Kyoto and the paintings of Tawaraya Sōtatsu, pioneer of the Rimpa school.

Circuit style Japanese garden: Koraku-en Garden in Okayama, completed in 1700

Sudden Shower at the Atake Bridge, Hiroshige, 1856

Architecture: Katsura Detached Palace, built in imitation of Genji's palace, contains a cluster of shoin buildings that combine elements of classic Japanese architecture with innovative restatements. The whole complex is surrounded by a beautiful garden with paths 

for walking. Many of powerful Daimyo (feudal lords) built a Circuit style Japanese garden in the territory country, and competed for the beauty.

Painting: Sōtatsu evolved a superb decorative style by re-creating themes from classical literature, using brilliantly colored figures and motifs from the natural world set against gold-leaf backgrounds. One of his finest works is the pair of screens The Waves at Matsushima in the Freer Gallery in Washington, D.C. A century later, Korin reworked Sōtatsu's style and created visually gorgeous works uniquely his own. Perhaps his finest are the screen paintings of red and white plum blossoms.

Sculpture The Buddhist monk Enkū carved 120,000 Buddhist images in a rough, individual style.

Woodblock prints and Bunjinga: The school of art best known in the West is that of the ukiyo-e paintings and woodblock prints of the demimonde, the world of the kabuki theater and the brothel district. Ukiyo-e prints began to be produced in the late 17th century, but in 1764 Harunobu produced the first polychrome print. Print designers of the next generation, including Torii Kiyonaga and Utamaro, created elegant and sometimes insightful depictions of courtesans. In the West, erotic woodblock "prints" became popular because the material was not otherwise available. In that sense, such niche prints did more to promote Japanese art in the West than art studies.

In the 19th century the dominant figure was Hiroshige, a creator of romantic and somewhat sentimental landscape prints. The odd angles and shapes through which Hiroshige often viewed landscape, and the work of Kiyonaga and Utamaro, with its emphasis on flat planes and strong linear outlines, had a profound impact on such Western artists as Edgar Degas and Vincent van Gogh.

Another school of painting contemporary with ukiyo-e was Bunjinga, a style based on paintings executed by Chinese scholar-painters. Just as ukiyo-e artists chose to depict figures from life outside the strictures of the Tokugawa shogunate, Bunjin artists turned to Chinese culture. The exemplars of this style are Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, and Yamamoto Baiitsu.

Art of the Prewar period

Tokyo Station, by Kingo Tatsuno, 1914

When Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late twentieth century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today.

A lot of artistic new Japanese gardens were built with Jihe Ogawa.

Manga were first drawn in the Meiji period, influenced greatly by English and French political cartoons.

Architecture: Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style buildings were built in urban area.

Painting: The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzo and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. Out of these two poles of artistic theory developed Yōga (Western-style painting) and Nihonga (Japanese painting), categories that remain valid to the present day

Art of the Postwar period

After the end of World War II in 1945, many artists began working in art forms derived from the international scene, moving away from local artistic developments into the mainstream of world art. But traditional Japanese conceptions endured, particularly in the use of modular space in architecture, certain spacing intervals in music and dance, a propensity for certain color combinations and characteristic literary forms.

Art from 1603 to 1945 (Edo period and Prewar period) were supported by merchants. Counter to Edo period and Prewar period, art of Postwar period was changed to the art 

which is supported by people as consumers. The wide variety of art forms available to the Japanese reflect the vigorous state of the arts, widely supported by the Japanese people and promoted by the government. In the 1950s and 1960s, Japan's artistic avant garde included the internationally influential Gutai group, which originated or anticipated various postwar genres such as performance art, installation art, conceptual art, and wearable art.

American art and architecture greatly influenced Japan. Though fear of earthquakes severely restricted the building of a skyscraper, technological advances let Japanese build larger and higher buildings with more artistic outlooks.

As Japan has always made little distinction between 'fine art' and 'decorative art', as the West has done since the Renaissance, it is important to note Japan's significant and unique contributions to the fields of art in entertainment, commercial uses, and graphic design. Cartoons imported from America led to anime that at first were derived exclusively from manga stories. Today, anime abounds, and many artists and studios have risen to great fame as artists; Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer. Japan also flourishes in the fields of graphic design, commercial art (e.g. billboards, magazine advertisements), and in video game graphics and concept art.

Contemporary art in Japan

Japanese modern art takes as many forms and expresses as many different ideas as modern art in general, worldwide. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms.

Many artists do continue to paint in the traditional manner, with black ink and color on paper or silk. Some of these depict traditional subject matter in the traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, while using the traditional media. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true; some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks).

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from 

painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Performing arts

Kabuki Theater

A remarkable number of the traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use - Buddhist, Shintō, and folk - have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (sixth to seventh centuries CE), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the seventh-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh. Aesthetic concepts

Calligraphy of Bodhidharma, “Zen points directly to the human heart, see into your nature and become Buddha”, Hakuin Ekaku, 17th century

Main article: Japanese aesthetics

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident; Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically 

balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (bonsai), and ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the twelfth century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement; oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the tenth or eleventh century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen koan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Artists

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or noble samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage; female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The P.E.N. Club of Japan (P.E.N. stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Arts University in Tokyo, which produced many of Japan's late twentieth- century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains; experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ￥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train 

abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and the Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Academy of Arts, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ￥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Cultural Medal.

Private sponsorship and foundations

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts; a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.

Notes

1. ̂  metmuseum.org2. ̂  "Needless to say, the influence of Greek art on Japanese Buddhist art, via the Buddhist art of Gandhara and India, was already partly known in, for example, the comparison of the wavy drapery of the Buddha images, in what was, originally, a typical Greek style" (Katsumi Tanabe, "Alexander the Great, East-West cultural contacts from Greece to Japan", p19)

3. ̂  buddhapia.com4. ̂  [1]5. ̂  "The Japanese wind god images do not belong to a separate tradition apart from that of their Western counter-parts but share the same origins. (...) One of the characteristics of these Far Eastern wind god images is the wind bag held by this god with both hands, the origin of which can be traced back to the shawl or mantle worn by Boreas/ Oado." (Katsumi Tanabe, "Alexander the Great, East-West cultural contacts from Greece to Japan", p21)

6. ̂  "The origin of the image of Vajrapani should be explained. This deity is the protector and guide of the Buddha Sakyamuni. His image was modelled after that of Hercules. (...) The Gandharan Vajrapani was transformed in Central Asia and China and afterwards transmitted to Japan, where it exerted stylistic influences on the wrestler-like statues of the Guardina Deities (Niō)." (Katsumi Tanabe, "Alexander the Great, East-West cultural contacts from Greece to Japan", p23)

7. ̂  The transmission of the floral scroll pattern from West to East is presented in the regular exhibition of Ancient Japanese Art, at the Tokyo National Museum

Southeast Asian Art

Browse Artworks in this section »

Number of objects: close to 900 in the permanent collections, plus over 3,000 ceramic sherds and other materials in the Freer Study CollectionHistorical range: 2,200 B.C.E.–presentView collection highlights »

During his lifetime, Charles Lang Freer acquired just a handful of objects from Southeast Asia. The Freer and Sackler Galleries' Southeast Asian art collection has grown significantly in recent years, thanks largely to the contributions of Arthur M. Sackler and other collectors. The Hauge Collection of Ceramics from mainland Southeast Asia and other donations and 

acquisitions vastly enhanced our reputation regarding regional earthenware, stoneware, and imported Chinese Ceramics. What began as a few pieces of pottery has developed into a rich and expanding collection of ceramics from Vietnam, Cambodia, Thailand, Laos, and Burma, as well as Hindu and Buddhist temple sculpture in stone, bronze, and terra-cotta. 

Highlights of the collection include: 

Neolithic earthenware ceramics from northeast Thailand belonging to the Ban Chiang culture

Hindu and Buddhist temple sculpture from Cambodia and Indonesia, including an 8th-century Buddha head from Borobudur, Central Java (Indonesia)

10th–14th century glazed ceramics from the Khmer empire in Cambodia 12th–17th century glazed ceramics from north and central Vietnam 16th–19th century glazed and unglazed ceramics from northeast Thailand and Laos

Exhibitions

QUES8 WRITE A NOTE ON EUROPEAN ART?

European Art

The DIA's collection of European art is one of the largest and most distinguished in the United States. With a broad range of paintings, sculpture, and decorative arts from across Europe, the collection includes works spanning nearly all historical periods from Ancient Greece and Rome up to 1950.

The European collection was inaugurated with the gift of a group of 100 Old Master paintings from newspaper magnate James Scripps in 1889. After years of steady growth, the collection achieved international stature with the arrival of director William Valentiner in 1924. Under his direction, and with the support of numerous benefactors, an outstanding group of works from artists such as Della Robbia, Bellini, Titian, Rembrandt, Rubens, Rodin, and many others was assembled. In 1970, Robert H. Tannahill bequeathed his collection of paintings from the 1800's, which included a strong core of Impressionist and Post-Impressionist works that significantly enriched the European collection. With ongoing acquisitions, the collection continues to grow in both breadth and depth every year.A supremely gifted and versatile German artist of the Renaissance period, Albrecht Dürer (1471–1528) was born in the Franconian city of Nuremberg, one of the strongest artistic and commercial centers in Europe during the fifteenth and sixteenth centuries. He was a brilliant painter, draftsman, and writer, though his first and probably greatest artistic impact was in the medium of printmaking. Dürer apprenticed with his father, who was a goldsmith, and with the local painter Michael Wolgemut, whose workshop produced woodcut illustrations for major books and publications. An admirer of his compatriot Martin Schongauer, Dürer revolutionized printmaking, elevating it to the level of an independent art form. He expanded its tonal and dramatic range, and provided the imagery with a new conceptual foundation. By the age of thirty, Dürer had completed or begun three of his most famous series of woodcuts on religious subjects: The Apocalypse (1498; 19.73.209, 18.65.8), the Large Woodcut Passion cycle (ca. 1497–1500), and the Life of the Virgin (begun 1500). He went 

on to produce independent prints, such as the engraving Adam and Eve (1504; 19.73.1), and small, self-contained groups of images, such as the so-called Master Engravings featuring Knight, Death, and the Devil (1513; 43.106.2), Saint Jerome in His Study (1514), and Melancholia I (1514; 43.106.1), which were intended more for connoisseurs and collectors than for popular devotion. Their technical virtuosity, intellectual scope, and psychological depth were unmatched by earlier printed work.

By the age of thirty, Dürer had completed or begun three of his most famous series of woodcuts on religious subjects: The Apocalypse (1498), the Large Woodcut Passion cycle (ca. 1497–1500), and the Life of the Virgin (begun 1500).

Related

Cited Works of Art or Images (2)

Share

| More 

More than any other Northern European artist, Dürer was engaged by the artistic practices and theoretical interests of Italy. He visited the country twice, from 1494 to 1495 and again from 1505 to 1507, absorbing firsthand some of the great works of the Italian Renaissance, as well as the classical heritage and theoretical writings of the region. The influence of Venetian color and design can be seen in the Feast of the Rose Garlands altarpiece (1506; Prague, Národní Galerie), commissioned from Dürer by a German colony of merchants living in Venice. Dürer developed a new interest in the human form, as demonstrated by his nude and antique studies. Italian theoretical pursuits also resonated deeply with the artist. He wrote Four Books of Human Proportion (Vier Bücher von menschlichen Proportion), only the first of which was published during his lifetime (1528), as well as an introductory manual of geometric theory for students (Underweysung der Messung , 1525; 125.97 D932 ), which includes the first scientific treatment of perspective by a Northern European artist. 

Dürer's talent, ambition, and sharp, wide-ranging intellect earned him the attention and friendship of some of the most prominent figures in German society. He became official 

court artist to Holy Roman Emperors Maximilian I and his successor Charles V, for whom Dürer designed and helped execute a range of artistic projects. In Nuremberg, a vibrant center of humanism and one of the first to officially embrace the principles of the Reformation, Dürer had access to some of Europe's outstanding theologians and scholars, including Erasmus (19.73.120), Philipp Melanchthon, and Willibald Pirkheimer, each captured by the artist in shrewd portraits. For Nuremberg's town hall, the artist painted two panels of the Four Apostles (1526; Munich, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Alte Pinakothek), bearing texts in Martin Luther's translation that pay tribute to the city's adoption of Lutheranism. Hundreds of surviving drawings, letters, and diary entries document Dürer's travels through Italy and the Netherlands (1520–21), attesting to his insistently scientific perspective and demanding artistic judgment. 

The artist also cast a bold light on his own image through a number of striking self-portraits—drawn, painted, and printed. They reveal an increasingly successful and self-assured master, eager to assert his creative genius and inherent nobility, while still marked by a clear-eyed, often foreboding outlook. They provide us with the cumulative portrait of an extraordinary Northern European artist whose epitaph proclaimed: "Whatever was mortal in Albrecht Dürer lies beneath this mound."

Source: Albrecht Dürer (1471–1528) | Thematic Essay | Heilbrunn Timeline of Art History | The Metropolitan Museum of Art 

Art at the DIACollections

QUES 10 How to Appreciate Art ?

Note that I am not claiming that there is one correct check-list method of looking at art. I am merely suggesting ways to appreciate and experience art when visiting galleries, museums, and other art exhibitions and displays since this can sometimes

be a daunting task. Note that I am not claiming that there is one correct check-list method of looking at art. I am merely suggesting ways to appreciate and experience art when visiting galleries, museums, and other art exhibitions and displays since this can sometimes be a daunting task.

Most won’t admit it, but they don’t know what to look for so I am here to offer some advice to avoid the two second glance at a visual piece, or the desperate attempt to find clarity in the exhibition label, or the excited face posing for a photograph next to an art piece they admire. There are ways however to fulfill the primary purposes of viewing a work of art- for the pleasure of the eyes, the appreciation and enlightenment a work of art can offer.

The viewing will begin with a powerful quote by Robert Henri obtained from "The Art Spirit" in 1923:

"The man who has honesty, integrity, the love of inquiry, the desire to see beyond, is ready to appreciate good art. He needs no one to give him an art education; he is already qualified. He needs but to see pictures with his active mind, look into them for the things that belong to him, and he will find soon enough in himself an art connoisseur and an art lover of the first order."

If following his wise words, one is sure to be fully involved with the viewing of a work of art.

Most people will start by meandering or scanning through an artspace, which is perfectly normal. There is no way that anyone can view every piece for several minutes nor are they interested in everything exhibited. Scan the place to see what you are most attracted to and go to that artwork.

Then, try to understand what it is that attracted you to this piece (although beauty attracts many people and many artworks are beautiful, all art isn’t beautiful so this might not be your primary reason for liking a particular piece.)

Look up close and take steps back (circle around it if it’s an installation or sculpture that allows for engagement at more than one special perspective.) Try to understand why a certain medium was used, how it feels like physically and how that relates to the visual product. If a painting look at the brush strokes, the edges between foreground, object and background, the color transitions, where does light come from, and how do you react emotionally to the way the piece presents itself. 

If a sculpture or installation walk around it, think about the material, how it was made, how it interacts with the space it’s in, what do the shapes look like, what effect does it have on you the viewer.

After personal interaction with the piece on an emotional and raw level where only you interact according to your primary feelings, it can be helpful to contextualize. This means looking at the exhibition label, does its title reflect, change, or support the way you initially reacted to this art piece? The curators of this exhibit put a lot of care and time in creating the labels or wall panel supporting the artwork through words so it can be helpful to read what their thoughts are as well as your own. Sometimes contextualizing and knowing how the art fits in historically can understand why it was special for its time, why people thought it was so original, and you may learn a bit of art history and ideas also occurring at the time this artwork was produced.

If you really like the artwork, it can help to keep a personal analog of artists or artworks you enjoy for future reference or expansion. For instance, you may want to see upcoming exhibits from this artist to know more about their art, or read up on articles to understand more about the process and what attracted you to their art in the first place. Resources like MutualArt.com are fantastic for this type of artistic personal expansion. This can be useful for students (pretty much anyone who loves art), collectors, teachers, or dealers in the arts.

In the end, once you’ve fully enjoyed a work of art move on to the next one that attracts your interest and you will be surprised to find you may be attracted to it for completely different reasons than the last one. It’s a journey of self-discovery and visual pleasure so enjoyment is key. It’s more important to appreciate new pieces because it will be more memorable than to give essentially two seconds to every artwork in a museum simply because you feel the need to step foot on every floor. It takes patience and personal commitment, but then at least you will have found something you really like and to hold on to

How to Appreciate Art As the Viewer

I am going to suggest ways to appreciate art and experience it in a way that is honest and fair to the viewer visiting art galleries, art exhibitions, and art museums and other art displays. Being an art viewer can be very fulfilling and enjoying but it also causes unease among those who don't really know how to approach art because of all the uncertainty.

It's important to acknowledge that I'm not providing a check-list of ways of looking at art but providing a guide for more engaging art viewing. I would like to change the attitude some people have which is giving a two second glance at an artwork (although if you can't grasp the viewer's interest this is simply being selective) or trying to find meaning in the exhibition label rather than looking at the art face to face.

First I will start with a quote from Keith Haring in his Journal, October 14, 1978

"The meaning of art as it is experienced by the viewer, not the artist. The artist's ideas are not essential to the art as seen by the viewer. The viewer is an artist in the sense that he conceives a given piece of his own way that is unique to him. His own imagination determines what it is, what it means. The viewer does not have to be considered during the conception of the art, but should not be told, then, what to think or how to conceive it or what it means. There is no need for definition."

Second- scanning an artspace is perfectly normal, there is no way that anyone can view every piece for several minutes nor are they interested in everything exhibited. Scan the place to see what you are most attracted to and go to that artwork.

Third- Try to understand what it is that attracted you to this piece (although beauty attracts many people and many artworks are beautiful, all art isn't beautiful so this might not be your primary reason for liking a particular piece.)

Fourth- Look up close and take steps back (circle around it if it's an installation or sculpture that allows for engagement at more than one special perspective.) Try to understand why a certain medium was used, how it feels like physically and how that relates to the visual product. If a painting look at the brush strokes, the edges between foreground, object and background, the color transitions, where does light come from, and how do you react emotionally to the way the piece presents itself.

If a sculpture or installation walk around it, think about the material, how it was made, how it interacts with the space it's in, what do the shapes look like, what effect does it have on you the viewer.

Fifth- After personal interaction with the piece on an emotional and raw level where only you interact according to your primary feelings, it can be helpful to contextualize. This means looking at the exhibition label, does its title reflect, change, or support the way you initially reacted to this art piece? The curators of this exhibit put a lot of care and time in creating the labels or wall panel supporting the artwork through words so it can be helpful to read what their thoughts are as well as your own. Sometimes contextualizing and knowing how the art fits in historically can understand why it was special for its time, why people thought it was so original, and you may learn a bit of art history and ideas also occurring at the time this artwork was produced.

Sixth- If you really like the art work, it can help to keep a personal analog of artists or artworks you enjoy for future reference or expansion. For instance, you may want to see upcoming exhibits from this artist to know more about their art, or read up on articles to understand more about the process and what attracted you to their art in the first place. Using art information resources and art database searches are fantastic for this type of artistic personal expansion. This can be useful for students (pretty much anyone who loves art), collectors, teachers, or dealers in the arts.

Lastly, once you've fully enjoyed a work of art move on to the next one that attracts your interest and you will be surprised to find you may be attracted to it for completely different reasons than the last one. It's a journey of self-discovery and visual pleasure so enjoyment is key. It's more important to appreciate a new pieces because it will be more memorable than to give two seconds to every artwork in a museum simply because you feel the need to step foot on every floor.

I'm Kieran Shep an art consultant based in Darien, CT. I share my knowledge on art markets, art auctions, and art consulting with my readers.

If you would like more information on artists, art articles and news, and upcoming art events in your area I recommend as a useful art resour