40 Principales Pintores

1.1. Van GoghVan Gogh

2.2. DalíDalí

3.3. Romero de TorresRomero de Torres

4.4. GoyaGoya

5.5. Franço is KupkaFranço is Kupka

6.6. PicassoPicasso

7.7. El GrecoEl Greco

8.8. ChiricoChirico

9.9. CezanneCezanne

10.10. Claude le LorrainClaude le Lorrain

11. Kandinsky11. Kandinsky

12. Diego Rivera12. Diego Rivera

13. Gainsborough13. Gainsborough

14. Juan Gris14. Juan Gris

15. Miró15. Miró

16. Chagall16. Chagall

17. Klimt17. Klimt

18. Hopper18. Hopper

19. Canaletto19. Canaletto

20. Redon20. Redon

VINCENT VAN GOGH

Holanda. (1835-1890) Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia.

En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.

En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses, campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fue en esa época cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent, decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del huésped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo hasta que al fin estalla la crisis. Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con

el oído vendado en una casa de salud que protege su locura.

El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.

Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

VIDA

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1883. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 48 x 65 cm. Collection Mr. and Mrs. Paul Mellon. The National Gallery of Art. Washington. USA.

Las vistas de la campiña holandesa eran uno de los temas favoritos a la hora de decorar los hogares; Conocedor de este dato Vincent realizó varios paisajes de este tipo bajo la influencia de los paisajistas de la Escuela de la Haya, en especial de su tío Antón Mauve, con el que estudió dibujo y pintura.

En esta obra podemos apreciar como el color va introduciéndose en la obra de Van Gogh, la pincelada se obtiene a base de pequeñas manchas, la imagen está tomada con un realismo absoluto donde las nubes dan una sensación de movimiento a la obra.

Campo de tulipanes Siglo XIX. Realismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1886 Óleo sobre lienzo. 38.5 x 46 cm. Rijksmuseum Kröller-Müller. Otterlo. Holanda.

Le Moulin de la Galette se convirtió en toda una institución en el Montmartre de finales del siglo XIX, ya que era un lugar de peregrinación y culto para todos los artistas extranjeros que llegaban a París.

Van Gogh, a diferencia de otros maestros como Toulouse Lautrec, Renoir e incluso los españoles Ramón Casas y Santiago Rusiñol, no nos ofrece una visión del interior de uno de los templos parisinos del ocio, sino que muestra el edificio desde el exterior, así podemos observar como no era más que un barracón construido junto a dos viejos molinos de viento en el que las mujeres bailaban y mantenían relaciones con los hombres que allí acudían.

En este cuadro Vincent nos muestra el molino sobre un fondo azulado de nubes, creando una sensación de frío y soledad, quizás como la que sentía el pintor a su llegada a París. En cuanto a la pincelada, ésta se asemeja a la utilizada por Pissarro, empleando tonalidades oscuras herencia de la Escuela de La Haya.

Le Moulin de la Galette Siglo XIX. Realismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1890. Óleo sobre lienzo. 49.8 x 70.1 cm. The Saint Louis Art Museum. San Louis (MO).

En 1890 Van Gogh se trasladó a vivir a Auvers-sur-Oise, allí se dedica a dibujar los paisajes, jardines y casas de la zona. En pleno éxtasis creador realizó en apenas dos meses más de 80 cuadros.

En esta obra destaca la utilización de los tonos amarillo-verdosos, los trazos rápidos y expresivos, remarcando los contornos con trazos negros.

Calle y escalera en Auvers con figuras Siglo XIX. Postimpresionismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.

Van Gogh alquiló la Casa Amarilla de Arlés mientras esperaba la llegada de su amigo Gauguin, con la esperanza de convertirla en el "Estudio del Sur que sería la sede de una comunidad de pintores vanguardistas.

El cuadro es una especie de sinfonía en amarillo, el color más amado por Van Gogh en este período, símbolo del sol del sur de Francia, también utiliza el verde pálido para algunas fachadas, los árboles de los bordes de la plaza y la inclusión del toldo rosado del edificio contiguo a la casa del artista contrastando con la franja de cielo, de un azul intenso. El tono general del cuadro da la impresión de una hora del mediodía, con el sol en vertical, pero para animar la amplia escena Vincent ha introducido una serie de figuras, distribuyendo las pequeñas siluetas alrededor de los edificios. A lo lejos se ve un tren cruzando el puente ferroviario con su locomotora de humo blanco, uno de los temas preferidos de los impresionistas y repetido por Monet en muchos de sus cuadros.

La casa amarilla Siglo XIX. Postimpresionismo

VINCENT VAN GOGH

OBRA

1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

A diferencia de sus amigos Gauguin y Benard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero esto le supone un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia. Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural.

La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las pinceladas espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras que el largo tejado en punta del campanario rima con la forma del solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.

Noche estrellada Siglo XIX. Postimpresionismo

DALI - (SALVADOR DALI)

España. (1904-1989)

Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904; Pintor y escultor, es uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, es expulsado por indisciplina.

En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes.

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

Falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras.

VIDA

1922. Óleo sobre cartón. 20 x 15 cm. Propiedad particular.

Vilabeltrán Siglo XIX. Postimpresionismo


OBRA

1921. Óleo sobre lienzo. 22 x 15.6 cm. Anteriormente Colección E. y A. Reynolds Morse.

The Salvador Dalí Museum. San Petersburgo (FL).

Vista de Cadaqués desde el Mont Pani Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo


OBRA

1936. Óleo sobre madera. 46 x 66 cm. Tabla lateral. Anteriormente Colección Edward James. Museum

Boymans-van Beuningen. Rotterdam.

Afueras de la ciudad del paranoico-crítica: tarde a la orilla de la historia europea Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo dias Históricas/Fauvismo


OBRA

1970. Acuarela. Tinta y collage. 56 x 76 cm. Propiedad privada.

Amantes pacientes (Aparición de un rostro con tendencia estereoscópica en un paisaje del Ampurdán

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo


OBRA

ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)

VIDA

Nació en Córdoba en el año 1880, fue famoso por sus cuadros de mujeres.

Hijo del también pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa época.

En 1890 pinta los que sería su primera obra conocida La huerta de los MoralesJulio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos artísticos de Córdoba y España. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.

En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos.

En 1907 concurrió con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa gitana.

Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un espléndido texto de Ramón Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929, y en múltiples exposiciones individuales en nuestro país y en el extranjero.

A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro, realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita piconera.

El 10 de mayo de 1930 moría Julio Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.


VIDA

También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Múnich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las Exposiciones Nacionales. En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc.

1900. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas

Artes. Córdoba. España

Pereza Andaluza Siglo XIX. Realismo


OBRA

1900. Óleo sobre

tabla.

63 x 42 cm. La siesta

Siglo XIX. Impresionismo


OBRA

Óleo sobre lienzo. 72 x 47 cm.

Mujer asomada a la puerta del jardín Siglo XIX. Impresionismo


OBRA

GOYA - (FRANCICO DE GOYA Y LUCIENTES)

VIDA

España. (1746-1828).

Pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura de nuestro país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en gran parte de la pintura contemporánea. Goya nació en la localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de marzo de 1746.

En 1788 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos III y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara.

Sus cuadros de historia se basan en su experiencia personal de la guerra y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana. Con los cartones para tapices que realizó a finales de la década de 1780 revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había

limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. En el invierno de 1792, en una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. En 1799, publica su primera serie de grabados: "Los Caprichos", en que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.

Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses y ciudadanos españoles. Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como La familia de Carlos IV (1800, Museo del Prado), donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual.

Las célebres Pinturas Negras, fueron uno de sus últimos conjuntos pictóricos; reciben este nombre por su espantoso contenido y no tanto por su colorido. Son las obras más sobresalientes de sus últimos años.

Falleció en Burdeos en 1828.

1820- 1823. Pintura mural

pasada a lienzo. 140 x 438 cm. Museo del Prado.

Madrid. España.

La romería de San Isidro. Siglos XIX y XX. Neoclasicismo/Romanticismo

OBRA


Lienzo. 42 x 90 cm.

Museo del Prado. Madrid. España.

OBRA


La Pradera de San Isidro.Siglos XVII/ XVIII Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo

1810-1814. Óleo sobre lienzo. 33,1 x 51,5 cm. Palacio de la Zarzuela.

Madrid. España.

OBRA


Fabricación de balasSiglos XIX y XX Neoclasicismo/Romanticismo

FRANÇOIS KUPKA - (FRANTISEK KUPKA)

VIDA

Bohemia. (1871-1957)

Nacido en Bohemia en 1871, Frantisek Kupka comenzó su formación en la Escuela de Bellas Artes de Praga, donde aprendió las formas académicas de la pintura, y más tarde en la Viena del fin de siglo, entonces capital del Imperio Austrohúngaro y apasionante escenario habitado por pensadores y artistas como Sigmund Freud y Gustav Klimt. Allí, sus tempranas aspiraciones espirituales lo llevaron pronto a interesarse por el simbolismo, que defendía la búsqueda de la verdad universal, la metáfora como expresión de ideales y la introspección. Este intenso interés por lo metafísico, así como el compromiso que siempre mantuvo con sus orígenes, marcó toda su trayectoria artística, que desarrolló principalmente en París, ciudad en la que, atraído por su halo de modernidad, se instaló en 1896 y donde permaneció hasta su muerte en 1957.

1902. Acuarela y aguada sobre

cartón. 40.8 x 50.2 cm. Nàrodni Galerie. Praga.

República Checa.

La olaSiglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1909. Óleo sobre lienzo. 79 x 42 cm. Nàrodni Galerie.

Praga. República Checa.

Las teclas del pianoSiglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1906. Óleo sobre tela. 68 x 68 cm. Museé National d'Art

Moderne. París. Francia.

El árbolSiglos XIX y XX. Modernismo

OBRA


PICASSO - (PABLO RUIZ PICASSO)

VIDA

España. (1881-1973)

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, sorprendiendo a sus profesores por su rapidez e intuición: un desnudo masculino, realizado en un solo día, cuando disponía de todo un mes, le abrió las puertas. Se trasladó a Madrid, para ingresar en San Fernando, pero se escapa a Toledo para admirar y saborear a El Greco, recién descubierto. En abril de 1899 vuelve a Barcelona y se confronta a la vanguardia modernista, aquella horda de rebeldes, hedonistas y vitales, que leen a Nietzsche y escuchan a Wagner. Se llaman Rusiñol, Casas, Utrillo. Se traslada a París y elige, como maestros a Gauguin, Toulouse-Lautrec, Cézanne. Acierta al escoger su nombre de guerra (con dos eses, como Matisse, Poussin o Rousseau), y acierta al emigrar a otra patria.

La obra de Picasso fue evolucionando en el tiempo permitiendo clasificarla en periodo azul, periodo rosa y cubismo analítico y sintético. Muchos de sus últimos cuadros están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó en cientos de litografías; se interesó por la cerámica, realizando unas dos mil piezas, además de importantísimas esculturas y grabados con los que retornó a los temas primitivos: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.

Falleció el 8 de abril de 1973, sus restos fueron trasladados al castillo de Vauvenargues, al pie de la montaña Sainte-Victoire, la amada de Cézanne que asistió a su derrumbe final. Una tormenta de nieve, inesperada y anómala en aquella época del año, acompañó el entierro, como si la naturaleza, cuyo fruto tempestuoso había sido el artista, quisiera participar en el adiós.

1896. Óleo sobre lienzo. 60.7 x 82.5 cm. Museu Picasso.

Barcelona. España.

Una canteraSiglo XIX. Realismo

OBRA


1908. Óleo sobre lienzo. 73 x 61 cm. Museo del

Hermitage. San Petersburgo. Rusia.

Casita en un jardínSiglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo

OBRA


1903. Óleo sobre lienzo. 60 x 40 cm. Colección particular

El palacio de las Bellas Artes en BarcelonaSiglo XX. Vanguardias Históricas/Expresionismo

OBRA


EL GRECO - (DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS)

VIDA

Creta (1540-1614)

Domenikos Theotokopoulos, su verdadero nombre, nació en algún lugar de Creta, posiblemente en Candía, quizá un uno de octubre, fiesta de san Domenikos en el santoral griego.

En 1566 deja definitivamente su patria para instalarse en la república de Venecia, allí asimila el colorido de Tiziano, además de la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, características de Tintoretto. El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones, que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas.

A fines de 1570 viaja a Roma, recomendado al cardenal Farnesio por el miniaturista Clovio, al parecer, el cardenal se convirtió en su primer cliente. Admira en secreto y disiente en público del gran Buonarroti, coincidiendo, aunque sólo por motivos pictóricos, con el parecer de Pío V, que manda cubrir las desnudeces de la Sixtina. El Greco se sabe mejor pintor que Miguel Ángel y lo dice, atrayendo sobre sí las iras de los fanáticos. Como miembro de la Academia de San Lucas conoce a prelados españoles que le hablan, sin duda de Toledo y del posible mecenazgo de Felipe II, el rey que busca artistas para decorar El Escorial de sus retiros.

En 1577 llegó a Toledo donde rápidamente le hicieron encargos. La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Uno de los máximos exponentes de esa labor es el famoso cuadro "El caballero de la mano en el pecho" En 1586 pintó una de sus obras maestras, "El entierro del conde de Orgaz", para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. En El entierro se evidencian el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco, que habrán de acentuarse en años posteriores. Tales características pueden asociarse con el manierismo que se sigue manteniendo en la pintura del Greco aún después de desaparecer en el arte europeo. Su visión intensamente personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística similar a la que evocan las obras literarias de los místicos españoles contemporáneos, como santa Teresa de Ávila y san Juan de la Cruz.

En las obras que realizó desde la década de 1590 hasta su muerte puede apreciarse una intensidad casi febril. Los temas de la mitología clásica atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales.

Falleció en Toledo el 7 de abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo.

1596-1600. Óleo sobre lienzo. 121 x 109 cm. The Metropolitan

Museum of Art. New York. USA.

Vista de ToledoSiglo XVI. Renacimiento/Manierismo

OBRA


1570-1572. Temple y óleo sobre

tabla. 41 x 47.5 cm. Museo Histórico de

Creta. Cassa A. y M. Kalokairinos. Heraklion.

Vista del Monte SinaíSiglo XVI. Renacimiento/Manierismo

OBRA


1608-1614. Óleo sobre lienzo. 132 x 228 cm. Casa Museo del Greco.

Toledo. España.

Vista y plano de ToledoSiglo XVI. Renacimiento/Manierismo

OBRA


CHIRICO - (GIORGIO DE CHIRICO)

VIDA

Grecia. (1888-1978)

Pintor italiano de origen griego, nació en Volo, Grecia, Creó la escuela de pintura metafísica. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En 1911se instaló en París donde pintó paisajes urbanos desérticos. Estas primeras obras metafísicas evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y sombras y de una perspectiva exagerada. Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego adoptarían los. Influyó en artistas del movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de 1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió en un retratista de éxito.

1958. Óleo sobre tela. 50 x 40 cm.

Plazzo Ducale (Venecia)Siglo XX. Vanguardias

Históricas/Realismo

OBRA


1968. Óleo sobre tela. 80 x 60 cm. Colección

particular. Roma. Italia.

Baños misteriosos. Fuga hacia el marSiglo XX. Pintura Metafísica

OBRA


1971. Óleo sobre tela. 50 x 70 cm. Colección

particular. Roma. Italia.

Sol naciente sobre la plazaSiglo XX. Pintura Metafísica

OBRA


CEZANNE - (PAUL CEZANNE)

VIDA

Francia. (1839-1906)

Nació el 19 de Enero de 1839 en Aix-en-Provence, al sur de Francia, pero pronto se fue a estudiar arte a París donde se empezó a sentir atraído por la obra de Delacroix, Courbet y Manet.

Las primeras obras de Cezanne están pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros recordando el expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde, descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color.

Es considerado como el padre del arte moderno, aunque dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras.

Falleció el 22 de Octubre de 1906 en Aix-en-Provence.

1879. 58,5 x 72,5 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

El puente de MaincySiglo XIX. Impresionismo

OBRA


Aprox. 1884. Óleo sobre

lienzo. 92 x 73,7 cm. Pasadena Simon

Museum. Castaños y factoría en el Jas de Bouffan

Siglo XIX. Postimpresionismo

OBRA


1896. Óleo sobre

lienzo. 64,2 x 79,1 cm. Courtauld

Instituto de Arte. Londres. Inglaterra.

OBRA


Lake AnnecySiglo XIX. Postimpresionismo

CLAUDE LE LORRAIN - (CLAUDE GELLÉE)

VIDA

Francia. (1602-1682)

Su verdadero nombre era Claude Gellée, nació en Chamagne (Lorena) en el año 1602 y fue junto con Nicolás Poussin el iniciador del paisaje clasicista en la pintura. Fue alumno de Agostino Tassi, de quien extrajo los principios de su estilo: el paisaje y las escenas arquitectónicas sin apenas intervención de la figura humana.

En 1626/1627 se instaló definitivamente en Roma, allí entró en contacto con Poussin, en 1630 se definió en el estilo del Romanticismo, los edificios de sus cuadros nada tienen que ver con la Antigüedad romana, son mas bien palacios renacentistas que le brotaban de la imaginación y que enmarcan su tema preferido, los puertos, las acciones de embarque y desembarco en horas en que el sol apunta en la aurora o marcha al ocaso en el crepúsculo, la hora en que la luz juega en la superficie de las aguas, eso hizo que sus obras tuvieran una enorme influencia sobre Turner.

Falleció a los ochenta años en Roma y sus restos descansan sobre un bellísimo paisaje romano, muy cerca de la Villa Borghese, en la Iglesia de Santa Trinitá dei Monte.

1650. Óleo sobre

lienzo. 99,5 x 125 cm. Museo del

Hermitage. San Petersburgo. Rusia.

El Puerto de la Bahía con Apolo y la Sibila de CumasSiglos XVII/ XVIII. Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo

OBRA


1637-1639. Óleo sobre lienzo. 211 x 145 cm. Museo del Prado.

Madrid. España. Embarco en Ostia

Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo

OBRA


Colección Richard

Feiger. New York. USA.

Vista imaginaria de TívoliSiglos XVII/ XVIII. Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo

OBRA


KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)

VIDA

Rusia. (1866-1944)

Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866. Sus investigaciones sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto.

Profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos.

Sus obras las formaban conjuntos de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. Posteriormente su estilo se hace más elegante y complejo y logra, así, obras de un bellísimo equilibrio. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación, fue uno de los fundadores de la Asociación "Der Blaue Reiter (El jinete azul)" del expresionismo.

Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

1905. Témpera sobre cartón. 67,3 x 99,5 cm. Museo Nacional de Arte Moderno.

Centre Georges Pompidou. París. Francia.

Ciudad árabeSiglo XIX. Postimpresionismo

OBRA


1909. Óleo sobre lienzo. 109 x 109 cm. Städtische Galerie im

Lenbachhaus. Munich. Alemania.

MontañaSiglo XX. Vanguardias

Históricas/Expresionismo

OBRA


1903. Óleo sobre lienzo. 52 x 54 cm. Ernst Bührle

Collection. Zürich. Switzerland.

El jinete azulSiglo XX. Vanguardias


OBRA


1910. Cuadro sobre

vidrio. 30.6 x 40.3 cm. Städtische

Galerie im Lenbachhaus. Munich. Alemania.

Cuadro sobre vidrio con solSiglo XX. Vanguardias


OBRA


VIDA

Méjico. (1886-1957)

Nació en Guanajuato. Realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este siglo. Tras su estancia en España y Francia estuvo influido por las formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época. En 1921, Rivera regresó a México, donde representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance.

Fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados Unidos, donde realizó importantes obras.

Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete, con una visión muy alegre y también sensual del folclore de su país. Dibujante magistral y estupendo colorista, demostró un gran talento para estructurar sus obras.

Falleció el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de Méjico.

RIVERA - (DIEGO RIVERA)

1909. Óleo sobre lienzo. 147 x 120 cm. Museo Nacional de

Arte. MUNAL-INBA. Ciudad de México.

Casa sobre el puenteSiglo XIX. Impresionismo

OBRA


1904. Óleo sobre lienzo. Franz Mayer

Museum. Mexico City. Mexico.

La Casteñeda o el Paseo del los MeláncolicosSiglo XIX. Impresionismo

OBRA


1904. Óleo sobre lienzo. 100 x 114.6 cm. Museo-Casa de

Diego Rivera. Guanajuato.

La EraSiglo XIX. Impresionismo

OBRA


GAINSBOROUGH - (THOMAS GAINSBOROUGH)

VIDA

Inglaterra. (1727-1788)

Pintor inglés considerado como uno de los grandes maestros del retrato y del paisaje. Fue el pintor favorito de la aristocracia británica y logró una gran fortuna con sus retratos.

Realizó más de 500 obras, de las que más de 200 son retratos, que se caracterizan por la noble y refinada elegancia de las figuras, el encanto poético y los colores fríos, principalmente verdes y azules, de pincelada suelta, delgada y larga en su trazo. Sus obras están imbuidas de melancolía poética, efecto logrado a través de una luz muy tenue, clara reminiscencia de los paisajes flamencos del siglo XVII que tanto le influyeron. Gainsborough pintó también paisajes sin figuras, sobre todo bosques o campos abiertos y agrestes.

Murió el 2 de agosto de 1788 en Londres.


1768-1770. Óleo sobre

lienzo. Museo de Arte

de Filadelfia. Filadelfia. USA.

Seashore with FishermenSiglo XVIII. Barroco/Rococó

OBRA


1781-1782. Óleo sobre

lienzo. 101,9 x 127,6

cm. The National

Gallery of Art. Washington. USA.

River Landscape with Figures in a BoatSiglo XVIII. Barroco/RococóSeashore

OBRA


1747. Óleo sobre

lienzo. 145 x 155 cm. Museo de Arte

Sao Paulo. Sao Paulo. Brasil.

Bosque de CornardSiglo XVIII. Barroco/Rococó

OBRA

JUAN GRIS - (JOSÉ VICTORIANO GONZÁLEZ)

VIDA

España. (1887-1927)

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887. Desarrolló su actividad principalmente en París, siendo considerado como uno de los maestros del cubismo.

En 1906 se trasladó a París, donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, allí comenzó un periodo en el que desarrolló la técnica del "collage" (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Un ejemplo típico de su técnica de "collage" es Vasos y periódico.

Después de 1925 utilizó sobre todo el guache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias.

1916. Óleo sobre tabla. 65 x 54 cm.

El jardínSiglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo

OBRA


1911. Óleo sobre lienzo. 52.4 x 34.3 cm. The Salomon R.

Guggenheim Museum of Art. New York. EEUU. Maisons à Paris

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo

OBRA


1913. Óleo sobre lienzo. 100 x 65 cm. Courtesy The

Lefevre Gallery. Londres. Gran Bretaña. Paisaje de Ceret

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo

OBRA


MIRÓ - (JOAN MIRÓ)

VIDA

España. (1893-1983)

Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes, para mas tarde estudiar en la academia de Francesc Galí, pedagogo eminente, que aceptó las limitaciones gráficas del alumno para potenciar su agudo sentido del color. En 1919 viaja por primera vez a París. Conoce a Picasso, concluye su Autorretrato que regala al amigo. Ya instalado en la capital del Sena y de la revolución artística, libera su mundo interior conquistando una nueva heterodoxia expresiva gracias al frecuente contacto con lo más granado de la vanguardia del momento.

En 1929 contrajo matrimonio con con Pilar Huncosa en Ciutat de Mallorca, con el tiempo vendría su hija Dolores, y, en 1930 expone en París sus papiers collés que, pocos meses después, le valen la realización de decorados y figurines para los ballets de Montecarlo.

Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.

El estilo de Miró fue madurando bajo la influencia de los pintores y poetas surrealistas. Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas.

Miró también experimentó con otros medios artísticos, pero las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales.

Falleció el día de Navidad de 1983, a las tres de la tarde, en su domicilio palmesano de son Abrines.

1918. Óleo sobre lienzo. Museo Nacional

Centro de Arte Reina Sofia. Madrid. España. of Art. New York. EEUU.

Casa con palmeraSiglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo

OBRA


1919. Óleo sobre

lienzo. Colección

privada. Chicago. USA. Montroig (El olivar)

Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo

OBRA


1923-1924. Óleo sobre lienzo. 66 x 92,7 cm. Solomon R.

Guggenheim Museum. Nueva York. USA.

La tierra labradaSiglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo

OBRA


CHAGALL - (MARC CHAGALL)

VIDA

Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX.

Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de Vitebsk y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde permaneció hasta 1914.

El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo francés. Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas.

Chagall también ilustró obras literarias y terminó las pinturas que decoran uno de los techos de la Ópera de París. Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.

1954-55. Óleo sobre tela. 149.5 x 105 cm. Museum

Folkwang. Essen. El campo de MarteSiglo XX. Escuela de París

OBRA


1952-1956.

Óleo sobre lienzo.

Colección Privada. Suíza.

Vence: NightSiglo XX. Escuela de París

OBRA


1917. Óleo sobre

lienzo. 68 x 74 cm. Museo

Thyssen-Bornemisza.

La casa grisSiglo XX. Escuela de París

OBRA


KLIMT - (GUSTAV KLIMT)

VIDA

Austria. (1862-1918)

Nació en Viena en 1862 y realizó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena. Su arte, liberado del academicismo, se vió influenciado por pintores simbolistas como Böcklin, que lo marcan por sus representaciones de escenas oníricas y misteriosas, de alegorías mitológicas, y por sus visiones de una mujer de quien todos captan la naturaleza ambivalente, hecha de carne y de quimera, como si Klimt, contemporáneo de Freud, también quisiera recorrer esos nuevos territorios que son el sueño y el inconsciente.

En 1897 fundó la Secesión Vienesa, un movimiento del Art Nouveau, de la que es nombrado presidente. La consigna de sus miembros es ".... No conocemos diferencia entre el arte mayor y menor, entre el arte de los ricos y el de los pobres. El arte os pertenece.......".

En un principio se dedicó a pintar grandes murales para teatros realizados en un estilo naturalista, pero después se inclinó hacia un estilo mas decorativo y simbólico.

Falleció en 1918.

1912. Óleo sobre

lienzo. Galería

Österreichische. Viena. Austria. Avenue in the Park of Krammer Castle

Siglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1908. Óleo sobre lienzo. 102,5 x 102 cm. The National

Gallery. Praga. República Checa. Castillo sobre el agua

Siglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1907. Óleo sobre lienzo. Galería

Österreichische. Viena. Austria.

Poppy FieldSiglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


HOPPER - (EDWARD HOPPER)

VIDA

Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, estado de Nueva York. Su obra marcó un hito en la historia del realismo americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la melancolía.

A las pinturas de su primera época le siguen obras con una línea realista y muestran algunas de las características básicas que mantendría durante toda su carrera artística: composición basada en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales, horizontales y diagonales.

En 1925 pintó La casa cercana a la estación, obra clave del arte estadounidense que marca la madurez de su estilo. El modo sólido y directo de marcar formas y ángulos sobre el lienzo y la utilización resuelta de luces y sombras se mantienen dentro de la línea de su obra anterior, pero el espíritu que marcaba el tema esencial de la obra era nuevo: expresaba una atmósfera de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora. En 1931 pintó Habitación de hotel, donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hooper: el del hotel, el de la figura aislada en un interior y el del viajero.

Murió el 15 de mayo de 1967 en Nueva York.

1945. Óleo sobre lienzo. 58,4 x 76,7 cm. Norton Gallery of

Art. West Palm Beach. Florida. USA

August in the CitySiglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo

OBRA


1931. Acuarela

sobre papel. 48,5 x 70 cm. Museo

Thyssen-Bornemisza.

Árbol seco y costado de la casa LombardSiglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo

OBRA


1935. Óleo sobre

lienzo. 88,9 x 152,8

cm. The Brooklyn

Museum. Brooklyn. New York. USA.

Macomb's Dam BridgeSiglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo

OBRA


CANALETTO - (GIOVANNI ANTONIO CANAL)

VIDA

Italia. (1697-1768).

Nació el 28 de Octubre de 1697 en Venecia, en el seno de una familia arraigada en la ciudad, aunque de origen popular. Bernardo Canal, el padre, era decorador de escena. El fue quien le inició en los pinceles y quien le llevó a Roma en 1719 cuando fue a realizar la escenografía de unas óperas. Quizá fue Roma la que despertó en Canaletto su característico estilo de vedutista naturalista: plasmar en el cuadro con toda fidelidad lo visto por los ojos y lo corregido por la inteligencia con afán de "fotografiar" la realidad.

En 1720 regresó de nuevo a Venecia, dedicado a describir pictóricamente con todo pormenor lo que ve. Pinta para vender sus obras al turista extranjero, atraído por la magia de Venecia, deseoso de llevarse un recuerdo y un testimonio de la visita. Para aumentar la productividad y satisfacer las exigencias de su marchante Joseph Smith, solicita la ayuda de colaboradores, entre ellos su sobrino, Bernardo Belloto, que copiará e imitará a su tío. Canaletto pinta de acuerdo con los gustos de su público ya tocado por el morbo del racionalismo y de la pseudoobjetividad científica. Incluso llega a utilizar el método de la cámara oscura para no olvidar ningún detalle y conservar la exacta perspectiva.

En 1746, en busca de nuevos horizontes, se va a Londres, donde ya estaban Tiepolo y Belloto, el resultado es decepcionante, sus trabajos no muestran la misma calidad que los que realizara en Venecia o en otras partes de Italia.

Dos años después regresa a Venecia, consigue su ingreso en la Academia veneciana en 1763, pero algo se ha apagado en el alma del pintor que no vibra ante la amada traicionada.

El 20 de abril de 1768 moría entre canales y palacios. Sus restos descansan en Venecia y la mayoría de sus obras en la Royal Collection británica.

1765. Óleo sobre

lienzo. 131 x 93 cm. Galería de la

Academia. Florencia. Italia. Capriccio-A Colonnade Opening onto the

Courtyard of a PalaceSiglo XVIII. Barroco/Rococó

OBRA


1730. Óleo sobre

lienzo. 47 x 80 cm.

Galería de Arte de la Abadía de Woburn. Massachussetts. USA .

El Gran Canal entre el palacio Bembo y el Palacio Vendramin

Siglo XVIII. Barroco/Rococó

OBRA


1730. Óleo sobre lienzo. 172 x 135 cm. Colección Real del

castillo de Windsor. Windsor. Inglaterra.

La Piazzetta hacia la Torre del RelojSiglo XVIII. Barroco/Rococó

OBRA


REDON - (ODILON REDON)

VIDA

Francia.(1840-1916)

Nació en Burdeos en el año 1840, a los siete años realizó una visita al museo del Louvre, de la cual salió tan impresionado que decidió convertirse en artista. En busca de su medio de expresión comienza estudiando acuarela en Burdeos. Conoce entonces a un botánico que le inspira un gran amor hacia la naturaleza, que ya nunca le abandonará. En 1857 comienza sus estudios de arquitectura y escultura en su ciudad natal. Al año siguiente se inicia en la técnica del aguafuerte. En 1870 se instala en Montparnasse y se vincula estrechamente a Corot, Courbet y, sobre todo, a Fantin-Latour que, presintiendo su camino, le conduce al Louvre y le da las primeras lecciones de litografía.

En 1880 se casa con Camille Fargue, con quien formará una idílica pareja y un apacible hogar que verá nacer a dos hijos. Redon, intimista, introvertido, plasma lo que convive con su intimidad: los jarrones que soportan espléndidos ramos de flores, las imágenes que surgen de sus sueños, visiones y pesadillas, siguiendo la ruta de Füssli y Blake.

Participó en la última exposición impresionista de 1886. Con todo, permaneció desconocido buena parte de su vida, hasta que en 1899 uno de sus admiradores organizó una exposición-homenaje al pintor. Fue entonces cuando la crítica le alabó y le consagró oficialmente.

Buscando un mayor contacto con la naturaleza, Redon se instaló en Bièvres, cerca de París, inmerso en su intimidad personal y familiar, consagrado a su contemplación, a sus sueños, a su honda meditación en torno a lo sencillo y lo fantástico, hasta su muerte en 1916.

Óleo sobre lienzo. 26,5 x 37,5 cm. Museo de Orsay.

París. Francia.

Breton PortSiglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


Óleo sobre tela. 72.5 x 53 cm. The Museum of

Modern Art. Nueva York. Estados Unidos.

MariposasSiglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


1906-1907. Óleo sobre lienzo. 54 x 73 cm.

Colección Privada.

Red Boat with Blue SailSiglos XIX y XX. Simbolismo

OBRA


40 Principales Pintores

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