NATIONAL GALLERY OF ART

WASHINGTONPintura española e italiana

PINTURA ESPAÑOLA

La limpieza del templo de Cristo. El Greco (Doménikos Theotokópoulos). Óleo sobre tabla. 65,4 x 83,2 cm. Antes de 1570.

La Virgen y el Niño con Santa Martina y Santa Inés. El Greco (Doménikos Theotokópoulos). Óleo sobre lienzo. 193,5 x 103 cm. 1597-1599.

La Virgen y el Niño están enmarcados por ángeles y nubes. A continuación se presentan dos santas. Santa Inés, a la derecha, tiene el cordero con el que se apareció después de su muerte a los fieles reunidos en torno a su tumba. A su lado, de pie, junto a un león en el que El Greco pintó sus iniciales griegas, está probablemente santa Martina. Su nombre es la forma femenina de la del fundador de la Capilla de san José de Toledo, Martín Ramírez. También es posible, sin embargo, que sea Santa Tecla, que se apareció a San Martín en visiones.

Laocoonte.El Greco (Doménikos Theotokópoulos). Óleo sobre lienzo. 137,5 x 172,5 cm. 1610-1614.

Es una de las pocas obras mitológicas de El Greco. Él era eminentemente un pintor religioso. Aquí representa la historia y el castigo de Laocoonte , sacerdote de Troya, y sus dos hijos a manos del dios Poseidón. Para obtener la impresión de violencia, el pintor aplica fuertes escorzos. Al fondo de la escena podemos apreciar un paisaje de Toledo, y no de Troya como se creía.

San Martín y el mendigo. El Greco (Doménikos Theotokópoulos). Óleo sobre lienzo. 193,5 x 103 cm. 1597-1599.

Martín, soldado romano en Francia, cortó su capa en dos para compartirla con un mendigo que encontró. Cristo se le apareció más adelante en sueños a Martin revestido de la capa improvisada y diciendo: "Lo que has hecho por el hombre pobre, lo has hecho por mí”. Martin fue bautizado entonces y dedicó su vida al cristianismo.

Este cuadro junto con el de La Virgen con el Niño, Santa Inés y Santa Martina, estuvieron en el retablo lateral de la Capilla de San José de Toledo hasta que fueron adquiridos por la National Gallery de Washington a comienzos del siglo XX.

La Sagrada Familia con santa Ana y el Niño Juan el Bautista. El Greco (Doménikos Theotoópoulos). Óleo sobre lienzo. 53,2 x 34,4 cm. 1595-1600.

En este cuadro de El Greco experimentó con la figura de san José, pintándolo con mayor edad que en otras versiones. Esto refleja el debate en la iglesia española de la edad de José en el momento de su matrimonio con la Virgen.

Esta escena, en la que la madre de la Virgen, Santa Ana, y el niño Juan el Bautista admiran el sueño de Jesús, no se describe en la Biblia.

El complejo simbolismo de la Sagrada Familia sugiere la eventual muerte y resurrección de Cristo, insinuado por el sueño profundo del niño y por la forma en que está en el regazo de su madre. Esta postura, conocida en italiano como la Pietà (lástima), es la más utilizada para mostrar la Virgen con el cuerpo de su hijo después de su crucifixión.

San Ildefonso. El Greco (Doménikos Theotokópoulos). Óleo sobre lienzo. 112 x 65,8 cm. 1603-1614.

San Ildefonso, un arzobispo del siglo VII, sentado en su oratorio de la Catedral de Toledo interrumpe la escritura para contemplar devotamente una estatua de la Virgen, quizá buscando su inspiración. Probablemente se trate de la Virgen de la Caridad de Illescas.

Brillantes colores y tonos blancos amplifican la intensidad emocional de Ildefonso. El pintor francés del siglo XIX, Jean-François Millet, era dueño de la pintura y la tenía colgada sobre su cama. Comentó acerca de ella: "se necesitaría un gran corazón para hacer un trabajo así.“

Millet y más tarde Edgar Degas (que compró San Ildefonso a Millet) fueron en gran parte responsables del resurgimiento del interés por el arte de El Greco.

San Jerónimo penitente. El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Óleo sobre lienzo. 168 x 110,5 cm. 1610-1614.

Este San Jerónimo es una de las imágenes más sugerentes de los últimos años de El Greco. Aparece de cuerpo entero, ocultando su desnudez con un escueto paño de pureza, en el interior de una cueva. Arrodillado, sujeta un libro con su mano izquierda mientras eleva la mirada hacia Dios. En la mano derecha porta la piedra con la que se golpean los penitentes. La figura se recorta sobre el fondo oscuro de la cueva, mientras que en la zona superior izquierda observamos un brillo luminoso. Destaca la delgadez de la figura, llena de nervio y vitalidad a pesar de aparentar una edad avanzada. Su rostro es una muestra indiscutible de la espiritualidad de sus imágenes. La escena está sin concluir, apreciándose el abocetamiento en la zona de la izquierda, en el libro y las rocas, mientras la pierna izquierda está sólo dibujada.

Bodegón con dulces y cerámica. Juan van der Hamen y León. Óleo sobre lienzo. 84,5 x 112,7 cm. 1627.

El martirio de san Bartolomé. José de Ribera. Óleo sobre lienzo.104 x 113 cm. 1634.

Santa Lucía. Francisco de Zurbarán. Óleo sobre lienzo. 105 x 77 cm. 1625-1630.

Santa Lucía fue una mártir de la iglesia católica en tiempos del emperador Diocleciano. Murió en Siracusa, decapitada por negarse a abandonar su fe cristiana. Es la patrona de la vista debido a una leyenda que cuenta que durante los tormentos a que fue sometida en su juicio, le quitaron los ojos, pero ella siguió viendo.

En la pintura porta una pequeña bandeja con sus propios ojos.

San Jerónimo con Santa Paula y Santa Eustaquia. Taller de Francisco de Zurbarán. Óleo sobre lienzo. 245,7 x 173,5 cm. 1640-1650.

Este trabajo se basa en una fórmula utilizada por Zurbarán para una serie de cuadros que pintó a finales de 1630 para el Monasterio Jerónimo de Guadalupe (Cáceres).

Existe una amplia reelaboración en los contornos de las figuras, probablemente una indicación de que, si bien Zurbarán estableció la composición, la pintura real se llevó a cabo por los asistentes. La túnica de Paula, por ejemplo, carece de volumen a medida que cae al suelo. Su expresión pétrea y el pulgar torpe también sugieren la mano de un asistente.

La modista. Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo. 74 x 60 cm. 1640-1650.

El cuadro representa una media figura de mujer joven, en posición levemente ladeada, con amplio escote y pañoleta sobre los hombros, con la cabeza en escorzo concentrada en las labores de costura. Unos toques blancos en torno al cuello, destinados a dibujar en ellos un collar, parecen indicar que no se trata de una obrera, sino de una dama de cierta posición social. El moño recogido con una cinta roja da un toque de ligero color a los verdes grisáceos, pardos y blancos dominantes.

El artista utiliza una luz suave y profunda, translúcida, para revelar cada plano de la cara, para esculpir el pecho hinchado y sugerir los movimientos repetitivos de la mano.

El Papa Inocencio X. Círculo de Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo. 49,2 x 41,3 cm 1650.

Dos mujeres en una ventana. Bartolomé Esteban Murillo. Óleo sobre lienzo. 125,1 x 104,5 cm. 1655-1660.

Puede parecer una escena inocente: una mujer joven mirando desde su ventana mientras su acompañante intenta ahogar una risa con su chal.

Pero sigue siendo un enigma esta pintura.Hay autores que piensan que se trata de dos mujeres gallegas que alcanzaron cierta notoriedad en Sevilla como prostitutas.

En el siglo XVII no estaba bien visto que las mujeres honradas se asomasen con descaro a las ventanas. El refranero del Siglo de Oro se encuentra plagado de expresiones que aluden a la dudosa moralidad de estas mujeres, por ejemplo: “Moza que se asoma a la ventana cada rato, quiérese vender barato”.

El Regreso del Hijo Pródigo. Bartolomé Esteban Murillo. Óleo sobre lienzo. 236 x 262 cm. 1668.

El cuadro fue pintado para la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla. Murillo pintó entre 1666 y 1670 «seis jeroglíficos que explican seis de las obras de Misericordia» para la nueva iglesia que, impulsada por Miguel de Mañara, construyó la Hermandad de la Caridad en la que el pintor había ingresado en 1665.

Cuatro de ellos fueron robados por el mariscal Soult durante la guerra de la Independencia.

María Teresa de Borbón y Vallabriga, después Condesa de Chinchón. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 134,5 x 117,5 cm. 1783.En la parte inferior izquierda, se lee: "La señorita Doña Teresa, hija del Infante Serenísimo, Don Luis, a la edad de dos años y nueve meses”.Teresa se casó con Manuel Godoy, el primer ministro de Carlos IV.

La Marquesa de Pontejos. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 210,3 x 127 cm. 1786.

Doña María Ana de Pontejos y Sandoval sostiene delicadamente un clavel rosa, símbolo del amor.

En 1786, a la edad de veinticuatro años, contrajo matrimonio con el hermano

del Conde de Floridablanca, el Primer ministro de Carlos III. En aquella época, su esposo era embajador en Portugal.

El perrillo de la marquesa, con sus cintas y cascabeles, está a tono con la envarada y artificiosa postura de su ama.

El aparatoso peinado, el sombrero de paja y el traje adornado deflores recuerdan a María Antonieta.

Señora joven que lleva una mantilla y basquiña. Francisco de Goya. Óleo cobre lienzo. 109,5 x 77,5 cm. 1800-1805.

Todavía hoy no se conoce bien la identidad de esta mujer representada de tres cuartos sobre fondo neutro. Para unos La mujer del librero; para otros La librera de la calle de las Fuentes. Hoy parece imponerse la denominación de Señora con mantilla y basquiña.Va vestida con mantilla de encaje blanco que le cubre la cabeza dejando al descubierto parte del pelo rizado que le cae sobre la frente. La basquiña es una falda usada por las damas de la época.Lleva los brazos enfundados en unos guantes largos de color claro que le aportan elegancia.Con la mano izquierda sujeta un abanico cerrado. Con la derecha se recoge la mantilla a la altura del pecho. Decora el cuello con un collar.

Don Antonio Noriega. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 102,6 x 80,9 cm. 1801.

Como era costumbre en los retratos oficiales, Goya representó a Antonio Noriega en su despacho. Con gesto indolente, con la mano derecha dentro del chaleco desabrochado y el lazo azul y blanco de la Orden de Carlos III. El retrato pudiera haberse encargado para celebrar su nombramiento como Caballero en 1801.

En 1800 es nombrado por Godoy tesorero real, cargo que ocupará hasta 1808. Ese mismo año, cuando huía de los invasores napoleónicos, Don Antonio fue asesinado por unos españoles que creían, equivocadamente, que había colaborado con los franceses.

Bartolomé Sureda y Miserol. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 119,7 x 79,3 cm. 1803-1804.

Sureda estuvo en Inglaterra desde 1793 a 1796 donde estudió la industria fabril y el arte del grabado. A su regreso a España, instruyó a Goya en la nueva técnica del grabado a la acuatinta.

En 1804, cuando contaba treinta y cinco años de edad, Sureda se hizo cargo de la prestigiosa Real Fábrica de Porcelanas del Buen Retiro.

Teresa Luisa de Sureda. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 119 x 79 cm. 1804-1806.

Thérèse Louise Chapronde Saint Amand conoció a suesposo, el español Bartolomé Sureda, cuando éste se encontraba en París estudiando las industria textil y de porcelana.

Thérèse se mantiene erguida, en actitud circunspecta, sin apoyar la espalda en el respaldo de la silla. Con los codos pegados al torso, presenta una figura compacta, aprisionada en un contorno rígido. El retrato gemelo de su esposo, en esta misma sala, muestra en cambio a un Bartolomé mucho más desenvuelto, con el cuerpo inclinado hacia un lado y los brazos en jarras.

Señora Sabasa García. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 71 x 58 cm. 1806-1811. Conocida por sus amigos como "Sabasa," María García Pérez de Castro era la sobrina de Evaristo Pérez de Castro, ministro de Asuntos Exteriores de España y uno de los principales mecenas de Goya.

Victor Guye. Francisco de Goya. Óleo sobre lienzo. 103,5 x 84,5 cm. 1810.

Sobrino de uno de los principales generales franceses en España, el joven Víctor Guye viste el uniforme de la Orden de Pajes de José Bonaparte, hermano de Napoleón que había sido nombrado rey de España.Destacan los destellos dorados de los entorchados del uniforme.

La corrida de toros. Eugenio Lucas Villamil. Óleo sobre lienzo. 73,9 x 109,9 cm. 1890-1900.

La Tragedia. También titulado "Miserables delante del mar".Pablo Picasso.Óleo sobre madera. 105 x 69 cm. 1903.

El cuadro ha sido examinado en el estudio de conservación del Museo; tras los análisis, el Museo publicó en su web con el título "Metamorfosis de un cuadro" los resultados del estudio, gracias al cual se ha conocido que fue reutilizado al menos en cuatro ocasiones: en 1899 sirvió de soporte a rápidos trazos y dibujos; en 1901 fue una plaza de toros; en 1902 Picasso lo reutilizó para pintar unos bocetos similares al cuadro "El Arrastre", y en 1903 se cubrió el resto de las imágenes por las tres figuras que componen el cuadro "La Tragedia" característico de su época azul.

Se respira la melancolía, la miseria, la desgracia, todo ello centrado en la familia que aporta todavía mayor dramatismo. Los colores azules y formas alargadas contribuyen a la frialdad que transmite.

Familia de saltibamquis. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo. 213 x 240 cm.1905.

A pesar de utilizar una paleta clara de colores cálidos (período rosa, 1904-1907), los personajes no muestran felicidad alguna. Sus miradas se dirigen a puntos diversos del espacio, sin establecer comunicación entre ellos. Están juntos, son una familia, pero hay mucha distancia sentimental entre los miembros, distancia que pasa del plano psíquico al físico en la figura de la derecha.

Mujer desnuda. Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo. 1910.

Mujer desnuda cuestiona el prototipo académico de la pintura de figuras. La obra presenta contornos crudos y modulaciones graduales de color junto con un nivel de unidad. Sin embargo, se trata de una unidad que desafía completamente los modos convencionales de orden con respecto al cuerpo. En esencia, Picasso utiliza “Mujer desnuda” para expresar cómo los descubrimientos científicos han cambiado la realidad.Justo el año que pintó el cuadro nacieron los Rayos X que destruyeron la imagen ilusionista del cuerpo humano…

La granja. Joan Miró. Óleo sobre lienzo. 1921-1922.

PINTURA ITALIANA

Madonna y el Niño. Giovanni Bellini. Óleo sobre tabla. 1480-1485.

Madonna y el Niño. Bartolomeo Montagna. Óleo sobre tabla. 1490.

La adoración de los Magos. Sandro Botticelli. Témpera y óleo sobre tabla. 68 x 102 cm. 1478-1482.

La Virgen adorando al Niño. Sandro Botticelli. Temple sobre tabla. Diámetro: 58,9 cm. 1480-1490.

Giuliano de Medici. Sandro Botticelli. Temple sobre tabla. 75,5 x 52,5 cm. 1476-1480.

Virgen y Niño con ángeles. Sandro Botticelli. Óleo sobre tabla. 86,7 x 57,8 cm. 1465-1470.

Madonna y el Niño. Sandro Botticelli. Temple sobre tabla. 74,5 x 54,5 cm. 1470.

Ginevra de Benci. Leonardo da Vinci. Óleo sobre tabla. 38,8 x 36,7 cm. 1474-1478.

La pose de la muchacha marca un tipo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos. Ella está levemente estilizada, de tres cuartos y vista de medio plano, del que se supone que faltan las manos sobre el pecho.

La modelo posee una expresividad poco frecuente, con un rostro serio y penetrante, que impone su presencia psicológica en el mundo del espectador. Es una anticipación de la Gioconda. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven. Se trata de la hija de un amigo.

Retrato de un joven. Sandro Botticelli. Templesobre tabla. 41 x 31 cm. 1482-1485.

Retrato de un hombre. Andrea del Castagno. Temple sobre tabla. 54 x 40 cm. 1450.

Retrato de un joven. Filippino Lippi. Óleo y temple sobre tabla. 52,1 x 36,5 cm. 1485.

Retrato de Lorenzo di Credi. Pietro Perugino. Óleo sobre tabla. 44 x 30,5 cm. 1488.

Virgen y el Niño. Círculo de Andrea Mantegna. Óleo sobre lienzo.1505-1510.

Virgen y el Niño. Fra Filippo Lippi. Temple sobre tabla. 1440.

Madonna y el Niño. Pietro Perugino. Oleo sobre tabla. 1500.

La pequeña Madona Cowper. Raphael. Óleo sobre tabla. 60 x 45 cm. 1505.

La Crucifixión con la Virgen, San Juan, San Jerónimo y Santa María Magdalena. “Tríptico Galitzin”, Pietro Perugino. Óleo sobre tabla. 1482-1485.

Madonna Cowper Niccolini grande. Raphael. Óleo sobre tabla. 80,7 cm × 57,5 cm. 1508.

Madonna de Alba. Raphael. Óleo sobre lienzo. 1510.

Retrato de Bindo Altoviti. Raphael. Óleo sobre tabla. 60 x 44 cm. 1515.

La recolección del maná. Francesco Bacchiacca.Óleo sobre tabla. 1540-1555.

San Jorge y el dragón. Raphael. Óleo sobre tabla. 1506. La Virgen del clavel. Bernardino Luini. Óleo sobre tabla. 1515.

Retrato de una mujer joven como virgen prudente. Sebastiano del Piombo. Óleo sobre madera. 1510.

Elías alimentado por el cuervo. Giovanni Girolamo Savoldo. Óleo sobre tabla. 1510.

Un concierto. Cariani. Óleo sobre lienzo. 92 x 130 cm. 1518-1520.

El cardenal Bandinello Sauli, su secretario y dos geógrafos. Sebastiano del Piombo. Óleo sobre tabla. 1516.

Circe y sus amantes en un paisaje. Dossso Dossi. Óleo sobre lienzo. 100,8 x 136,1 cm. 1525.

El festín de los dioses. Giovanni Bellini y Tiziano. Óleo sobre lienzo. 170 x 188 cm.1514-1529.

Fue pintado por encargo de Alfonso I, el duque de Ferrara, para su camerino d'alabastro en el Castillo de los Este, Ferrara. A la muerte de Bellini en 1516, Tiziano modificó el paisaje a la izquierda para que hiciera juego con su obra La Bacanal, también en el camerino de Alfonso I.

Detalles.

En primer término se ve a los dioses del Olimpo dándose un festín. La escena representa juntos dos episodios de la obra de Ovidio Fastos. Príapo, dios de la virilidad, está intentando seducir a la ninfa durmiente Lotis, pero se lo impide el rebuzno del asno de Sileno. Alrededor se encuentran los dioses borrachos: Júpiter tiene un águila cerca de él, Poseidón está acariciando a Cibeles y Ceres, mientras Hermes está lánguidamente estirado sobre un tonel. El chico con hojas de parra en la cabeza es una representación inusualmente joven del dios Baco.

Principales figuras de izquierda a derecha: Sileno, dios de los montes, junto a su burro.Baco, dios niño del vino, coronado con hojas de parra. Fauno o Silvano, dios de las selvas, con una corona de hojas de pino.Mercurio, el mensajero de los dioses con su caduceo o varilla de heraldo. Júpiter, rey de los dioses, acompañado por un águila.Una diosa no identificada, con un membrillo en la mano, fruta que en el mundo antiguo se asociaba con el matrimonio.Pan, sátiro, con una corona de uvas, tocando su flauta.Neptuno, dios del mar, sentado al lado de su tridente.Ceres, diosa de la agricultura, con una corona de trigo. Apolo, dios del Sol y de las Artes, coronado con laurel.Príapo, dios de la virilidad.Lotis, una de las náyades, ninfas de agua dulce, que representan la castidad. A estas deidades les sirven tres náyades, ninfas de los ríos, lagos y fuentes, y tres sátiros, pobladores de los bosques, representados con patas de macho cabrío.

Eneas y Acates en la costa de Libia. Dosso Dossi. Óleo sobre lienzo. 58,7 x 87,6 cm. 1520.

Giovanni Borgherini y su tutor. Giorgione Giorgione. Óleo sobre lienzo. 47 x 60,7 cm.

Retrato de un caballero de Venecia. Giorgione y Tiziano. Óleo sobre lienzo. 1510.

Niño Baco. Giovanni Bellini. Óleo sobre tabla. 1505-1510.

Venus. Bernardino Luini. Óleo sobre tabla. 106,7 x 135,9 cm. 1530.

Eleonora di Toledo. Agnolo Bronzino. Óleo sobre tabla. 86,4 x 65,1 cm. 1560.

La caridad. Andrea del Sarto. Óleo sobre tabla. 119,5 x 92,5 cm. Antes de1530.

La Sagrada Familia. Agnolo Bronzino. Óleo sobre tabla. 1527-1528.

Una mujer joven y su hijo. Agnolo Bronzino. Óleo sobre tabla. 1540.

Retrato de una dama. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 1555.

Venus con un espejo. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 1555.

Venus y Adonis. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 106,8 x 136 cm.1560.

Un caballero adorando a la Virgen. Juan Bautista Moroni. Óleo sobre lienzo. 59,7 x 64,8 cm. 1560.

San Juan Evangelista en Patmos. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 237,6 x 263 cm.1547.

El evangelista aparece en una postura muy escorzada, acompañado de su símbolo -el águila- dirigiendo su atenta mirada hacia el cielo donde se manifiesta la visión, con Dios Padre, rodeado de querubines, entre nubes.

El cardenal Pietro Bembo. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 1540.

Ranuccio Farnese. Tiziano. Óleo sobre lienzo. 1542.

Retrato de un hombre como San Jorge. Jacopo Tintoretto. Óleo sobre lienzo. 1540-1550.

El procurador de San Marcos. Jacopo Tintoretto. Óleo sobre lienzo. 1575-1585

Susana. Jacopo Tintoretto. Óleo sobre lienzo. 150,2 x 102,6 cm. 1575.

Retrato de una mujer joven. Giuliano Bugiardini. Óleo sobre lienzo. 1525.

Rebeca en el pozo. Veronese. Óleo sobre lienzo. 145,5 x 282,7 cm. 1580-1585.

El martirio y la última comunión de Santa Lucía. Veronese. Óleo sobre lienzo. 140 x 173 cm.1582.

La pesca milagrosa. Jacopo Bassano. Óleo sobre lienzo. 1545.

El tocador de Venus. Annibale Carracci. Óleo sobre tabla. 1590-1595.

Paisaje con río. Annibale Carracci. Óleo sobre lienzo. 88,3 x 148,1 cm. 1590.

Amnón y Tamar. Giovanni Francesco Barbieri, llamado il Guercino. Óleo sobre lienzo. 123 x 158,5 cm. 1649-1650.

José con la mujer de Putifar. Guercino. Óleo sobre lienzo. 123,2 x 158 cm. 1649.

Cardinal Francesco Cennini. Il Guercino. Óleo sobre lienzo. 117,4 x 96,2 cm. 1625.

Madonna del jilguero. Giovanni Battista Tiepolo. Óleo sobre lienzo. 1767-1770.

La reina de Palmira, Zenobia, dirigiéndose a sus soldados. Giovanni Battista Tiepolo. Óleo sobre lienzo. 261,4 x 365,8 cm. 1725-1730.

Diana y Endimión. Luca Giordano. Óleo sobre lienzo. 149,2 x 1,64 cm. 1675-1680.

Endimión, pastor de gran belleza, había inspirado un profundo amor a Diana. Zeus le prometió, a petición de Diana, concederle la realización de un deseo y el pastor escogió el de dormirse en sueño eterno. Durante ese sueño, todas las noches, Diana se acostaba dulcemente junto a su amado.

Santa Cecilia y un ángel. Orazio Gentileschi. Óleo sobre lienzo. 87,5 x 108 cm. 1617-1618.

El desmayo. Pietro Longhi. Óleo sobre lienzo. 50 x 61,7 cm. 1744. Tarquino and Lucretia. Giuseppe Maria Crespi.

Óleo sobre lienzo. 195 x 1715 cm. 1695-1700.

Una joven durmiendo. Pietro Rotari. Óleo sobre lienzo. 1760-1762.

Una joven con una flor en el pelo. Pietro Rotari. Óleo sobre lienzo. 1760-1762.

La presentación “THE NATIONAL GALLERY OF ART. WASHINGTON. II. PINTURA ESPAÑOLA, ITALIANA Y FRANCESA” tiene únicamente una finalidad educativa y cultural que es la de dar a conocer y difundir el Museo

así como una parte de la enorme riqueza artística que contiene. Presentación sin ánimo de lucro.

FUENTE: Página oficial del Museo: http://www.nga.gov/

IMÁGENES: Cortesía de The National Gallery of Art. Washington. Mi agradecimiento y reconocimiento a sus autores.

MÚSICA: “Malagueña”. Isaac Albéniz.

REALIZACIÓN: Emilio Fernández. eferna@telefonica.net

http://www.slideshare.net/efeferna

“THE NATIONAL GALLERY OF ART. WASHINGTON. PINTURA ESPAÑOLA E ITALIANA 2” es una presentación sin ánimo de lucro. Solamente tiene una finalidad educativa y cultural.

FUENTE: Página oficial del Museo: http://www.nga.gov/

IMÁGENES: Cortesía de The National Gallery of Art. Washington. Mi agradecimiento y reconocimiento a sus autores.

MÚSICA: “Malagueña”. Isaac Albéniz.

REALIZACIÓN: Emilio Fernández. eferna@telefonica.net

f i nNational Gallerty of Art. Washington.

mayo 2013